Artistas rusos contemporáneos: Semyon Faibisovich. Artistas rusos contemporáneos: Semyon Faibisovich A menudo dices que vas por tu propio camino

Semyon Faibisovich (nacido en 1949) es uno de los artistas hiperrealistas rusos contemporáneos más importantes. A él mismo, sin embargo, no le gusta cuando se le refiere en esta dirección. De hecho, si los hiperrealistas o fotorrealistas, como también se les llama, luchan por la transferencia real más precisa, la elaboración de los detalles del objeto representado.

Fotorrealista Sergey Ossovsky. Casa con columnas rosas. De la colección de la galería Aidan Salakhova.

Para Semyon Faibisovich, que ha aparecido en la escena artística de Moscú desde principios de los 80, lo principal es el contexto social. No es casualidad que Faibisovich no solo sea un artista, sino también un escritor. Por tanto, sus obras son mucho más, si se quiere, "literarias", llenas de dramatismo interior. Sin palabras, nos cuenta una historia sobre la vida privada y personal de sus personajes, revelando su mundo interior, prestando atención a ellos mismos y sus problemas.

Sus obras de la época de los 80 constituyen una auténtica crónica de esta época. Transmiten moral general: tensión, fatiga, incertidumbre. la gente común esa vez, ciudadanos comunes de la URSS durante la perestroika.

Semyon Faibisovich. Serie de trenes eléctricos. 1985 año

Retrato de Lev Rubenstein.

Serie de autobuses regulares

En los años 90, el contexto social no desaparece de la obra de Faibisovich, pero aparecen en él acentos algo diferentes. La vida es cada vez más agitada, todos buscan su lugar en este nueva Rusia... Alguien permanece al costado del camino, desapercibido para el resto de la gente. Aparecen nuevos estándares en la vida, una nueva comprensión del éxito, la belleza y la felicidad.

Biografía detallada

Exposiciones personales:

• Moscú es mía. Museo de la ciudad de Moscú. Moscú, Rusia
• Visión residual. Espacio VLADEY. Moscú, Rusia

• Mi patio. Galería Regina. Moscú, Rusia

• Tres en uno. IV Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú. Proyecto Especial. Octubre Rojo. Moscú, Rusia

• Obvio. Museo de Moscú arte contemporáneo... Moscú, Rusia

• Dar un paseo. Galería Ikon. Birmingham, Inglaterra

• Vuelve. Galería REGINA. Moscú, Rusia

• Valores devueltos 2. Pintura. Galería REGINA. Moscú, Rusia

• Pintura y gráficos tempranos dentro del proyecto de galería Archiving of the Present. Galería Krokin. Moscú, Rusia

• Valores devueltos. Cuadro. Galería REGINA. Moscú, Rusia
• Todo tiene su tiempo, todo tiene su lugar ... Instalación basada en fotos. Museo y Centro Comunitario Andrey Sakharov. Moscú, Rusia
• Nudo bajo los pinos. Sesión doble. Instalación de video. "Galería de TV". Moscú, Rusia

• Todo cazador quiere saber ... Instalación de fotos. "Galería XL". Moscú, Rusia
• Los vivos y los muertos (recuerdo de verano). Instalación de video foto. Galería Marat Guelman. Moscú, Rusia

• Nuestra pelusa. La foto. Centro Zverev de Arte Contemporáneo. Moscú, Rusia

• El frío sale por la puerta. Pintura, instalación. "Galería en L". Moscú, Rusia

• Aniversario de despedida (junto con B. Orlov). Galería REGINA. Moscú, Rusia

• Crónica de la actualidad. Pintoresca instalación. Galería Yakut. Moscú, Rusia

• Obvio. Galería REGINA. Moscú, Rusia

• La última demostración. Pintoresca instalación. Galería REGINA. Moscú, Rusia

• Galerie Inge Baecker. Colonia, Alemania

• "Primera Galería". Moscú, Rusia

• Galería Phyllis Kind. Chicago, Estados Unidos

• Galería Phyllis Kind. Nueva York, Estados Unidos

Exposiciones colectivas (seleccionadas):

• Borscht y champagne. Obras seleccionadas de la colección de Vladimir Ovcharenko. Museo de Arte Moderno de Moscú. Moscú, Rusia

• A través del espejo: hiperrealismo en la Unión Soviética. Museo de Arte Zimmerli de la Universidad de Rutgers. Nuevo Brunswick, EE. UU.

• Reconstrucción II. Fundación Ekaterina. Moscú, Rusia

• El equipo sin el que no puedo vivir. Galería REGINA, Moscú
• Metrópolis: Reflexiones sobre la ciudad moderna. Museo y Galería de Arte de Birmingham. Birmingham, Reino Unido
• Moscú y moscovitas. Galería Almine Rech. París, Francia

• El arte contemporáneo ruso de hoy: la elección del Premio Kandinsky (comisariado por Andrey Erofeev). Artes de Santa Mónica. Barcelona, ​​España

• Turbulencia rusa (comisariada por Etienne Macret). Colección Charles Riva. Bruselas, Belgica
• Rehenes del vacío. Estado Galería Tretyakov... Moscú, Rusia

• Último / Específico. KGAU "Museo de Arte Contemporáneo" PERMM. Perm, Rusia
• Negociación - Documentos de hoy 2010. Museo de Arte de hoy. Beijing, China

• Siguiente de Rusia. Seúl, Corea del Sur

• Tráfico. Evolución. Arte. Fundación Cultural "Ekaterina". Moscú, Rusia

• Artistas contra el Estado / Regreso a la Perestroika. Galería Ron Feldman. Nueva York, Estados Unidos

• La visión rusa de Europa. Europalia. Bruselas, Belgica

• Moscú-Berlín / Berlín-Moskau. 1950-2000. Arte. Un look moderno. Estado Museo Historico... Moscú, Rusia
• Conceptualización nostálgica: versión rusa. Centro Schimmel para las Artes, Universidad Pace. Nueva York, Estados Unidos

• Semyon Fajbisowitsch, Allen Jones, Timur Novikov, Robert Rauschenberg, Andy Warhol. Bleibtreu-Galerie. Berlín, Alemania
• Berlín-Moskau 1950-2000. Martin-Gropius-Bau. Septiembre de 2003 - enero de 2004. Berlín, Alemania
• Nueva cuenta atrás: Rusia Digital junto con Sony. Casa de Artistas de Moscú. Moscú, Rusia

• Pintura rusa real. "Nuevo Manezh". Moscú, Rusia
• Pro Sight. II Festival internacional Foto. Nizhny Novgorod, Rusia

• Artistas rusos a Andy Warhol (como parte del festival "Semana de Warhol en Moscú"). Exposición de la Galería Marat Guelman. Moscú, Rusia

• Arte del siglo XX. Nueva exposición permanente de la Galería Estatal Tretyakov. Moscú, Rusia
• Seriadas. NCCA, Manege. Moscú, Rusia

• Museo de Arte Moderno. Arte ruso de finales de los 50 - principios de los 80. El proyecto de A. Erofeev. Casa Central de Artistas. Moscú, Rusia
• Ley 99. Austria - Moscú. Museo de Wels - Manege. Moscú, Rusia
• Vanguardia rusa de posguerra. Colección de Yuri Traisman. Museo Estatal Ruso. San Petersburgo,
• Rusia - Galería Estatal Tretyakov. Moscú, Rusia - Museo de la Universidad de Miami. Miami, estados unidos

• Historia en rostros. Exposición itinerante en las ciudades de la provincia rusa. Instituto de Sociedad Abierta, Museo-Reserva Estatal de Tsaritsyno. Moscú, Rusia

• Arte inconformista de la Unión Soviética. Museo de Arte Zimmerli. Universidad Rutgers. Nueva Jersey, EE. UU.

• Antes de Neo y después de Post - La nueva versión rusa. Lehman College Art Gallery, Bronx, Nueva York, EE. UU.

• Símbolos antiguos, nuevos iconos en el arte contemporáneo ruso. Galería Stewart Levi. Nueva York, Estados Unidos

• Monumentos: transformación para el futuro. ICI. ISI. Casa Central de Artistas. Moscú, Rusia

• A Mosca ... A Mosca. Villa Campoletto. Ercolano. Galleria Comunale. Bolonia, Italia
• Glasnost Under Glass. Universidad de Ohio. Columbus, Estados Unidos

• Adaptación y negación del realismo socialista. El Museo Aldrich de Arte Contemporáneo. Ridgefield, Estados Unidos
• Pintura en Moscú y Leningrado. 1965-1990. Museo de Arte de Colón. Columbus, Estados Unidos
• Bulatov, Faibisovich, Gorokhovski, Kopystianskiye, Vassilyev. Galería Phyllis Kind. Chicago, Estados Unidos

• Foto en pintura. "Primera Galería". Moscú, Rusia
• Detrás del telón irónico. Galería Phyllis Kind. Nueva York, Estados Unidos
• Moscú-3. Galería Eva Pol. Berlín Occidental, Alemania
• Von der Revolution zur Perestroika. Sowietische Kunst aus der Sammlung Ludwig. Musée d'Art Modern. Saint-Etienne, Suiza

• Ich lebe - Ich sehe. Kunstmuseum. Berna, Suiza
• Glastnost. Kunsthalle en Emden. FRG
• Más allá del telón irónico. Galerie Inge Baecker. Colonia, Alemania
• Laberinto. Palacio de la Juventud. Moscú, Rusia

• Directo desde Moscú. Galería Phyllis Kind. Nueva York, Estados Unidos
• Retrospección: 1957-1987. LUEGO. "Museo del Hermitage". Moscú, Rusia

• Exposiciones del Comité Municipal de Artistas Gráficos en Malaya Gruzinskaya. Moscú, Rusia

Colecciones del museo:

• Revista Time, Nueva York, EE. UU.
• Colección Ludwig, Aquisgrán, Alemania
• Museo de Arte Contemporáneo de Europa del Este (Colección Ludwig), Budapest, Hungría
• Museo de Arte Jane Voorhees Zimmerli, New Brunswick, Nueva Jersey, EE.
• Kunsthalle en Emden, Emden, Alemania
• Museo de Arte Contemporáneo, Lodz, Polonia
• Museo de Arte Contemporáneo ART4.ru, Moscú, Rusia
• Museo de Arte Moderno de Moscú, Moscú, Rusia
• Galería Estatal Tretyakov, Moscú, Rusia
• Museo Estatal de Literatura, Moscú, Rusia
• Casa de Fotografía de Moscú, Moscú, Rusia
• Museo de Moscú, Moscú, Rusia

# PROPIA MANERA

/ SEMEN FAYBISOVICH ES UN ARTISTA PARA EL QUE ES IMPORTANTE SENTIR Y FIJAR EL NERVIO DEL TIEMPO. SIEMPRE ESTÁ EN UNA RELACIÓN ESPECIAL CON EL LUGAR Y LA ERA, POR LO TANTO SU CREATIVIDAD ES RELEVANTE Y NO DEJA A NADIE /

Texto MARINA FEDOROVSKAYA
foto VLADIMIR DOLGOV

Cuando nos dirigimos por primera vez a Semyon Natanovich Faibisovich con una propuesta para hacer una portada para la edición de otoño, acababa de regresar a Tel Aviv, donde ahora vive, desde Moscú, donde aún se estaba exhibiendo en el Museo de Moscú. Faibisovich estaba fascinado por las texturas y al principio no tenía idea de cómo encajaría el tema propuesto en esto. Pero unas horas después, el artista anunció que había una idea: su hijo y su hija Kira lo iban a visitar, por lo que el tema de la familia prometía ser revelado en real.

A Semyon Natanovich Faibisovich le gusta mucho el público, coleccionistas y espectadores, por lo que la exposición "Moscú Mi", que presentó los dos últimos ciclos: "Mi patio" y "Kazansky V", fue un gran éxito. Dos ciclos sobre componentes diametralmente opuestos de la vida de casi todos los moscovitas, el propio espacio estático, casi privado, del patio y el espacio público, con su dinámica y el parpadeo de rostros desconocidos. Fotorrealismo de Faibisovich - con rostro psicológico. Desde finales de los 70, ha estado observando la sociedad a través de una visión personal del mundo con su pincel y su cámara.

- Trabajas con arte realista a lo largo de tu vida. ¿Cómo cambió esta realidad en diferentes periodos?

- El caso es que en la época soviética tuve la necesidad de pintar un retrato de la realidad circundante. En realidad, lo que estaba haciendo entonces era crear un retrato de la era soviética. Tuve la sensación de un conejo mirando a una boa constrictor a los ojos. Comprendí que, muy probablemente, no terminaría bien, pero no podía apartar la vista, así que todo esto me fascinó. Un horror en el que brilla otra realidad, no creada por los bolcheviques, sino como resultado de siete días de creación. Y luego, de alguna manera, de repente resultó que no era un conejo el que había muerto, sino una boa constrictor. Lo revisé. Y entonces comenzó el siguiente período: desapareció la tensión que hipnotizaba ese aire de totalitarismo, se mantuvo el hábito de la mirada intensa y no parecía haber nada que mirar. Y mi siguiente período (el proyecto "Evidence") fue sobre cómo nos vemos, no sobre qué. De esos filtros a través de los cuales miramos el mundo sin darnos cuenta. Solo traté de transmitir en lienzo lo que vi con Ojos cerrados... Grabé visión residual, puntos ciegos en el ojo. Durante este período, mis pinturas a menudo parecían completamente abstractas, las huellas del mundo real en las pantallas de los párpados cerrados cambian, se transforman y finalmente desaparecen. Parece una abstracción, pero de hecho es realismo, lo que ves es real. Luego, en 1995, dejé los estudios visuales y dejé la pintura. Y regresó 12 años después.

- ¿Y por qué?

- Fueron circunstancias personales, y los críticos me destruyeron y pensaron que era para siempre. En algún momento, simplemente cerré la puerta, aunque no tuve ninguna crisis. Escribí mis mejores trabajos y lo dejé todo. Y a principios de la década de 2000, regresó con una fotografía de autor, con algunas instalaciones, y solo después del quinto año volvió a sentirse atraído por la pintura. Comenzó una nueva era, y quise volver a crear su retrato, esta vez con su nuevo rostro y medios adecuados a la nueva época, así surgió la idea de la técnica mixta. Primero, tomé una foto tomada con un teléfono móvil con muy baja resolución, y luego en Photoshop y con un pincel, convertí una mala foto en una buena pintura. Esta es una tecnología de tres partes: fotografía - photoshop - impresión en lienzo y en la parte superior - una pintura real que te permite expresar exactamente lo que quiero decir. Me pareció que buscaba a tientas un lenguaje adecuado a la época. Y recientemente, cuando me instalé en Israel, tuve un proyecto que se convirtió en una continuación natural de todos estos anteriores. En principio, no soy un estratega, hago lo que me interesa. Recién empecé a tomar fotografías y sentí que detrás de algunas fotografías, detrás de cada piedra hay algo corriendo desde adentro, algún tipo de energía, algún genio del lugar, que hay algo muy antiguo en esas texturas. Y quería trabajar con eso. Compré una cámara adecuada y en este proyecto abandoné por completo las pinturas y los pinceles, esta es una pintura puramente digital. Sin embargo, el producto final, la pintura, se imprime completamente en lienzo y parece una pintura real.

- De profesión eres arquitecto, ¿qué construiste?

- Trabajé en un Instituto Central de Investigación, donde no había nada que construir, y cuando se delinearon los Juegos Olímpicos-80, literalmente desde la calle, con una carpeta de mis proyectos de estudiantes de arquitectura, llegué al 4º Mosproyekt. El edificio que construí es el centro de prensa de los Juegos Olímpicos, ahora es la Casa de Prensa en Novinsky Boulevard, donde estuvo RIA Novosti durante mucho tiempo. Por supuesto, no soy el único del equipo de autores, pero participé activamente en su diseño. Y ya en el proceso decidí que ya no quiero hacer esto. Cuanto más puedas, más se ofenden todos los que te rodean y, en general, "siéntate en silencio, no asome la cabeza" como un principio de la vida que no me convenía. Encontré un trabajo como arquitecto en el Fondo de Arte de la Unión de Artistas, donde había un horario libre, y comencé a estudiar pintura de caballete de manera sistemática; escribí para mí mismo durante medio día y luego fui a la oficina, donde También tuve que hacer cuadros. Así que se tapó la mano. estoy dentro pintura al óleo autodidacta, comenzó a estudiar a los 30 años.

- Cambiaste todo varias veces, lo dejaste y volviste a empezar, ¿cómo revivió el interés por la creatividad?

- La creatividad nunca terminó. Simplemente tomó diferentes formas. Cuando dejé la pintura, me pasé a la literatura y me expresé en este espacio, especialmente en los años 90, tenía más demanda. Y cuando me enfríe a lo visual, tomé formas literarias y luego tomé la fotografía. Sí, 12 años después retomé la pintura; esto rara vez ocurre en la historia del arte, y menos a menudo con éxito. Parece que funcionó en mi caso.

- En cuanto a su éxito: en los años 70 y 80 expuso en la legendaria sala de exposiciones de Malaya Gruzinskaya, donde los comisarios estadounidenses llamaron la atención, eso es lo que dice Wikipedia. ¿Cómo fue realmente?

- Sí, fue tremendamente interesante para mí. No era miembro de ningún grupo y siempre estaba solo. No encajaba en ningún lugar, no aparecía en los focos. El arte era secundario: ganaba dinero como arquitecto, y en tiempo libre le gustaba pintar. Ni siquiera pensé que estaría a la venta en alguna parte. Dos veces al año expuse en exposiciones de informes en Malaya Gruzinskaya, en la sala de exposiciones del Sindicato de Artistas Gráficos. Era imposible considerar algo en esta alfombra colgada en toda la pared. Pero los estadounidenses, sin embargo, me notaron. Fue en 1985 cuando Reagan y Gorbachov se reunieron en Reykjavik y acordaron nada más que un intercambio cultural. Y como parte de este intercambio cultural, aterrizó aquí un equipo de galeristas, marchantes y coleccionistas neoyorquinos. Fueron a los talleres de artistas underground, pero yo no estaba en esta lista. Vieron mis obras en una exposición en Malaya Gruzinskaya, señalaron con el dedo y me pidieron que las llevara a mi taller. Empecé a mostrarles algo y literalmente empezaron a gritar. Querían sacar mi trabajo, pero lo hicieron solo después de un par de años, cuando la perestroika estaba en pleno apogeo. Me arrastraron al mercado occidental, se fueron las exposiciones y las ventas. Fui uno de los héroes del boom ruso. No quería complacer a nadie, pero me metí en la corriente. Y como aquí no estaba en ningún grupo y me mantenía solo, comenzaron a presionarme de manera bastante activa. En opinión de los críticos que tomaron el poder, yo no hice lo necesario en ese momento: le dieron la bienvenida a Sotsart, al conceptualismo, y tuve la necesidad de hablar con mi tiempo, con la gente, con Dios en mi propio idioma. Así que terminé en desgracia y me fui. Desde la década de 2000, empezaron a persuadirme: vuelve, dicen. Luché durante mucho tiempo, pero mi interés personal surgió desde adentro, y mi regreso al arte coincidió con mi aparición en los más vendidos. En 2007-2008, comenzó el segundo boom ruso. Se llevó a cabo una subasta de Phillips de Pury en Londres, donde por primera vez en muchos años se presentó una gran cantidad de arte contemporáneo ruso. Esta es la primera aplicación importante de una nueva ola. Y me desperté famoso de nuevo. En esa subasta apareció una colección de John Stewart de Nueva York: tenía varias de mis obras, Bulatov, Kabakov. Y el galerista Vladimir Ovcharenko (galería Regina) me llamó directamente desde la sala de subastas, y escuché aplausos con mis propios oídos después de que la obra “Soldados” de la serie “En la estación”, exhibida por 50 mil libras, fuera por 500 mil.

- Hoy tiene dos lugares de residencia: Moscú y Tel Aviv. ¿Cómo fluye tu sensación de hogar de un lugar a otro?

- Lamentablemente, es más probable que se disuelva, y en este sentido, el estado no está muy cómodo. Por un lado, estoy en casa aquí y allá, pero en general, no en casa, ni aquí ni allá. Moscú de alguna manera me expulsó, lo tengo con ella en relación con todas las transformaciones años recientes las relaciones se deterioraron. Siempre fueron difíciles, tensos, pero lo fueron, y recientemente se acabó la conversación que he estado llevando toda mi vida. Moscú ha sido mi musa en todo momento y en todos los géneros, y en Israel encontré algo propio, y me gusta mucho Tel Aviv, especialmente la zona donde vivo ... Pero todo el tiempo tengo un sueño molesto que Estoy buscando un apartamento y me mudo de un apartamento a otro, y en todas partes algo anda mal, pero no recuerdo dónde vivo.

- El tema de nuestra portada, la familia, no siempre está asociado al artista. Y ella está directamente relacionada contigo. Cuéntanos un poco sobre tu familia.

- Tuve dos esposas, de la primera - un hijo, de la segunda - dos. Y dos chicas más entre ellas son ilegítimas. Solo me mantengo en contacto con mi primera esposa. Así resultó la vida. Pero al mismo tiempo, tengo una excelente relación con todos los niños. Tengo cinco de ellos y ya seis nietos. Les presenté a todos, ahora todos se comunican entre sí y yo con ellos. Esto es exactamente lo que siento como mi familia. Viven en diferentes países. Vuelo a Brno con mi hijo y mi nieta Kira, y vinieron a Tel Aviv en la primavera. Otro hijo mío vive cerca. Y estoy más interesado en ellos. La comunicación amistosa se volvió fragmentaria, nunca me interesó la vida social. Y siempre estoy feliz de comunicarme con mis hijos. Así es mi familia, un tanto desparramada topográficamente, pero al mismo tiempo la más cálida y cariñosa.

# La cocina creativa del artista - entre camillas y pinturas, imaginación e imágenes vistas en las calles

# En el apartamento de la calle Novoryazanskaya, Semyon Faibisovich siempre está esperando sus lienzos, pinceles y paletas para poder empezar a pintar en cualquier momento.

Semyon Faibisovich considerado un clásico del fotorrealismo. Mientras tanto, llegó a este hito de una manera muy difícil, después de haber atravesado una prolongada crisis creativa. Hoy sus obras valen enormes sumas en subastas mundiales, y los mejores museos están felices de mostrar sus exposiciones. Gran exposición del artista "Mi Moscú" organizado por la galería "Regina", recientemente inaugurado en Museo de moscú... Y parece que esto es un patrón, porque no hay tantos artistas cuyo arte esté tan fuertemente asociado con Moscú. Faibisovich, por supuesto, es un pintor de la vida cotidiana en Moscú. Sus héroes, transeúntes comunes, abuelas de jardín, vendedores, chicas elegantes, trabajadores invitados, personas sin hogar y policías, son los tipos muy urbanos que conforman el verdadero sabor de la ciudad. Sin embargo, hace algún tiempo, Faibisovich se vio obligado a abandonar la ciudad, a la que siempre llamó su musa. Semyon Faibisovich le contó a ARTANDHOUSES por qué se fue de Moscú, sobre sus personajes y por qué publica gatos en Facebook.

En sus entrevistas, a menudo ha llamado a Moscú su musa. Recientemente se mudó a Tel Aviv. ¿Se ha convertido en tu musa?

Es demasiado pronto para hablar de Tel Aviv como musa, porque no hace mucho que me mudé. Sin embargo, un nuevo proyecto nació de inmediato allí. Ya de ese aire nací, de esas emociones. Y Moscú es la musa de toda la vida. Casi todo lo que he hecho en pintura, fotografía, prosa es hablar de ella, con ella.

¿Por qué decidiste mudarte?

Se me hizo difícil caminar pueblo natal... Siempre tuve una relación difícil y contradictoria con él, pero interesante, intrigante, así que lo descubrí. Y ahora se volvió repugnante, no hay nada más que descubrir. Cuando la Unión Soviética colapsó, lo más difícil fue imaginar que regresaría de alguna forma. Y ahora está por aquí de nuevo. Dejé de sentir a Moscú como mío, y esto es una lesión grave. Mi Moscú: esto es patios y patios traseros sucios, lotes baldíos, quioscos, grietas en el asfalto, perros callejeros, personas sin hogar. Y Sobyanin lo limpia todo, extermina la vida de la ciudad. Lo que amo, lo que comí como artista, desaparece ante nuestros ojos. Sin mencionar que la expresión "soviética" volvió a los rostros de los transeúntes en las calles y compañeros de viaje en el transporte público.

¿Qué tan interesado está en la vida artística en Tel Aviv?

Prácticamente no estoy conectado con él, no entré. Y según entendí, es bastante difícil entrar en él. Hay protección de influencias externas, de nuevas propuestas. Por un lado, todo se basa en el patrocinio y las recomendaciones, por el otro, te vas a la mierda con ellos. Hasta el momento, no hay oportunidad de presentar su nuevo proyecto allí, pero debería presentarse allí.

¿Puedes decirnos cuál es el proyecto?

El proyecto en el Museo de Moscú se basa en la "mala" calidad, en la baja resolución de las imágenes originales, y luego un juego lo acompaña, que termina con una pintura "real". Y en el nuevo proyecto, el juego se basa en la alta calidad de la imagen y el resultado es pintura puramente digital. Al mismo tiempo, la esencia del juego es el deseo de sacar de diferentes formas de las texturas reales circundantes el “aura del lugar”, su encanto histórico, que se esconde detrás de la simplicidad externa.

¿No le tienes miedo a las nuevas tecnologías?

Lo hay, pero este miedo es superado por el deseo de conseguir lo que quieres. Así es como dominé Photoshop. Todo comenzó con el proyecto Mobilography en 2005. Los chicos a los que se les ocurrió este proyecto invitaron a varios artistas, nos entregaron teléfonos Nokia con una cámara de 0,6 megapíxeles, dijeron: "Graba lo que quieras, y luego lo ampliaremos a un tamaño grande y haremos una exhibición". La cámara de ese teléfono no podía tomar una foto normal, por lo que estaba condenada a crear su propia realidad, y me gustó mucho su trabajo, y comencé a ayudarla. Pero cuando las imágenes se ampliaron mecánicamente a 80 × 120 y se mostraron en MDF, me molestó: no era en absoluto lo que vi en una pantalla pequeña y anhelaba ver impreso. La potencia que me emocionaba se evaporó, pero no quería rendirme y le pedí a mi amigo que me diera algunos tutoriales de Photoshop. Poco a poco lo dominé y aprendí, ampliando, a sacar de las imágenes lo que quería. Pero todavía faltaba algo, y luego una voz interior comenzó a susurrar: toma tus manos en tus manos. Así nació el proyecto en 2007, cuyos dos últimos ciclos los muestro en el Museo de Moscú.

¿No tenías un complejo de pintor autodidacta? Después de todo, ¿eres arquitecto de formación?

Quizás lo fue una vez, pero ya lo he olvidado. Porque hace tiempo que me di cuenta de que soy un aficionado profesional. En el instituto de arquitectura también comenzó a escribir prosa, fue allí donde comprendió y sintió qué es la creación como proceso y como resultado; que realmente no importa lo que hagas: escribes una novela o un cuadro o una casa que construyes. Lo principal es tener algo que decir y conocer el idioma de esta declaración.

¿Te sientes más artista o escritor?

Es difícil de decir. Es imposible embarcarse en grandes proyectos pictóricos y literarios al mismo tiempo. Entonces, mientras pinto, me siento como un artista, incluso me siento incómodo cuando me llaman escritor. Y viceversa.

Es usted un escritor bastante escandaloso, ha habido numerosas críticas indignadas de sus novelas. Y como artista, estás mucho menos indignado por el público y los profesionales.

¿Por qué? Esto es ahora que estaba inscrito en los clásicos. En un momento, incluso fue conocido como un luchador en el espacio del arte contemporáneo, porque siempre no hizo lo que decían los críticos y curadores, sino lo que yo mismo quería hacer, no coincidía crónicamente con la "línea general", no era ni conceptualista ni sots-artist. Los críticos primero explicaron que yo era un forastero desesperado, luego comenzaron a explicar que era un artista muerto. Todas las exposiciones se volvieron locas, así que en algún momento no pude resistir y comencé a explicar públicamente lo que yo mismo pensaba de ellas. Y entonces resultó ser un alborotador: ¡vaya, lo enterramos y él menea el bote! ¡Qué malos modales!

¿Está buscando una total fiabilidad, una desnudez total de la personalidad humana? Después de todo, estás pintando lejos de los retratos ceremoniales.

¿Por qué? También hay ceremoniales. Por ejemplo, un retrato de mi débil amigo Volodya: era especialmente digno. O retrato ceremonial señoras mayores. Aquí están sentados en un banco en el patio, como en un montón, viejas familiares, discutiendo sobre todos los que pasan. Pregunto si puedo tomarles una foto. Se permiten y también se dignifican, y así se obtiene un retrato ceremonial grupal. Pero en general, prefiero no brillar, solo capto fragmentos de la vida cotidiana.

¿Eres más un observador que un crítico?

Ambos parecen serlo. Solo que no un observador, sino un testigo. Quiero transmitir adecuadamente esas impresiones complejas y ambiguas de la realidad que despierta en mí. Para transmitir todo junto: diversión y tristeza, disgusto y deleite, belleza y horror, como es en la vida, como lo siento.

Me parece que tus obras se acercan más a los Itinerantes.

De acuerdo. Me considero un continuador de la tradición del realismo crítico ruso. Y cuando se planeó la exposición, el personal local trató mis cosas así, hasta donde yo sé. Los trabajadores del museo tienen una óptica especial, retrospectiva, por lo que sintieron la continuidad, la continuación de esa conversación en esta realidad.

¿Cómo eliges a tus héroes? ¿Estás más interesado en personajes marginales y disfuncionales?

Me interesan más las personas poco interesantes, en las que no hay individualidad, que son una encarnación y expresión sin nubes del "inconsciente colectivo". No hablan tanto de sí mismos como del lugar y la hora. Por ejemplo, antes de eso tuve un ciclo "Razgulyay", donde los personajes principales sin darse cuenta se quedaron sin hogar. Cuando concibí el bucle y comencé a mirar alrededor a través del visor, había muchos más de los que parecía. Están por todas partes, pero simplemente no los notamos. Así que se convirtieron en los personajes principales, quería enmendarlos por nuestra culpa común de no prestarles atención. También están presentes en los nuevos ciclos, pero sin embargo en el patio los protagonistas son vecinos, y en la estación hay pasajeros.

¿Qué tan difícil es dispararle a una persona a quemarropa? ¿Cómo reacciona la gente?

Muy diferente. Con un teléfono móvil, el problema es más fácil de resolver: es más fácil permanecer invisible. Y cuando en la época soviética tomaba fotografías con una cámara, salía a esta lección, como un entrenador entra en una jaula con un león. Muchas historias. Una vez se topó con un oficial de la KGB. En el metro, fotografío una perspectiva de un vagón para un retrato de Leva Rubinstein, y en primer plano se vislumbra un sombrero leonado que oscurece la vista general. Le pedí a su dueño que se moviera un poco y me respondió: "¿Por qué estás filmando en el metro?" Yo digo: "Porque lo necesito". Dice: "Tus documentos". Yo digo: "No, el tuyo primero", es la respuesta que se resuelve en situaciones similares. Por lo general, en el caso de los simpatizantes, aquí es donde todo termina, y saca un libro rojo, lo abre y dice: "KGB". Ahora, dice, te entregaré a la comisaría. Yo digo: "Estás borracho". Era el 8 de marzo y estaba muy borracho. Y esto, dice, no es asunto tuyo. No discutí más: la película casi fue filmada en la cámara, ahora se iluminará y todo se ha ido por el desagüe. En Belyaevo, me entregó a un guardia, que me llevó al departamento. Tuve suerte de que entonces el Ministerio del Interior y la KGB estuvieran atacando. Cuando el oficial de la KGB se fue, me hablaron un poco y me dejaron ir.

A menudo dice que va por su propio camino. ¿Por qué no perteneció al círculo de conceptualistas, pero prefirió exponer en Malaya Gruzinskaya, esto también fue una especie de su propia manera?

Yo no lo preferí. Les mostré mis obras solo a mis amigos, que eran poetas. No había un círculo artístico de comunicación y ni siquiera intenté participar en exposiciones. Y luego, después de la exhibición de la "excavadora", la KGB hizo un agujero en el sombrero para liberar vapor inconformista en forma de sótano en Malaya Gruzinskaya. Uno de mis amigos me aconsejó que llevara los gráficos, que estaba haciendo entonces, al consejo de arte de allí, y lo tomé. Como no era miembro de la Unión de Artistas, en principio no había otras oportunidades para exponer, aunque me sentía incómodo allí tanto por la supervisión de la KGB como por el ambiente bohemio del sótano. Honestamente, se metió en borracheras colectivas, como corresponde a un bohemio, pero rápidamente se dio cuenta de que esto no era mío. Todos están sentados en un estado de intoxicación profunda, dándose golpes en el pecho y repitiendo al unísono que son unos genios. Una vez no pude resistir y dije: "Amigos, según las estadísticas, no funciona, no todos pueden ser genios". Todos me miraron, algunos ofendidos, otros indignados, y uno pregunta amenazadoramente: "¿No te consideras un genio?" Yo digo: "No, no quiero". Y él: "¿Qué es lo que más quieres?" En general, trabajé allí. Aunque los estadounidenses me vieron en 1985 exactamente en Malaya Gruzinskaya, y no había ningún otro lugar para llamar su atención. En cuanto surgió la oportunidad de exponer en otros lugares (y países), huí de allí.

En la década de 1980, las puertas de Occidente se abrieron para ti, pero todavía no ibas allí. En la URSS, nuestros artistas idealizaron Occidente y, hasta donde yo sé, tenías historias desagradables con los propietarios de galerías occidentales. ¿Está decepcionado con el sistema occidental?

Hubo algunas historias desagradables cuando se robaron cuadros, por ejemplo, pero conceptualmente, esto no fue lo que me decepcionó. Estoy muy agradecido con aquellas personas que se fijaron en mí y me arrastraron a su escena cultural, al mercado mundial del arte. Pero cuando la tensión que nos hizo asomarnos dolorosamente comenzó a dejar el aire de la vida soviética, tuve la idea de un nuevo proyecto, una conversación no sobre lo que vemos, sino sobre cómo nos vemos. Y luego mi galerista Phyllis Kind, quien me abrió, inició una conversación sobre mis planes creativos. Le dije por qué el proyecto “social” había dejado de emocionarme y que uno nuevo me había emocionado, le dije cuál. Escuchó con atención, dijo que era muy interesante y luego comenzó a explicar, y explicó durante mucho tiempo, por qué debería seguir haciendo lo que hago. Que ella me trajo al mercado con este producto, y todo el mundo espera esto de mí, y yo debo cumplir con las expectativas, y ella debe hacer que la gente se saque dinero del bolsillo, y para eso ella misma debe tener confianza en el producto que ofrece - en este tipo. La escuché y pensé: “Me senté en el imperio del mal e hice exactamente lo que quería, sin escuchar a nadie y sin esperar nada. Y precisamente por su independencia, llamó su atención. ¿Y ahora, entonces, en tu imperio de bondad y libertad, tengo que bailar a tu ritmo? ¡Figuras! Prefiero volver a Moscú y seguir haciendo lo que quiero ". Y así lo hizo.

Cuando regresó, comenzó a escribir mucho y francamente sobre lo que estaba sucediendo en el ambiente artístico de Moscú. Y muchos esto luego indignó.

No comencé de inmediato, pero cuando los críticos que caminaban por el buffet se cansaron mucho. Sí, hice a mis enemigos al máximo. Para muchos, sigo siendo persona non grata. Simplemente me enterraron entonces, para siempre, como estaban seguros, y tomaron las subastas y me resucitaron. Ya no me enterrarán, sobre todo porque, mientras tanto, me he convertido en un clásico. En general, mi proyecto de escucharme solo a mí mismo y seguir mi propio camino fue un éxito. Y ahora las críticas rencorosas me divierten, y no me enfurecen, como antes. Sí, y se han calmado.

Pero esta posición te llevó a una cierta crisis cuando dejaste de pintar en los noventa.

Sí, entonces mis perseguidores tuvieron éxito: no solo nadie compró, sino que tampoco exhibió. Bueno yo digo: enterrado. Literalmente, no había nada para mantener a mi familia, pero para pintar cuadros grandes se necesita dinero decente, así que decidí ahorrar dinero. Y luego las "circunstancias personales" empezaron a deprimirnos enormemente; en general, todo encajó. Por otro lado, a finales de la década de 1980 comencé a escribir en prosa y, a principios de la de 1990, en periodismo de ensayo. Fue más divertido en este espacio: había demanda, e incluso pagaron por algo, así que salté a ello.

¿Fue este momento difícil para ti?

Si. Las actividades alternativas ayudaron en parte, pero no se pudo evitar la depresión prolongada con impulsos suicidas. Sin embargo, fue mejorando gradualmente. Cuando en 2007 mis pinturas de una colección estadounidense se subastaron y se vendieron por mucho dinero, y luego una y otra y otra vez, en una entrevista notaron que esto era un desastre: un artista de mi tipo, hoy pasado de moda, que obstinadamente va por su cuenta, se supone que debe morir en el ático, rodeado de su trabajo inútil, en la pobreza, olvidado por todos. Le respondí que esto es exactamente lo que me sucedió a mediados de la década de 1990. Y ahora es una vida diferente, celestial.

¿Te imaginas que habrá grandes ventas en las subastas mundiales, que tus obras se venderán por mucho dinero, has estado esperando esto?

No. Pensé que los críticos se habían enfrentado a mí. Bueno, tal vez después de la muerte algo cambie ... No, no estaba en mis pensamientos, ni siquiera en mis sueños. Al igual que en la época soviética, trabajaba "en la mesa" y no pensaba en vender obras. Para mí, la pintura era una forma de vida, una forma de supervivencia humana y no una ocupación profesional; simplemente resolví mi relación con la vida que me rodeaba. Por lo tanto, cuando aparecieron los primeros compradores, no quería separarse del trabajo, se convenció durante mucho tiempo de que era necesario.

Eres bastante activo en las redes sociales. ¿Qué significa Facebook para ti?

Todo empezó en 2012, cuando empezaron las protestas de la "clase creativa" y mi temperamento social se reavivó de nuevo: quería hablar, articular algo. Y justo entonces, las publicaciones liberales para las que escribí en la década de 1990 se acordaron de mí, enviaron ofertas para escribir para ellas. Luego se ofrecieron a bloguear sobre "Echo of Moscow", luego sobre "Snob". Pero tanto allí como allá, la censura comenzó a ganar impulso gradualmente. Además, había tal contingente de participantes del proyecto en Snob - grandes patriotas que se habían ido - que empezaron a “mandarme apagón”, redactar peticiones para expulsarme del proyecto. Bueno, yo los envié. Y luego el hijo sugirió que existe tal cosa: Facebook. Y me gustó: escribe lo que quieras, muestra lo que quieras. Quien se interesa, lee y mira, quien es grosero y te exige algo, lo prohibes. En general, no necesitas encajar en ningún nicho, pero puedes crear el tuyo propio.

¡A veces publicas gatos!

Sí, este es un proyecto conceptual. Cuando llegué, todos gente digna hoguera "mimimi": indecente, de mal gusto, filisteo. Y estoy acostumbrado a romper las reglas: veo que hay gatos muy lindos y divertidos (perros, mapaches) - miras, y el ánimo sube, el alma se regocija. Y en otros materiales hay tanta oscuridad, así que decidí complacer a mis amigos y suscriptores con lo que es posible. Bueno, rompí el estereotipo de nuestros hermanos menores, ya no escucho sobre el hecho de que es indecente.

El periodista

Crítico de arte. Trabajó como editora de la revista "Artchronika". Publicado en The Art Newspaper Russia, Artguide, Kommersant, RBC Daily, Expert, Harpers Bazaar Art.

• 2019 - GOMA-RED-LINE. exposición de arte contemporáneo en GUM en la Plaza Roja. Moscú, Rusia
• 2016 - Borsch y Champagne. Obras seleccionadas de la colección de Vladimir Ovcharenko. Museo de Arte Moderno de Moscú. Moscú, Rusia
• 2015 - A través del espejo: hiperrealismo en la Unión Soviética. Museo de Arte Zimmerli de la Universidad de Rutgers. Nuevo Brunswick, EE. UU.
• 2014 - Reconstrucción II. Fundación Ekaterina. Moscú, Rusia
• 2013 - El equipo sin el que no puedo vivir. Galería REGINA, Moscú
• 2013 - Metrópolis: Reflexiones sobre la ciudad moderna. Museo y Galería de Arte de Birmingham. Birmingham, Reino Unido
• 2013 - Moscú y moscovitas. Galería Almine Rech. París, Francia
• 2012 - El arte contemporáneo ruso en la actualidad - Elección del premio Kandinsky (Comisario - Andrey Erofeev). Artes de Santa Mónica. Barcelona, ​​España
• 2011 - Russian Turbulence (comisariada por Etienne Macret). Colección Charles Riva. Bruselas, Belgica
• 2011 - Rehenes del vacío. Galería estatal Tretyakov. Moscú, Rusia
• 2010 - Ultimate / Específico. KGAU "Museo de Arte Contemporáneo" PERMM. Perm, Rusia
• 2010 - Negociación-Documentos de hoy 2010. Museo de Arte de hoy. Beijing, China
• 2008 - Siguiente de Rusia. Seúl, Corea del Sur
• 2007 - Movimiento. Evolución. Arte. Fundación Cultural "Ekaterina". Moscú, Rusia
• 2006 - Artistas contra el Estado / Regreso a la Perestroika. Galería Ron Feldman. Nueva York, Estados Unidos
• 2005 - La visión rusa de Europa. Europalia. Bruselas, Belgica
• 2004 - Moscú-Berlín / Berlín-Moskau. 1950-2000. Arte. Un look moderno. Museo Estatal de Historia. Moscú, Rusia
• 2004 - Conceptualización nostálgica: versión rusa. Centro Schimmel para las Artes, Universidad Pace. Nueva York, Estados Unidos
• 2003 - Semyon Fajbisowitsch, Allen Jones, Timur Novikov, Robert Rauschenberg, Andy Warhol. Bleibtreu-Galerie. Berlín, Alemania
• 2003 - Berlín-Moskau 1950-2000. Martin-Gropius-Bau. Septiembre de 2003 - enero de 2004. Berlín, Alemania
• 2003 - New Countdown: Digital Russia junto con Sony. Casa de Artistas de Moscú. Moscú, Rusia
• 2002 - Pintura rusa actual. "Nuevo Manezh". Moscú, Rusia
• 2002 - Pro Sight. II Festival Internacional de Fotografía. Nizhny Novgorod, Rusia
• 2001 - Artistas rusos - a Andy Warhol (en el marco del festival "Semana de Warhol en Moscú"). Exposición de la Galería Marat Guelman. Moscú, Rusia
• 2000 - Arte del siglo XX. Nueva exposición permanente de la Galería Estatal Tretyakov. Moscú, Rusia
• 2000 - Serie. NCCA, Manege. Moscú, Rusia
• 1999 - Museo de Arte Contemporáneo. Arte ruso de finales de los 50 - principios de los 80. El proyecto de A. Erofeev. Casa Central de Artistas. Moscú, Rusia
• 1999 - Ley 99. Austria - Moscú. Museo de Wels - Manege. Moscú, Rusia
• 1999 - Vanguardia rusa de posguerra. Colección de Yuri Traisman. Museo Estatal Ruso. San Petersburgo,
• 1999 - Rusia - Galería Estatal Tretyakov. Moscú, Rusia - Museo de la Universidad de Miami. Miami, estados unidos
• 1997 - Historia en rostros. Exposición itinerante en las ciudades de la provincia rusa. Instituto de Sociedad Abierta, Museo-Reserva Estatal de Tsaritsyno. Moscú, Rusia
• 1995 - Arte inconformista de la Unión Soviética. Museo de Arte Zimmerli. Universidad Rutgers. Nueva Jersey, EE. UU.
• 1994 - Antes de Neo y después de Post - La nueva versión rusa. Lehman College Art Gallery, Bronx, Nueva York, EE. UU.
• 1993–1994 - Símbolos antiguos, nuevos iconos en el arte contemporáneo ruso. Galería Stewart Levi. Nueva York, Estados Unidos
• 1993 - Monumentos: transformación para el futuro. ICI. ISI. Casa Central de Artistas. Moscú, Rusia
• 1992 - A Mosca ... A Mosca. Villa Campoletto. Ercolano. Galleria Comunale. Bolonia, Italia
• 1992 - Glasnost Under Glass. Universidad de Ohio. Columbus, Estados Unidos
• 1990 - Adaptación y negación del realismo socialista. El Museo Aldrich de Arte Contemporáneo. Ridgefield, Estados Unidos
• 1990 - Pintura en Moscú y Leningrado. 1965-1990. Museo de Arte de Colón. Columbus, Estados Unidos
• 1990 - Bulatov, Faibisovich, Gorokhovski, Kopystianskiye, Vassilyev. Galería Phyllis Kind. Chicago, Estados Unidos
• 1989 - Foto en pintura. "Primera Galería". Moscú, Rusia
• 1989 - Detrás del telón irónico. Galería Phyllis Kind. Nueva York, Estados Unidos
• 1989 - Moscú-3. Galería Eva Pol. Berlín Occidental, Alemania
• 1989 - Von der Revolution zur Perestroika. Sowietische Kunst aus der Sammlung Ludwig. Musée d'Art Modern. Saint-Etienne, Suiza
• 1988 - Ich lebe - Ich sehe. Kunstmuseum. Berna, Suiza
• 1988 - Glastnost. Kunsthalle en Emden. FRG
• 1988 - Más allá del telón irónico. Galerie Inge Baecker. Colonia, Alemania
• 1988 - Laberinto. Palacio de la Juventud. Moscú, Rusia
• 1987 - Directo desde Moscú. Galería Phyllis Kind. Nueva York, Estados Unidos
• 1987 - Retrospección: 1957-1987. LUEGO. "Museo del Hermitage". Moscú, Rusia
• 1976-1988 - Exposiciones del Comité Municipal de Artistas Gráficos en Malaya Gruzinskaya. Moscú, Rusia