Ruský umělec a spisovatel Konstantin Korovin.
Boris Godunov. Korunovace. 1934. Náčrt kulis pro operu M. P. Musorgského "Boris Godunov"

Ruská opera, která vznikla jako napodobenina západních vzorů, je cenným příspěvkem do pokladnice celé světové kultury. Ruská opera v 19. století, která se objevila v době klasického rozkvětu francouzských, německých a italských oper, nejen dohnala klasické národní operní školy, ale také je předstihla. Je zajímavé, že ruští skladatelé si pro svá díla tradičně vybírali náměty ryze lidového charakteru.

1

"Život pro cara" Glinka

Opera „Život pro cara“ nebo „Ivan Susanin“ vypráví o událostech roku 1612 - polském tažení šlechty proti Moskvě. Autorem libreta se stal baron Jegor Rozen, ale v sovětských dobách byla úprava libreta z ideologických důvodů svěřena Sergeji Gorodeckému. Premiéra opery se konala ve Velkém divadle v Petrohradě v roce 1836. Dlouhou dobu hrál roli Susanin Fjodor Chaliapin. Po revoluci Life for the Tsar opustil sovětskou scénu. Objevily se pokusy přizpůsobit děj požadavkům nové doby: takto byla Susanin přijata do Komsomolu a závěrečné repliky zněly jako „Sláva, sláva, sovětský systém“. Díky Gorodeckému, když byla opera uvedena ve Velkém divadle v roce 1939, byl „sovětský systém“ nahrazen „ruským lidem“. Od roku 1945 Velké divadlo tradičně zahajuje sezónu různými inscenacemi Ivana Susanina od Glinky. Nejrozsáhlejší inscenace opery v zahraničí byla realizována snad v milánské La Scale.

2

Boris Godunov od Musorgského

Opera, ve které jako dva herci zvoleného cara a lidu, zahájil Musorgskij v říjnu 1868. K napsání libreta skladatel použil text stejnojmenné Puškinovy ​​tragédie a materiály z Karamzinových Dějin ruského státu. Námětem opery bylo období vlády Borise Godunova těsně před Časem nesnází. Musorgskij dokončil první vydání opery Boris Godunov v roce 1869, které bylo představeno divadelnímu výboru Ředitelství císařských divadel. Recenzenti však operu odmítli a odmítli ji inscenovat pro nedostatek světla ženská role. Musorgskij uvedl do opery „polský“ akt milostné linie Mariny Mniszek a False Dmitrije. Přidal také monumentální scénu lidového povstání, díky níž bylo finále velkolepější. Přes všechny úpravy byla opera opět zamítnuta. Podařilo se jí uvést až o 2 roky později v roce 1874 na jeviště Mariinské divadlo. V zahraničí se premiéra opery konala ve Velkém divadle v Pařížské Velké opeře 19. května 1908.

3

Piková dáma od Čajkovského

Operu dokončil Čajkovskij na začátku jara 1890 ve Florencii a první inscenace se uskutečnila v prosinci téhož roku v Mariinském divadle v Petrohradě. Operu napsal skladatel na objednávku Císařského divadla a Čajkovskij poprvé odmítl objednávku převzít a argumentoval tím, že v zápletce chybí „správná jevištní přítomnost“. Je zajímavé, že v Puškinově příběhu hlavní postava nese příjmení Hermann (se dvěma "n" na konci) a v opeře se hlavní postavou stává muž jménem Herman - nejde o omyl, ale o záměrnou autorská záměna. V roce 1892 byla opera poprvé uvedena mimo Rusko v Praze. Poté - první inscenace v New Yorku v roce 1910 a premiéra v Londýně v roce 1915.

4

"Princ Igor" Borodin

Pomník byl základem pro libreto starověká ruská literatura„Příběh Igorovy kampaně“ . Myšlenku zápletky navrhl Borodinovi kritik Vladimir Stasov na jednom z hudebních večerů u Šostakoviče. Opera vznikala přes 18 let, ale skladatel ji nikdy nedokončil. Po smrti Borodina dokončili práci na díle Glazunov a Rimskij-Korsakov. Existuje názor, že Glazunov dokázal obnovit z paměti autorské provedení operní předehry, kterou kdysi slyšel, sám Glazunov však tento názor vyvrátil. Navzdory skutečnosti, že Glazunov a Rimsky-Korsakov udělali většinu práce, trvali na tom, že princ Igor byl výhradně operou Alexandra Porfiryeviče Borodina. Premiéra opery se konala v Mariinském divadle v Petrohradě v roce 1890, po 9 letech ji vidělo zahraniční publikum v Praze.

5

Zlatý kohout od Rimského-Korsakova

Opera Zlatý kohoutek byla napsána v roce 1908 podle stejnojmenné Puškinovy ​​pohádky. Tato opera byla posledním dílem Rimského-Korsakova. Císařská divadla odmítla operu nastudovat. Ale jakmile ji diváci poprvé viděli v roce 1909 v Moskevské opeře Sergeje Zimina, byla opera o měsíc později uvedena ve Velkém divadle a poté zahájila svůj triumfální průvod světem: Londýnem, Paříží, New York, Berlín, Wroclaw.

6

"Lady Macbeth z Mtsenského okresu" od Shestakoviče

Opera podle Leskova stejnojmenného románu byla dokončena v prosinci 1930 a poprvé uvedena v Michajlovském divadle v Leningradu v lednu 1934. V roce 1935 byla opera uvedena publiku v Clevelandu, Philadelphii, Curychu, Buenos Aires, New Yorku, Londýně, Praze, Stockholmu. V druhé polovině 30. let až do 50. let bylo operní představení v Rusku zakázáno a Šestakovič sám byl odsouzen vedením komunistické strany země. Dílo bylo popisováno jako „nepořádek místo hudby“, „záměrně udělané kýčovité“ a sloužilo jako podnět k perzekuci skladatele. Představení v Rusku byla obnovena až v roce 1962, ale diváci viděli operu s názvem Kateřina Izmailova.

7

"Kamenný host" Dargomyzhsky

Myšlenka opery přišla od Alexandra Dargomyžského v roce 1863. Skladatel však pochyboval o jeho úspěchu a dílo považoval za tvůrčí „průzkum“, „zábavu nad Puškinovým Donem Giovannim“. Napsal hudbu k Puškinovu textu Kamenného hosta, aniž by v něm změnil jediné slovo. Problémy se srdcem však skladateli nedovolily dílo dokončit. Zemřel a ve své závěti požádal své přátele Cui a Rimského-Korsakova, aby dílo dokončili. Poprvé byla opera divákům představena v roce 1872 na scéně Mariinského divadla v Petrohradě. Zahraniční premiéra se konala až v roce 1928 v Salcburku. Tato opera se stala jedním ze „základních kamenů“, aniž bychom ji znali, nelze rozumět nejen ruštině klasická hudba ale i obecná kultura naší země.

Autorem eseje je N. V. Tumanina

Ruská opera je nejcennějším příspěvkem do pokladnice světového hudebního divadla. Narodil se v době klasického rozkvětu italské, francouzské a německé opery, ruské opery v 19. století. ostatní národní operní školy nejen dohnal, ale i předběhl. Mnohostranný charakter vývoje ruského operního divadla v 19. století. přispěl k obohacení světového realistického umění. Díla ruských skladatelů otevřela novou oblast operní tvořivosti, vnesla do ní nový obsah, nové principy budování hudební dramaturgie, přiblížila operní umění jiným typům hudební tvořivosti, především symfonii.

Historie ruské klasické opery je nerozlučně spjata s vývojem veřejný život Rusko s rozvojem vyspělého ruského myšlení. Opera se těmito spojeními vyznačovala již v 18. století, jako národní fenomén vznikla v 70. letech, v době rozvoje ruského osvícenství. Vznik ruské operní školy ovlivnil vzdělávací nápady vyjádřeno v touze pravdivě zobrazit život lidí.

Ruská opera se tak od prvních krůčků formuje jako demokratické umění. Zápletky prvních ruských oper často předkládaly myšlenky proti nevolnictví, které byly také charakteristické pro ruské činoherní divadlo a ruskou literaturu na konci 18. století. Tyto tendence se však ještě nerozvinuly v ucelený systém, byly empiricky vyjádřeny ve výjevech ze života rolníků, v ukázkách jejich útlaku ze strany statkářů, v r. satirický obrazšlechta. Takové jsou zápletky prvních ruských oper: „Neštěstí z kočáru“ V. A. Paškeviče (asi 1742-1797), libreto Ja. B. Kniažnin (pošta, 1779); "Kočí na nastavení" E. I. Fomina (1761-1800). V opeře "Mlynář - čaroděj, podvodník a dohazovač" s textem AO Ablesimova a hudbou MM Sokolovského (ve druhé verzi - EI Fomina), myšlenka ušlechtilosti práce farmáře je vyjádřeno a ušlechtilé chvástání je zesměšňováno. V opeře M. A. Matinského - V. A. Paškevič "Petrohrad Gostiny Dvor" jsou v satirické podobě vyobrazeni lichvář a úplatkář.

První ruské opery byly hry s hudebními epizodami v průběhu akce. Velmi důležité v nich byly konverzační scény. Hudba prvních oper byla úzce spjata s ruskými lidovými písněmi: skladatelé hojně využívali melodií existujících lidových písní, přepracovávali je a učinili z nich základ opery. V „Melníku“ jsou například všechny charakteristiky postav podány pomocí lidových písní jiného charakteru. V opeře "Petrohrad Gostiny Dvor" je s velkou přesností reprodukován lidový svatební obřad. V „Kočí na rámu“ vytvořil Fomin první ukázku lidové sborové opery a položil tak jednu z typických tradic pozdější ruské opery.

Ruská opera se rozvinula v boji za svou národní identitu. Politika královského dvora a vrcholné šlechtické společnosti, sponzorující zahraniční soubory, byla namířena proti demokracii ruského umění. Postavy ruské opery se musely naučit operním dovednostem na ukázkách západoevropské opery a zároveň obhájit nezávislost svého národního směřování. Tento boj na dlouhá léta se stal podmínkou existence ruské opery, která na nových scénách nabývala nových forem.

Spolu s opera-komedie v XVIII století. objevily se i další operní žánry. V roce 1790 se na dvoře konalo představení pod názvem „Olegova počáteční správa“, k němuž text napsala carevna Kateřina II., hudbu složili společně skladatelé K. Canobbio, J. Sarti a VA Paškevič. Představení nemělo ani tak operní charakter jako spíše oratorní a do jisté míry je lze považovat za první příklad hudebně-historického žánru, tak rozšířeného v 19. století. V díle vynikajícího ruského skladatele DS Bortňanského (1751-1825) zastupují operní žánr lyrické opery Sokol a Soupeřský syn, na jejichž hudbu se z hlediska rozvoje operních forem a dovednosti lze srovnatelné s moderními příklady západoevropské opery.

Opera sloužila v 18. století. velká popularita. Postupně do stavovských divadel pronikala opera z hlavního města. Pevnostní divadlo na přelomu 18. a 19. století. uvádí jednotlivé vysoce umělecké ukázky provedení oper a jednotlivých rolí. Nominováni jsou talentovaní ruští zpěváci a herci, jako např. zpěvačka E. Sandunova, která vystupovala na scéně hlavního města, nebo nevolnická herečka divadla Šeremetěva P. Zhemčugova.

Umělecké úspěchy ruské opery 18. století. dal impuls k rychlému rozvoji hudebního divadla v Rusku v první čtvrtině 19. století.

Spojení ruského hudebního divadla s myšlenkami, které určují duchovní život té doby, se zvláště v letech posilují Vlastenecká válka 1812 a během let hnutí Decembrist. Téma vlastenectví, odrážející se v historických i současných zápletkách, se stává základem mnoha dramatických i hudebních představení. Myšlenky humanismu, protest proti sociální nerovnosti inspirují a zúrodňují divadelní umění.

Na počátku XIX století. ještě nelze mluvit o opeře v plném slova smyslu. velkou roli v ruštině hudební divadlo hrát smíšené žánry: tragédie s hudbou, vaudeville, komická opera, opera-balet. Ruská opera před Glinkou neznala díla, jejichž dramaturgie by se opírala pouze o hudbu bez jakýchkoli mluvených epizod.

O. A. Kozlovský (1757-1831), který vytvořil hudbu k tragédiím Ozerova, Katenina, Shakhovského, byl vynikajícím skladatelem „tragédie na hudbě“. V žánru varieté se úspěšně uplatnili skladatelé A. A. Alyabyev (1787-1851) a A. N. Verstovsky (1799-1862), kteří složili hudbu k řadě variet humorného i satirického obsahu.

Opera z počátku 19. století rozvíjely tradice předchozího období. Charakteristickým jevem byla každodenní vystoupení, doprovázená lidovými písněmi. Příkladem tohoto druhu jsou představení: „Yam“, „Gatherings“, „Girlfriend“ atd., k nimž hudbu napsal amatérský skladatel A.N. Titov (1769-1827). Ale to zdaleka nevyčerpalo bohatý divadelní život té doby. Příklon k romantickým tendencím typickým pro tehdejší dobu se projevoval v nadšení společnosti pro pohádkově-fantastická představení. Zvláštního úspěchu dosáhla Dněprská ​​mořská panna (Lesta), která měla několik dílů. Hudbu k těmto operám, které tvořily jakoby kapitoly románu, napsali skladatelé S. I. Davydov, K. A. Kavos; částečně byla použita hudba rakouského skladatele Cauera. „Dněprská ​​mořská panna“ dlouho neopouštěla ​​jeviště nejen díky zábavné zápletce, která v hlavních rysech předjímá děj Puškinovy ​​„Mořské panny“, nejen díky luxusní produkci, ale i díky melodická, jednoduchá a přístupná hudba.

Italskému skladateli C. A. Cavosovi (1775-1840), s mladá léta který působil v Rusku a věnoval velké úsilí rozvoji ruského operního představení, patří k prvnímu pokusu o vytvoření historicko-hrdinské opery. V roce 1815 nastudoval v Petrohradě operu Ivan Susanin, v níž se na základě jedné z epizod boje ruského lidu proti polské invazi na počátku 17. století pokusil vytvořit národně-vlasteneckou výkon. Tato opera reagovala na náladu společnosti, která přežila osvobozovací válku proti Napoleonovi. Cavosova opera se mezi moderními díly příznivě vyznačuje dovedností profesionálního hudebníka, spoléháním se na ruský folklór, živostí akce. Přesto se nepovyšuje nad úroveň četných „záchranných oper“ francouzských skladatelů, pochodujících na stejném pódiu; Kavos v něm nemohl vytvořit lidově-tragický epos, který Glinka vytvořil o dvacet let později, s použitím stejné zápletky.

Největší skladatel první třetiny XIX století. Je třeba uznat A. N. Verstovského, který byl zmíněn jako autor hudby k vaudeville. Jeho opery „Pan Tvardovský“ (vydáno 1828), „Askoldův hrob“ (odepsáno 1835), „Vadim“ (vydáno 1832) a další komponované nová etapa vývoj ruské opery před Glinkou. Odráželo se dílo Verstovského charakterové rysy Ruský romantismus. Ruský starověk, básnické legendy Kyjevská Rus, pohádky a legendy jsou jádrem jeho oper. Významnou roli v nich hraje magický prvek. Verstovského hudba, hluboce zakořeněná, vycházející z umění lidové písně, vstřebávala lidový původ v nejširším slova smyslu. Jeho postavy jsou typické pro lidové umění. Verstovský jako mistr operní dramaturgie vytvářel romanticky barevné scény fantastického obsahu. Příkladem jeho stylu je opera „Askoldův hrob“, která se na repertoáru dochovala dodnes. Vykazoval nejlepší rysy Verstovského - melodický dar, vynikající dramatický talent, schopnost vytvářet živé a charakteristické obrazy postav.

Verstovského díla patří do předklasického období ruské opery, i když jejich historický význam je velmi velký: shrnují a rozvíjejí všechny nejlepší vlastnosti předchozí a současné období vývoje ruské operní hudby.

Od 30. let. 19. století Ruská opera vstupuje do svého klasického období. Zakladatel ruské operní klasiky M. I. Glinka (1804-1857) vytvořil historickou a tragickou operu „Ivan Susanin“ (1830) a pohádkově epickou – „Ruslan a Ludmila“ (1842). Tyto opery položily základ pro dva z nejdůležitějších trendů ruského hudebního divadla: historickou operu a magický epos. Glinkovy tvůrčí principy byly implementovány a rozvíjeny další generací ruských skladatelů.

Glinka se jako umělec rozvinul v době zastíněné myšlenkami decembrismu, což mu umožnilo pozvednout ideový a umělecký obsah jeho oper na novou, významnou úroveň. Byl prvním ruským skladatelem, v jehož díle se středem celého díla stal obraz lidu, zobecněný a hluboký. Téma vlastenectví je v jeho díle nerozlučně spjato s tématem boje lidu za nezávislost.

Předchozí období ruské opery připravilo podobu Glinkových oper, ale jejich kvalitativní odlišnost od dřívějších ruských oper je velmi výrazná. V Glinkových operách se realismus uměleckého myšlení neprojevuje ve svých soukromých aspektech, ale působí jako celistvá tvůrčí metoda, která umožňuje hudebně a dramaticky zobecnit myšlenku, téma a děj opery. Glinka chápal národnostní problém novým způsobem: znamenal pro něj nejen hudební rozvoj lidové písně, ale také hluboký, mnohostranný odraz života, citů a myšlenek lidí v hudbě, odhalení charakteristických rysů svého duchovního vzhledu. Skladatel se neomezil na reflexi lidového života, ale vtělil do hudby typické rysy lidového vidění světa. Glinkovy opery jsou integrální hudební a dramatická díla; nemají mluvené dialogy, obsah je vyjádřen pomocí hudby. Místo samostatných, nerozvinutých sólových a sborových čísel komické opery vytváří Glinka velké, detailní operní formy a rozvíjí je s opravdovou symfonickou dovedností.

V "Ivan Susanin" Glinka zpíval hrdinskou minulost Ruska. S velkou uměleckou pravdou jsou v opeře ztělesněny typické obrazy ruského lidu. Rozvoj hudebně dramatického umění je založen na protikladu různých národních hudebních sfér.

„Ruslan a Ludmila“ je opera, která znamenala začátek lidových epických ruských oper. Význam "Ruslan" pro ruskou hudbu je velmi velký. Opera zasáhla nejen do divadelních žánrů, ale i do symfonických. Majestátní hrdinské a tajemně magické, stejně jako barevně-orientální obrazy „Ruslan“ živily ruskou hudbu po dlouhou dobu.

Po Glinkovi následoval A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), typický umělec éry 40.-50. 19. století Glinka měl na Dargomyžského velký vliv, ale zároveň se v jeho díle objevily nové kvality, zrozené z nových společenských podmínek, nových témat, ruské umění. vřelé sympatie pro ponížený člověk, vědomí zhoubnosti sociální nerovnosti, kritický postoj k sociální struktuře se odrážejí v díle Dargomyzhského, spojeného s myšlenkami kritického realismu v literatuře.

Dargomyžského dráha operního skladatele začala vytvořením opery „Esmeralda“ po V. Hugovi (vydáno v roce 1847) a za skladatelovo ústřední operní dílo je třeba považovat „Mořská panna“ (podle dramatu AS Puškina), inscenovaná v roce 1856 V této opeře se naplno projevil Dargomyžského talent a určil se směr jeho tvorby. Drama sociální nerovnosti mezi milujícími dcerami mlynáře Nataši a prince upoutalo skladatele aktuálností tématu. Dargomyžskij posílil dramatickou stránku děje tím, že zlehčoval fantastický prvek. Rusalka je první ruská každodenní lyricko-psychologická opera. Její hudba je hluboce lidová; Na písňovém základě vytvořil skladatel živé obrazy hrdinů, rozvinul deklamační styl v partech hlavních postav, rozvinul ansámblové scény, výrazně je dramatizoval.

Poslední Dargomyžského opera Kamenný host po Puškinovi (uveřejněná v roce 1872, po skladatelově smrti) patří do jiného období ve vývoji ruské opery. Dargomyzhsky si v něm dal za úkol vytvořit realistický hudební jazyk, který odráží intonaci řeči. Skladatel zde opustil tradiční operní formy - árie, ansámbl, sbor; vokální party opery převažují nad orchestrálním, Kamenný host položil základ jednomu ze směrů následujícího období ruské opery, tzv. komorní recitativní opeře, později uváděné Mozartem Rimského-Korsakova a Salieriho, Rachmaninovem. Miserly Knight a další. Zvláštností těchto oper je, že všechny vycházejí z nezměněného plného textu Puškinových „malých tragédií“.

V 60. letech. Ruská opera vstoupila do nové etapy svého vývoje. Na ruské scéně se objevují díla skladatelů Balakirevova okruhu (“ mocná hrstka“) a Čajkovskij. Ve stejných letech se rozvinula práce A. N. Serova a A. G. Rubinshteina.

Operní dílo A. N. Serova (1820-1871), který se proslavil jako hudební kritik, nelze řadit k velmi významným fenoménům ruského divadla. Svého času však jeho opery sehrály pozitivní roli. V opeře "Judith" (pošta, v roce 1863) vytvořil Serov dílo hrdinsko-vlasteneckého charakteru na biblický příběh; v opeře Rogneda (komponovaná a nastudovaná v roce 1865) se obrátil k éře Kyjevské Rusi, chtěl pokračovat v linii Ruslan. Opera však nebyla dostatečně hluboká. Velmi zajímavá je Serovova třetí opera Nepřátelská síla podle dramatu A. N. Ostrovského Nežij, jak chceš (uveřejněno v roce 1871). Skladatel se rozhodl vytvořit písňovou operu, jejíž hudba by měla vycházet z primárních zdrojů. Opera však nemá jednotnou dramatickou koncepci a její hudba nevystupuje do výšin realistického zobecnění.

A. G. Rubinshtein (1829-1894) jako operní skladatel začal složením historické opery Bitva u Kulikova (1850). vytvořil lyrickou operu Theramors a romantickou operu Děti stepí. Na repertoáru se dochovala nejlepší Rubinsteinova opera Démon podle Lermontova (1871). Tato opera je příkladem ruské lyrické opery, ve které jsou nejtalentovanější stránky věnovány vyjádření pocitů postav. žánrové scény"Demona", ve které skladatel použil lidovou hudbu Zakavkazska, přináší místní barvu. Opera Démon měla úspěch mezi současníky, kteří v protagonistovi viděli podobu muže 40. a 50. let.

Operní tvorba skladatelů Mocné hrstky a Čajkovského byla úzce spjata s novou estetikou 60. let. Nové společenské podmínky kladou ruským umělcům nové úkoly. Hlavní probléméra se stala problémem odrazu v uměleckých dílech lidový život v celé své složitosti a nejednotnosti. Dopad myšlenek revolučních demokratů (především Černyševského) se v oblasti hudební tvořivosti projevil gravitací k univerzálně významným tématům a zápletkám, humanistickou orientací děl a oslavou vysokých duchovních sil lidu. . V této době je obzvláště důležité historické téma.

Zájem o historii jejich lidu v těchto letech je typický nejen pro skladatele. Historická věda sama se široce rozvíjí; spisovatelé, básníci a dramatici se obracejí k historickému tématu; se vyvíjí historická malba. Největšímu zájmu se těší éry převratů, rolnických povstání, masových hnutí. Významné místo zaujímá problém vztahu lidu a královské moci. Tomuto tématu se věnují historické opery M. P. Musorgského a N. A. Rimského-Korsakova.

Opera M. P. Musorgského (1839-1881), Borise Godunova (1872) a Khovanshchina (dokončení Rimským-Korsakovem v roce 1882) patří k historické a tragické větvi ruské klasické opery. Skladatel je nazval „lidovými hudebními dramaty“, protože středem obou děl jsou lidé. hlavní myšlenka"Boris Godunov" (podle stejnojmenné tragédie od Puškina) - konflikt: car - lid. Tato myšlenka byla jednou z nejdůležitějších a nejnaléhavějších v poreformní době. Musorgskij chtěl v událostech z ruské minulosti najít analogii se současností. Rozpor mezi lidovými zájmy a autokratickou mocí se ukazuje ve scénách lidového hnutí přecházejícího v otevřené povstání. Velkou pozornost přitom skladatel věnuje „tragédii svědomí“, kterou zažil car Boris. Mnohostranný obraz Borise Godunova je jedním z nejvyšších úspěchů světové opery.

Druhé Musorgského hudební drama Chovanščina je věnováno streleckým povstáním na konci 17. století. Živel lidového hnutí v celé jeho bujné síle skvěle vyjadřuje hudba opery, založená na tvůrčím přehodnocení umění lidové písně. Hudba "Khovanshchina", stejně jako hudba "Boris Godunov", se vyznačuje vysokou tragédií. Základem melodické míle obou oper je syntéza písňových a deklamačních začátků. Musorgského inovace, zrozená z neotřelosti jeho koncepce, a hluboce originální řešení problémů hudební dramaturgie řadí obě jeho opery k nejvyšším počinům hudebního divadla.

Ke skupině historických hudebních děl se připojuje i opera A. P. Borodina (1833-1887) "Princ Igor" (její děj byl "Příběh Igorova tažení"). Myšlenku lásky k vlasti, myšlenku jednoty tváří v tvář nepříteli odhaluje skladatel velkým dramatem (scény v Putivl). Skladatel spojil ve své opeře monumentalitu epického žánru s lyrickým začátkem. V poetickém ztělesnění poloveckého tábora jsou implementována Glinkova přikázání; Borodinovy ​​hudební obrazy Východu zase inspirovaly mnoho ruských a sovětských skladatelů k vytvoření orientálních obrazů. Borodinův nádherný melodický dar se projevil v širokém pěveckém stylu opery. Borodin nestihl operu dokončit; Kníže Igor byl dokončen Rimským-Korsakovem a Glazunovem a inscenován ve své verzi v roce 1890.

Žánr historického hudebního dramatu rozvinul i N. A. Rimskij-Korsakov (1844-1908). Svobodní pskovští rebelové proti Ivanu Hroznému (opera Žena ze Pskova, 1872) vykreslil skladatel s epickou majestátností. Obraz krále je plný skutečného dramatu. Lyrický prvek opery, spojený s hrdinkou Olgou, obohacuje hudbu a vnáší do majestátního tragického pojetí rysy vznešené něhy a měkkosti.

P. I. Čajkovskij (1840-1893), nejznámější svými lyricko-psychologickými operami, byl autorem tří historických oper. Dramatickým událostem ruských dějin jsou věnovány opery Oprichnik (1872) a Mazepa (1883). V opeře The Maid of Orleans (1879) se skladatel obrátil k dějinám Francie a vytvořil podobu národní francouzské hrdinky Johanky z Arku.

Charakteristickým rysem Čajkovského historických oper je jejich příbuznost s jeho lyrickými operami. Skladatel v nich odhaluje charakteristické rysy zobrazované doby prostřednictvím osudů jednotlivých lidí. Obrazy jeho hrdinů se vyznačují hloubkou a pravdivostí přenosu složitého vnitřního světa člověka.

Kromě lidově historických hudebních dramat v ruské opeře XIX. významné místo zaujímají lidové pohádkové opery, hojně zastoupené v díle N. A. Rimského-Korsakova. Nejlepší pohádkové opery Rimského-Korsakova jsou Sněhurka (1881), Sadko (1896), Kaščej nesmrtelný (1902) a Zlatý kohoutek (1907). Zvláštní místo zaujímá opera Příběh neviditelného města Kitezh a panny Fevronia (1904), vycházející z lidových pověstí o tatarsko-mongolské invazi.

Opery Rimského-Korsakova ohromují rozmanitostí interpretací žánru lidové pohádky. Buď jde o poetický výklad dávných lidových představ o přírodě, vyjádřený v nádherné pohádce o Sněhurce, nebo o silný obraz starověkého Novgorodu, či obraz Ruska na počátku 20. století. v alegorickém obrazu chladného Kaščejevského království, pak skutečná satira na prohnilý autokratický systém v pohádkově populárních obrazech („Zlatý kohoutek“). V různých případech se způsoby hudebního ztvárnění postav a techniky hudební dramaturgie Rimského-Korsakova liší. Ve všech jeho operách je však cítit hluboký tvůrčí průnik skladatele do světa lidových představ, lidového přesvědčení, do světonázoru lidu. Základem hudby jeho oper je jazyk lidová píseň. Spoléhání se na lidové umění Charakterizace postav pomocí různých lidových žánrů je typickým rysem Rimského-Korsakova.

Vrcholem tvorby Rimského-Korsakova je majestátní epos o vlastenectví ruského lidu v opeře Legenda o neviditelném městě Kitezh a panny Fevronii, kde skladatel dosáhl velkého hudebního a symfonického zobecnění tématu. .

Mezi další odrůdy ruské klasické opery patří jedno z hlavních míst lyricko-psychologické opeře, jejíž počátek položila Dargomyžského Rusalka. Největším představitelem tohoto žánru v ruské hudbě je Čajkovskij, autor skvělých děl zařazených do světového operního repertoáru: Evžen Oněgin (1877-1878), Čarodějka (1887), Piková dáma (1890), Iolanta (1891) ). Čajkovského novátorství je spojeno se směřováním jeho tvorby, věnované myšlenkám humanismu, protestu proti ponižování člověka, víře v lepší budoucnost lidstva. Vnitřní svět lidí, jejich vztahy, jejich pocity se v Čajkovského operách odhalují spojením divadelní účinnosti s důsledným symfonickým vývojem hudby. Operní dílo Čajkovského je jedním z největších fenoménů světového hudebního a divadelního umění 19. století.

Menší počet děl je zastoupen v operní tvorbě ruských skladatelů komediální opera. Těchto několik vzorků se však vyznačuje svou národní identitou. Není v nich žádná zábavná lehkost, komika. Většina z nich vycházela z Gogolových příběhů z Večerů na farmě u Dikanky. Každá z oper-komedií odrážela individuální charakteristiky autorů. V Čajkovského opeře "Čerevički" (1885; v první verzi - "Kovář Vakula", 1874) dominuje lyrický prvek; v "Májové noci" od Rimského-Korsakova (1878) - fantastický a rituální; v Musorgského Soročinské pouti (70. léta, nedokončeno) - čistě komediální. Tyto opery jsou příkladem dovednosti realistické reflexe života lidí v žánru komedie postav.

S ruskou operní klasikou se v ruském hudebním divadle pojí řada tzv. paralelních jevů. Máme na mysli tvorbu skladatelů, kteří nevytvořili díla trvalého významu, ačkoli sami přispěli k rozvoji ruské opery. Zde je třeba jmenovat opery Ts. A. Cui (1835-1918), člena Balakirevova okruhu, významného hudebního kritika 60.-70. Cuiovy opery „William Ratcliffe“ a „Angelo“, které neopouštějí konvenčně romantický styl, postrádají drama a občas i jasnou hudbu. Pozdější podpory Cui jsou méně důležité (" Kapitánova dcera“, „Mademoiselle Fifi“ atd.). Doprovod klasické opery byl dílem vynikajícího dirigenta a hudební režisér opery v Petrohradě od E. F. Napravnika (1839-1916). Nejznámější je jeho opera „Dubrovský“, komponovaná podle tradice Čajkovského lyrických oper.

Ze skladatelů, kteří vystupovali na konci 19. stol. na operní scéně musíme jmenovat A. S. Arenského (1861-1906), autora oper Sen na Volze, Rafael a Nal a Damayanti, dále M. M. Ippolitova-Ivanova (1859-1935), jehož opera Asya po r. IS Turgeněv, byl napsán lyrickým způsobem Čajkovského. Stojí mimo dějiny ruské opery „Oresteia“ S. I. Taneyeva (1856-1915) podle Aischyla, kterou lze označit za divadelní oratorium.

V téže době působil S. V. Rachmaninov (1873-1943) jako operní skladatel, který na konci konzervatoře (1892) zkomponoval jednoaktovou operu „Aleko“, udržovanou v tradicích Čajkovského. Rachmaninovovy pozdější opery - Francesca da Rimini (1904) a Lakomý rytíř (1904) - byly napsány v povaze operních kantát; v nich je scénická akce maximálně zhuštěná a hudební a symfonický začátek velmi rozvinutý. Hudba těchto oper, talentovaná a bystrá, nese otisk originality autorova tvůrčího stylu.

Z méně významných fenoménů operního umění počátku 20. století. jmenujme operu AT Grechaninova (1864-1956) „Dobryňa Nikitich“, v níž charakteristické rysy pohádkově epické klasické opery ustoupily romantickým textům, a dále operu AD Kastalského (1856-1926) „Clara Milic “, ve kterém se snoubí prvky naturalismu s upřímnou působivou lyrikou.

XIX století - éra ruských operních klasiků. Ruští skladatelé vytvořili mistrovská díla v různých žánrech opery: drama, epos, hrdinská tragédie, komedie. Vytvořili inovativní hudební drama, které se zrodilo v těsném spojení s inovativním obsahem oper. Důležitá, určující role masových lidových scén, mnohostranná charakterizace postav, nová interpretace tradičních operních forem a vytváření nových principů hudební jednoty celého díla jsou charakteristické rysy ruské operní klasiky.

Ruská klasická opera, která se vyvíjela pod vlivem progresivního filozofického a estetického myšlení, pod vlivem událostí ve veřejném životě, se stala jedním z pozoruhodných aspektů ruské národní kultura XIX v. Celá cesta vývoje ruské opery v minulém století probíhala paralelně s velkým osvobozeneckým hnutím ruského lidu; skladatelé se inspirovali vysokými myšlenkami humanismu a demokratického osvícenství a jejich díla jsou pro nás skvělými příklady skutečně realistického umění.

Vzácné divadlo se dnes obejde bez ruského repertoáru: inscenují klasické opery Petra Čajkovského a Nikolaje Rimského-Korsakova, Modesta Musorgského a Igora Stravinského, Sergeje Prokofjeva a Dmitrije Šostakoviče. Portál "Culture.RF" studoval plakáty různých let při hledání domácí práce miloval na Západě, od 19. století do současnosti.

19. století

V roce 1844 uvedl ředitel Petrohradské dvorní pěvecké kaple, skladatel Alexej Lvov, operu Bianca a Gualtiero v Královském divadle v Drážďanech. O deset let později byla ve Výmaru uvedena opera Antona Rubinsteina Sibiřští lovci, kterou dirigoval slavný skladatel a klavírista Franz Liszt. Byly to první opery, které získaly uznání v zahraničí. Pravda, dnes je Rubinstein známý další operou – „Démon“ a Lvov – jako autor hymny „Bůh ochraňuj cara!“.

NA konec XIX Ruská hudba se po staletí hraje téměř ve všech velkých sálech v Evropě a USA – její tváří se na Západě stali Michail Glinka, Anton Rubinstein a Petr Čajkovskij. Evropské publikum vidělo Glinkův „Život pro cara“ v roce 1866 a „Ruslan a Ludmila“ v roce 1867 – představení se konala v Praze. Na stejném místě se v 80. a 90. letech 19. století konaly evropské premiéry oper Petra Čajkovského Panna Orleánská, Evžen Oněgin a Piková dáma.

"Glinka, stejně jako Bortnyansky, studovala u Basurmanů... ale pouze ve formách." Vnitřní duch jeho tvorby, obsah jeho hudby je zcela originální. Glinka psal skutečně ruské opery a vytvořil zcela novou, když ne školu, tak alespoň školu hudební, do které patřím a jsem Glinkovým potomkem.

Petr Čajkovskij. Z dopisu vydavateli Peteru Jurgensonovi

V roce 1887 byla v New Yorku provedena opera Antona Rubinsteina Nero. A o rok později, navzdory tradici překládání libreta, v Londýně uvedli jeho vlastního „Démona“ v originále.

1900-1930

5. března 1910 v Metropolitní opeře v New Yorku poprvé v Americe uvedena "Piková dáma" od Čajkovského - v němčině. Premiéru dirigoval rakouský skladatel Gustav Mahler a hlavní party nastudovaly tehdejší hvězdy - Leo Slezak a Emmy Destinnová. V roce 1913 byla v Metropolitanu provedena opera Modesta Musorgského "Boris Godunov" a v roce 1917 - "Princ Igor" Alexandra Borodina. V roce 1920 byl newyorské veřejnosti prezentován „Eugene Oněgin“ – na italština a s italskými hvězdami Claudia Muzio a Giuseppe De Luca. Evropské publikum také sledovalo Sněhurku Nikolaje Rimského-Korsakova a Musorgského komickou operu Soročinskij jarmark.

Ve stejné době si ruská hudba podmanila mladý, ale již evropsky známý Salcburský festival: v roce 1928 přijela do města Mozarta delegace z Leningradu. Operní pěvec Nikolaj Česnokov ztvárnil roli Pancrasia v současné komické opeře Salamanca Cave od rakouského skladatele Bernharda Paumgartnera. Libreto v ruštině k opeře napsal sovětský režisér a tenorista Emmanuil Kaplan. Zpíval také roli Kaščeje ve hře Rimského-Korsakova Kaščej nesmrtelný a nastudoval Kamenný host Alexandra Dargomyžského. Část Kashcheevna na Salcburském festivalu v roce 1928 hrála budoucí hvězda Akademické divadlo opera a balet (dnes - Mariinsky) Sofia Preobrazhenskaya.

30.–90. léta 20. století

Navzdory světovým válkám a železné oponě se balety a hudba ruských skladatelů nadále objevovaly na zahraničních scénách po celé 20. století. S operami to ale bylo jiné: od 30. do 90. let se v evropských divadlech prakticky nehrály – uváděly jen populární představení. Například Boris Godunov byl uveden v Salcburku v nastudování šéfa festivalu Herberta von Karajana: opera běžela tři roky po sobě - ​​od roku 1965 do roku 1967. Bulharský bas Nikolay Gyaurov zazářil v titulní partě, roli Předstíratele ztvárnil tenor Velkého divadla Alexej Maslennikov - Grigory Otrepiev. V roce 1971 byla vydána nahrávka „Boris Godunov“ pod taktovkou rakouského dirigenta s Maslennikovem jako Jurodivym a Galinou Višněvskou jako Marinou Mnishek. Příště se na Salcburském festivalu představila ruská opera až v roce 1994 – a opět to byl Boris Godunov.

Častěji než ostatní se během studené války řešilo ruské dědictví hlavní divadlo Amerika - Metropolitní opera. Několikrát otevřel sezónu s ruskými jmény: v letech 1943 a 1977 - "Boris Godunov", v letech 1957 a 2013 - "Eugene Onegin". V roce 1950 zde byla uvedena Chovanščina od Modesta Musorgského, i když v angličtině. Kulisy pro představení vytvořil slavný ruský emigrantský umělec Mstislav Dobužinskij.

Divadlo chtělo inscenovat opery v původním jazyce, ale na Západě nebyli žádní špičkoví rusky mluvící zpěváci a jednorázové návštěvy sólistů Velké divadlo nezměnilo celkový obraz.

„Ruský jazyk představuje zvláštní problém, protože ruské hlasy se liší od italštiny, francouzštiny nebo němčiny. Ruský zpěv má charakteristický témbr, který rezonuje v hrudi, při správném provedení zní jako z útrob země.

Steve Coen. Kulturní kritik

A přesto v roce 1972 zazněla Piková dáma s původním libretem. Do představení se zapojil švédský tenorista s ruskými kořeny Nikolai Gedda a bulharská sopranistka Raina Kabaivanska. Prvním lektorem ruského jazyka v Metropolitní opeře byl bývalý zpěvák Georgij Čechanovskij. Sledoval výslovnost, zpěv a výpravu.

V roce 1974 byl Boris Godunov propuštěn v ruštině. Polonézu k polskému aktu nastudoval rodák z Petrohradu, zakladatel amerického baletu, choreograf George Balanchine. Od roku 1977 se Evžen Oněgin v Metropolitanu zpívá rusky, v roce 1979 hlavní role v tomto představení hráli sólisté Velkého divadla Makvala Kasrashvili a Jurij Mazurok. V roce 1985 se Khovanshchina vrátila na scénu v původním jazyce.

nový čas

Po roce 1991 Gambler od Sergeje Prokofjeva, Zlatý kohoutek a Mozart a Salieri od Nikolaje Rimského-Korsakova, Aleko, Lakomý rytíř a Francesca da Rimini od Sergeje Rachmaninova, Čarodějka »Pjotr ​​Čajkovskij.

Repertoár Metropolitní opery byl rovněž doplněn o nové tituly: Šostakovičovy opery Lady Macbeth z Mcenského okresu a Nos, Prokofjevův Hráč a Vojna a mír, Čajkovského Mazeppa a Iolanta. Prakticky všech „ruských“ premiér se zúčastnil šéfdirigent Mariinského divadla Valerij Gergiev a sólisté z Petrohradu.

V roce 2002 vytvořilo Mariinské divadlo a Metropolitní opera společnou inscenaci Vojna a mír v režii Andreje Končalovského. Poté na diváky a kritiky udělala velký dojem mladá Anna Netrebko v roli Nataši Rostové. Part Andreje Bolkonského provedl Dmitrij Hvorostovskij. V roce 2014 zde byla poprvé od newyorské premiéry v roce 1917 uvedena Borodinova opera Princ Igor. Režisérem se stal Dmitrij Černyakov a titulní roli ztvárnil Ildar Abdrazakov, bas Mariinského divadla.

Salcburský festival uvedl za posledních 20 let také mnoho ruských oper: Boris Godunov a Chovanščina od Musorgského, Evžen Oněgin, Piková dáma a Mazeppa od Čajkovského, Vojna a mír od Prokofjeva, Slavík od Stravinského. V létě 2017 byla v Salcburku poprvé uvedena opera Dmitrije Šostakoviče Lady Macbeth z Mcenského okresu a v srpnu 2018 bude Piková dáma uvedena podruhé v historii festivalu. Vídeňská státní opera v této sezóně uvádí Khovanshchina, Evžen Oněgin a Gambler.

Ruská představení se konají také v Pařížské národní opeře. Na jaře 2017 otevřel Pařížanům ruský režisér Dmitrij Černyakov v Evropě zřídka uváděnou Sněhurku Rimského-Korsakova a o rok dříve na té samé hudbě Čajkovského operu Iolanta a balet Louskáček. večer, se zde stal vrcholem sezóny. Premiéra v roce 1892.

Pařížská opera uvede v červnu 2018 novou interpretaci „Borise Godunova“ v režii slavného belgického režiséra Iva van Hovea a v sezóně 2019/20 premiéru „Princ Igor“ nastuduje Australan Barry Kosky. .

9. prosince 1836 (27. listopadu ve starém stylu) se na scéně petrohradského Velkého divadla konala premiéra opery Michaila Ivanoviče Glinky Život pro cara, která znamenala začátek nové éry ruské operní hudby. .

Touto operou začala průkopnická cesta prvního ruského klasického skladatele, která ho posunula na světovou úroveň. Budeme mluvit o nejvýznamnějších hudebních objevech Glinky.

První národní opera

M. I. Glinka si během svých cest po Evropě plně uvědomil svůj skutečný účel. Daleko od vlasti se skladatel rozhodl vytvořit skutečnou ruskou operu a začal pro ni hledat vhodnou zápletku. Na radu Žukovského se Glinka usadila na vlasteneckém příběhu - legendě o činu Ivana Susanina, který dal svůj život ve jménu záchrany své vlasti.

Poprvé se ve světové operní hudbě objevil takový hrdina – prostého původu a s těmi nejlepšími rysy. národní charakter. Poprvé v hudební skladba v takovém měřítku zněly nejbohatší tradice národního folklóru, ruské písničkářství. Publikum přijalo operu s nadšením, skladateli se dostalo uznání a slávy. V dopise své matce Glinka napsal:

„Včera v noci se moje touhy konečně splnily a moje dlouhá dřina byla korunována tím nejskvělejším úspěchem. Publikum přijalo mou operu s mimořádným nadšením, herci se neovládli elánem... suverén-císař... poděkoval a dlouho se mnou mluvil...“.

Opera byla vysoce ceněna kritiky a kulturními osobnostmi. Odoevskij to nazval "počátkem nového prvku v umění - období ruské hudby."

Do hudby přichází pohádkový epos

V roce 1837 začala Glinka pracovat na nové opeře, tentokrát se obrátila k básni A. S. Puškina Ruslan a Ludmila. Myšlenka zhudebnit pohádkový epos přišel Glinkovi ještě za života básníka, který mu měl pomoci s libretem, ale Puškinova smrt tyto plány narušila.

Premiéra opery se konala v roce 1842 - 9. prosince, přesně šest let po Susanin, ale bohužel nepřinesla tak výrazný úspěch. Šlechtická společnost v čele s císařskou rodinou se postavila produkci nevraživě. Kritici a dokonce i příznivci Glinky reagovali na operu nejednoznačně.

„Na konci 5. dějství odešla císařská rodina z divadla. Když se spustila opona, začali na mě volat, ale velmi nepřátelsky tleskali, mezitím horlivě syčeli a hlavně z jeviště a orchestru,“

vzpomínal skladatel.

Důvodem této reakce byla inovace Glinky, se kterou přistoupil k vytvoření Ruslana a Lyudmily. Skladatel v tomto díle spojil zcela odlišné motivy a obrazy, které se předtím ruskému posluchači zdály neslučitelné – lyrické, epické, folklórní, orientální a fantastické. Glinka navíc zanechal divákovi známou podobu italské a francouzské operní školy.

Tento pozdější pohádkový epos byl posílen v dílech Rimského-Korsakova, Čajkovského, Borodina. Veřejnost ale v té době na tento druh revoluce v operní hudbě prostě nebyla připravena. Glinkova opera byla dlouho považována za ne jevištní dílo. Jeden z jejích obhájců, kritik V. Stasov, ji dokonce nazval „mučednicí naší doby“.

Počátky ruské symfonické hudby

Po selhání Ruslana a Lyudmily odešel Glinka do zahraničí, kde pokračoval v tvorbě. V roce 1848 se objevila slavná "Kamarinskaya" - fantazie na témata dvou ruských písní - svatba a tanec. Ruská symfonická hudba pochází z Kamarinskaya. Jak skladatel připomněl, napsal ji velmi rychle, a proto ji nazval fantasy.

„Mohu vás ujistit, že mě při skládání této hry vedl jediný vnitřní hudební pocit aniž bychom přemýšleli o tom, co se děje na svatbách, jak chodí naši ortodoxní lidé,

řekla Glinka později. Je zajímavé, že „experti“ blízcí carevně Alexandry Fjodorovně jí vysvětlili, že na jednom místě práce je jasně slyšet, jak „na dveře chýše klepe opilý muž“.

Takže prostřednictvím dvou nejoblíbenějších ruských písní Glinka schválila nový typ symfonická hudba a položil základ pro jeho další rozvoj. Čajkovskij komentoval dílo takto:

„Celá ruská symfonická škola, stejně jako celý dub v žaludku, je obsažena v symfonické fantazii „Kamarinskaya“.

Opera(ital.opera- práce práce práce; lat.opera- díla, výrobky, díla, pl. z opusu) - žánr hudebně-dramatického umění, ve kterém je obsah ztělesněn pomocí hudební dramaturgie, především prostřednictvím vokální hudby . Literární základ opery - libreto. Slovo „orega“ v překladu z italštiny doslova znamená práce, kompozice. V tomto hudebním žánru se spojuje poezie a dramatické umění, vokální a instrumentální hudba, mimika, tance, malba, kulisy a kostýmy v jeden celek.

Skladatel píše operu na základě zápletky vypůjčené například z literatury, " Ruslan a Ludmila», « Evžen Oněgin". Slovní text opery je tzv libreto.

Téměř každá opera začíná předehra- symfonický úvod, který v obecné rovině uvádí posluchače do obsahu celé akce.

1. Historie žánru

Opera se objevila v Itálie, v záhady, tedy duchovní reprezentace, v nichž epizodicky uváděná hudba stála na nízké úrovni. Duchovní komedie: „Obrácení sv. Pavel" ( 1480 ),Beverini, představuje vážnější dílo, ve kterém hudba provázela akci od začátku do konce. Uprostřed 16. století byly velmi oblíbené pastorále nebo pastorační hry, ve kterých byla hudba omezena na sbory, v povaze moteta nebo madrigalu. V "Amfiparnasso" Orazio Vecchi K doprovodu herců na jevišti sloužil sborový zpěv v zákulisí v podobě pětihlasého madrigalu. Tato „Commedia armonica“ byla poprvé udělena u soudu v Modeně v r 1597.

Jacopo Peri

Na konci 16. století pokusy zavést do takových skladeb monofonní zpěv ( monodie) přivedl operu na cestu, po které její vývoj rychle šel kupředu. Autoři těchto pokusů nazývali svá hudební a dramatická díla drama v hudbě nebo drama podle hudby; název "opera" se pro ně vžil v první polovině 17. století. Později například někteří operní skladatelé Richard Wagner, se opět vrátil k názvu „hudební drama“.

První operní dům pro veřejná představení byl otevřen v r 1637 v Benátky; dříve sloužila opera pouze dvorní zábavě. za prvé velká opera lze považovat za "Eurydice" Jacopo Peri vystupoval v 1597 . V Benátkách se od otevření veřejných představení během 65 let objevilo 7 divadel; Bylo pro ně napsáno 357 oper od různých skladatelů (až 40). Průkopníky opery byli: v Německu - Heinrich Schütz("Daphne" 1627 ), ve Francii - Převýšení("La pastorale", 1647), v Anglii - Purcell; ve Španělsku se první opery objevily na počátku XVIII století; v Rusku Araya jako první napsal operu (Cephal a Procris) na samostatný ruský text (1755). První ruskou operou napsanou ruskými způsoby je „Tanyusha, nebo šťastné setkání“, hudba F. G. Volkova (1756).

V 1868 arménský skladatel Tigran Chukhajyan vytváří operu Arshak II“- první opera v hudební historii Východní.

Za počátky opery lze považovat antickou tragédii. Opera jako samostatný žánr vznikla v Itálii na přelomu 16. a 17. století v kruhu hudebníků, filozofů a básníků ve Florencii. Byl tzv. kroužek milovníků umění "kamerata". Účastníci „kameraty“ snili o oživení starověké řecké tragédie, spojení dramatu, hudby a tance v jednom představení. První takové představení bylo uvedeno ve Florencii v roce 1600 a vyprávělo o Orfeovi a Eurydice. Existuje verze, že první hudební představení se zpěvem bylo uspořádáno v roce 1594 na pozemku starověký řecký mýtus o boji boha Apollóna s hadem Pythonem. Postupně se v Itálii začaly objevovat operní školy v Římě, Benátkách a Neapoli. Poté se opera rychle rozšířila po celé Evropě. Koncem 17. a počátkem 18. století se formují hlavní druhy opery: opera - seria (velká vážná opera) a opera - buffa (komická opera).

1. Opera v Rusku

Opera se v Rusku objevila na konci 18. století, kdy bylo otevřeno divadlo v Petrohradě. ruské divadlo. Nejprve to byly jen zahraniční opery. První ruské opery byly komické. Fomin je považován za jednoho z tvůrců. V roce 1836 se v Petrohradě konala premiéra Glinkovy opery Život pro cara. Opera v Rusku získala dokonalou formu, její rysy byly určeny: jasné hudební charakteristiky hlavních postav, absence hovorových dialogů. V 19. století se všichni nejlepší ruští skladatelé obrátili k opeře.