Tri diela od Glinky, ktoré znamenali začiatok novej éry v ruskej hudbe. Ruská opera Začiatok ruskej symfonickej hudby
Ruský umelec a spisovateľ Konstantin Korovin.
Boris Godunov. Korunovácia. 1934. Výprava k opere „Boris Godunov“ od poslanca Musorgského
Ruská opera, ktorá sa zrodila ako napodobenina západných vzorov, bola cenným prínosom do pokladnice celej svetovej kultúry. Ruská opera v 19. storočí, ktorá sa objavila v ére klasického rozkvetu francúzskych, nemeckých a talianskych opier, nielen dobehla klasické národné operné školy, ale ich aj prekonala. Zaujímavosťou je, že ruskí skladatelia si pre svoje diela tradične vyberali námety čisto ľudového charakteru.
1
"Život pre cára" od Glinky
Opera „Život pre cára“ alebo „Ivan Susanin“ rozpráva o udalostiach z roku 1612 - poľskom ťažení šľachty proti Moskve. Autorom libreta bol barón Jegor Rosen, avšak v sovietskych časoch bola redakcia libreta z ideologických dôvodov zverená Sergejovi Gorodeckému. Premiéra opery sa konala vo Veľkom divadle v Petrohrade v roku 1836. Časť Susanin hral dlho Fjodor Chaliapin. Po revolúcii „Život pre cára“ opustil sovietsku scénu. Boli pokusy prispôsobiť dej požiadavkám novej éry: takto bola Susanin prijatá do Komsomolu a posledné riadky zneli ako „Sláva, sláva, sovietsky systém“. Vďaka Gorodetskému, keď bola opera uvedená vo Veľkom divadle v roku 1939, bol „sovietsky systém“ nahradený „ruským ľudom“. Od roku 1945 Veľké divadlo už tradične otvára sezónu rôznymi inscenáciami Ivana Susanina od Glinku. Najambicióznejšia inscenácia opery v zahraničí bola realizovaná azda v milánskej La Scale.
2
"Boris Godunov" od Mussorského
Opera, v ktorej ako dvaja herci vybral kráľ a ľud, začal Musorgskij v októbri 1868. Na napísanie libreta skladateľ použil text rovnomennej Puškinovej tragédie a materiály z Karamzinových „Dejín ruského štátu“. Témou opery bolo obdobie vlády Borisa Godunova tesne pred Časom nepokojov. Musorgskij dokončil prvé vydanie opery Boris Godunov v roku 1869, ktoré bolo predstavené divadelnému výboru Riaditeľstva cisárskych divadiel. Recenzenti však operu odmietli a odmietli ju uviesť pre nedostatok svetla ženská rola... Musorgskij uviedol do opery „poľský“ akt milostnej línie Mariny Mniszek a False Dmitrija. Pridal aj monumentálnu scénu ľudového povstania, vďaka ktorej bolo finále veľkolepejšie. Napriek všetkým úpravám bola opera opäť zamietnutá. Bola uvedená len o 2 roky neskôr, v roku 1874, v Mariinskom divadle. V zahraničí sa premiéra opery konala vo Veľkom divadle v parížskej Grand Opera 19. mája 1908.
3
Piková dáma od Čajkovského
Operu dokončil Čajkovskij začiatkom jari 1890 vo Florencii a prvá inscenácia sa uskutočnila v decembri toho istého roku v Mariinskom divadle v Petrohrade. Operu napísal skladateľ na žiadosť cisárskeho divadla a Čajkovskij prvýkrát odmietol prijať objednávku, argumentujúc svoje odmietnutie nedostatkom "správneho javiskového výkonu" v zápletke. Je zaujímavé, že v Puškinovom príbehu Hlavná postava nesie priezvisko Hermann (s dvoma „n“ na konci) a v opere je hlavnou postavou muž menom Hermann – nejde o omyl, ale o zámernú zmenu autora. V roku 1892 bola opera prvýkrát uvedená mimo Ruska v Prahe. Potom - prvá produkcia v New Yorku v roku 1910 a premiéra v Londýne v roku 1915.
4
"Princ Igor" od Borodina
Základom libreta bol pomník Stará ruská literatúra"Niečo o Igorovom pluku." Myšlienku zápletky navrhol Borodinovi kritik Vladimir Stasov na jednom z hudobných večerov v Šostakovičovi. Opera vznikala viac ako 18 rokov, no skladateľ ju nikdy nedokončil. Po smrti Borodina dokončili prácu na diele Glazunov a Rimsky-Korsakov. Existuje názor, že Glazunov dokázal obnoviť z pamäti predohru opery, ktorú kedysi počul v autorskom podaní, sám Glazunov však tento názor vyvrátil. Napriek tomu, že väčšinu práce vykonali Glazunov a Rimsky-Korsakov, trvali na tom, že princ Igor bol výlučne operou Alexandra Porfirieviča Borodina. Premiéra opery sa konala v Mariinskom divadle v Petrohrade v roku 1890, po 9 rokoch ju videlo zahraničné publikum v Prahe.
5
Zlatý kohút Rimského-Korsakova
Opera Zlatý kohút bola napísaná v roku 1908 podľa rovnomennej Puškinovej rozprávky. Táto opera bola posledným dielom Rimského-Korsakova. Cisárske divadlá odmietli operu uviesť. Akonáhle ju však divák prvýkrát uvidel v roku 1909 v moskovskej opere Sergeja Zimina, o mesiac neskôr bola opera uvedená vo Veľkom divadle a potom začala svoj triumfálny pochod okolo sveta: Londýn, Paríž, New York, Berlín, Vroclav.
6
"Lady Macbeth z okresu Mtsensk" Shestakovič
Opera na motívy rovnomenného príbehu od Leskova bola dokončená v decembri 1930 a prvýkrát bola uvedená v Michajlovskom divadle v Leningrade v januári 1934. V roku 1935 bola opera uvedená publiku v Clevelande, Philadelphii, Zürichu, Buenos Aires, New Yorku, Londýne, Prahe, Štokholme. V druhej polovici 30-tych až do 50-tych rokov bola opera v Rusku inscenovaná a samotný Šestakovič bol odsúdený vedením Komunistickej strany krajiny. Dielo bolo opísané ako „zmätok namiesto hudby“, „zámerne urobené vrcholky“ a slúžilo ako impulz na prenasledovanie skladateľa. Predstavenia v Rusku sa obnovili až v roku 1962, ale diváci videli operu s názvom „Katerina Izmailova“.
7
"Kamenný hosť" Dargomyzhsky
Myšlienka opery prišla k Alexandrovi Dargomyzhskému v roku 1863. Skladateľ však pochyboval o jeho úspechu a dielo vnímal ako tvorivú „inteligenciu“, „zábavu nad Puškinovým Donom Juanom“. Napísal hudbu k Puškinovmu textu „The Stone Guest“ bez toho, aby v ňom zmenil jediné slovo. Skladateľovi však v dokončení diela zabránili srdcové problémy. Zomrel po tom, čo svojich priateľov Cui a Rimského-Korsakova požiadal o dokončenie diela v závete. Opera bola prvýkrát predstavená publiku v roku 1872 v Mariinskom divadle v Petrohrade. Zahraničná premiéra sa konala až v roku 1928 v Salzburgu. Táto opera sa stala jedným zo „základných kameňov“, bez jej znalosti nie je možné rozumieť nielen rusky klasická hudba ale aj spoločná kultúra našej krajiny.
Autorom eseje je N. V. Tumanina
Ruská opera je najcennejším príspevkom do pokladnice svetového hudobného divadla. Narodil sa v ére klasického rozkvetu talianskej, francúzskej a nemeckej opery, ruskej opery v 19. storočí. ostatné národné operné školy nielen dohnal, ale aj predbehol. Mnohostranný charakter vývoja ruskej opery v 19. storočí. prispel k obohateniu svetového realistického umenia. Diela ruských skladateľov otvorili novú oblasť opernej tvorivosti, vniesli do nej nový obsah, nové princípy budovania hudobnej drámy, priblížili operu k iným druhom hudobnej tvorivosti, predovšetkým k symfónii.
História ruskej klasickej opery je neoddeliteľne spojená s vývojom verejný život Rusko s rozvojom vyspelého ruského myslenia. Opera sa týmito spojeniami vyznačovala už v 18. storočí, ako národný fenomén sa objavila v 70. rokoch, v ére rozvoja ruského osvietenstva. Vznik ruskej opernej školy bol ovplyvnený vzdelávacie nápady, vyjadrené v túžbe pravdivo zobraziť život ľudu.
Ruská opera sa tak od svojich prvých krokov formovala ako demokratické umenie. Zápletky prvých ruských opier často presadzovali protipoddanské myšlienky, ktoré boli charakteristické aj pre ruské činoherné divadlo a ruskú literatúru na konci 18. storočia. Tieto tendencie sa však potom ešte nerozvinuli do uceleného systému, prejavili sa empiricky vo výjavoch zo života roľníkov, v ukazovaní ich útlaku zo strany zemepánov, v r. satirický obrazšľachta. Toto sú námety prvých ruských opier: „Nešťastie z koča“ od V. A. Paškeviča (okolo 1742-1797), libreto Ja. B. Kňažnin (pošta, 1779); „Kočíri v zostave“ od E. I. Fomina (1761-1800). V opere "Mlynár - čarodejník, podvodník a dohadzovač" s textom A.O. Ablessimova a hudbou M.M.Sokolovského (v druhom vydaní - E.I. V opere M. A. Matinského – V. A. Paškevič „Petrohradský Gostiny Dvor“ sú úžerník a úplatkár zobrazený v satirickej podobe.
Prvé ruské opery boli kusy s hudobnými epizódami. Veľmi dôležité v nich boli konverzačné scénky. Hudba prvých opier úzko súvisela s ruskou ľudovou piesňou: skladatelia hojne využívali melódie bežných ľudových piesní, spracovávali ich, čím sa stala základom opery. Napríklad v Melníku sú všetky charakteristiky postáv podané pomocou ľudových piesní iného charakteru. Opera "Petrohrad Gostiny Dvor" reprodukuje ľudový svadobný obrad s veľkou presnosťou. Vo filme „Kočovi na stojane“ vytvoril Fomin prvý príklad ľudovej zborovej opery, čím položil základy jednej z typických tradícií neskoršej ruskej opery.
Ruská opera sa rozvíjala v boji za svoju národnú identitu. Politika cárskeho dvora a elity vznešenej spoločnosti, ktorá sponzorovala zahraničné súbory, bola namierená proti demokratizmu ruského umenia. Pracovníci ruskej opery sa museli naučiť operným zručnostiam podľa vzorov západoeurópskej opery a zároveň obhájiť nezávislosť svojho národného smerovania. Tento boj sa na dlhé roky stal podmienkou existencie ruskej opery, ktorá na nových scénach nadobúdala nové podoby.
Spolu s operou-komédia v XVIII storočia. objavili sa aj iné operné žánre. V roku 1790 sa na dvore konalo predstavenie pod názvom „Olegova počiatočná správa“, text ku ktorému napísala cisárovná Katarína II. a hudbu zložili spoločne skladatelia K. Canobbio, G. Sarti a VA Paškevič. Predstavenie nemalo ani tak operný, ako skôr oratorický charakter a do istej miery ho možno považovať za prvý príklad hudobno-historického žánru, tak rozšíreného v 19. storočí. V dielach vynikajúceho ruského skladateľa DSBortňanského (1751-1825) zastupujú operný žáner lyrické opery Sokol a Súperiaci syn, ktorých hudbu možno z hľadiska rozvoja operných foriem a zručnosti začleniť do na úrovni súčasných príkladov západoeurópskej opery.
Budova opery bola využívaná v 18. storočí. veľmi populárny. Postupne opera z hlavného mesta prenikla aj do panských divadiel. Poddanské divadlo na prelome 18. a 19. storočia uvádza jednotlivé vysoko umelecké príklady stvárnenia opier a jednotlivých rolí. Nominovaní sú talentovaní ruskí speváci a herci, ako napríklad speváčka E. Sandunova, ktorá vystupovala na scéne hlavného mesta, alebo nevoľnícka herečka divadla Šeremeteva P. Zhemchugova.
Umelecké úspechy ruskej opery 18. storočia dal impulz k prudkému rozvoju hudobného divadla v Rusku v prvej štvrtine 19. storočia.
Väzby ruského hudobného divadla s myšlienkami definujúcimi duchovný život éry sa posilnili najmä počas vlasteneckej vojny v roku 1812 a počas rokov decembristického hnutia. Téma vlastenectva, reflektovaná v historických i súčasných témach, sa stáva základom mnohých dramatických a hudobných predstavení. Myšlienky humanizmu, protest proti sociálnej nerovnosti inšpirujú a obohacujú divadelné umenie.
Na začiatku XIX storočia. ešte nemožno hovoriť o opere v plnom zmysle slova. V ruskom hudobnom divadle hrajú dôležitú úlohu zmiešané žánre: tragédia s hudbou, vaudeville, komická opera, opera-balet. Pred Glinkom ruská opera nepoznala diela, ktorých dramaturgia by bola postavená len na hudbe bez akýchkoľvek konverzačných epizód.
O. A. Kozlovský (1757-1831) bol vynikajúcim skladateľom „tragédie na hudbe“, ktorý vytvoril hudbu k tragédiám Ozerova, Katenina, Shakhovského. V žánri estrády sa úspešne uplatnili skladatelia A. A. Alyabyev (1787 – 1851) a A. N. Verstovsky (1799 – 1862), ktorí skomponovali hudbu k množstvu vaudevillových humorných a satirických obsahov.
Opera na začiatku 19. storočia. rozvíjali tradície z predchádzajúceho obdobia. Typickým javom boli každodenné vystúpenia sprevádzané ľudovými piesňami. Príkladmi tohto druhu sú predstavenia: „Yam“, „Sitting“, „Devishnik“ atď., ku ktorým hudbu napísal amatérsky skladateľ A. N. Titov (1769-1827). To však nevyčerpalo bohatý divadelný život tej doby. Príťažlivosť k typickým romantickým tendenciám tej doby sa prejavila v fascinácii spoločnosti fantastickými a fantastickými predstaveniami. Mimoriadny úspech zožala Dneperská morská panna (Lesta), ktorá mala niekoľko častí. Hudbu k týmto operám, ktoré tvorili akoby kapitoly románu, napísali skladatelia S. I. Davydov, K. A. Kavos; čiastočne bola použitá hudba rakúskeho skladateľa Cauera. „Dneperská morská panna“ dlho neschádzala z javiska, a to nielen pre zábavnú zápletku, v hlavných črtách predvídajúca dej Puškinovej „Morskej panny“, nielen pre veľkolepú inscenáciu, ale aj pre melodickú, jednoduchá a prístupná hudba.
Talianskemu skladateľovi K.A.Kavosovi (1775-1840), s mladé roky ktorý pôsobil v Rusku a vynaložil veľa úsilia na rozvoj ruského operného prednesu, patrí prvý pokus o vytvorenie historickej a hrdinskej opery. V roku 1815 naštudoval v Petrohrade operu Ivan Susanin, v ktorej sa na základe jednej z epizód boja ruského ľudu proti poľskej invázii na začiatku 17. storočia pokúsil o národno-vlastenecké predstavenie. Táto opera reagovala na náladu spoločnosti, ktorá prežila oslobodzovaciu vojnu proti Napoleonovi. Opera Cavos sa medzi modernými dielami priaznivo vyznačuje zručnosťou profesionálneho hudobníka, spoliehaním sa na ruský folklór, živosťou akcie. Napriek tomu neprevyšuje úroveň početných „oper spásy“ francúzskych skladateľov na tej istej scéne; Kavos v ňom nedokázal vytvoriť ľudovo-tragický epos, ktorý Glinka vytvoril o dvadsať rokov neskôr s použitím rovnakej zápletky.
Najväčší skladateľ prvej tretiny 19. storočia. Treba uznať A. N. Verstovského, ktorý sa spomínal ako autor hudby k vaudeville. Jeho opery „Pan Tvardovsky“ (po. 1828), „Askoldov hrob“ (po. 1835), „Vadim“ (po. 1832) a i. nová etapa vývoj ruskej opery až po Glinku. Verstovského diela sa odrážali špecifické črty Ruský romantizmus. Ruský starovek, poetické legendy Kyjevská Rus, rozprávky a povesti tvoria základ jeho opier. Významnú úlohu v nich zohráva magický prvok. Verstovského hudba, hlboko zakorenená, vychádzajúca z ľudovo-piesňového umenia, pohltila ľudový pôvod v najširšom zmysle. Jeho postavy sú typické pre ľudové umenie. Verstovský ako majster opernej drámy vytvoril romantické a farebné scény fantastického obsahu. Príkladom jeho štýlu je opera „Askoldov hrob“, ktorá sa v repertoári zachovala dodnes. Ukázal to najlepšie vlastnosti Verstovského - melodický dar, vynikajúci dramatický vkus, schopnosť vytvárať živé a charakteristické obrazy postáv.
Verstovského diela patria do predklasického obdobia ruskej opery, hoci ich historický význam je veľmi veľký: zovšeobecňujú a rozvíjajú všetky najlepšie vlastnosti predchádzajúce a súčasné obdobie rozvoja ruskej opernej hudby.
Od 30-tych rokov. XIX storočia. Ruská opera vstupuje do svojho klasického obdobia. Zakladateľ ruskej opernej klasiky MI Glinka (1804-1857) vytvoril historickú a tragickú operu Ivan Susanin (1830) a rozprávkový epos Ruslan a Ľudmila (1842). Tieto opery položili základ pre dva hlavné smery ruského hudobného divadla: historickú operu a magicko-epickú. Tvorivé princípy Glinky boli implementované a vyvinuté ďalšou generáciou ruských skladateľov.
Glinka sa ako umelec rozvíjal v dobe zatienenej myšlienkami dekabrizmu, čo mu umožnilo pozdvihnúť ideový a umelecký obsah jeho opier na novú, významnú úroveň. Bol prvým ruským skladateľom, v ktorého tvorbe sa stredobodom celého diela stal obraz ľudu, zovšeobecnený a hlboký. Téma vlastenectva je v jeho tvorbe nerozlučne spojená s témou boja ľudu za nezávislosť.
Predchádzajúce obdobie ruskej opery pripravilo podobu Glinkových opier, ale ich kvalitatívna odlišnosť od skorších ruských opier je veľmi výrazná. V Glinkových operách sa realizmus umeleckého myslenia neprejavuje v jeho jednotlivých aspektoch, ale pôsobí ako celostná tvorivá metóda, ktorá umožňuje hudobne a dramaticky zovšeobecniť myšlienku, tému a zápletku opery. Glinka poňal národnostný problém novým spôsobom: znamenala pre neho nielen hudobný rozvoj ľudovej piesne, ale aj hlboké, mnohostranné premietnutie v hudbe života, citov a myšlienok ľudu, odhalenie charakteristického vlastnosti jeho duchovného vzhľadu. Skladateľ sa neobmedzil len na reflektovanie ľudového spôsobu života, ale typické črty ľudového svetonázoru vtelil do hudby. Glinkove opery sú kompletné hudobné a dramatické diela; nemajú hovorené dialógy, obsah je vyjadrený pomocou hudby. Namiesto samostatných, nerozvinutých sólových a zborových čísel komickej opery vytvára Glinka veľké, rozšírené operné formy a rozvíja ich so skutočným symfonickým majstrovstvom.
V Ivanovi Susaninovi Glinka oslávila hrdinskú minulosť Ruska. Typické obrazy ruského ľudu sú v opere stelesnené s veľkou umeleckou pravdou. Rozvoj hudobnej drámy je založený na protiklade rôznych národných hudobných sfér.
Ruslan a Ľudmila je opera, ktorá položila základ ľudovo-epickým ruským operám. Význam Ruslanu pre ruskú hudbu je veľmi veľký. Opera ovplyvnila nielen divadelné žánre, ale aj symfonické. Majestátne hrdinské a tajomne magické, ako aj farebné orientálne obrazy „Ruslan“ živili ruskú hudbu už dlho.
Po Glinkovi prehovoril A.S.Dargomyzhsky (1813-1869), typický umelec éry 40-50-tych rokov. XIX storočia. Glinka mala na Dargomyžského veľký vplyv, no zároveň sa v jeho tvorbe objavili nové kvality, ktoré vznikli z nových spoločenských podmienok, nových tém, ruské umenie... Horúce sympatie k poníženému človeku, vedomie zhubnosti sociálnej nerovnosti, kritický postoj k sociálnej štruktúre sa odrážali v diele Dargomyzhského, spojeného s myšlienkami kritického realizmu v literatúre.
Dargomyžského dráha operného skladateľa sa začala vytvorením opery Esmeralda podľa V. Huga (po roku 1847) a za ústredné operné dielo skladateľa treba považovať "Morská panna" (podľa drámy Alexandra Puškina) , inscenovaná v roku 1856 V tejto opere sa naplno prejavil Dargomyžského talent a určilo sa smerovanie jeho tvorby. Dráma sociálnej nerovnosti mlynárovej dcéry Natashe a princa, ktorí sa majú radi, zaujala skladateľa aktuálnosťou témy. Dargomyžskij posilnil dramatickú stránku deja ubratím fantastického prvku. „Morská panna“ je prvá ruská každodenná lyrická a psychologická opera. Jej hudba je hlboko populárna; na základe piesne skladateľ vytvoril živé obrazy hrdinov, rozvinul deklamačný štýl v partoch hlavných postáv, rozvinul ansámblové scény, výrazne ich zdramatizoval.
Posledná Dargomyžského opera Kamenný hosť po Puškinovi (po roku 1872, po skladateľovej smrti) patrí do iného obdobia vo vývoji ruskej opery. Dargomyžskij si v ňom dal za úlohu vytvoriť realistický hudobný jazyk odrážajúci intonácie reči. Skladateľ tu opustil tradičné operné formy – árie, súbor, zbor; vokálne časti opery prevládajú nad orchestrálnym, Kamenný hosť znamenal začiatok jedného zo smerov nasledujúceho obdobia ruskej opery, takzvanej komornej recitatívnej opery, neskôr uvádzanej Mozartom Rimského-Korsakova a Salieriho, Rachmaninovovou operou. Cvetous Knight a ďalší. Zvláštnosťou týchto opier je, že sú všetky napísané na nezmenený plný text Puškinových „malých tragédií“.
V 60. rokoch. Ruská opera vstúpila do novej etapy svojho vývoja. Na ruskej scéne sa objavujú diela skladateľov Balakirevovho okruhu (“ Z mocnej hŕstky") A Čajkovského. V tých istých rokoch sa rozvinula práca A.N. Serova a A.G. Rubinsteina.
Operné dielo A. N. Serova (1820-1871), ktorý sa preslávil ako hudobný kritik, nemožno počítať medzi veľmi významné fenomény ruského divadla. V pravý čas však jeho opery zohrali pozitívnu úlohu. V opere "Judith" (post, v roku 1863) Serov vytvoril dielo hrdinsko-vlasteneckého charakteru na biblický príbeh; v opere Rogneda (op. a post. 1865) sa obrátil k ére Kyjevskej Rusi, túžiac pokračovať v línii Ruslanu. Opera však nebola dostatočne hlboká. Veľmi zaujímavá je Serovova tretia opera „Sila nepriateľa“ na motívy drámy A. N. Ostrovského „Neži, ako chceš“ (post. 1871). Skladateľ sa rozhodol vytvoriť piesňovú operu, ktorej hudba by mala vychádzať z primárnych zdrojov. Opera však nemá jednotnú dramatickú koncepciu a jej hudba nevystupuje do výšin realistického zovšeobecnenia.
A. G. Rubinshtein (1829-1894) ako operný skladateľ začal kompozíciou historickej opery Bitka pri Kulikove (1850). skomponoval lyrickú operu Feramors a romantickú operu Deti stepí. V repertoári sa zachovala najlepšia Rubinsteinova opera Démon podľa Lermontova (1871). Táto opera je príkladom ruskej lyrickej opery, v ktorej sú najtalentovanejšie stránky venované vyjadreniu pocitov hrdinov. Žánrové scény Miestnu príchuť dodáva „Démon“, v ktorom skladateľ použil ľudovú hudbu Zakaukazska. Opera "Démon" bola úspešná medzi súčasníkmi, ktorí v protagonistovi videli obraz muža 40-50 rokov.
Operná kreativita skladateľov Mocnej hŕstky a Čajkovského bola úzko spätá s novou estetikou 60. rokov. Nové spoločenské podmienky kladú ruským umelcom nové úlohy. Hlavný probléméra sa stala problémom odrazu v umeleckých dielach ľudový život v celej svojej zložitosti a nejednotnosti. Vplyv ideí revolučných demokratov (predovšetkým Černyševského) sa v oblasti hudobnej tvorivosti prejavil gravitáciou k všeobecne významným témam a zápletkám, humanistickým zameraním diel, oslavou vysokých duchovných síl ľudu. Historická téma je v tejto dobe mimoriadne dôležitá.
Záujem o históriu ich ľudí v tých rokoch bol typický nielen pre skladateľov. Historická veda samotná sa široko rozvíja; spisovatelia, básnici a dramatici sa obracajú k historickej téme; sa vyvíja historické maľovanie... Najväčšiemu záujmu sa tešia epochy prevratov, roľníckych povstaní a masových hnutí. Významné miesto zaujíma problém vzťahu ľudu a cárskej vlády. Tejto téme sú venované historické opery M.P. Musorgského a N.A.Rimského-Korsakova.
K historickej a tragickej vetve ruskej klasickej opery patria opery MP Musorgského (1839-1881) Borisa Godunova (1872) a Khovanshchina (dokončil Rimskij-Korsakov v roku 1882). Skladateľ ich nazval „ľudové hudobné drámy“, keďže v centre oboch diel sú ľudia. Hlavná myšlienka"Boris Godunov" (založený na tragédii rovnakého mena od Puškina) - konflikt: cár - ľudia. Táto myšlienka bola jednou z najdôležitejších a najpálčivejších v období po reforme. Musorgskij chcel nájsť analógiu s modernitou v udalostiach z minulosti Ruska. Rozpor medzi ľudovými záujmami a autokratickou mocou sa ukazuje v scénach ľudového hnutia, ktoré sa mení na otvorené povstanie. Skladateľ zároveň venuje veľkú pozornosť „tragédii svedomia“, ktorú zažil cár Boris. Mnohostranný obraz Borisa Godunova je jedným z najvyšších úspechov svetovej opery.
Druhá Musorgského hudobná dráma Khovanshchina je venovaná streleckým povstaniam na konci 17. storočia. Prvok ľudového hnutia v celej jeho násilnej sile pozoruhodne vyjadruje hudba opery, založená na tvorivom prehodnotení umenia ľudovej piesne. Hudba „Khovanshchina“, podobne ako hudba „Boris Godunov“, sa vyznačuje vysokou tragédiou. Melodická míľa oboch opier je založená na syntéze piesňových a deklamačných princípov. Musorgského inovácia, ktorá sa zrodila z novosti konceptu, hlboko originálneho riešenia problémov hudobnej drámy, zaraďuje obe jeho opery medzi najvyššie úspechy hudobného divadla.
Ku skupine historických hudobných diel sa radí aj opera A. P. Borodina (1833-1887) „Princ Igor“ (jej námetom bola „Laici Igorovho ťaženia“). Myšlienku lásky k vlasti, myšlienku zjednotenia tvárou v tvár nepriateľovi odhaľuje skladateľ veľkou drámou (scény v Putivl). Skladateľ vo svojej opere spojil monumentálnosť epického žánru s lyrickým začiatkom. V poetickom stelesnení polovského tábora boli stelesnené Glinkove predpisy; Borodinove hudobné obrazy Východu zasa inšpirovali mnohých ruských a sovietskych skladateľov k vytvoreniu orientálnych obrazov. Borodinov pozoruhodný melodický dar sa prejavil v širokom piesňovom štýle opery. Borodin operu nestihol dokončiť; Knieža Igor dokončili Rimskij-Korsakov a Glazunov a inscenovali ho vo svojom vydaní v roku 1890.
Žáner historickej hudobnej drámy rozvinul aj N. A. Rimskij-Korsakov (1844-1908). Pskovských slobodných, ktorí sa vzbúrili proti Ivanovi Hroznému (opera „Pskovská žena“, 1872), skladateľ zobrazuje s epickou majestátnosťou. Obraz kráľa je plný skutočnej drámy. Lyrický prvok opery, spojený s hrdinkou - Oľgou, obohacuje hudbu a vnáša do majestátneho tragického konceptu črty vznešenej nehy a jemnosti.
PI Čajkovskij (1840-1893), známy najmä svojimi lyrickými a psychologickými operami, bol autorom troch historických opier. Opery Oprichnik (1872) a Mazepa (1883) sú venované dramatickým udalostiam z ruských dejín. V opere „The Maid of Orleans“ (1879) sa skladateľ obrátil k histórii Francúzska a vytvoril obraz národnej francúzskej hrdinky Jeanne d „Arc.
Zvláštnosťou Čajkovského historických opier je ich príbuznosť s jeho lyrickými operami. Skladateľ v nich odhaľuje charakteristické črty doby zobrazované cez osudy jednotlivcov. Obrazy jeho postáv sa vyznačujú hĺbkou a pravdivosťou prenosu zložitého vnútorného sveta človeka.
Okrem ľudovo-historických hudobných drám v ruskej opere 19. stor. významné miesto zaujímajú ľudovo-rozprávkové opery, hojne zastúpené v tvorbe N. A. Rimského-Korsakova. Najlepšie rozprávkové opery Rimského-Korsakova sú Snehulienka (1881), Sadko (1896), Kaschey nesmrteľný (1902) a Zlatý kohút (1907). Osobitné miesto zaujíma opera „Legenda o neviditeľnom meste Kitezh a panna Fevronia“ (1904), napísaná na základe ľudových legiend o tatarsko-mongolskej invázii.
Opery Rimského-Korsakova ohromujú rozmanitosťou interpretácií žánru ľudovej rozprávky. Buď je to poetická interpretácia dávnych ľudových predstáv o prírode, vyjadrená v nádhernej rozprávke o Snehulienke, alebo mohutný obraz starovekého Novgorodu, či obraz Ruska na začiatku 20. storočia. v alegorickom obraze chladného Kaščejevského kráľovstva, potom skutočná satira na prehnitý autokratický systém v rozprávkových populárnych výtlačkoch („Zlatý kohút“). V rôznych prípadoch sú metódy hudobného stvárnenia postáv a techniky hudobnej drámy Rimského-Korsakova rôzne. Vo všetkých jeho operách je však cítiť skladateľov hlboký tvorivý prienik do sveta ľudových interpretácií, ľudových povier, do svetonázoru ľudí. Základom hudby jeho opier je jazyk ľudová pesnička... Spoliehanie sa na ľudové umenie Charakterizácia postáv pomocou rôznych ľudových žánrov je typickou črtou Rimského-Korsakova.
Vrcholom tvorby Rimského-Korsakova je majestátny epos o vlastenectve ruského ľudu v opere Legenda o neviditeľnom meste Kitezh a panenskej Fevronii, kde skladateľ dosiahol obrovský vrchol hudobného a symfonického zovšeobecnenia témy. .
Medzi inými druhmi ruskej klasickej opery patrí jedno z hlavných miest lyricko-psychologickej opere, ktorej začiatok položila Dargomyzhského „Morská panna“. Najväčším predstaviteľom tohto žánru v ruskej hudbe je Čajkovskij, autor geniálnych diel zaradených do svetového operného repertoáru: Eugen Onegin (1877-1878), Čarodejnica (1887), Piková dáma (1890), Iolanta (1891). ). Čajkovského novátorstvo je spojené so smerovaním jeho tvorby venovanej myšlienkam humanizmu, protestu proti ponižovaniu človeka, viere v lepšiu budúcnosť ľudstva. Vnútorný svet ľudí, ich vzťahy, ich pocity sa v Čajkovského operách odhaľujú spojením divadelnej účinnosti s dôsledným symfonickým vývojom hudby. Čajkovského operné umenie je jedným z najväčších fenoménov svetového hudobného a divadelného umenia 19. storočia.
Menej diel je zastúpených v opernej tvorbe ruských skladateľov, komediálnej opere. Aj týchto pár vzoriek sa však vyznačuje národnou originalitou. Nie je v nich žiadna zábavná ľahkosť, ani komiks. Väčšina z nich vychádza z Gogoľových príbehov z Večerov na farme u Dikanky. Každá z komediálnych opier odrážala individuálne charakteristiky autorov. V Čajkovského opere "Čerevički" (1885; v prvom vydaní - "Kovář Vakula", 1874) prevláda lyrický prvok; v Májovej noci Rimského-Korsakova (1878) - fantastická a rituálna; v "Sorochinskaya Yarmarka" od Musorgského (70. roky, nedokončené) - čisto komediálne. Menované opery sú ukážkou zručnosti realistickej reflexie života ľudu v žánri komédie postáv.
S ruskou opernou klasikou sa spája množstvo takzvaných paralelných javov v ruskom hudobnom divadle. Máme na mysli tvorbu skladateľov, ktorí nevytvorili diela trvalého významu, hoci prispeli k rozvoju ruskej opery. Tu treba vymenovať opery Ts.A. Cui (1835-1918), člena Balakirevovho okruhu, významného hudobného kritika 60-70-tych rokov. Cuiove opery William Ratcliff a Angelo, ktoré neprekračujú konvenčný romantický štýl, sú zbavené drámy a miestami aj svetlej hudby. Neskoršie podpory Cui sú menej dôležité (" Kapitánova dcéra"," mademoiselle Fifi "a ďalšie). Klasickú operu sprevádzalo dielo vynikajúceho dirigenta a hudobného riaditeľa opery v Petrohrade E. F. Napravnika (1839-1916). Najznámejšia je jeho opera Dubrovský, skomponovaná podľa tradície Čajkovského lyrických opier.
Zo skladateľov, ktorí účinkovali koncom 19. stor. na opernej scéne treba menovať AS Arenského (1861-1906), autora opier "Sen na Volge", "Raphael" a "Nal a Damayanti", ako aj MM Ippolitova-Ivanova (1859- 1935), ktorého opera „Asya“ podľa I. Turgeneva je napísaná lyrickým spôsobom Čajkovského. Vyniká v histórii ruskej opery „Oresteia“ SI Taneyeva (1856-1915) podľa Aischyla, ktorú možno označiť za divadelné oratórium.
Súčasne vystupoval ako operný skladateľ S. V. Rachmaninov (1873-1943), ktorý po skončení konzervatória (1892) skomponoval jednoaktovú honru „Aleko“, udržiavanú v tradíciách Čajkovského. Neskoršie Rachmaninovove opery Francesca da Rimini (1904) a Žiadostný rytier (1904) boli napísané v charaktere operných kantát; v nich je scénická akcia maximálne stlačená a hudobný a symfonický začiatok veľmi rozvinutý. Hudba týchto opier, talentovaná a bystrá, nesie pečať originality autorovho tvorivého štýlu.
Z menej významných fenoménov operného umenia na začiatku 20. stor. nazvime operu A. T. Grechaninova (1864-1956) Dobrynya Nikitich, v ktorej charakteristické črty rozprávkovo-epickej klasickej opery ustúpili milostným textom, ako aj operu A. D. Kastalského (1856-1926) Clara Milich, v r. ktoré prvky naturalizmu sa spájajú s úprimnou, pôsobivou lyrikou.
19. storočie je obdobím ruskej opernej klasiky. Ruskí skladatelia vytvorili majstrovské diela v rôznych žánroch operného umenia: dráma, epos, hrdinská tragédia, komédia. Vytvorili inovatívnu hudobnú drámu, ktorá sa zrodila v úzkom spojení s inovatívnym obsahom opier. Dôležitá, určujúca úloha masových ľudových scén, mnohostranná charakterizácia postáv, nová interpretácia tradičných operných foriem a vytváranie nových princípov hudobnej jednoty celého diela sú charakteristické znaky ruskej opernej klasiky.
Ruská klasická opera, ktorá sa rozvíjala pod vplyvom filozofického a estetického progresívneho myslenia, pod vplyvom udalostí vo verejnom živote, sa stala jedným z pozoruhodných aspektov ruského národného kultúra XIX v. Celá cesta rozvoja ruskej opernej tvorivosti v minulom storočí išla paralelne s veľkým oslobodzovacím hnutím ruského ľudu; skladatelia sa inšpirovali vznešenými myšlienkami humanizmu a demokratického osvietenstva a ich diela sú pre nás skvelými príkladmi skutočne realistického umenia.
Vzácne divadlo sa dnes zaobíde bez ruského repertoáru: inscenujú klasické opery Piotra Čajkovského a Nikolaja Rimského-Korsakova, Modesta Musorgského a Igora Stravinského, Sergeja Prokofieva a Dmitrija Šostakoviča. Portál "Kultura.RF" študoval plagáty rôznych rokov pri hľadaní domáce práce milovali na Západe – od 19. storočia až po súčasnosť.
19. storočie
V roku 1844 v Kráľovskom divadle v Drážďanoch uviedol riaditeľ petrohradskej dvornej kaplnky skladateľ Alexej Ľvov operu Bianca a Gualtiero. O desať rokov neskôr bola vo Weimare uvedená opera Antona Rubinsteina Sibírski lovci pod vedením slávneho skladateľa a klaviristu Ferenca Liszta. Boli to prvé opery, ktoré získali uznanie v zahraničí. Pravda, Rubinstein je dnes známy inou operou - "Démon" a Ľvov - ako autor hymny "God Save the Car!"
TO koniec XIX Ruská hudba sa po stáročia hrá takmer vo všetkých veľkých sálach v Európe a Spojených štátoch – jej tvárami sa na Západe stali Michail Glinka, Anton Rubinstein a Piotr Čajkovskij. Glinkove diela „Život pre cára“ a „Ruslan a Ludmila“ videlo európske publikum v rokoch 1866 a 1867 – predstavenia sa konali v Prahe. Na tom istom mieste sa v 80. – 90. rokoch 19. storočia konali európske premiéry opier Piotra Čajkovského Slúžka Orleánska, Eugen Onegin a Piková dáma.
„Glinka, podobne ako Bortnyansky, študovala u Basurmanov... ale iba vo formách. Vnútorný duch jeho tvorby, obsah jeho hudby je úplne originálny. Glinka napísal skutočne ruské opery a vytvoril úplne novú, ak nie školu, tak aspoň hudobnú školu, do ktorej sféry patrím a som Glinkovým potomkom."
Piotr Čajkovskij. Z listu vydavateľovi Petrovi Yurgensonovi
V roku 1887 bola v New Yorku uvedená opera Antona Rubinsteina Nero. O rok neskôr, napriek tradícii prekladu libreta, uviedli v Londýne jeho „Démona“ v origináli.
1900-1930
5. marca 1910 bola v Metropolitnej opere v New Yorku po prvý raz uvedená Čajkovského Piková dáma v Amerike – v nemčine. Premiéru dirigoval rakúsky hudobný skladateľ Gustav Mahler a hlavné party zahrali vtedajšie hviezdy - Leo Slezak a Emmy Destinnová. V roku 1913 bola v Metropolitan predstavená opera Modesta Musorgského Boris Godunov av roku 1917 princ Igor Alexandra Borodina. V roku 1920 bol newyorskej verejnosti predstavený „Eugene Onegin“ – o taliansky a s talianskymi hviezdami Claudiou Muzio a Giuseppe De Luca. Európski diváci si pozreli aj Snehulienku od Nikolaja Rimského-Korsakova a Musorgského komickú operu Soročinskaja jar.
Zároveň si ruská hudba podmanila mladú, ale už európsku slávu, salzburský festival: v roku 1928 prišla do mesta Mozarta delegácia z Leningradu. Operný spevák Nikolaj Česnokov spieval part Pancrasia v súčasnej komickej opere The Cave of Salamanca od rakúskeho skladateľa Bernharda Paumgartnera. Libreto opery v ruštine napísal sovietsky režisér a tenorista Emmanuel Kaplan. Spieval aj part Kaščeja v opere Rimského-Korsakova Kaščej nesmrteľný a inscenoval Kamenný hosť Alexandra Dargomyžského. Časť Kascheevny na salzburskom festivale v roku 1928 hrala budúca hviezda Akademické divadlo opera a balet (dnes - Mariinsky) Sophia Preobrazhenskaya.
1930-1990
Napriek svetovým vojnám a železnej opone sa balety a hudba ruských skladateľov objavovali na zahraničných javiskách počas celého 20. storočia. Ale s operami to bolo inak: od 30. do 90. rokov sa v európskych divadlách prakticky neobjavovali – uvádzali len populárne predstavenia. Napríklad v Salzburgu uviedli Borisa Godunova v réžii riaditeľa festivalu Herberta von Karajana: opera sa hrala tri roky po sebe - od roku 1965 do roku 1967. V titulnej úlohe sa zhostil bulharský bas Nikolaj Gyaurov, v úlohe Predvádzača Grigorija Otrepieva tenorista Veľkého divadla Alexej Maslennikov. V roku 1971 vyšla pod vedením rakúskeho dirigenta nahrávka Borisa Godunova s Maslennikovom ako Svätým bláznom a Galinou Višnevskou ako Marinou Mnishek. Najbližšie sa na salzburskom festivale predstavila ruská opera až v roku 1994 – a bol to opäť Boris Godunov.
Hlavné divadlo Ameriky, Metropolitná opera, sa počas studenej vojny častejšie ako iné obracalo k ruskému dedičstvu. Niekoľkokrát otvoril sezónu s ruskými menami: v rokoch 1943 a 1977 - "Boris Godunov", v rokoch 1957 a 2013 - "Eugene Onegin". V roku 1950 tu bola inscenovaná Chovanščina od Modesta Musorgského, aj keď v angličtine. Kulisu pre hru vytvoril slávny ruský emigrantský umelec Mstislav Dobužinskij.
Divadlo chcelo inscenovať opery v pôvodnom jazyku, no na Západe neboli žiadni špičkoví rusky hovoriaci speváci a jednorazové návštevy sólistov Veľké divadlo nezmenila celkový obraz.
„Ruský jazyk je zvláštny problém, pretože ruské hlasy sú iné ako talianske, francúzske alebo nemecké. Ruský spev má charakteristický zafarbenie, ktoré rezonuje v hrudi, a ak sa vykonáva správne, znie ako z útrob zeme.
Steve Cohen. "Kultúrny kritik"
A predsa v roku 1972 bola Piková dáma uvedená s pôvodným libretom. Na predstavení sa podieľali švédsky tenorista s ruskými koreňmi Nikolai Gedda a bulharská sopranistka Raina Kabaivanska. Prvým lektorom ruského jazyka v Metropolitnej opere bol bývalý spevák Georgij Čechanovskij. Dohliadal na výslovnosť, spev a scénografiu.
V roku 1974 bol Boris Godunov prepustený v ruštine. Polonézu k poľskému počinu naštudoval rodák z Petrohradu – zakladateľ amerického baletu, choreograf George Balanchine. Od roku 1977 metropolita spieva Eugena Onegina v ruštine, v roku 1979 hlavné časti tohto predstavenia hrali sólisti Veľkého divadla Makvala Kasrashvili a Jurij Mazurok. V roku 1985 sa Khovanshchina vrátila na scénu v pôvodnom jazyku.
Nový čas
Po roku 1991 Gambler Sergeja Prokofieva, Zlatý kohút a Mozart a Salieri od Nikolaja Rimského-Korsakova, Aleko, Žiadostný rytier a Francesca da Rimini od Sergeja Rachmaninova, Čarodejnica „Pyotr Čajkovskij.
Repertoár Metropolitnej opery bol doplnený o nové tituly: Šostakovičove opery Lady Macbeth z Mcenského okresu a Nos, Prokofievov Hráč a Vojna a mier, Čajkovského Mazepa a Iolanta. Takmer na všetkých „ruských“ premiérach sa zúčastnil šéfdirigent Mariinského divadla Valerij Gergiev a sólisti z Petrohradu.
V roku 2002 Mariinské divadlo a Metropolitná opera vytvorili spoločnú inscenáciu Vojna a mier v réžii Andreja Konchalovského. Potom na publikum a kritikov zapôsobila mladá Anna Netrebko v úlohe Natashy Rostovej. Dmitrij Hvorostovskij predviedol part Andreja Bolkonského. V roku 2014 tu bola prvýkrát od newyorskej premiéry v roku 1917 uvedená opera „Princ Igor“ od Borodina. Režisérom bol Dmitrij Černyakov a titulnú úlohu stvárnil basgitarista Mariinského divadla Ildar Abdrazakov.
Salzburský festival uviedol za posledných 20 rokov aj mnohé ruské opery: Boris Godunov a Chovanščina od Musorgského, Eugen Onegin, Piková dáma a Mazepa od Čajkovského, Vojna a mier od Prokofieva a Slávik od Stravinského. V lete 2017 bola v Salzburgu prvýkrát uvedená opera Dmitrija Šostakoviča Lady Macbeth z Mcenského okresu a v auguste 2018 bude Piková dáma druhýkrát v histórii festivalu uvedená. V tejto sezóne Viedenská štátna opera uvádza Khovanshchina, Eugen Onegin a Gambler.
Ruské predstavenia sa konajú aj v Parížskej národnej opere. Na jar 2017 otvoril pre Parížanov ruský režisér Dmitrij Černyakov v Európe málo uvádzanú Sneguročku Rimského-Korsakova a o rok skôr tu bolo vrcholom sezóny Čerňakovovo vystúpenie na Čajkovského hudbu – operu Iolanta a balet Luskáčik. , ktorý sa odohral v ten istý večer - ako v premiére v roku 1892.
V júni 2018 uvedie Parížska opera nové čítanie Borisa Godunova v réžii slávneho belgického režiséra Iva van Hovea a v sezóne 2019/20 premiéru Princa Igora uvedie Austrálčan Barry Koski.
9. decembra 1836 (27. novembra v starom štýle) sa na javisku petrohradského Veľkého divadla uskutočnila premiéra opery Michaila Ivanoviča Glinku „Život pre cára“, čím sa začala nová éra v ruštine. operná hudba.
Táto opera znamenala začiatok inovatívnej cesty prvého ruského klasického skladateľa, ktorá ho posunula na svetovú úroveň. Povieme vám o najvýznamnejších hudobných objavoch Glinky.
Prvá národná opera
MI Glinka si počas svojich ciest po Európe naplno uvedomil svoje skutočné poslanie. Ďaleko od svojej vlasti skladateľ dostal myšlienku vytvorenia skutočnej ruskej opery a začal pre ňu hľadať vhodný dej. Na radu Žukovského sa Glinka zaoberala vlasteneckým príbehom - legendou o čine Ivana Susanina, ktorý dal svoj život v mene záchrany svojej vlasti.
Prvýkrát sa vo svetovej opernej hudbe objavil takýto hrdina – jednoduchého pôvodu a s najlepšími vlastnosťami. národný charakter... Prvýkrát v kúsok hudby v takomto rozsahu zazneli najbohatšie tradície národného folklóru a ruskej piesne. Publikum prijalo operu s nadšením, skladateľovi sa dostalo uznania a slávy. V liste svojej matke Glinka napísal:
„Včera večer sa moje túžby konečne splnili a moja dlhá práca bola korunovaná tým najskvelejším úspechom. Publikum prijalo moju operu s neobyčajným nadšením, herci sa neovládli elánom ... panovník-cisár ... poďakoval a dlho sa so mnou rozprával ... “.
Opera bola vysoko ocenená kritikmi a osobnosťami kultúry. Odoevskij to nazval „začiatkom nového prvku v umení – obdobia ruskej hudby“.
Rozprávkový epos prichádza do hudby
V roku 1837 Glinka začala pracovať na novej opere, tentoraz sa obrátila na báseň Alexandra Puškina „Ruslan a Lyudmila“. Nápad zhudobniť rozprávkový epos dostal Glinka ešte za básnikovho života, ktorý mu mal pomôcť s libretom, no Puškinova smrť tieto plány prerušila.
Premiéra opery sa konala v roku 1842 - 9. decembra, presne šesť rokov po "Susanin", ale, bohužiaľ, nepriniesla rovnaký ohlušujúci úspech. Šľachtická spoločnosť na čele s cisárskou rodinou privítala inscenáciu nevraživo. Kritici a dokonca aj priaznivci Glinky boli k opere ambivalentní.
„Na konci 5. dejstva cisárska rodina opustila divadlo. Keď sa spustila opona, začali ma volať, ale veľmi nepriateľsky tlieskali, medzitým usilovne kričali, a to hlavne z javiska a orchestra.
- pripomenul skladateľ.
Dôvodom tejto reakcie bola Glinkova inovácia, s ktorou sa priblížil k vytvoreniu Ruslana a Lyudmily. V tomto diele skladateľ spojil úplne odlišné motívy a obrazy, ktoré sa predtým ruskému poslucháčovi zdali nezlučiteľné - lyrické, epické, folklórne, orientálne a fantastické. Okrem toho Glinka zanechala publiku známu formu talianskej a francúzskej opernej školy.
Tento rozprávkový epos sa neskôr zakorenil v dielach Rimského-Korsakova, Čajkovského, Borodina. Na tento druh revolúcie v opernej hudbe však v tom čase publikum jednoducho nebolo pripravené. Glinkova opera sa dlho nepovažovala za divadelné dielo. Jeden z jej obhajcov, kritik V. Stasov, ju dokonca nazval „mučeníčkou našej doby“.
Začiatky ruskej symfonickej hudby
Po zlyhaní Ruslana a Lyudmily odišiel Glinka do zahraničia, kde pokračoval v tvorbe. V roku 1848 sa objavila slávna "Kamarinskaya" - fantázia na témy dvoch ruských piesní - svadobnej piesne a tanečnej piesne. Ruská symfonická hudba pochádza z „Kamarinskaya“. Ako skladateľ pripomenul, napísal ju veľmi rýchlo, a preto ju nazval fantasy.
„Môžem vás ubezpečiť, že ma viedlo jediné vnútorné hudobný zmysel bez premýšľania o tom, čo sa deje na svadbách, ako chodia naši pravoslávni ľudia, “
- povedala neskôr Glinka. Je zaujímavé, že „experti“ blízki cisárovnej Alexandre Feodorovne jej vysvetlili, že na jednom pracovisku bolo zreteľne počuť „opitý klopanie na dvere chatrče“.
Glinka teda prostredníctvom dvoch najpopulárnejších ruských piesní schválila nový typ symfonickej hudby a položila základy pre jej ďalší rozvoj. Čajkovskij o práci povedal:
„Celá ruská symfonická škola, ako celý dub v žaludi, je obsiahnutá v symfonickej fantázii Kamarinskaya.
Opera(ital.opera- obchod, práca, práca; lat.opera- diela, produkty, diela, množné číslo. z opusu) - žáner hudobno-dramatického umenia, v ktorom je obsah stelesnený prostredníctvom hudobnej drámy, najmä prostredníctvom vokálnej hudby ... Literárny základ opery je libreto... Slovo „orega“ v preklade z taliančiny doslova znamená práca, kompozícia. V tomto hudobnom žánri sa spája poézia a dramatické umenie, vokálna a inštrumentálna hudba, mimika, tanec, maľba, kulisy a kostýmy do jedného celku.
Skladateľ píše operu podľa námetu prevzatého z literatúry, napr. Ruslan a Ľudmila», « Eugen Onegin". Verbálny text opery je tzv libreto.
Takmer každá opera začína predohra- symfonický úvod, ktorý vo všeobecnosti uvádza poslucháča do obsahu celej akcie.
História žánru
Opera sa objavila v Z Talianska, v záhad, teda duchovné predstavenia, v ktorých bola epizodicky uvádzaná hudba na nízkej úrovni. Duchovná komédia: „Obrátenie sv. Paul"( 1480 ),Beverini, je už vážnejšie dielo, v ktorom hudba sprevádzala akciu od začiatku do konca. V strede XVI storočia boli veľmi obľúbené pastorále alebo pastierske hry, v ktorých sa hudba obmedzovala na zbory, v charaktere moteta alebo madrigalu. V Amfiparnasso, Orazio Vecchi Zborový spev za pódiom v podobe päťhlasného madrigalu slúžil na sprevádzanie účinkovania hercov na javisku. Táto „Commedia armonica“ bola po prvý raz udelená na súde v Modene v r 1597 rok.
Jacopo Peri
Nakoniec XVI storočia pokusy zaviesť do takýchto skladieb monofónny spev ( monody) priviedol operu na cestu, po ktorej jej vývoj rýchlo napredoval. Autori týchto pokusov pomenovali svoje hudobné a dramatické diela dráma v hudbe alebo dráma za hudbu; názov „opera“ sa pre ne vžil v prvej polovici 17 storočie... Neskôr niektorí operní skladatelia ako napr Richard Wagner, sa opäť vrátil k názvu „hudobná dráma“.
Prvá opera pre verejné predstavenia bola otvorená v r 1637 rok v Benátky; predtým bola opera len na dvornú zábavu. Prvý skvelá opera možno považovať za "Eurydice" Jacopo Peri vykonávané v 1597 ... V Benátkach sa od otvorenia verejných predstavení za 65 rokov objavilo 7 divadiel; Napísali pre nich 357 opier od rôznych skladateľov (až 40). Priekopníkmi opery boli: v Nemecku - Heinrich Schütz("Daphne", 1627 ), vo Francúzsku - Prevýšenie("La pastorale", 1647), v Anglicku - Purcell; v Španielsku sa prvé opery objavili na začiatku Xviii storočia; v Rusku Araya ako prvý napísal operu (Mullet a Procrida) na samostatný ruský text (1755). Prvá ruská opera, napísaná v ruských zvykoch - "Tanyusha, alebo šťastné stretnutie", hudba FG Volkova (1756).
V 1868 rok arménsky skladateľ Tigran Chukhajyan vytvára operu“ Arshak II“- prvá opera v hudobnej histórii Z východu.
Za vznik opery možno považovať aj antickú tragédiu. Opera vznikla ako samostatný žáner v Taliansku na prelome 16. a 17. storočia v kruhu hudobníkov, filozofov a básnikov v meste Florencia. Kruh milovníkov umenia bol tzv "Camerata"... Účastníci „cameraty“ snívali o oživení starogréckej tragédie, spojením drámy, hudby a tanca v jednom predstavení. Prvé takéto predstavenie sa konalo vo Florencii v roku 1600 a hovorilo o Orfeovi a Eurydike. Existuje verzia, že prvé hudobné predstavenie so spevom sa uskutočnilo v roku 1594 na pozemku starogrécky mýtus o boji boha Apolóna s hadom Pythonom. V Taliansku postupne začali vznikať operné školy v Ríme, Benátkach, Neapole. Potom sa opera rýchlo rozšírila po celej Európe. Koncom 17. a začiatkom 18. storočia sa vytvorili hlavné druhy opery: opera - seria (veľká vážna opera) a opera - buffa (komická opera).
Opera v Rusku
Opera v Rusku sa objavila na konci 18. storočia, keď bola otvorená v Petrohrade ruské divadlo... Spočiatku sa uvádzali len zahraničné opery. Prvé ruské opery boli komické. Fomin je považovaný za jedného zo zakladateľov. V roku 1836 sa v Petrohrade konala premiéra Glinkovej opery Život pre cára. Opera v Rusku nadobudla dokonalú formu, boli určené jej črty: živé hudobné charakteristiky hlavných postáv, absencia hovorených dialógov. V 19. storočí sa všetci najlepší ruskí skladatelia obracajú k opere.