Raffaello Santi. Raphael - mga kuwadro na gawa at fresco

Ang gawa ni Rafael Santi

Konklusyon

Bibliograpiya

Panimula

Ang gawain ni Rafael Santi ay konektado sa espirituwal na kultura ng Renaissance, kung saan ang mga mithiin ng humanismo at kagandahan ay katawanin. Si Raphael, bilang isang mahusay na master, ay interesado sa mga kritiko ng sining at mga istoryador ng sining; ang malawak na panitikan sa pananaliksik ay nakatuon sa kanyang panahon. Marahil ang lahat ng ito ay konektado hindi lamang sa unibersal na pagkilala sa kanyang mga magagandang tagumpay sa pagpipinta, graphics, arkitektura - kundi pati na rin sa malinaw, mahinahon at perpektong istraktura ng lahat ng sining ni Raphael. Mahirap para sa akin, bilang isang walang karanasan (o sa halip, nag-aaral lamang) na tao sa isang maselan na larangan tulad ng pinong sining, na pag-usapan ang mga magagandang silhouette na nilikha ni Raphael at, bukod dito, kahit para sa aking sarili, ngunit suriin ang mga ito.

Samakatuwid, nagbasa ako ng isang koleksyon ng mga artikulo sa ilalim ng pangkalahatang pamagat na "Raphael at ang kanyang oras", kung saan itinakda ng mga siyentipiko ang mga problema (at mga paraan upang malutas ito) ng gawain ng mahusay na artista. Ang editoryal board ng koleksyon ay nagsasaad sa panimulang artikulo na ang bilang ng mga tanong sa gawa ni Raphael ay hindi matutumbasan ng mas malaki. Ang pinakamahalaga sa kanila ay tinalakay sa gawaing pananaliksik nakalagay sa libro. Ang layunin ng paglikha ng koleksyon ay "ang pag-aaral ng kanyang trabaho sa konteksto ng artistikong paghahanap, pilosopiya, aesthetics, panitikan, musika ng Renaissance", na "nagbibigay-daan sa iyo upang mas ganap na ihayag ang parehong kahalagahan ng Raphael para sa kanyang panahon, at ang kahalagahan ng oras para sa pagbuo at pagpapabuti makinang na artista". (p. 5) Malamang na mahirap magsalita tungkol sa mga dakila, dahil ang anumang mga salita, sa palagay ko, ay hindi kayang ipahayag ang lahat ng mga damdamin na ipinahihiwatig ng mga kulay, mga stroke sa mga gawa ng mga masters, mga likas na pintor.

Mangyaring patawarin mo ako para sa isang hindi malinaw na motibo para sa pagsulat ng pagsusulit, ngunit sa sa sandaling ito Pareho akong interesado kay Leonardo, Michelangelo, at Raphael. Sa taong ito, pati na rin sa nakaraan, maraming dokumentaryo at tanyag na mga pelikulang pang-agham ang napanood tungkol sa buhay at gawain ni Michelangelo, medyo mas maaga si Leonardo da Vinci ay napunta sa larangan ng view ng mass television. Sa isang salita, maaari kong pangalanan ang mga yugto ng trabaho ni Raphael bilang isang puwang sa edukasyon (personally mine). Bukod dito, sa emosyonal, nakikita kong mas madali ang gawain ng partikular na master na ito. Sa kasamaang palad, walang isang gawa ng koleksyon na "Raphael and His Time" ang sumasalamin sa isyu ng legacy ng panahon ni Raphael, na nagresulta sa Pre-Raphaelism. Para sa akin, ang mga gawa ng mga kinatawan ng aesthetics ni Raphael sa sining ay napakaganda, napakahusay na aristokratiko at, sa palagay ko, medyo ginagaya. Sa pamamagitan ng paraan, sa salitang "imitasyon" ay hindi makikita lamang ng isang tao ang negatibong bahagi ng "malamang na kawalan ng mga indibidwal na katangian." Marahil, si Raphael mismo ay sumulat kay Baldassara Castiglione na sa paghahanap para sa isang solong halimbawa na sumasailalim sa pangarap ng perpekto, ang isa ay kailangang "makita ang maraming kagandahan ...", "ngunit dahil sa kakulangan ... sa magagandang babae I use some idea... na pumapasok sa isip ko. (p. 10). Sa mga salitang ito, nakikita ko ang isang paliwanag para sa mismong pagtatangka na gayahin ang maganda - ang pagnanais na magparami ng kagandahang nararanasan sa mga pagkakataon ay nagbunga hindi lamang sa pagkopya, kundi pati na rin sa pagdami ng mga humahanga sa kagandahan din. Ang pag-unawa sa kagandahan ay pinalaki ng panggagaya. "Ang sining ng Raphael ay namumukod-tangi sa pambihirang kakayahan nito para sa malawak na artistikong pangkalahatan. Ang kanyang likas na talento ay imperiously gravitated patungo sa synthesis. Bilang V.N. Grashchenkov, si Raphael mismo ay "nakita ang gawain ng kanyang sariling sining" hindi sa "paggaya ng mga sinaunang tao", ngunit sa "malikhaing pamilyar sa kanilang mga artistikong mithiin." (p. 10).

Tungkol sa hindi ko alam noon at ang impresyon ng mga materyales na nabasa ko pagsusulit. Tungkol sa henyo ni Raphael Santi, na ang "ilang ideya" ay Platonic ang pinagmulan. "Ngunit siya ay naiintindihan niya nang mas partikular at sensually - tangibly, bilang isang uri ng nakikitang ideal, na ginagabayan siya bilang isang modelo. Ang ideyal na ito ng artistikong pagiging perpekto ay kapansin-pansing nagbago nang umunlad ang kanyang gawa, na nakakuha ng mas buong-puso at makabuluhang karakter", "pagganap... isang ebolusyon mula sa pagiging malapit tungo sa monumentalidad" (p. 10) sa mga tuntunin ng maharmonya na mundo.

Ang gawa ni Rafael Santi

"Nagsimula siya sa Urbino bilang isang batang lalaki, marahil sa pagawaan ng kanyang ama - isang maliit na artista, isang maliit na alahas - pagkatapos ay nag-aral siya sa pagawaan ni Timoteo Vitti. Pagkatapos ay mayroong Perugia. Mula sa mga unang panahon, ang "Pagpapako sa Krus" ay napanatili. Si Rafael dito ay isa lamang matapat na estudyante ng Perugino. Kinokopya niya ang istilo ng master, ang kanyang ugali na, gaya ng kilalang istoryador ng sining ng Sobyet na si B.R. Vipper, halos hindi mahuhulaan na hindi ito si Perugino, kung hindi dahil sa pirma ni Raphael. (A. Warsaw).

Mula 1500, nagtrabaho si Raphael sa pagawaan ng Perugino. Siyempre, ang impluwensya ng master na ito kay Raphael ay mapagpasyahan. Sa kanyang katutubong Urbino, nabuo ang istilo ng batang Raphael, ang buong paunang panahon ng pagkamalikhain ay dumaloy sa tahimik na mga bayan ng bundok ng Umbria. Sa simula pa lang malikhaing paraan Naimpluwensyahan si Raphael ng kanyang mga guro sa probinsiya, pagkatapos ay pumunta siya sa workshop ni Perugino. V.N. Sinabi ni Grashchenkov na sa mga pamamaraan ng komposisyon, ang "mga kwento" ay madaling lumapit sa kinatawan ng istraktura ng imahe ng altar. Sa turn, ang "history" ay isang uri ng multi-figure composition. "Nakilala ng mga artista ng Renaissance ang mga sinaunang relief, na humantong sa pag-unlad ng istruktura at ritmikong mga prinsipyo ng bagong klasikal na istilo. Ang kalakaran na ito patungo sa napakalaking pagpapalaki ng mga anyo, patungo sa pagiging simple at kalinawan ng kabuuan, dinala ni Raphael sa pagiging perpekto. Isinulat ng siyentipiko na ang likas na arkitektura ng pagpipinta ni Raphael ay resulta ng isang kinatawan na tradisyon na minana niya mula sa sining ng kanyang katutubong Urbino. Mula sa mga gawa ni Piero della Francesca, na nanirahan sa lungsod sa loob ng mahabang panahon. Ang legacy na ito ng Urbino ay muling ginawa ni Raphael, nadama nang mas malalim at mas mabunga. Kasunod ng mga halimbawa ng mga Florentine, pinagkadalubhasaan ni Raphael ang kaplastikan ng katawan ng tao at ang pagpapahayag ng isang buhay na pakiramdam ng tao. Isa si Urbino sa mga sentro ng sining noong 60s–70s ika-15 siglo Sa imbitasyon ng pinuno ng lungsod, ang mga masters ng Italya at maging ang mga artista mula sa ibang mga bansa ay nagtrabaho doon. Ang mga gawa ng mga masters, ang kanilang mga kuwadro na gawa at ang nakapaloob na kaisipang arkitektura, ay may mapagpasyang impluwensya sa pagbuo ng mga mithiin ni Bramante, isang katutubong ng Urbino environs. Marahil, ang lahat ng pagkakaiba-iba na ito ay may parehong epekto kay Raphael. Ito ang diwa ng tunay na klasisismo. Ang pagkakaroon ng pagkikita sa Roma maraming taon na ang lumipas, sina Rafael at Bramante ay medyo madaling natagpuan ang karaniwang batayan sa kanilang mga pananaw, tiyak dahil sa pinagmulan ng kanilang mga mithiin, na siyang masining na buhay ni Urbino. Alam na ang gawain ni Piero della Francesca ay nakaimpluwensya sa bagong direksyon ng pagpipinta ng Umbrian kasama ang "perspective synthesis ng anyo at kulay" (R. Longhi). Napagtanto din ito ni Raphael, sa pamamagitan ng kanyang mga guro sa Umbrian. Ang Pagpapakasal ni Maria ay isang malaya at makapangyarihang gawain.

"Pag-aasawa ni Maria" isinulat noong 1504 (Milan, Brera). Ang lahat ng mga figure ay "bumubuo ng isang napaka-integral at magandang spatial-rhythmic grouping. Ang libreng espasyo ng desyerto na parisukat ay nagsisilbing isang pag-pause sa pagitan ng mga figure, ang magaan na paggalaw na kung saan ay inihatid ng makinis, kulot na linya, at ang kalmado, payat na mga anyo ng templong rotunda, ang simboryo nito ay inuulit ang kalahating bilog na pagkumpleto ng buong larawan. At kahit sa pangkulay, kahit hindi taglay ang transparency at airiness ni Piero della Francesca, nakuha ni Rafael ang tamang harmony. Ang kanyang siksik at dalisay na mga kulay - pula, asul, berde, okre - ay mahusay na pinagsama sa isang bahagyang madilaw-dilaw na pangkalahatang tono, na may init na pinapalambot ang labis na pagkatuyo ng pattern at matigas na kulay.

Ito ay isang verbatim quotation ng paglalarawan ng pagpipinta na ibinigay ni Grashchenkov. Black and white reproduction lang ang ini-attach ko, kaya gagamitin ko ang eksaktong salita ng isang espesyalista. Napakahalaga para sa akin na maraming mga pagtatasa ng mga siyentipiko mismo, mga mananaliksik ng gawain ni Raphael, ay napanatili sa kontrol, kaya't sipiin ko ang isang paglalarawan ng isa pang naunang gawain ng artist - "Madonnas ng Conestabile" (St. Petersburg, Ermita). "... na isinulat niya malamang noong huling bahagi ng 1502 - unang bahagi ng 1503. Ang mga malungkot na alaala ng isang ina na namatay nang maaga, ang mga kaakit-akit na larawan ng kanyang mga katutubong lugar ay pinagsama dito sa isang solong magkatugma na imahe, sa isang purong banayad na himig ng isang walang muwang, ngunit taos-pusong mala-tula na damdamin. Ang mga pabilog na linya ay marahang binabalangkas ang mga pigura ng Ina ng Diyos at ng sanggol. Ang mga ito ay sinasabayan ng mga balangkas ng tanawin ng tagsibol. Ang bilog na frame ng larawan ay lumilitaw bilang natural na pagkumpleto ng maindayog na paglalaro ng mga linya. Ang marupok, batang babae na imahe ni Maria, ang mood ng tahimik na pag-iisip ay maitugma sa tanawin ng disyerto - na may mala-salamin na ibabaw ng lawa, na may bahagyang luntiang mga burol, na may manipis na mga puno, wala pa ring mga dahon, na may lamig ng niyebe. mga taluktok ng bundok na nagniningning sa di kalayuan.

... Gayunpaman, ang maliit na larawang ito ay isinagawa pa rin sa tempera, na may halos pinaliit na subtlety ng pagsulat at isang pinasimpleng interpretasyon ng mga figure at landscape. Kapansin-pansin ang kuwento na kasama ng hitsura ng pagpipinta sa Ermita, na ibinigay sa artikulo ni T.K. Kustodieva "Mga Pagpipinta ni Raphael sa Hermitage". Ang pangalan ng akda ni Raphael ay "Madonna del libro", na natapos sa kahilingan ni Alfani di Diamante. Sa kabila ng maraming pag-aalinlangan tungkol dito, malinaw na ang partikular na pagpipinta na ito ay binanggit sa pag-aari ng mga may-ari noong 1660. Siya ang nakalista sa mga imbentaryo ng 1665, pagkatapos ng pagkamatay ni Marcello Alfani. Matapos matanggap ng pamilyang Alfani ang titulo ng counts della Staffa noong ika-18 siglo, ang pamilya, sa pamamagitan ng kasal, ay pinagsama sa pamilyang Conestabile. Kaya naman ang genus na Conestabile della Staffa. Ang pagpipinta ay itinago sa pamilya sa loob ng maraming siglo hanggang, noong 1869, si Count Scipio Conestabile, dahil sa kahirapan sa pananalapi, ay napilitang ibenta ang koleksyon ng sining. Kabilang sa kanila ang sikat na Madonna ni Raphael. Dapat itong banggitin na itinala ni Kustodieva sa artikulo na para sa kanyang maliit na obra maestra, nilikha din ni Raphael ang orihinal na frame, at ang stucco-ornament ay ginawa sa parehong board na nagsilbing batayan para sa pagpipinta. Sa pamamagitan ng Count Stroganov, pati na rin ang direktor ng Hermitage A.S. Gedeonov, "Madonna del libro" ay binili para sa maraming pera at ipinakita ni Alexander II sa kanyang asawang si Maria Alexandrovna. Sumulat si Kustodieva: "Kaugnay ng pagbuo ng uri ng kalahating pigura na imahe ni Maria sa pagtatapos ng panahon ng Umbrian, naging posible na tumpak na lagyan ng petsa ang Conestabile Madonna. ... Tila sa amin ang pinaka-kapani-paniwala ... 1504, ang pagtatapos ng panahon ng Umbrian, hanggang sa taglagas ng taong ito, lumipat si Raphael sa Florence. Ang batayan ng naturang pakikipag-date ay isang stylistic analysis ng mga unang gawa ng master. Kabilang dito ang "Simon's Madonna" at "Madonna of Salt", na petsa, bilang panuntunan, sa 1500-1501. Sa parehong mga pagpipinta, si Mary ay matatagpuan sa harap, ang sanggol ay inilagay upang ang kanyang katawan ay laban sa background ng pigura ng ina, nang hindi lalampas sa kanyang balabal. Ang postura ni Kristo ay nagpapakita ng malaking pagkakatulad. Ang pigura ni Maria ay halos ganap na pumupuno sa harapan, nag-iiwan lamang ng kaunting espasyo para sa tanawin sa kanan at kaliwa. Ang paghahambing ng mga gawang ito sa Conestabile Madonna ay nagpapakita na ang pagpipinta ng Hermitage ay ang susunod na hakbang sa pagbuo ng naturang mga komposisyon. … Kaya, ang mga tauhan ay nagkakaisa hindi lamang sa panlabas na anyo, ngunit pinagkalooban ng isang pakiramdam ng puro pag-iisip. ... Ang "Madonna Conestabile" ay kadalasang kasama ng "Madonna Terranuova", na kinikilala ng lahat ng mga mananaliksik bilang isa sa mga unang kuwadro na nilikha ng master sa Florence. Ang kanyang "Florentine" na pinagmulan ay pinatunayan ng walang alinlangan na impluwensya ni Leonardo da Vinci. (T.K. Kustodieva "The Works of Raphael in the Hermitage"). V.N. Sinabi ni Grashchenkov na ang pagpipinta na "Madonna Conestabile" ay minarkahan lamang ang simula ng paglikha ng mga kuwadro na iyon kung saan, bilang isang pintor, si Raphael ay higit pa, na pinagsasama ang "dating Umbrian na biyaya" na may "purely Florentine plasticity." Ang kanyang "Madonnas" "nawala ang kanilang dating kahinaan at madasalin na pagmumuni-muni" at naging "mas makalupa at makatao", "mas kumplikado sa paghahatid ng mga nuances ng isang buhay na pakiramdam." Makalipas ang apat na taon sa Florence (1504-1508) nakapag-iisa na niyang pinag-aaralan ang lahat ng mas mataas paaralan ng sining Maaaring ibigay sa kanya ng Italy. "Marami siyang natutunan mula kay Leonardo at sa batang Michelangelo, naging malapit kay Fra Bartolomeo ... Una siyang seryosong nakipag-ugnayan sa mga gawa ng sinaunang plastik." (p. 12). Ang Florence noong panahong iyon ay "ang duyan ng Renaissance ng Italya". Ang lungsod na ito ay nanatiling tapat sa republikano at humanistic ideals. At sulit bang pag-usapan kung gaano kabukas-palad si Florence sa mga talento? Michelangelo, Leonardo… Ang mga pangalan lamang, siyempre, ay hindi sapat upang maunawaan ang kadakilaan ng talento ng mga master na ito, ngunit dahil sa kaalaman ng maliit na sinabi sa media, maiisip ng isa ang mga merito ng parehong Michelangelo at Leonardo. Sumulat si A. Varshavsky: “Si Raphael ay gumugol ng apat na taon sa Florence. Si Leonardo (mas tiyak, sa mga likha ni Leonardo, ang pag-aaral ay, wika nga, sulat) natututo siyang ilarawan ang paggalaw ng mga figure. Si Michelangelo ay may plasticity, ang kakayahang kalmado na ihatid ang isang pakiramdam ng dinamismo. (p. 128). Ang mga pagpipinta ng mga taong iyon ay malawak na kilala - "Madonna sa Meadow" (1505 o 1506), "Madonna na may Goldfinch" (c. 1506) at "Magandang hardinero" (1507). Ang mga kuwadro na ito ay nakikilala, ayon kay Grashchenkov, sa pamamagitan ng "isang mas compact na pagpapangkat ng mga numero" at "mas mahusay na ideyal ng tanawin." Itinuturo ng mananaliksik ang paghiram ng ganitong uri ng komposisyon ni Raphael mula kay Leonardo. "Pagkatapos ng monotony ng mga artistikong pamamaraan ni Perugino, dapat na matanto ni Raphael nang may partikular na katalinuhan ang lahat ng walang katapusang kayamanan ng mature na sining ni Leonardo noong una niyang nakilala siya sa Florence." (“Raphael at ang kanyang panahon”, p. 24). Tulad ng sinabi ni Grashchenkov, "tinanggihan ni Rafael ang sikolohikal na pagpipino ni Leonardo, dayuhan sa kanya, sa pangalan ng isang mas simple at mas malinaw, ... mas madaling ma-access na pagpapahayag ng kagandahan ng pagiging ina." (ibid.). Ayon sa mga eksperto, si Raphael ay hindi gaanong naakit sa komposisyon ng tinatawag na "banal na panayam", "kung saan ang Ina ng Diyos ay inilalarawan sa isang trono, na napapalibutan ng mga santo at mga anghel." Samakatuwid, naakit siya ng ibang interpretasyon ng imahe ng Madonna. “Marami ang mga ito, mas madalas ... mga kalahating pigurang imahe ... kung saan siya (ang Ina ng Diyos) ay kinakatawan na magiliw na niyayakap ang isang bata na tumutugon sa kanya sa pamamagitan ng kanyang haplos." (ibid.). Tinawag ito ni Grashchenkov na isang "deeply human reinkarnasyon ng sinaunang iconography" at nagmumungkahi na sa mga relief ng Padua Altar na nakuha ni Donatello ang ideya. "Madonna Tempi" Raphael. Isinulat ng mananaliksik na ang larawang ito ay "ang pinaka-masigasig, pinaka-makatao na direktang pagpapahayag ng pagmamahal ng ina." (ibid.). Ang "Madonnas" ni Raphael ay "namumuhay nang naaayon sa kanilang mga damdamin, na naaayon sa kalikasan, sa mga tao. ... Ang mga "Madonnas" na ito ay tinawag upang maghatid ng mga relihiyosong kaisipan, bilang isang beses ... mga icon. Ngunit sa kanilang hitsura ay walang makakapukaw sa pag-iisip ng asetiko na mga ideya ng Kristiyanismo. Ito ay isang masayang Kristiyanismo…”. (ibid., p. 24).

Kapansin-pansin na hindi tumigil si Rafael sa mga nakamit na resulta at "nagsumikap para sa mas matinding kaplastikan sa pagtatayo ng grupo." Sa kabila ng katamtamang laki ng mga pintura, ang napakalaking saklaw at panloob na drama ng mga imahe ay nagpipilit sa atin na aminin na ang panginoon "na may hindi pa nagagawang emosyonalidad ay nagagawang ihatid ang proteksiyon na kapangyarihan ng mainit na mga yakap ng ina." (ibid.). Gayunpaman, iniiwasan ni Raphael ang "tragic stiffness" na "nagkakait sa katawan ng kalayaan sa paggalaw," isang paraan na napaka katangian ni Michelangelo.

Binibigyang-diin ng mga siyentipiko ang katotohanan na "Ang pantasya ni Raphael ay binisita ng ibang imahe ng Madonna - solemne at malungkot, na parang alam kung anong sakripisyo ang dapat niyang dalhin sa mga tao. Ang ganitong komposisyon ay palaging iniisip niya bilang isang imahe ng isang nakatayong Maria na may isang sanggol sa kanyang mga bisig. (ibid.). Nakaraang "Sistine Madonna" trabaho, maaaring tawaging ilang yugto ng paghahanap paraan ng pagpapahayag. Tumingin ako sa mga reproductions ng ilang Madonnas, ngunit, hindi bilang isang espesyalista, halos hindi ko napansin ang anumang mga tampok na likas sa pagbabago ng istilo. Siyempre, ang bawat gawain ay mahalaga sa sarili nito, at gusto ko ang tampok na ito sa gawain ng sinumang master. Ang bawat pagpipinta ay isang obra maestra. Sa kabila ng isang mas matatas na kaalaman sa mga yugto ng gawain ni Raphael, ang aking saloobin sa mga dakilang pintor, eskultor, arkitekto ay palaging mananatili sa antas ng "WALANG TALAKAYAN!" at magagawa mo lahat ng gusto mo sa akin. Kung papayagan mo ako, sasabihin ko kung ano ang itinuturing kong totoo para sa aking sarili: Ang mga gawa ni Raphael, hindi lamang kaakit-akit, ngunit lahat ng bagay, lahat, ay lubos na nakikilala na "energetically". At kung, sa mismong antas na ito, ang pakikiramay ay nangyayari sa pagitan ng manonood at ng may-akda ng larawan - ang kahulugan ng masining na aparato ay maaaring ituring na progresibo o lipas na - hindi nito masisira ang kasiyahan para sa akin nang personal. Tanging ang mga walang ginagawa ay hindi nagkakamali. At ang isang mahuhusay na artista na nabuhay nang matagal na ang nakalipas ay napakadaling talakayin at pag-usapan ang tungkol sa kanyang trabaho, na patuloy na inihahambing sa mga gawa ng hindi gaanong talento…. Nag-aalala ako tungkol sa mga pagsusuring opinyon, mga artikulo na nagpapahintulot sa isa o ibang "eksperto" na magsulat at mag-publish. Kapag ang isang artista ay pinupuna ng isang artista, ito ay (para sa akin) isang maliwanag na kaganapan. Marunong magmahal, mas maganda sa iba na huwag magpanggap na mga art historian. Hindi gusto - huwag panoorin ito. Sumang-ayon, hindi makakasagot ang larawan sa isang hindi patas na pagtatasa, at hindi rin ito makakatugon sa papuri! At ang larawang ito ("Ang Sistine Madonna") ay napakaperpekto sa komposisyonal na solusyon na ang manonood ay tila naroroon sa sakramento na inilalarawan dito. Ngayon, papayagan ko ang aking sarili ng ilang mga panipi tungkol sa "Sistine Madonna", mula sa artikulong "Sa Sining ni Raphael":

"Nais na ipakita ang hitsura ng Ina ng Diyos bilang isang nakikitang himala, matapang na ipinakilala ni Raphael ang naturalistic na motif ng nakahiwalay na kurtina. Kadalasan, ang mga anghel ay nagbubukas ng gayong belo... Ngunit sa pagpipinta ni Raphael, ang kurtina ay bumukas sa sarili nitong, na iginuhit ng hindi kilalang puwersa. Mayroon ding isang dampi ng supernaturalness sa kadalian kung saan si Maria, na nakayakap sa kanyang mabigat na anak, ay naglalakad, halos hindi hawakan ang ibabaw ng ulap gamit ang kanyang mga paa. Sa kanyang walang kamatayang paglikha, pinagsama ni Raphael ang mga tampok ng pinakamataas na relihiyosong ideyal na may pinakamataas na sangkatauhan, na ipinakita ang reyna ng langit na may isang malungkot na anak sa kanyang mga bisig - mapagmataas, hindi matamo, nagdadalamhati - bumababa upang makipagkita sa mga tao.

“Madaling makita na walang lupa o langit sa larawan. Walang pamilyar na tanawin o tanawin ng arkitektura sa kailaliman."

"Ang buong ritmikong istraktura ng larawan ay tulad na ito ay hindi maaaring hindi, muli at muli, iginuhit ang aming pansin sa gitna nito, kung saan ang Madonna ay tumataas sa lahat ng bagay."

"Iba't ibang henerasyon iba't ibang tao nakita sa "Sistine Madonna" ang kanilang sarili. Nakita ng ilan dito ang pagpapahayag ng isang relihiyosong ideya lamang. Ang iba ay binigyang-kahulugan ang larawan mula sa pananaw ng moral at pilosopikal na nilalaman na nakatago dito. Ang iba pa ay pinahahalagahan ang pagiging perpekto sa sining. Ngunit, tila, ang lahat ng tatlong aspetong ito ay hindi mapaghihiwalay sa isa't isa. (lahat ng mga sipi ay mula sa artikulo ni V.N. Grashchenkov).

Si A. Varshavsky sa artikulong "The Sistine Madonna" ay sumipi kay Vasari: "Siya (Raphael) ay gumanap para sa mga itim na monghe (monasteryo) ng St. Sixtus plaque (larawan) ng pangunahing altar, na may pagpapakita ng Our Lady kay St. Sixtus at St. Barbara; ang paglikha ay natatangi at natatangi. Noong 1425, “ipinasa ang dating madre sa mga monghe ng Benedictine ng kongregasyon ng St. Justin sa Padua. ... Siya ngayon ay direktang nasasakupan ng papa, siya ay walang bayad sa pagbubuwis at buwis, ang abbot ng monasteryo ay tumatanggap ng karapatang magsuot ng mitra. Pinag-isa ni Pope Julius II, ... ang monasteryo ng Monte Cassino sa kongregasyong ito (...). Monasteryo ng St. Natagpuan ni Sixtus ang kanyang sarili sa makapangyarihang kongregasyon ng Monte Cassino, na ang rektor ngayon ay nagtataglay ng titulo Pinuno ng mga Benedictine, Chancellor at Grand Chaplain ng Roman Empire (...). Ang mga Benedictine na ito ay ang mismong "mga itim na monghe" na iniulat ni Vasari. (ibid.).

Noong 1508, sa rekomendasyon ni Donato Bramante, inanyayahan si Raphael sa Roma sa ngalan ni Julius II. Si Bramante noon ay ang punong arkitekto ng Vatican at, tulad ng alam mo, ay bahagi ng bilog na malapit sa papa. "Siya (Raphael) ay nanirahan sa Eternal City, marahil sa katapusan ng 1508, marahil nang mas maaga, hindi nang walang tulong, marahil, ng papal architect na si Bramante, na pumasok sa dakilang kapangyarihan sa mga taong iyon. Gayunpaman, walang alinlangang utang ni Raphael ang kanyang hitsura sa Roma, una sa lahat, sa kanyang sarili - ang kanyang walang pagod na pagnanasa para sa pagpapabuti, para sa lahat ng bago, para sa malakihan at malakihang gawain. (A. Warsaw).

Hindi itinuturo ng mga siyentipiko ang isang direktang relasyon sa pagitan nina Raphael at Bramante (sa tulong na ibinibigay ng huli kay Raphael, natural na ipagpalagay ito), ngunit hindi nila itinatanggi ang gayong posibilidad. Sa halip, sila ay mabuting kakilala o kaibigan. Bilang I.A. Bartenev sa artikulong "Raphael and Architecture": "Inimbitahan si Raphael sa Roma upang magtrabaho sa pagpipinta ng Vatican Palace. Ang gawaing ito ay tumagal ng mahabang panahon. Noong 1509, nakatanggap ang pintor ng permanenteng post ng "apostolic painter" sa ilalim ni Pope Julius II, na ipinagkatiwala sa kanya ang pagpipinta ng "stanz". Sa mga taong ito, nagtatrabaho siya kasabay ni Bramante, na may malaking impluwensya sa kanya. Walang alinlangan, pagkatapos ay maraming naintindihan si Raphael sa arkitektura. Sa panahong ito, bumuo si Bramante ng isang proyekto at sinimulan ang pagtatayo ng Cathedral of St. Petra - ang gitnang gusali ng panahon. Walang alinlangan na pinasimulan ni Bramante si Raphael sa kurso ng kanyang trabaho, na napakahalaga para sa kasunod na yugto ng pagtatayo. Pareho siyang naging mentor at patron ng young master. Sa paggawa sa Vatican Palace, itinuon ni Raphael ang kanyang pangunahing atensyon sa pagpipinta ng apat na bulwagan ng mga silid ng papa. Ang mga fresco ng "stanz" ng Vatican ay perpektong konektado sa interior, hindi sila mapaghihiwalay sa arkitektura. Ito ay isa sa mga pinaka-kapansin-pansin at nakakumbinsi na mga halimbawa ng isang tunay na synthesis ng mga sining ng Renaissance." Ayon kay Grashchenkov, ang mga fresco ng Vatican ni Raphael, kasama ang The Last Supper ni Leonardo at ang Sistine ceiling ni Michelangelo, ay ang rurok ng Renaissance monumental painting. “... ang pangunahing atraksyon ng Vatican, bilang karagdagan sa Sistine Chapel, siyempre, ay ang mga stanzas (stanza - room) - tatlong hindi masyadong malalaking vaulted room sa ikalawang palapag ng lumang bahagi ng palasyo na itinayo noong kalagitnaan ng ika-15 siglo. (Warsaw). Una, ang gitna ng tatlong "stanzas" ay pininturahan - "Stanza della Senyatura" (segnatura - sa Italyano na "pirma", ang mga dokumento ng papa ay nilagdaan dito) (1508-1511) at pagkatapos, sa loob ng anim na taon (1511-1517) sunud-sunod "Stanza d'Eliodoro" at "Stanza del Incendio". “Gayunpaman, ang mga fresco sa ikatlong saknong ay halos nakumpleto - hindi masyadong matagumpay - ng kanyang (Raphael) na mga mag-aaral: ang master ay abala sa iba pang mga order. Sa kabilang banda, ang mga mural sa unang dalawang saknong ay naging hindi lamang pagmamalaki at kaluwalhatian ni Raphael, kundi pati na rin ang pagmamalaki at kaluwalhatian ng lahat ng sining ng Renaissance, ng lahat ng sining sa mundo. (A. Warsaw). Sa pangkalahatan, ayon sa ilang mga mapagkukunan, ang pagpipinta ng "Stanza del Inchendio" ay nagsimula noong 1514 at nagpatuloy hanggang 1517. Ang master ay gumugol ng maraming oras sa pagtatayo at paglikha ng mga karpet upang palamutihan ang Sistine Chapel. Ang monumental na istilo ni Raphael ay umunlad at nagbago, at, nang maabot ang kasukdulan nito, nagsimulang kumupas. "Ang kasaysayan ng paglikha ng mga fresco ng Vatican ng master ay, kumbaga, isang compressed, puro kasaysayan ng lahat ng klasikal na sining. Mataas na Renaissance "("Sa Sining ni Raphael", p. 33). Naniniwala ang mga mananaliksik na ang bawat siklo ay batay sa isang programang pampanitikan na inialok kay Raphael ng mga tagapayo sa siyensya. Siyempre, siya mismo ang makakapili. Ito ay pinaniniwalaan na walang mahigpit na regulasyon sa trabaho. Ang tunay na interes ng mga siyentipiko ay sanhi ng katotohanan na "bilang isang abstract at didactic na ideya tungkol sa magkatugmang pagkakaisa ng relihiyon, agham, sining at batas... isinalin ito ni Raphael sa wika ng pagpipinta...". (ibid.). Ang istraktura ng mga fresco, ayon kay Grashchenkov, ay paunang natukoy ng likas na katangian ng silid, at "ang kalahating bilog na pagkumpleto ng mga dingding ng bawat "stanza" ay nagsilbing paunang ritmikong leitmotif sa konstruksyon. Sa turn, nabanggit na "ang arkitektura at maindayog na pagkakaisa ng lahat ng bahagi ng pagpipinta ay kinumpleto ng pagkakapare-pareho ng kanilang scheme ng kulay." Mayroong maraming ginto sa pagpipinta na pinagsama sa mga kulay asul at puti. Ang mga background ay pininturahan sa anyo ng isang gintong mosaic o isang gintong palamuti na ibinigay sa ibabaw ng isang asul na patlang. Ang gintong ito ay pinagsama sa isang kasaganaan ng mga dilaw na tono sa mga fresco ng mga dingding ("Pagtatalo"). Ang mapusyaw na kulay abong arkitektura ng "School of Athens" ay bahagyang ginintuang din. Ang lahat ng mga kumbinasyon ng kulay na ito ay nagbibigay ng "makulay na pagkakaisa ng buong grupo at ang mood ng isang masaya at libreng pagkakaisa ng pagiging, na direktang naghahanda ng isang mas malalim na pang-unawa ng mga indibidwal na fresco." Sa kabila ng dibisyon, ang mga bahagi ay bumubuo ng isang kumpletong artistikong pagsasarili. Parang easel painting lang. Binibigyang-diin ng mga siyentipiko na walang pinipilit at nagyelo sa komposisyon ni Raphael. “Ang bawat pigura ... ay nagpapanatili ng likas nitong pagiging natural. Ang kanyang koneksyon sa iba pang mga figure ay dahil hindi sa impersonal na espiritismo ng pangkalahatang ideya ng asetiko, tulad ng sa medyebal na sining, ngunit sa malayang kamalayan ng mas mataas na katotohanan ng mga ideyal na iyon, ang pananampalataya kung saan pinagsama ang mga ito "(" Dispute "). Sa "School of Athens" Raphael, sa pamamagitan ng pagpipinta, pinagkasundo at pinag-isa sina Plato at Aristotle. I.A. Si Smirnova sa artikulong "Stanza della Senyatura" ay nagsasaad na ang mga fresco ng "Disputation" at "The School of Athens" ay "pinaka ganap, ganap na sumasama sa imahe ng maayos na magandang uniberso ng Raphael. Ang kanilang spatial na solusyon ay lumilikha ng isang pakiramdam ng "pagiging bukas" ng mundong ito para sa amin, nagpapalawak ng espasyo ng bulwagan, binibigyan ito ng maringal na balanse ng mga sentrik na silid, pinupuno ito ng liwanag at hangin." Ang artikulo ay humipo sa mga programmatic na isyu ng Stanza della Senyatura, at pagkatapos suriin ang data, si Smirnova ay nagtapos: "... ang hypothesis na ang Stanza della Senyatura ay inilaan ni Julius II para sa supreme papal tribunal ay hindi pa pinabulaanan." At higit pa: “... ni ang paghirang na ito o ang tema ng hustisya at ang banal na pinagmulan nito ay hindi nauubos ang programa ng mga mural ni Raphael sa lahat ng pagiging kumplikado at kayamanan ng mga kahulugan. Bukod dito, hindi nila nauubos ang maringal, magkakaibang at magandang mundo ng mga ideya at imahe, na inspirasyon ng makatao na konsepto ng pagiging perpekto, pagkakaisa at katwiran, na lumilitaw sa harap natin sa mga dingding ng Stanza della Senyatura ni Raphael. Sa mga simbolo na inilalarawan sa mga fresco, ang kahulugan at kakanyahan ng mga panahon na nabubuhay ang sangkatauhan sa buong makasaysayang espasyo. Sila - mga fresco - nagdadala ng mga simbolo ng mga ideya at ideya ng sangkatauhan. Ayon kay Varshavsky: "Isa sa ... ang pinakadakilang mga likha sa kasaysayan ng sangkatauhan ay ang mga mural sa Stanza della Senyatura, kasama ang kanilang sikat na Dispute, ang School of Athens, Parnassus at may fresco na nakatuon sa hustisya, gayundin ang marami. iba pang magkakahiwalay na komposisyon at alegorya na mga pigura... Ang lalim ng mga generalization, ang intensity ng makulay na brush, ang talas ng mga contrast, ang dynamics ng mga dramatic na imahe, isang bihirang compositional gift - lahat ay nagpatotoo sa napakalaking at patuloy na lumalagong kasanayan ng artist , ... parehong sa disenyo at sa pagpapatupad. (Artikulo "Sistine Madonna", A. Varshavsky).

Sa Stanza della Segnatura, ang istilo ni Raphael ay nailalarawan bilang "graceful and grandiose", ngunit nasa Stanza d'Eliodoro na, siya ay pinalitan ng isang monumental at mas dramatic. "Ang mga figure ay nawalan ng biyaya at kagaanan."

Kapansin-pansin na ang mundo na "itinatanghal sa mga fresco ng Stanza della Senyatura" ay walang tiyak na oras sa kalikasan. Ang mga fresco ng "Stanza d'Eliodoro" ay "naglalarawan ng mga tiyak na eksena ng kasaysayan ng simbahan." Ang dating kalmado ay nawawala rin sa istruktura ng arkitektura ng mga fresco - ang espasyo ay mabilis na nagbubukas. Walang asul na hangin ng langit. "Ang mga dekorasyong arkitektura ay masikip sa makakapal na hanay ng mga haligi at mga haligi, na nakasabit sa itaas na may mabibigat na arko." Ngayon "ang tunay at ang perpektong anyo dito ay isang mas kumplikado at nagpapahayag na pagsasanib." Ang isa sa mga plastik na motif na inilapat ni Raphael sa iba't ibang mga gawain ay maaaring ituring na isang pabilog na komposisyon. Siyempre, maraming mga paboritong pamamaraan. Ngunit, ang pagbabago at paglipat mula sa trabaho patungo sa trabaho, sila ay medyo madaling makilala. Pagkatapos ay ginamit sila ng iba pang mga masters. R.I. Sumulat si Khlodovsky: "Sa pagninilay-nilay sa mga fresco ng Raphael, hindi lamang natin makikita kung ano ang pinakamataas na ideal ng kultura ng Renaissance ng Italya, ngunit higit pa o hindi gaanong malinaw na nauunawaan kung paano nabuo ang ideyang ito sa kasaysayan. ... Ang self-reflection ng sining ng Italian Renaissance ay pinagsama kay Raphael sa Renaissance historicism. Ang mga plot ng "Stanza della Senyatura" ay naglalarawan ng mga ideal na ayon sa kasaysayan ay nauuna sa ideal ng mga fresco ni Raphael at naroroon sa ideal na ito. Ang pagbubuod ng ilan sa pagtatanghal ng materyal sa pagpipinta ng mga fresco, dapat sabihin na para kay Raphael hindi sila lahat ng mga dekorasyon para sa kasiyahan ng mga mata - pinahahalagahan ng artist ang mahigpit na proporsyonalidad ng lahat ng bahagi ng kabuuan, "bawat isa. Ang figure ay dapat may sariling layunin."

Dahil ang "stanz" na mga fresco ay monumental na pagpipinta, na malapit na konektado sa arkitektura, hindi dapat banggitin ang mga likhang arkitektura ni Raphael. Sa artikulo ni I.A. Bartenev "Raphael at Arkitektura" nakakahanap kami ng maraming mahalagang impormasyon. Halimbawa, isinulat ng mga iskolar na si Raphael "sa kanyang mga likhang arkitektura ay may malaking impluwensya sa katulad na mga gawa ng kanyang mga mag-aaral at sa buong kasunod na pag-unlad ng arkitektura ng Italyano." Ang master ay nagtrabaho sa disenyo at pagtatayo ng mga istruktura nang direkta, pininturahan din niya ang ilang mga uri ng mga proyekto nang direkta sa mga canvases ng mga kuwadro na gawa at, bukod dito, gumanap ng mga fresco painting ng isang pandekorasyon at pandekorasyon na order. Sa pangkalahatan, "ang kumbinasyon sa isang tao ng ilan mga propesyon sa sining» para sa Italya XV–XVI siglo. - ito ang pamantayan. Ang pagpapatuloy sa paglipat ng propesyon at ang kasanayan mismo mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon ay karaniwan. Gayundin, ang panahon ay nakikilala sa pamamagitan ng pare-parehong pagsasanay sa iba't ibang propesyon. "Sa Italya noong panahong isinasaalang-alang, sa katunayan, walang dalawang "katabing" propesyon - isang muralist at isang pintor ng mga pagpipinta, tulad ng walang hiwalay na mga iskultor-muralist at master ng maliliit na plastik. Nagtrabaho din ang mga artista sa mga istruktura ng pagpipinta (kung kukuha tayo ng pagpipinta), at gumawa din sila ng mga gawa sa easel. ... Ang mga kuwadro na gawa ng easel ng mga master ng Renaissance ay may mga tampok ng monumentality, at sa parehong oras, ang mga kuwadro na gawa sa dingding ay mayroong lahat ng mga palatandaan ng pagiging totoo ... Ang pagpipinta ay pinag-isa, at pinadali nito ang pagpapabuti nito at sa parehong oras ay pinadali ang pakikipag-ugnay ng mga artista na may arkitektura, ang kanilang solusyon sa mga gawain sa dekorasyon, sa pagpipinta ng mga gusali "(I.A. Bartenev "Raphael at Arkitektura"). Tulad ng nabanggit na, mula noong 1508 si Raphael ay nagsasagawa ng mga gawa sa dekorasyon ng Vatican at ang kaalaman / kasanayan na nakuha sa Urbino at lalo na sa Florence ay binuo at pinagsama ng impluwensya sa batang artista ng sinaunang Romano. "Alam na ang mga arkitekto ng Italian Renaissance mula sa isang maagang panahon ay nilinang uri ng centric domed na simbahan , na kanilang ikinukumpara sa tradisyonal na Gothic basilica. Ito ang kanilang ideal, at patuloy silang nagsikap na maitatag ang ideyal na ito. Ang prosesong ito ay maaaring masubaybayan pabalik sa mga gawa ng Brunellesco at umabot sa kasukdulan nito sa mga gawa ni Bramante, sa sikat na Tempietto, sa katunayan, ang kanyang unang Romanong gusali (1502), at, sa wakas, sa engrandeng proyekto ng Katedral ng St. . Peter." (ibid.). Noon pang 1481, sa kanyang fresco na "Transfer of the Keys" ng Sistine Chapel, ang Perugino ay naglalarawan ng isang rotunda na templo sa gitna. At pagkatapos ng dalawampung taon, bumalik si Raphael sa parehong paksa. Ngunit "ang arkitektura ng rotundal na templo ng Raphael ay mas nakolekta kaysa sa katulad na komposisyon ng Perugino ..., ito ay mas nagkakaisa, at ang mga proporsyon at silweta ay nakikilala sa pamamagitan ng kamangha-manghang pagiging perpekto at biyaya. Ang kagandahan, isang uri ng espesyal na pagiging sopistikado at pagiging sopistikado ng mga anyo, habang ganap na pinapanatili ang isang pakiramdam ng monumentalidad, ang mga katangiang katangian ni Raphael bilang isang arkitekto. (ibid.). Dapat sabihin na ang mga fresco ay perpektong naglalarawan ng arkitektura "na may paglahok ng isang bilang ng mga motibo." Ang background ng arkitektura ng "School of Athens" ay napaka-tumpak na nagpaparami sa loob ng Cathedral of St. Peter. Sumulat si Bartenev: "... maaaring ipagpalagay na ang buong kawani ng "Athenian School" ay naitama ni Bramante. ... Ang marilag na arkitektura na inilalarawan dito, ang makapangyarihang mga pundasyon - ang mga pylon ng templo, pinalamutian ng isang warrant - Tuscan pilasters, ang mga coffered vault na malawak na "bukas" sa itaas ng mga ito, mga sistema ng paglalayag, mga niches na may mga estatwa, mga relief - lahat ng ito ay iginuhit sa pinakamataas na antas ng propesyonal, sa mahusay na mga sukat at nagpapatotoo sa libreng paggamit ng mga paraan ng arkitektura. Ang katangian ng arkitektura ... ay naglalaman ng mga tampok na nailalarawan sa arkitektura ng High Renaissance ... "(" Raphael at Arkitektura "). Matapos ang pagkamatay ni Bramante (1514), pinangangasiwaan ni Raphael ang pagtatayo ng Katedral ng St. Peter. Naakit si Fra Giocondo da Verona na tulungan siya, na mas may karanasan sa konstruksyon at kayang lutasin ang ilang teknikal na isyu. Noong tag-araw ng 1515, si Raphael ay hinirang na punong arkitekto ng katedral, at tutuparin niya ang mga tungkuling ito sa loob ng isa pang 5 taon, hanggang sa kanyang kamatayan noong 1520. Si Bramante ay bumuo ng isang proyekto para sa isang templong may gitnang dome, simetriko kasama ang dalawang palakol. Iba ang gusto ng mas mataas na klero, kaya ang mga pagbabago ay ginawa "sa direksyon ng buong pag-unlad ng pasukan, kanlurang bahagi." Ayon sa mga mananaliksik, kailangang lutasin ni Raphael ang mahirap na gawain ng muling paggawa ng plano ng katedral. Marahil ay hindi niya kailangan ang gayong mga pagbabago, ngunit ang klero, pagkatapos ng pagkamatay ng "pangunahing may-akda", ay pinilit ang master na simulan ang pagproseso. Si Raphael ay walang oras upang idagdag sa pangunahing core ng komposisyon ni Bramante "ang multi-nave western, entrance part." Malapit na siyang mamatay. Isinulat ni Bartenev: "Sa kaganapan ng pagpapatupad, ang pangunahing harapan ay malakas na itulak pasulong, habang ang may kupolong bahagi, nang naaayon, ay biswal na urong sa background." Ang artista sa Roma ay nakikibahagi sa "pag-aaral ng mga sinaunang monumento." Matapos ang pagkamatay ni Fra Giocondo noong 1515, hinirang si Raphael bilang punong "tagapag-alaga ng mga antigo ng Roma." Nakibahagi siya sa mga paghuhukay ng Golden House of Nero at ang Baths of Trajan. Natagpuan doon ang mga dekorasyong burloloy-mural. Ang mga mural na ito ay pinalamutian ang mga silid sa ilalim ng lupa - mga grotto (kaya't tinawag ang mga palamuting ito kakatuwa ). Sinasamantala ang mga nahanap, matapang na gumamit si Raphael ng mga grotesque sa loggia ng San Domaso. Tulad ng isinulat ni Bartenev: "... ito ay hindi tungkol sa pagkopya ng ilang mga tema, ngunit tungkol sa isang libre, malikhaing diskarte, tungkol sa libreng layout ng mga indibidwal na iginuhit na mga motif ng isang geometric, antiquity architectural order, pictorial, vegetative, kasama ang mga larawan ng hayop at iba pang ... tema.” Gayundin, gumagamit si Raphael ng mga grotesque sa loggia ng Villa Madama at ilang iba pang monumento noong ika-16 na siglo. Naniniwala ang mga mananaliksik ng gawa ni Raphael na siya ay matatawag na "ang nagtatag ng ornamental at decorative art ng High Renaissance." Ang mga mural sa looban ng San Domaso ay tinawag na Raphael Loggia.

Ang mga gusali ng Raphael ay kinabibilangan ng: ang simbahan ng Sant Eligio degli Orefici (para sa pagawaan ng mga mag-aalahas sa Roma) - sa anyo ng isang Griyegong equal-pointed na krus; ang mortuary chapel para sa pamilyang Agostino Chigi ay parisukat sa plano, na may maliit na patag na simboryo; Palazzo Vidoni - two-tiered in structure, na may napakalaking rusticated na unang palapag at isang light portico ng ikalawang baitang na may pinagpares na tatlong-kapat na column ng Tuscan order; Palazzo de Brescia sa Roma - na may warrant sa anyo ng mga pilasters; Ang Palazzo Pandolfini (ayon sa mga guhit ni Raphael) ay isang dalawang palapag na gusali, na, katabi ng hardin, ay walang karaniwang saradong patyo. Tulad ng isinulat ni Bartenev: "Ang komposisyon na binuo nina Bramante at Raphael ay minarkahan ang paglitaw ng isang bagong sistema ng mga solusyon sa harapan para sa mga palazzo ng Italyano.... Ang warrant ... ay itinatag bilang Pangunahing tema solusyon sa harapan. ... Ang gusaling ito (Palazzo Pandolfini) ... ay isang modelo ng isang city mansion-palace ... ". Ang mga facade tulad ng sa Pandolfini Palace, ang Farnese Palace (ang may-akda nito na si Antonio Sangalo the Younger) ay bubuo sa ika-16-17 na siglo. at mamaya, at hindi lamang sa Italya.

Dapat pansinin na "... sa loggia ng Villa Madama, ang sculptural at pictorial ornamental na paraan na ipinakilala ng artist, ang mga kagiliw-giliw na motif ... naabot ... buong ekspresyon at nabuo sa ... isang binibigkas na sistema ng plastik. …. Ang pambihirang compositional inventiveness, diversity, elegance at sophistication ng drawing ay nananatiling hindi maunahan, ... classic na mga halimbawa. (Bartenev).

“Ang arkitektura ng Italian Renaissance ... ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging kumplikado at ... hindi pagkakapare-pareho ng pag-unlad. Si Raphael ay nasa pinakamataas na punto ng prosesong ito, ngunit ang pangunahing linya ng paggalaw sa arkitektura ay hindi dumaan sa kanyang trabaho. Kasabay nito, ang huli ay isa sa mga pinaka-kapansin-pansin na phenomena sa arkitektura ng Italya ng panahon ng Cinquecento. At ang pagka-orihinal ng kanyang artistikong indibidwalidad sa arkitektura ay siya ay karaniwang isang artista at, higit sa lahat, isang artista. . (I.A. Bartenev).

Dapat itong sabihin tungkol sa kung gaano katamtaman ang talambuhay na data tungkol kay Raphael. V.D. Isinulat ni Dazhina sa artikulong "The Roman Encirclement of Raphael":

"May kaunting nalalaman tungkol sa personal na buhay ni Raphael, tungkol sa kanyang mga relasyon sa mga kaibigan, katulong, kasamahan at mga customer, higit pang mga alamat na nauugnay sa kanya."

Si Vasari, ang may-akda ng isang malaking bilang ng mga talambuhay ng mga artista, ay boluntaryo o hindi sinasadyang nagbigay ng pagkain para sa mga alamat tungkol kay Raphael. Naniniwala ang mga siyentipiko na, sa kabila ng pinakamayamang pondo ng impormasyon, sa mga gawa ng Vasari mayroong maraming ilang programming at pathos. Gayunpaman, ang mahahabang mga sipi ni Vasari tungkol kay Raphael ay dapat na bantayang mabuti, dahil kung ano ang mayroon tayo tungkol sa kanya ay mahalaga.

"Sa talambuhay ni Vasari, lumilitaw si Raphael bilang isang aktibong tagapag-ayos, isang artista sa walang humpay na paghahanap, isang taong natututo ng mga bagong bagay na may hindi mauubos na pag-usisa, na gumuhit ng malikhaing inspirasyon mula sa mahusay na pamana ng unang panahon." ("The Roman Encirclement of Raphael").

V.N. Isinulat ni Grashchenkov sa artikulong "On the Art of Raphael" binanggit niya ang kalikasan ni Raphael bilang "malambot at pambabae", "pinagkalooban ng sensitibong pagtanggap at madaling pumayag sa mga panlabas na impluwensya". Walang alinlangan, sa isang sulyap sa mga mural ng Vatican "stanzas", na ito ay pagkamaramdamin na nakatulong sa artist na maabot ang taas na iyon sa pinong sining, na napakahirap makamit.

Ang mga komposisyong solusyon ni Raphael ay hindi kapani-paniwala, perpekto. Iniuugnay ng mga eksperto ang espesyal na pagiging eksklusibo sa kanilang architectonic na kalikasan, na napakalapit sa monumental na pagpipinta. Ang lahat ng ito ay totoo lalo na sa panahon ng Romano. Kahit na sa Florence, kung saan pinagkadalubhasaan ni Raphael ang kasanayan ng komposisyon at ang kakayahang maghatid ng plastik na pagpapahayag, inihanda niya ang kanyang sarili para sa hindi niya alam - kung ano ang naghihintay sa Roma, kung saan nagsimula siyang magtrabaho mula sa pagtatapos ng 1508. Mula sa isang artista ng probinsiya - ang may-akda ng maliliit na eleganteng mga kuwadro na gawa at kaakit-akit na "Madonna" - agad siyang naging isang master, kung minsan ay natatabunan ang mga taong kamakailan niyang pinag-aralan.

Kung tungkol sa mga panlabas na impluwensya kay Raphael, ang kanyang pagkahilig na gayahin ay maiuugnay lamang sa panahon ng kabataan, dahil sa kalaunan ay naging malinaw ang posisyon. mature master, na binabalangkas ni Giovanni Francesco Pico della Mirandola bilang mga sumusunod: “Kailangan mong tularan ang lahat ng mahuhusay na manunulat, at hindi lamang isa, at sa mga bagay na kung saan naabot na nila ang pinakamataas na kasakdalan, at upang ang kanilang sariling panloob na talento ay hindi baluktot, ngunit, sa kabaligtaran, ang sinulid ng kuwento ay nakadirekta ayon sa hilig ng espiritu at paraan ng pananalita ng nagsasalita. Inilapat sa pinong sining, medyo naaayon ito sa gawain ni Raphael: hindi niya kinopya ang isa o marami, ngunit sa batayan ng kakilala sa kanilang mga gawa ay binuo niya ang kanyang sariling istilo. Sa opinyon ni Pico, tulad ng kay Raphael, ang mga may-akda ay magkakaiba at ang bawat isa ay mahusay sa sarili nitong paraan. "Sa ganitong pag-unawa sa imitasyon, kung saan ang hilig ng espiritu ng tao ay isinasaalang-alang at ang iba't ibang anyo ng pagpapahayag ay kinikilala bilang natural at hindi maiiwasan, ang ideya na likas sa isip ng master ay nagiging indibidwal na prinsipyo ng artistikong istilo" (O.F. Kudryavtsev "Aesthetic na paghahanap ng mga humanista ng Raphael circle").

Tulad ng isinulat L.M. Bragin sa kanyang gawain na "Mga ideyang aesthetic sa Italian humanism ng ikalawang kalahati XV - simulan XVI sa." , ang humanistic ideal ay isinama ni Raphael batay sa klasikal na istilo ng High Renaissance - ang synthesizing stage ng Italian Renaissance art. Ang yugtong ito ay inihanda hindi lamang ng spontaneity ng pag-unlad ng sining mismo, kundi pati na rin ng maturity ng humanism, ang maturity ng etikal at aesthetic na mga konsepto. Dito kailangang banggitin ang mga prosesong nag-ambag sa pag-usbong ng kultura sa panahong ito. Sumulat si Bragina: “... ang teorya ng aesthetic ng Renaissance ay nag-generalize ng sinaunang aesthetics at madalas, sa pamamagitan ng prisma nito, pinagkadalubhasaan ang karanasan ng bagong sining, batay sa pamana ng mga sinaunang masters. Sa kabilang banda, ang sining ng Renaissance ay hindi lamang nakakita ng mga prinsipyo sa pamamagitan ng matataas na halimbawa ng sinaunang sining, na pinoproseso nito alinsunod sa mga gawain nito, ngunit hinihigop din ang teoretikal na pag-iisip ng humanismo kasama ang mga bagong saloobin ng kamalayan at oryentasyon patungo sa bagong daan pang-unawa sa sinaunang pamana. Batay sa probisyong ito, "maaaring magsalita ang isang tao ng isang uri ng typological na relasyon sa pagitan ng mga ideya ng tao, kabutihan, kagandahan, na nakapaloob sa gawain ni Raphael, at ang kaukulang mga ideya ng aesthetic na kaisipan ng High Renaissance."

Kaya, pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga ideya (konsepto) na maaaring makilala kapag isinasaalang-alang ang panahon ng pag-unlad ng Renaissance aesthetics mula sa ikalawang kalahati ng ika-15 - unang bahagi ng ika-16 na siglo. Sa 50 - 80 taon. noong ikalabinlimang siglo, “ang pinakamalaking kontribusyon sa aesthetic na kaisipan ng humanismo ay ginawa ni Leon Batista Alberti, Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola. 90s ay maaaring ituring bilang ang susunod na yugto sa pag-unlad ng Renaissance aesthetics, minarkahan hindi kaya magkano sa pamamagitan ng paglitaw ng mga bagong konsepto bilang sa pamamagitan ng pagkahilig upang synthesize ang mga pangunahing resulta at konklusyon na kung saan ang iba't ibang mga linya ng ebolusyon ng aesthetic kaisipan ng nakaraang panahon ay humantong. ... Ang bawat isa sa mga magagaling na artista ay nagpahayag ng isang espesyal na pag-unawa sa mga etikal at aesthetic na mga problema ng panahon, na may kulay sa pamamagitan ng pagka-orihinal ng kanyang personalidad, at pinayaman ang mga mithiin ng kultura ng Renaissance na may mga malikhaing pagtuklas. Ang pagkakaugnay ng mga proseso na naganap sa humanistic aesthetics at ang sining ng High Renaissance, ang panloob na pagkakalapit ng mga paghahanap ay ginagawang posible na makita ang mga teoretikal na tagumpay ng artistikong pag-iisip ng Renaissance hindi bilang isang uri ng background para sa pag-unawa sa gawa ni Raphael , ngunit bilang espirituwal na kapaligiran para sa pagbuo at pag-unlad ng kanyang sining, kung saan ito ay organikong konektado" ( L.M. Bragina, ibid.).

Ang pinakamahalaga at kawili-wiling posisyon para sa akin ay ang mga pananaw ni Mario Equicola (1470-1525), na nagsilbi sa mga korte ng mga pinuno ng Ferrara at Mantua. Ang kanyang treatise na "On the Nature of Love", ayon sa mga siyentipiko, ay naging isang halimbawa ng isang humanistic na paksa sa "pilosopiya ng pag-ibig", isang etikal at aesthetic encyclopedia, kung saan ang paksang ito, bagaman ito ay nakasalalay sa isang Neoplatonic na pundasyon, ay nakakuha ng isang sekular na oryentasyon (L.M. Bragina, ganoon din). Ayon kay Bragina, sa simula ng ikalabing-anim na siglo, ang mga katangiang katangian ng aesthetic na kaisipan ng humanismo ay "ang lumalagong pagtagumpayan ng metapisiko na diskarte sa interpretasyon ng pag-ibig at kagandahan", ang ganitong konklusyon ay maaaring iguguhit batay sa mga akda ng Cattani, Equikola. Ang huli, ayon sa mga siyentipiko, ay nagpasikat ng Neoplatonic aesthetics at ang pagbuo ng ilang mga cliché na nakaimpluwensya sa pagbuo ng mga panlasa at pag-iisip ng mga artistikong intelihente. Kasabay nito, hindi maaaring hindi mapansin ng isang tao na ang pagpapasikat ng Neoplatonic na konsepto ng pag-ibig ay humantong sa isang pinasimple na pag-unawa sa sistema ng Neoplatonism. Tulad ng isinulat ni Bragina, ang pilosopikal na posisyon ng mga humanista ay minarkahan ng eclecticism, at ang mga huling konklusyon lamang ng may-akda ay katumbas ng konsepto ng Neoplatonic. Sa katunayan, ang mismong pangangatwiran ng may-akda ay madalas na sumasalungat dito, sila ay lumalabas na mas "makatao" kaysa sa "banal". (ibid.).

Ang mga ideyang humanistiko ay nakaimpluwensya sa mga artista, gayundin sa mga customer, na humuhubog sa kanilang ideolohiya. Sa oras na ito, ang gawain ni Raphael ay nabuo at umunlad. (ibid.). O.F. Tinutukoy ni Kudryavtsev si M. Dvorak, na nagsasabing tinalikuran ni Raphael "ang ibinigay na mga scheme ng balangkas at naturalistic tendencies na katangian ng gawain ng mga master ng Quattrocento, na nagsimulang magsanay bilang isang pintor." "Si Raphael sa "School of Athens" at sa kanyang kasunod na mga gawa ay namamahagi ng mga numero at masa ng higit pa malaya". (M. Dvorak "Kasaysayan ng Sining ng Italyano sa Renaissance"). Sa Raphael, tulad ng isinulat ni Kudryavtsev, ang pagiging perpekto ng aesthetic ay ang pangunahing layunin ng sining. Samakatuwid ang "balanse ng architectonic", at napaka "libreng mga solusyon sa komposisyon", at maging ang "ideal na pag-type ng mga character". Ang biyaya at kagandahan sa mga gawa ng artist ay ang resulta ng synthesis, kung saan binigyang-diin ni Raphael ang pinakamahalagang kahalagahan.

Batay sa ideolohiya ng humanismo, maiisip na ang mga malapit kay Raphael - Baldassare Castiglione, Pico, Bembo at iba pang mga teorista ng sining ng High Renaissance "ay nagmana ng interes sa mga problema ng kagandahan, sa paghahanap nito, na nakikita ang paksa. ng kanilang aktibidad." ( O.F. Kudryavtsev "Aesthetic na paghahanap ng mga humanista ng bilog ng Raphael") . Sinabi ni Kudryavtsev na ang mga konsepto ng "grace", "gracefulness" ay pangkaraniwan kapag inilapat sa gawain ni Raphael. At hayaan silang bigyang-kahulugan, kung minsan, salungat - ang mga gawa nina Castiglione at Raphael ay hindi maipaliwanag na malapit sa pag-unawa / paglalahad ng "biyaya". Sinipi ng artikulo mula sa isang artikulo ni E. Williamson:

“... ang gawain nilang dalawa ay nakabatay sa konsepto ng biyaya, na pareho nilang ibinahagi at sa parehong anyo at sa parehong antas ay hindi likas sa sinumang iba pang manunulat o artista” (E. Williamson “The Concept of Grace in the Works of Raphael and Castiglione” ). Ang medyebal na pag-unawa sa biyaya ay patuloy na nabubuhay sa kultura ng Renaissance, na muling pinag-iisipan. Tulad ng isinulat ni Kudryavtsev: "ang biyaya ay biyaya, o pagiging kaakit-akit, na may matabang kalikasan. …. Ang grasya ay, una sa lahat, kaaya-aya at kaakit-akit, at maaari itong ipagkaloob ng anumang kalikasan na may kakayahang malikhain. At ang isang tao ay nagtataglay din ng ganito, ito ... "makalupang diyos", "pang-unibersal na panginoon", walang limitasyon sa kanyang mga potencies hanggang sa punto na maaari siyang lumikha ng kanyang sariling kalikasan. Nangangahulugan ito na ang isang indibidwal lamang ang makakagawa ng isang makatwirang pagpili ng landas kapag nilutas ang mga isyu, itinuturo ng may-akda ng artikulo na "ang masining na pag-iisip ng Renaissance, na napagtanto ang kahalagahan ng subjective factor (batay sa Renaissance). konsepto ng tao bilang isang aktibo at independiyenteng nilalang sa kanyang mga aksyon), gayunpaman ay hindi sumasalungat sa layunin na katotohanan, ngunit, sa kabaligtaran, natagpuan ang hindi maihihiwalay na banayad na pagkakaugnay ng mga prinsipyong ito. (ibid.). Gayundin, si Castiglione ay may ideya na ang deliberasyon at pagsisikap ay maaaring italikod ang manonood mula sa isang gawa ng sining nang tama, dahil ang sining mismo ay hindi maaaring ilarawan sa sining. Sabihin nating, "stick out" na mga diskarte. Anyway, yun ang pagkakaintindi ko. At dahil ang subjective na pang-unawa at paghahatid ng imahe sa panahon ng High Renaissance ay itinuturing na ganap, ang biyaya ay nagiging panloob na kagandahan ng imahe, isang lihim at hindi kilalang pare-pareho, wala sa karaniwang sukat. Sumulat si Castiglione: "Kadalasan sa pagpipinta, mayroon lamang isang hindi sapilitang linya, isang stroke ng brush, na inilatag nang basta-basta, upang tila ang kamay, anuman ang pagsasanay o ilang uri ng sining, ay patungo sa layunin nito alinsunod sa intensyon ng artist, malinaw na nagpapakita ng pagiging perpekto ng master ... ". Ayon kay Kudryavtsev, "kaugnay ni Raphael ... ang isa ay maaaring magsalita ng isang kapwa nagpapayaman na unyon ng sining at makatao na pag-iisip." Sa katunayan, kung isasaalang-alang natin ang gayong kalidad bilang pagkamaramdamin sa mga panlabas na impluwensya, makikita natin na si Raphael (pagsunod sa lohika ng mga kaganapan) kasama ang kanyang trabaho ay nagawang matukoy ang mga aesthetic na adhikain sa kanyang kontemporaryong lipunan. Bukod dito, maimpluwensyahan niya ang masining na wika at paraan ng pagsulat. sining. Saan galing ang logic? Narito ako ay nagtataglay ng isang opinyon na itinuturing kong ganap na akin, o ng isa na pinasasalamatan ko lalo na para dito. Naniniwala ako na ang pagmamasid at, kung minsan, imitasyon, ay ang pangunahing paraan ng pag-iipon ng impormasyon / kaalaman tungkol sa isang paksa. Nang walang maingat na pag-aaral ng mga nakamit ng ibang tao, ang mga pagtuklas na nagawa na, ang isang tao ay maaaring muling likhain ang gulong at ituring ang kanyang sarili na isang pioneer. Siyempre, imposibleng maging nasa oras sa lahat ng dako, ngunit ang maging nasa oras sa maraming paraan ay isang malulutas na gawain. Para sa akin, hindi problema ang isyu ng panggagaya, basta ang paghahanap ng sarili mong istilo.

Para sa akin, ang malaking interes “ay isang dokumentong malawak na kilala sa panitikan sa kasaysayan ng sining at aesthetics bilang isang liham mula kay Raphael kay Count Baldassare Castiglione. Ito ay tunay na ito ay isinulat sa ngalan ni Raphael, na hinarap kay Castiglione bilang tugon sa isang hindi napanatili na liham, na nakatuon sa isang pagtalakay sa mga artistikong merito ng fresco na "The Triumph of Galatea", na nilikha ni Raphael noong 1513. Ito ay mula 1514, dahil noong Abril ng taong ito si Raphael ay hinirang na punong arkitekto ng St. Peter, gaya ng nabanggit sa liham. Siyempre, hindi ko masabi kung ano ang tila sa akin ang pinaka-makatotohanan sa mga bersyon mismo na iniharap ng mga siyentipiko - kung ang artist mismo ang sumulat nito, kung si Castiglione ay tinutugunan ang dokumentong ito sa kanyang sarili sa ngalan ni Raphael, pinagsama-sama ni Pico ang dokumentong ito .. Sa isang paraan o iba pa, ang pagkakapareho ng mga pananaw ng mga taong ito sa isang bilang ng mga isyu ay halata pagkatapos ng pagsusuri ng mga siyentipiko (sa kasong ito, pinag-uusapan ko ang gawain ng O.F. Kudryavtsev). Para sa akin, ang teksto ng mensahe mismo ay napakahalaga, na aking sipiin nang buo:

“At sasabihin ko sa iyo na para makapagsulat ng isang kagandahan, kailangan kong makakita ng maraming dilag; sa kondisyon na ang Iyong Kamahalan ay makakasama ko upang gawin ang pinakamahusay na pagpipilian. Ngunit dahil sa kakulangan ng mabubuting hukom at magagandang babae, gumagamit ako ng ilang ideya na pumapasok sa aking isipan. Kung mayroon man itong pagiging perpekto ng sining sa sarili, hindi ko alam, ngunit sinisikap kong makamit ito nang husto.

Dito ay idinagdag:

"Gusto kong hanapin ang magagandang anyo ng mga sinaunang gusali, ngunit hindi ko alam kung ito ang magiging paglipad ni Icarus. Kahit na ang Vitruvius ay nagbigay ng maraming liwanag tungkol dito para sa akin, ngunit hindi gaanong, gayunpaman, na ito ay sapat na.

Bakit tila napakahalaga at kawili-wili sa akin ang liham? Dahil naglalaman ito ng mga pananaw na sa tingin ko ay katugma sa aking sarili. At kahit na ang pagiging may-akda ng dokumento ay hindi mapag-aalinlanganan, ito ay sumasalamin sa malikhaing pamamaraan ni Raphael, na kilala sa lahat hindi gaanong (at hindi lamang) sa teorya. Siyempre, ang mga aesthetic na paghahanap ng artist ay makikita rin sa liham. Sinasalamin nito ang mga posisyong likas sa humanismo - imitasyon, bilang tunggalian sa mga sinaunang tao at pang-unawa, bilang pag-unlad ng mga sinaunang tradisyon.

Ngayon ay nais kong banggitin ang koneksyon sa pagitan ni Raphael at eskultura, sa kabila ng katotohanan na napansin ng mga mananaliksik ang kakulangan ng mga gawa kay Raphael na iskultor. Matapos basahin ang artikulo ni M.Ya. Libman "Raphael and Sculpture", iginuhit ko ang aking mga konklusyon. Ang aking kaalaman ay hindi nagpapahintulot sa akin na magsalita sa anumang paraan tungkol sa ensemble ng Chigi chapel sa Romanong simbahan ng Santa Maria del Popolo, kung saan ang artist ay "kumikilos bilang isang co-author at inspirar ng sculptor" na si Lorenzetto. Ngunit hindi mo maaaring balewalain ang mga gawa na, sa mga salita ni Sheerman, "hindi kailanman nakuha ang atensyon na nararapat sa kanila." Napansin ni Shirman ang kaakit-akit na kalikasan ng mga estatwa. Ang mga estatwa nina Jonah at Elijah, na ginawa ni Lorenzetto, "ay malinaw na idinisenyo upang ilagay sa ilang mga niches na may kaugnayan sa altar at sa pasukan." Kasunod nito mula sa mga materyales ng artikulo na si Rafael ay naghahanap ng isang tagagawa ng marmol upang magtrabaho sa kapilya ng Chigi. "Si Lorenzetto ay isang pangkaraniwang iskultor. Posibleng hindi siya maalala kung hindi niya isinama ang mga sculptural na ideya ni Raphael sa materyal. Siya, masasabi ng isa, ay sapat na mapalad upang maihatid ang mga pananaw ni Raphael sa plastik. Salamat sa mga gawang ito, makikita natin ang isang malinaw na larawan ng gawa ni Raphael. Sinabi ni Liebman na si Raphael ay labis na interesado sa iskultura, dahil sa isang bilang ng kanyang mga gawa ay may mga larawan ng mga estatwa at mga relief na hindi umiiral sa katotohanan. Tinutugunan ng artikulo ang tanong kung sino ang inspirasyon ng ideolohikal para sa paglikha ng mga estatwa - si Raphael mismo o si Lorenzetto (nalaman na ang rebulto ni Elijah ay nakumpleto pagkatapos ng pagkamatay ng artista). Ang mga isyu ng impluwensya ng trabaho ni Raphael sa mga iskultor noong panahong iyon (Andrea at Jacopo Sansovino) ay naaantig. Para sa akin, ang pangunahing bagay ay umiiral ang mga estatwa at, salamat dito, maiisip ng isa si Raphael bilang isang iskultor. Tila natural na si Michelangelo, ang plastik na henyo, na hindi maiwasang mapuno kahit si Raphael, ay naroroon sa mga malikhaing lupon. Ipinapaliwanag nito, kung hindi lahat, kung gayon marami. Sa pangkalahatan, kakaibang pag-usapan kung sino ang mas makabuluhan sa pagpipinta, eskultura ... Itinuturing kong ang tamang konklusyon ay ang ibinigay sa artikulo ni Liebman: "Kung may iba pang mga iskultor sa pagawaan ni Raphael, bukod kay Lorenzetto, marahil pagkatapos ay mabubuo ang isang paaralan ng mga iskultor- Raphaelescos". Sa kabila ng versatility ng kanyang talento, si Rafael (sa palagay ko ay hindi lamang posible na pag-usapan siya sa ganitong paraan) ay walang oras na gamitin ang bawat aspeto ng kanyang talento nang pantay-pantay. Lalo na kung isasaalang-alang mo ang malungkot na katotohanan na ang artista ay nabuhay nang napakaliit (Namatay si Raphael 37 taong gulang, noong Abril 1520, mula sa isang lagnat na hindi nagpapahiwatig sa anumang paraan totoong dahilan sakit at kamatayan), marami siyang nagawa.

Kabilang sa mga nagawa ni Raphael, maaaring ligtas na maiugnay ng isa ang impluwensya ng kanyang trabaho sa pagbuo ng maraming uri ng inilapat na sining. "Ito ay lalo na malinaw at direktang ipinakita sa paghabi ng tapiserya, at kahit na ang isang bilang ng mga Italyano na artista ay nakibahagi na sa paglikha ng mga karton para sa mga karpet sa dingding bago si Raphael, ang mga karton ni Raphael ang nakalaan upang matukoy ang karagdagang pag-unlad ng pinakamahalagang ito. sangay ng inilapat na sining" (N.Yu. Biryukova "Raphael at pag-unlad ng tapestry weaving Kanlurang Europa»).

Ang anyo ng sining na ito ay umunlad sa France, Flanders. Tulad ng tala ni Biryukova, "ang komposisyon ng mga tapiserya ... ay nasa loob pa rin ng balangkas ng mga tradisyon ng sining ng medieval. ... Halos walang pagtatayo ng perspektibo, napuno ng mga figure na flatly interpreted ang buong espasyo ng wall carpet, ang kulay ay napaka laconic, dahil ang makulay na hanay ay karaniwang hindi lalampas sa dalawang dosenang tono. Ang pag-alis mula sa mga prinsipyong ito ng komposisyon ay dahil sa paglitaw ng isang serye ng mga tapiserya para sa mga tapiserya sa paksa ng "Mga Gawa ng mga Apostol", na iniutos kay Raphael ni Pope Leo X noong 1513 at natapos sa pagtatapos ng 1516. Ang mga tapiserya ay ginawa ayon sa sa mga karton na ito ay inilaan upang palamutihan ang ibabang bahagi ng mga dingding ng Sistine Chapel ". Kasama sa seryeng ito ang sampung tapiserya. Nagpakita si Raphael ng mga volumetric na figure, hindi matatagpuan sa buong eroplano ng karpet, ngunit inilagay sa backdrop ng mga landscape na may espasyo. Ang estilo ng mga tapiserya ay monumental, ang mga damit ng mga karakter ay tunika (minsan ang mga karakter ay kalahating hubad). "Sa Flemish tapestries ng ika-15 siglo. ang pinakadakilang mga kuwento ay tinutubuan ng maraming pang-araw-araw na detalye. ... ang mga figure ... ay inilalarawan sa mga kahanga-hangang kasuutan ng kanilang panahon, na nilagyan ng maraming mga detalye ”(Biryukova). Ang mga karton na nilikha ni Raphael ay "itinuro ... kasama ang ibang ... landas sa pag-unlad ng mga komposisyon at pangkakanyahan na mga tampok ng isang habi na karpet sa dingding" (Biryukova). Siyempre, si Raphael ay may impluwensya hindi lamang sa mga katangian ng komposisyon ng mga karpet, kundi pati na rin sa pag-frame - mga hangganan. Ipinakilala ng master ang mga kakaibang motif sa mga vertical carpet na hangganan, na humalili sa mga alegorikal na pigura. "Sa lalong madaling panahon, ang hangganan ng mga naka-istilong bulaklak, na katangian ng mga tapiserya ng unang dalawang dekada ng ika-16 na siglo, ay pinalitan ng isang hangganan na binubuo ng mga kagiliw-giliw na motif at alegorikal na mga pigura" (Biryukova). Kasunod nito mula sa artikulo na ang mga karton ni Raphael ay nagdala ng tapestry weaving na mas malapit sa pagpipinta. Kaya, ang inilapat na sining ay hindi na isang bapor, ngunit mataas na sining. Sumang-ayon, kapag sina Raphael, Rubens, Keck Van Aelst, Vermeen ay nagpinta ng karton para sa mga karpet, mahirap maliitin ang gayong mga gawa. Ito ay pinatunayan din ng mga gawa ng mga ceramists - mga artista na lumipat mula sa pang-adorno na pagpipinta mula sa mga indibidwal na pigura ng mga tao at hayop sa mga multi-figured na narrative painting. Sa pagpipinta ng Italian majolica, malinaw na nabuo ang istilo ng Renaissance. Sa artikulo ni O.E. Mikhailova "Ang paggamit ng mga komposisyon ng mga gawa ni Raphael at ng kanyang paaralan sa pagpipinta ng Italian majolica" ay nagsasaad na pagkatapos ng 1525 "ang artistikong pantasya ng mga ceramists ay nakuha ni Raphael at ng kanyang paaralan." Ang mga pangalan ng mga masters ay binanggit, tulad ng Marcantonio Raimondi, Agostino Veneziano, Marco da Ravenna... Si Mikhailova, sa artikulo, ay nagsasaad na ang pagpaparami ng mga nakaukit na sheet sa pagpipinta ng majolica ay hindi laging posible nang eksakto. Maraming mga ceramists ang nagtrabaho sa komposisyon ni Raphael, at narito lamang ang isang bagay na maaaring idagdag: "Walang isang Renaissance artist, at kahit na sa ibang pagkakataon, ay hindi makapasa sa mga gawa ng henyo na ito. At ang mga ceramic masters, gamit ang Italyano na naka-print na mga graphics na muling ginawa ang mga guhit, mga kuwadro na gawa at mga fresco ng Raphael, ay hindi lamang itinaas ang Italian majolica sa isang walang uliran na mataas na antas ng artistikong, ngunit malinaw din na sinasalamin ang Renaissance at ang diwa ng kanilang oras sa ganitong uri ng inilapat. sining.

Konklusyon

Hindi mo masasabi ang lahat tungkol kay Rafael. Tila kakaiba sa akin na ang mga may-akda ng mga gawa tungkol sa buhay at gawain ng artista ay, sa palagay ko, nagkakaisa sa kanilang mga pagtatasa sa kanyang landas buhay: "Si Raphael ay isang masayang artista", "Ang maliwanag na henyo ni Raphael ay hindi hilig sa sikolohikal na lalim", "Sa Roma, natagpuan ni Raphael ang malakas at makapangyarihang mga patron." Sa isang salita, sa pagbabasa ng mga sipi na ito mula sa mga artikulo, nakakakuha ako ng kakaibang pakiramdam na ang mga siyentipiko mismo ay madalas na sumasalungat sa kanilang sarili. Magpapaliwanag. Sa artikulo ni V.D. Dazhina "Rafael at ang kanyang entourage" nabasa ko: "Sa panlabas na palakaibigan at bukas, si Rafael ay bihirang prangka at espirituwal na malapit sa sinuman. Siya ay may malawak na bilog ng mga kakilala, ngunit kakaunti ang mga tunay na kaibigan." Hindi ba ito nangangahulugan na ang paggawa ng anumang mga konklusyon tungkol sa artista at sa kanyang buhay ay isang manipestasyon ng kawalang-ingat? Maaari bang magkaroon ng maraming tunay na kaibigan? Sa pakikipag-usap sa mga natutuhang humanista ng Renaissance, si Raphael ba mismo ay madaling mahulaan ng mga tagalabas? Tulad ng isinulat ni A. Varshavsky: "... Si Raphael, walang alinlangan, ay isang malawak na edukadong tao, isang taong nag-iisip nang malalim at makapangyarihan. At kung kailangan pang pangalanan ang pinakamahalaga, matukoy, pinakamahalagang katangian ng isang mahusay na pintor, malamang na sabihin ito: isang kamangha-manghang kakayahang mag-generalize, isang kamangha-manghang kakayahan at kakayahang ipakita ang mga generalization na ito sa wika ng sining. Ang pahayag na ito ay maaari ding maiugnay kay Raphael ang lumikha, at, na totoo rin, sa salaysay ni Raphael na personalidad. "Sa kabila ng panlabas na kahinaan, siya ay isang napakatapang na tao, si Raphael. Hindi dapat kalimutan na sa taon ng kanyang paglipat sa Roma, siya ay halos dalawampu't limang taong gulang. Kapag nakagawa na ng desisyon, hindi siya lilihis sa napiling landas, at kailangan lang magtaka kung gaano kabilis lumakas ang kanyang henyo "(Varshavsky). Sa kanyang pananatili sa Roma, marami siyang ginawa! "... bahagyang pininturahan ang mga stanza ng Vatican, pinangangasiwaan ang mga gawa sa pagpipinta sa Villa Farnesina at ang Loggias ng Vatican, lumikha ng mga karton para sa mga karpet na iniutos ni Leo X, nagsagawa ng maraming mga order mula sa mga pribadong indibidwal at mga relihiyosong komunidad ..." (Dazhina) . Siya ay nakikibahagi sa proteksyon at sensus ng mga sinaunang monumento ng Romano. Salamat sa kanyang pagsusumikap at talento, si Rafael ay nagbunsod ng pagkakaisa sa ilalim ng pangkalahatang direksyon ng grupo mga mahuhusay na artista. Sa layunin, siyempre, hindi niya ginawa ito - may oras ba ang abalang master para sa pagpapalaki ng sarili? At ang kanyang workshop ay tumaas nang labis, dahil ito ay natural na hawakan ang kaalaman at talento! Ang ganitong mga asosasyon, ayon sa mga mananaliksik, ay hindi na lumitaw. Ang komunikasyon kay Rafael ay bumuo ng iba pang mga talento, inihayag ang mga ito. Ang pagkamatay ng isang artista sa pinakamahusay na paraan nakaimpluwensya sa gawain ng ilan sa kanyang mga mag-aaral. Siyempre, kakaunti lang ang pinag-uusapan ko, dahil pinanatili ni Francesco Penny (Fattore) sa kanyang sining ang katangian ng tula at biyaya ni Raphael. Pinagtibay at binuo ni Giovanni da Udine hindi lamang ang pag-iisip ni Raphael, ngunit dinala din sa paglikha ng buhay ang regalo ng pagsusulat ng mga burloloy at mga eleganteng grotesque. Ayon sa mga siyentipiko, dinala niya ang kanyang pagmamahal kay Raphael sa buong buhay niya at inilibing pa siya sa tabi niya, sa Pantheon. Maraming ganyang halimbawa. "Humanistic na edukasyon, versatility ng mga malikhaing interes, isang pagkahilig para sa sinaunang arkitektura at arkeolohiya ay nagdala kay Raphael at Peruzzi na magkasama. Ang kanilang pakikilahok sa disenyo ng mga pista opisyal at theatrical productions ay karaniwan din ”(Dazhina).

Marahil ay hindi ko naunawaan ang isang bagay na mahalaga tungkol kay Raphael, ngunit ang pagbabasa ng ganito: “Nag-ambag din si Vasari sa pagsalungat na ito (Raphael - Michelangelo) sa pamamagitan ng pagkakita sa mga pagkabigo ni Michelangelo sa libingan ni Julius II at ang kanyang pag-alis mula sa Roma noong panahon ng Leo X. ang mga intriga ng bilog ng Bramante at Raphael, "ang tanong ay hindi umalis sa akin - ito ba ay tiyak na kilala? Sa pangkalahatan, ang pagsalungat ng dalawang malalaking tagalikha ng panahong iyon - posible ba? Nalulungkot din ako sa naturang klasipikasyon bilang “Titian - nakatanggap ng titulo ng bilang; Si Raphael ay isang papal confidant. At bilang karagdagan sa pag-uuri na ito: "Sa istilo ng buhay, panlipunang pag-uugali at likas na pagkamalikhain, isinama ni Raphael ang mga tampok ng isang bagong panlipunang uri ng artista - tagapag-ayos, pinuno ng malalaking pagpipinta, isang courtier na namumuno sa isang pamumuhay, nagtataglay ng sekular na pagtakpan. , ang kakayahang magmaniobra at umangkop sa panlasa ng customer. Totoo, sa panahon ni Raphael, ang lahat ng mga katangiang ito ay nahuhubog lamang ... ”(Dazhina). At ito ay maaaring ituring na isang uri ng pagtatasa? Kung gayon, paano ituring ang pariralang: “Tinatrato ng bagong papa ang talento ni Raphael sa paraang consumerist, na labis na nagkarga sa artista ng lahat ng uri ng trabaho ... Ang gayong magulong pag-aaksaya ng enerhiya ay humantong sa unti-unting pagkawasak, pagiging malikhain, na nagbunga ng isang tiyak na detatsment ng artist mula sa kanyang mga nilikha, ang lamig na iyon na nagpatotoo sa krisis na istilo ng Raphael noong huling bahagi ng 1510s. Sa larawan lamang nadama ng artista ang kalayaan at lumikha anuman ang kapritso ng sinuman" (Dazhina). Tila tama sa akin na ang gayong pag-asa ay hindi maiiwasan para kay Raphael, dahil ang mga pangyayari / kondisyon niya, lalo na ang kanyang buhay, ay pinilit siyang manirahan sa korte at magtrabaho hindi lamang nang nakapag-iisa, kundi pati na rin sa mga utos. Isinulat ng mga mananaliksik na hindi nagustuhan ng artista ang korte ng papa dahil sa intriga, pagkukunwari, at inggit. Siya ay isang mabuting kaibigan ng papal jester, wit Fra Mariano, at ang maliwanag na Cardinal Sanseverino. Sumang-ayon, sa korte ang konsentrasyon ng mga edukado at napaliwanagan na mga tao, sa oras na iyon, ay maaaring mas mataas, at samakatuwid si Rafael ay napilitang "magpatuloy" sa ilalim ng ilan para sa pakikipag-usap sa iba. Kung walang kaalaman at mga taong may kaalaman, hindi lamang mga artista (at hindi gaanong), napakahirap na makarating sa kung ano ang napakahalaga sa Raphael - ang kakayahang gawing pangkalahatan. Walang makakagarantiya na, malayo sa korte ng papa, ang henyo ni Raphael ay umabot sa taas kung saan tayo dinadala ng kanyang mga nilikha.

Marahil, sa konklusyon, dapat kong isulat ang tungkol sa mga impresyon na ginawa sa akin ng gawa ng artista. Ngunit nais kong tumawag para sa makatwirang paggamit ng anumang impormasyon tungkol sa isang partikular na tao, kaganapan. Dapat alalahanin na maraming tao, na nakarinig, kahit saan, hindi tamang impormasyon tungkol sa isang tao / isang bagay, ay maaaring hindi malaman ang katotohanan at kung minsan ay hindi patas at malupit na pinag-uusapan ang paksa.

"Ang gawain ni Rafael Santi ay isa sa mga phenomena ng kulturang European na hindi lamang sakop ng katanyagan sa mundo, ngunit nakakuha din ng espesyal na kahalagahan - ang pinakamataas na palatandaan sa espirituwal na buhay ng sangkatauhan. Sa loob ng limang siglo, ang kanyang sining ay napagtanto bilang isa sa mga halimbawa ng pagiging perpekto ng aesthetic "(Editorial Board ng koleksyon" Raphael at Kanyang Oras ").

Listahan ng ginamit na panitikan

1. Si Raphael at ang kanyang panahon. Sinabi ni Rep. editor L.S. Chicolini. Moscow: Nauka, 1986.

2. Ang kapalaran ng mga obra maestra. A. Warsaw. M.: 1984.

Pagpinta ni Raphael Santi

Ang Renaissance ay ang panahon ng pinakamataas na artistikong pagtaas, kung kailan maraming magagandang pintor, eskultor, at arkitekto ang nagtrabaho sa Italya.
Ang gawain ni Rafael Santi ay isa sa mga phenomena ng kulturang European na hindi lamang sakop ng katanyagan sa mundo, ngunit nakakuha din ng espesyal na kahalagahan - ang pinakamataas na palatandaan sa espirituwal na buhay ng sangkatauhan. Sa loob ng limang siglo, ang kanyang sining ay nakita bilang isa sa mga halimbawa ng pagiging perpekto ng aesthetic.
Ang henyo ni Raphael ay nahayag sa pagpipinta, graphics, arkitektura. Ang mga gawa ni Raphael ay ang pinakakumpleto, matingkad na pagpapahayag ng klasikal na linya, ang klasikal na simula sa sining ng High Renaissance. Si Raphael ay lumikha ng isang "unibersal na imahe" ng isang magandang tao, perpekto sa pisikal at espirituwal, na naglalaman ng ideya ng maayos na kagandahan ng pagkatao.

Ang pagpipinta ni Raphael ay sumasalamin sa istilo, aesthetics at pananaw sa mundo ng panahon, ang panahon ng High Renaissance. Ipinanganak si Raphael upang ipahayag ang mga mithiin ng Renaissance, ang pangarap ng magandang tao at magandang mundo.

Si Raphael (mas tiyak, Raffaello Santi) ay ipinanganak noong Abril 6, 1483 sa lungsod ng Urbino. Natanggap niya ang kanyang unang mga aralin sa pagpipinta mula sa kanyang ama, si Giovanni Santi. Noong si Raphael ay 11 taong gulang, namatay si Giovanni Santi at ang batang lalaki ay naiwan na ulila (nawalan siya ng batang lalaki 3 taon bago ang pagkamatay ng kanyang ama). Tila, sa susunod na 5-6 na taon, nag-aral siya ng pagpipinta kasama sina Evangelista di Piandimeleto at Timoteo Viti, mga menor de edad na guro sa probinsiya.
Ang espirituwal na kapaligiran na nakapaligid kay Raphael mula pagkabata ay lubhang kapaki-pakinabang. Ang ama ni Rafael ay ang pintor ng korte at makata ng Duke ng Urbino, si Federigo da Montefeltro. Isang master ng katamtamang talento, ngunit isang edukadong tao, itinanim niya sa kanyang anak ang isang pagmamahal sa sining.

Ang mga unang gawa ni Raphael na kilala sa amin ay ginanap noong mga 1500 - 1502, noong siya ay 17-19 taong gulang. Ito ay mga miniature-sized na komposisyon na "Three Graces", "Dream of a Knight". 2,3 Itong mga simple-hearted, still student-mahiyain bagay ay minarkahan banayad na tula at katapatan ng pakiramdam. Mula sa pinakaunang mga hakbang ng pagkamalikhain, ang talento ni Raphael ay nahayag sa lahat ng orihinal nito, ang kanyang sarili. masining na tema

Noong 1502, lumitaw ang unang Raphael Madonna - "Madonna Solly" 4

Unti-unti, si Raphael ay bumuo ng kanyang sariling istilo at lumikha ng mga unang obra maestra - "The Betrothal of the Virgin Mary to Joseph" (1504), "The Coronation of Mary" (mga 1504) para sa Oddi altar. 5,6

Bilang karagdagan sa malalaking pagpipinta sa altar, nagpinta siya ng maliliit na mga pintura: Madonna Conestabile (1502-1504), Saint George Slaying the Dragon (circa 1504-1505) at mga portrait - Portrait of Pietro Bembo (1504-1506) 7,8,9 . Ang tema ng Madonna ay lalong malapit sa liriko na talento ni Raphael, at hindi nagkataon na siya ay magiging isa sa mga pangunahing sa kanyang sining. Ang mga komposisyon na naglalarawan sa Madonna at Bata ay nagdala kay Raphael ng malawak na katanyagan at katanyagan. Ang marupok, maamo, mapangarapin na Madonnas ng panahon ng Umbrian ay pinalitan ng mas makalupang, buong dugo na mga imahe, ang kanilang panloob na mundo ay naging mas kumplikado, mayaman sa mga emosyonal na lilim. Si Raphael ay lumikha ng isang bagong uri ng paglalarawan ng Madonna at Bata - monumental, mahigpit at liriko sa parehong oras, ay nagbigay sa paksang ito ng isang hindi pa naganap na kahalagahan.

Florence

Sa pagtatapos ng 1504 lumipat siya sa Florence. Dito niya nakilala sina Leonardo da Vinci, Michelangelo, Bartolomeo della Porta at marami pang ibang Florentine masters. Maingat na pag-aralan ang pamamaraan ng pagpipinta ni Leonardo da Vinci, Michelangelo. Isang guhit ni Raphael mula sa nawalang pagpipinta ni Leonardo da Vinci "Leda and the Swan" at isang drawing mula sa "St. Mateo" Michelangelo. "... ang mga pamamaraan na nakita niya sa mga gawa nina Leonardo at Michelangelo ay nagpahirap sa kanya upang makakuha ng hindi pa nagagawang mga benepisyo mula sa mga ito para sa kanyang sining at kanyang paraan." sampu

Ang "Portrait of a Lady with a Unicorn" (1505-1506, Rome, Borghese Gallery) ay nakalista sa catalog ng museo noong ika-18 siglo bilang "Saint Catherine";

sa totoo lang: iba ang pagkakatupi ng mga kamay ng babae, natatakpan ng balabal ang mga balikat, narito ang sirang gulong at sanga ng palad - ang mga sagisag ng pagiging martir ng santo. Sa panahon ng pagpapanumbalik noong 1935, sa ilalim ng X-ray, lumabas na ang mga elementong ito ay naiugnay ng isa pang kamay, at nang maalis ang tuktok na layer, ang pagpipinta ay lumitaw sa orihinal nitong pangmundo na anyo. Ang “The Holy Family with a Lamb” (Madrid, Prado), na may petsang 1507, ay halos kumpletong sagisag ng mga pag-aaral ni Leonardo, at sa wakas, “The Holy Family” (ngayon ay nasa Old Pinakothek ng Monaco), na ginawa noong 1507-1508 para sa Domenico Canigiani, manugang ni Lorenzo Nazi. 11,12

Tulad ng unicorn at kuwintas sa nakaraang pagpipinta, ang dekorasyon sa "Portrait of Maddalena Doni" (1506, Florence) ay sumisimbolo sa kalinisang-puri. katangian ng mga ekspresyon ng mukha. Sa "Portrait of a Lady with a Unicorn" (Rome, Galleria Borghese), "Portraits of the Doni" (Florence, Pitti Gallery), "Pregnant" (Florence, Pitti Gallery) at, sa wakas, "Mute" (Urbino, National Gallery Marche) Gumagawa si Sanzio sa mga pose, nagbibigay sa mga mukha ng marangal, mahigpit, kalmado, minsan medyo malungkot na ekspresyon, maingat na nagsusulat ng mga costume. 13. 14

Florentine Madonnas

Sa Florence, lumikha si Raphael ng mga 20 Madonnas. Bagama't ang mga plot ay pamantayan: ang Madonna ay maaaring humawak sa Bata sa kanyang mga bisig, o siya ay gumaganap sa tabi ni John the Baptist, lahat ng Madonnas ay indibidwal at may espesyal na kagandahan ng ina (malamang, ang maagang pagkamatay ng ina ay nag-iwan ng malalim na marka sa Raphael's kaluluwa).

Ang lumalagong katanyagan ni Raphael ay humantong sa pagtaas ng mga order para sa Madonnas, nilikha niya ang Granduk Madonna (1505), ang Madonna na may Carnation (circa 1506), ang Canopied Madonna (1506-1508). Upang ang pinakamahusay na mga gawa Kasama sa panahong ito ang "Madonna Terranuova" (1504-1505), "Madonna with a Goldfinch" (1506), "Madonna and Child with John the Baptist ("Beautiful Gardener") (1507-1508). 15,16

Vatican

Sa ikalawang kalahati ng 1508, lumipat si Raphael sa Roma (kung saan gugugulin niya ang natitirang bahagi ng kanyang buhay) at naging opisyal na pintor ng hukuman ng papa. Siya ay inatasan sa fresco ng Stanza della Senyatura. Para sa saknong na ito, nagpinta si Raphael ng mga fresco na sumasalamin sa apat na uri ng aktibidad ng intelektwal ng tao: teolohiya, jurisprudence, tula at pilosopiya - "Disputation" (1508-1509), "Wisdom, Moderation and Strength" (1511), at ang pinaka-namumukod-tanging "Parnassus" (1509 -1510) at ang "School of Athens" (1510-1511). 17-20

Ang Parnassus ay naglalarawan kay Apollo na may siyam na muse, na napapalibutan ng labingwalong sikat na sinaunang Griyego, Romano at Italyano na mga makata. "Kaya, sa dingding na nakaharap sa Belvedere, kung saan naroroon ang Parnassus at ang bukal ng Helikon, isinulat niya sa tuktok at mga dalisdis ng bundok ang isang makulimlim na kakahuyan ng mga puno ng laurel, sa mga halaman na kung saan ang isang tao ay nararamdaman, parang, ang pag-flutter. ng mga dahon na umaalog-alog sa ilalim ng pinakamainam na simoy ng simoy, habang nasa himpapawid - walang katapusang maraming hubad na kupido, na may pinakakaakit-akit na ekspresyon sa kanilang mga mukha, napunit. mga sanga ng laurel, itinarintas ang mga ito sa mga wreath na kanilang ikinalat sa buong burol, kung saan ang lahat ay pinapaypayan ng isang tunay na banal na hininga - kapwa ang kagandahan ng mga pigura, at ang kadakilaan ng pagpipinta mismo, na tinitingnan kung saan ang sinumang maingat na susuriin ito ay namangha sa kung paano magagawa ng henyo ng tao, sa lahat ng mga imperpeksyon simpleng pintura, upang matiyak na, salamat sa pagiging perpekto ng pagguhit, ang larawang larawan ay tila buhay.

Ang "School of Athens" ay isang mahusay na naisakatuparan na multi-figure (mga 50 character) na komposisyon, na nagpapakita ng mga sinaunang pilosopo, na marami sa kanila ay binigyan ni Raphael ng mga tampok ng kanyang mga kontemporaryo, halimbawa, si Plato ay nakasulat sa imahe ni Leonardo da Vinci, Si Heraclitus sa imahe ni Michelangelo, at nakatayo sa kanang gilid si Ptolemy ay halos kapareho sa may-akda ng fresco. "Ipinapakita nito ang mga pantas ng buong mundo, nakikipagtalo sa bawat isa sa lahat ng paraan ... Kabilang sa kanila ay si Diogenes kasama ang kanyang mangkok, na nakahiga sa mga hagdan, isang pigura na napaka-maalalahanin sa kanyang detatsment at karapat-dapat na purihin para sa kagandahan at para sa mga damit. kaya angkop para sa kanya ... Kagandahan ngunit ang mga astrologo at geometer na nabanggit sa itaas, na gumuhit ng lahat ng uri ng mga figure at mga palatandaan na may mga compass sa mga tablet, ay tunay na hindi maipahayag.

Sa Stanza ni Eliodoro, "The Expulsion of Eliodor from the Temple" (1511-1512), "Misa sa Bolsena" (1512), "Attila under the Walls of Rome" (1513-1514) ay nilikha, ngunit ang fresco " Ang Paglaya ni Apostol Pedro mula sa Piitan" ay naging pinakamatagumpay (1513-1514) 21 . "Walang gaanong sining at talento ang ipinakita ng artista sa eksena kung saan ang St. Si Peter, na napalaya mula sa kanyang mga tanikala, ay lumabas mula sa bilangguan, na sinamahan ng isang anghel ... At dahil ang kuwentong ito ay inilalarawan ni Raphael sa itaas ng bintana, ang buong dingding ay naging mas madilim, habang ang liwanag ay bumubulag sa tumitingin sa fresco . Ang natural na liwanag na nahuhulog mula sa bintana ay matagumpay na nakikipagtalo sa mga itinatanghal na pinagmumulan ng liwanag sa gabi na tila talagang nakikita mo, laban sa background ng kadiliman ng gabi, kapwa ang umuusok na apoy ng sulo at ang ningning ng anghel, na ipinarating. napaka natural at napakatotoo na hindi mo masasabi na ito ay pagpipinta lamang - ganoon ang pagiging mapanghikayat kung saan isinama ng artista ang pinakamahirap na plano. Sa katunayan, sa baluti ay maaaring makilala ng isang tao ang kanyang sarili, at bumabagsak na mga anino, at mga pagmuni-muni, at ang mausok na init ng apoy, na nakatayo laban sa background ng napakalalim na anino, na maaari talagang isaalang-alang si Raphael na guro ng lahat ng iba pang mga artista, na nakamit sa imahe ng gabi ang gayong pagkakatulad na hindi pa naabot ng pagpipinta. ."

Sa mga taong 1513-1516, si Raphael, sa pamamagitan ng utos ng papa, ay nakikibahagi sa paggawa ng mga eksena sa karton mula sa Bibliya para sa sampung tapiserya, na nilayon para sa Sistine Chapel. Ang pinakamatagumpay na karton ay ang "Wonderful Catch" (kabuuang pitong karton ang dumating sa ating panahon). 22

Roman Madonnas

Sa Roma, nagpinta si Raphael ng mga sampung Madonnas. Ang Alba Madonna (1510), Foligno Madonna (1512), Madonna na may Isda (1512-1514), Madonna sa isang Armchair (circa 1513-1514) ay namumukod-tangi sa kanilang kamahalan.

Ang pinakaperpektong likha ni Raphael ay ang sikat na "Sistine Madonna" (1512-1513). )23 . Ang pagpipinta na ito ay kinomisyon ng Papa. Tunay na symphonic ang Sistine Madonna. Ang interweaving at pagtatagpo ng mga linya at masa ng canvas na ito ay humanga sa panloob na ritmo at pagkakatugma nito. Ngunit ang pinakakahanga-hangang bagay sa malaking canvas na ito ay ang mahiwagang kakayahan ng pintor na dalhin ang lahat ng mga linya, lahat ng anyo, lahat ng mga kulay sa napakagandang sulat na nagsisilbi lamang sila sa isa, ang pangunahing pagnanais ng artist - na tingnan tayo, tumingin nang walang kapaguran. Malungkot na mga mata ni Mary.

AT 1515-1516 taon, kasama ang kanyang mga mag-aaral, gumawa siya ng mga karton para sa mga carpet na nilayon para sa dekorasyon holidays Sistine Chapel.

Ang huling gawain-" Pagbabagong-anyo"(1518-1520) - gumanap na may makabuluhang pakikilahok ng mga mag-aaral at nakumpleto nila pagkatapos ng pagkamatay ng master. 24

Mga tampok ng pagkamalikhain ni Raphael

Sa aktibidad ni Rafael Santi, ang hindi mauubos na malikhaing imahinasyon ng artista ay kapansin-pansin, na hindi natin natutugunan sa gayong kasakdalan sa sinumang iba pa. Ang index ng mga indibidwal na pagpipinta at mga guhit ni Raphael ay sumasaklaw sa 1225 na numero; sa lahat ng masa ng kanyang mga gawa ay hindi makakahanap ng anumang bagay na kalabisan, lahat ay humihinga nang may simple at kalinawan, at dito, tulad ng sa isang salamin, ang buong mundo ay makikita sa pagkakaiba-iba nito. Kahit na ang kanyang mga Madonna ay lubhang naiiba: mula sa isa masining na ideya- mga larawan ng isang batang ina na may anak - Nakuha ni Raphael ang napakaraming perpektong larawan kung saan siya maaaring lumitaw, Isa pa tampok na nakikilala Ang pagkamalikhain ni Raphael ay isang kumbinasyon sa kahanga-hangang pagkakatugma ng lahat ng mga espirituwal na kaloob. Walang nangingibabaw sa Raphael, lahat ay konektado sa isang hindi pangkaraniwang balanse, sa perpektong kagandahan. Ang lalim at lakas ng ideya, ang walang limitasyong simetrya at pagkakumpleto ng mga komposisyon, ang kahanga-hangang pamamahagi ng liwanag at anino, ang katotohanan ng buhay at karakter, ang kagandahan ng kulay, ang pag-unawa sa hubad na katawan at mga tela - lahat ay magkakasuwato na pinagsama. sa kanyang trabaho. Ang maraming panig at magkatugma na ideyalismo ng Renaissance artist, na hinihigop ang halos lahat ng mga alon, sa kanyang sariling paraan malikhaing kapangyarihan hindi siya nagpasakop sa kanila, ngunit nilikha ang kanyang orihinal, binihisan ito ng mga perpektong anyo, pinagsanib ang Kristiyanong kabanalan ng Middle Ages at ang lawak ng pananaw ng bagong tao sa pagiging totoo at kaplastikan ng mundo ng Greco-Romano. Sa malaking pulutong ng kaniyang mga alagad, iilan lamang ang nabuhay sa paggaya. Si Giulio Romano, na may malaking bahagi sa mga gawa ni Raphael at nagtapos sa Transfiguration, ay ang pinakamahusay na estudyante ni Raphael.

Rafael Santi (Italyano Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo; Marso 26 o 28, o Abril 6, 1483, Urbino - Abril 6, 1520, Roma) ay isang mahusay na Italyano na pintor, graphic artist at arkitekto, isang kinatawan ng Umbrian school.

Maagang nawalan ng magulang si Raphael. Si Nanay, si Margie Charla, ay namatay noong 1491, at ang ama, si Giovanni Santi, ay namatay noong 1494.
Ang kanyang ama ay isang pintor at makata sa korte ng Duke ng Urbinsky, at natanggap ni Rafael ang kanyang unang karanasan bilang isang pintor sa workshop ng kanyang ama. Ang pinakaunang gawa ay ang Madonna and Child fresco, na nasa bahay-museum pa rin.

Kabilang sa mga unang gawa ay ang "The banner with the image of the Holy Trinity" (circa 1499-1500) at ang altarpiece na "Coronation of St. Nicholas ng Tolentino" (1500-1501) para sa simbahan ng Sant'Agostino sa Citta di Castello.

Noong 1501, dumating si Raphael sa pagawaan ng Pietro Perugino sa Perugia, kaya ang mga unang gawa ay ginawa sa istilo ng Perugino.

Sa oras na ito, madalas siyang umalis sa Perugia pauwi sa Urbino, sa Citta di Castello, kasama si Pinturicchio visits Siena, gumaganap ng ilang mga gawa sa mga order mula sa Citta di Castello at Perugia.

Noong 1502, lumitaw ang unang Raphael Madonna - "Madonna Solly", isusulat ni Madonna Raphael sa buong buhay niya.

Ang unang di-relihiyosong mga pagpipinta ay The Knight's Dream at The Three Graces (parehong mga 1504).

Unti-unti, si Raphael ay bumuo ng kanyang sariling istilo at lumikha ng mga unang obra maestra - "The Betrothal of the Virgin Mary to Joseph" (1504), "The Coronation of Mary" (mga 1504) para sa Oddi altar.

Bilang karagdagan sa malalaking pagpipinta ng altar, nagpinta siya ng maliliit na mga pintura: Madonna Conestabile (1502-1504), Saint George Slaying the Dragon (circa 1504-1505) at mga portrait - Portrait of Pietro Bembo (1504-1506).

Noong 1504, sa Urbino, nakilala niya si Baldassar Castiglione.

Sa pagtatapos ng 1504 lumipat siya sa Florence. Dito niya nakilala sina Leonardo da Vinci, Michelangelo, Bartolomeo della Porta at marami pang ibang Florentine masters. Maingat na pag-aralan ang pamamaraan ng pagpipinta ni Leonardo da Vinci, Michelangelo. Isang guhit ni Raphael mula sa nawalang pagpipinta ni Leonardo da Vinci "Leda and the Swan" at isang drawing mula sa "St. Mateo" Michelangelo. "... ang mga pamamaraan na nakita niya sa mga gawa nina Leonardo at Michelangelo ay nagpahirap sa kanya upang makakuha ng hindi pa nagagawang mga benepisyo mula sa mga ito para sa kanyang sining at kanyang paraan."

Ang unang order sa Florence ay nagmula kay Agnolo Doni para sa mga larawan niya at ng kanyang asawa, ang huli ay isinulat ni Raphael sa ilalim ng malinaw na impresyon ng Mona Lisa. Para kay Agnolo Doni na nilikha ni Michelangelo Buonarroti ang Madonna Doni tondo noong panahong iyon.

Ipininta ni Raphael ang mga altarpieces na "Madonna Enthroned with John the Baptist and Nicholas of Bari" (circa 1505), "The Entombment" (1507) at mga portrait - "Lady with a Unicorn" (circa 1506-1507).

Noong 1507 nakilala niya si Bramante.

Ang katanyagan ni Raphael ay patuloy na lumalaki, tumatanggap siya ng maraming mga order para sa mga imahe ng mga santo - "Ang Banal na Pamilya kasama si St. Elizabeth at Juan Bautista" (circa 1506-1507). "Banal na Pamilya (Madonna na may walang balbas na si Joseph)" (1505-1507), "St. Catherine ng Alexandria" (circa 1507-1508).

Sa Florence, lumikha si Raphael ng mga 20 Madonnas. Bagama't ang mga plot ay pamantayan: ang Madonna ay maaaring humawak sa Bata sa kanyang mga bisig, o siya ay gumaganap sa tabi ni John the Baptist, lahat ng Madonnas ay indibidwal at may espesyal na kagandahan ng ina (malamang, ang maagang pagkamatay ng ina ay nag-iwan ng malalim na marka sa Raphael's kaluluwa).

Ang lumalagong katanyagan ni Raphael ay humantong sa pagtaas ng mga order para sa Madonnas, nilikha niya ang Granduk Madonna (1505), ang Madonna na may Carnation (circa 1506), ang Canopied Madonna (1506-1508). Ang pinakamahusay na mga gawa ng panahong ito ay kinabibilangan ng "Madonna Terranuova" (1504-1505), "Madonna with a Goldfinch" (1506), "Madonna and Child with John the Baptist ("Beautiful Gardener")" (1507-1508).

Sa ikalawang kalahati ng 1508, lumipat si Raphael sa Roma (kung saan gugugulin niya ang natitirang bahagi ng kanyang buhay) at, sa tulong ni Bramante, naging opisyal na pintor ng hukuman ng papa. Siya ay inatasan sa fresco ng Stanza della Senyatura. Para sa saknong na ito, nagpinta si Raphael ng mga fresco na sumasalamin sa apat na uri ng aktibidad ng intelektwal ng tao: teolohiya, jurisprudence, tula at pilosopiya - "Disputation" (1508-1509), "Wisdom, Moderation and Strength" (1511), at ang pinaka-namumukod-tanging "Parnassus" (1509 -1510) at ang "School of Athens" (1510-1511).

Ito ay bahagi ng isang artikulo sa Wikipedia na ginamit sa ilalim ng lisensyang CC-BY-SA. Buong teksto ng artikulo dito →

Rafael Santi. Madonna Conestabile. OK. 1502 03. Ermita. Raffaello Santi (1483-1520), pintor at arkitekto ng Italyano. Kinatawan ng High Renaissance. Sa klasikal na kalinawan at kahanga-hangang espirituwalidad, isinama niya ang ... ... Illustrated Encyclopedic Dictionary

Rafael Santi- (Raffaello Santi) (1483 1520), Italyano. pintor. Sa unang pagkakataon, lumilitaw ang pangalang R. sa L. sa taludtod. "Makata" (1828); at sa iba pang mga unang gawa. siya ay gumagamit ng paghahambing sa Madonnas ng R., na nagnanais sa ganitong paraan upang bigyang-diin ang kagandahan ng kanyang mga pangunahing tauhang babae o ituro ang isang espesyal na ... ... Lermontov Encyclopedia

RAFAEL SANTI- (Raffaello Santi) (1483 1520) Italyano na pintor at arkitekto. Kinatawan ng High Renaissance. Sa klasikal na kalinawan at kahanga-hangang espirituwalidad, isinama niya ang mga mithiin na nagpapatibay sa buhay ng Renaissance. Mga unang gawa (Madonna Conestabile ... Malaki encyclopedic Dictionary

Raphael, Santi- (1483 1520) napakatalino nito. pintor, arkitekto. Kinatawan ng High Renaissance. Kasama ni Leonardo da Vinci, si Michelangelo ang lumikha ng sining ng High Renaissance. Artist ng synthesis at pagkakaisa (sa konstelasyon ng mga masters ng High Renaissance ... ... Medieval na mundo sa mga termino, pangalan at pamagat

Rafael Santi- (Raffaello Santi) (1483-1520), pintor at arkitekto ng Italyano. Isa sa mga pinakadakilang masters ng High Renaissance, na may klasikal na kalinawan at kahanga-hangang ispiritwalidad, ay naglalaman ng kanyang mga mithiin na nagpapatibay sa buhay. Mga unang gawa ("Madonna ... ... encyclopedic Dictionary

RAFAEL SANTI- sariling. Raffaello Santi o Sanzio (Raphael, Raffaello Santi, Sanzio) RAPHAEL. SELF-PORTRAIT (1483-1520), Italyano na pintor at arkitekto, isa sa ang pinakadakilang mga masters ang Renaissance. Ang mga gawa ni Raphael ay nakikilala sa pamamagitan ng lambot at bilog ng mga anyo ... Collier Encyclopedia

Rafael Santi- (Raffaello Santi) 1483, Urbino 1520, Roma. Italyano na pintor at arkitekto. Anak ng pintor na si Giovanni Santi. Ayon kay Vasari, nag-aral siya sa Perugino; walang dokumentaryong ebidensya nito. Unang nabanggit bilang isang independiyenteng master ... Sining sa Europa: Pagpinta. Paglililok. Mga graphic: Encyclopedia

Rafael Santi- tingnan mo si Santi... Encyclopedic Dictionary F.A. Brockhaus at I.A. Efron

Rafael Santi- (1483–1520), Italyano. pintor at arkitekto. Mula 1515 pinangasiwaan niya ang pagtatayo ng Katedral ng St. Si Pedro sa Roma, ay nagsagawa ng kontrol sa lahat ng mga nahanap antigong iskultura at mga inskripsiyon. Sa isang malinaw, maayos na natapos. komposisyong likas sa mga akda ... ... Diksyunaryo ng sinaunang panahon

Rafael Santi- Raffaello Santi (1483–1520), Italyano. pintor at arkitekto. Isa sa mga pinakadakilang masters ng High Renaissance, na may klasiko kalinawan at kadakilaan. ispiritwalidad ang katawan ng kanyang mga mithiin na nagpapatibay sa buhay. Mga maagang produksyon. (Madonna…… Talambuhay na Diksyunaryo

Mga libro

• , Semyon Moiseevich Brilliant. Ang mga biographical sketch na ito ay nai-publish mga isang daang taon na ang nakakaraan sa Life of Remarkable People series ni F. F. Pavlenkov (1839-1900). Isinulat sa bagong genre para sa panahong iyon... Bumili sa halagang 2523 UAH (Ukraine lang)
• Rafael Santi. Ang kanyang buhay at artistikong aktibidad, si Semyon Moiseevich Brilliant. Ang mga biographical sketch na ito ay nai-publish mga isang daang taon na ang nakalilipas sa seryeng "The Life of Remarkable People", na isinagawa ni F. F. Pavlenkov (1839-1900). Isinulat sa isang bagong genre para sa panahong iyon...

Nilikha niya ang kanyang unang kaakit-akit na Madonna sa edad na 17, at ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta - din ang imahe ng Birhen at Bata, ang dakilang "Sistine Madonna", - ay itinatago sa Dresden Gallery.

Pagkadisipulo

Sinasabi nila tungkol sa mga taong tulad ni Rafael Santi: nabuhay siya ng maikli, ngunit napaka maliwanag na buhay. Oo, ang pag-alis sa 37 ay nangangahulugan ng pag-alis sa mundo ng marami, marami pang mga obra maestra nito. Halimbawa, patuloy na lumikha si Michelangelo hanggang sa kanyang kamatayan sa katandaan. Sa malungkot na mga mata ni Raphael sa ginagaya na "Self-portrait" ay para bang hinuhulaan ng isang tao ang kalunos-lunos na nalalapit na katapusan ng kanyang pag-iral sa lupa.

Hindi rin long-liver ang mga magulang ni Raphael. Namatay ang ama noong ang batang lalaki ay 11 lamang (ngunit siya, ang artista, ay pinamamahalaang ipasa ang mga pangunahing kaalaman sa kasanayan sa tagapagmana), at ang ina ng hinaharap na henyo ng Renaissance ay nakaligtas sa kanyang asawa ng 7 taon.

Ngayon wala nang nagpapanatili sa kanya sa kanyang katutubong Urbino. At si Raffaello ay naging isa sa mga estudyante ng master Perugino sa Perugia. Doon ay nakilala niya ang isa pang talento ng Umbrian school - Pinturicchio, ang mga artista ay gumaganap ng maraming mga gawa nang magkasama.

Mga unang obra maestra

Noong 1504 (ang pintor ay 21 taong gulang lamang), ang obra maestra na "Three Graces" ay ipinanganak. Unti-unting lumayo si Santi sa paggaya sa guro at nakakuha ng sariling istilo. Ang maliit na Conestabile Madonna ay kabilang din sa parehong panahon. Ito ay isa sa dalawang pagpipinta ng master na itinatago sa Russia (sa koleksyon ng Hermitage). Ang pangalawa ay "Madonna na may walang balbas na Joseph" (isa pang pangalan ay "Banal na Pamilya").

Ang kakilala sa "mga haligi" ng Renaissance - sina Michelangelo Buonarotti at Leonardo da Vinci ay lubos na nagpayaman sa "bagahe" ng baguhan na pintor. Nangyari ito sa halos "kabisera ng sining ng Italyano" na Florence. Ang impluwensya ni Leonardo ay naramdaman sa larawan ng Lady na may Unicorn. Kamangha-manghang makakita ng isang maliit na hayop na may isang sungay (mas pamilyar sa mata ay mga cinematic na puting-maned chic na kabayo na may sungay sa kanilang mga noo), tahimik na nakaupo sa kandungan ng isang blond na batang babae (mga batang babae - ayon sa alamat, mga unicorn. naging maamo lamang sa mga birhen). Ang panahon ng Florentine ay minarkahan ng paglikha ng dalawang dosenang Madonnas. Malamang, ang tema ng maternal love ay napakalapit kay Raphael - kung tutuusin, maagang nawala ang biyayang ito.

Ang pinakamagandang gawa ni Raphael

Ang isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Raphael Santi ay nilikha sa Roma, kung saan lumipat ang pintor noong 1508. Ang fresco na "The School of Athens" (pinalamutian nito ang Apostolic Vatican Palace) ay isang napaka-komplikadong komposisyon (higit sa 50 mga bayani ang inilalarawan sa canvas). Sa gitna ay ang mga pantas na sina Plato at Aristotle, ang una ay nagpapahayag ng primacy ng espirituwal (itinaas ang kanyang kamay sa langit), ang pangalawa ay isang tagasunod ng makalupa (itinuro niya ang sahig). Sa mga mukha ng ilang mga karakter, ang mga tampok ng mga kaibigan ng may-akda (Plato da Vinci, Heraclitus-Michelangelo) ay nahulaan, at siya mismo ay lumilitaw sa anyo ni Ptolemy.

Sa mga dose-dosenang Romano Raphael Madonnas, ang pinaka nakakaantig at sikat sa lahat ng umiiral na mga imahe ng Ina ng Diyos ay ang Sistine Madonna. "Isang piraso ng langit, isang tulay ng mga ulap - at si Madonna ay bumaba sa amin kasama mo. Idiniin niya ang kanyang anak sa kanyang sarili nang buong pagmamahal, pinoprotektahan siya mula sa mga kaaway ... ". Ang pangunahing pigura sa canvas, siyempre, ay si Maria. Siya, na nagdadala ng isang hindi pangkaraniwang seryosong bata, ay binati nina Saint Barbara at Pope Sixtus II na may pangalang "naka-encrypt" sa kanyang kanang kamay (masdan nang mabuti - mayroon siyang 6 na daliri dito). Sa ibaba, hinangaan ng isang pares ng phlegmatic plump angel ang mag-ina. Imposibleng humiwalay sa mga mata niyang nag-aalala.

Pag-ibig sa buong buhay

Sa pagkukunwari bida Ang "Sistine Madonna" ay maaaring kilalanin bilang ang pag-ibig sa buhay ng mahusay na tagalikha ng Italyano - bumaba siya sa kasaysayan sa ilalim ng palayaw na "Fornarina". Ang literal na pagsasalin ng salita ay "panaderya". Si Beauty Margherita Lute ay talagang lumaki sa pamilya ng isang panadero. Bilang isang modelo at minamahal na Raffaello, nanatili ang batang babae ng maraming taon - hanggang sa pagkamatay ng artista.

kanya magagandang katangian maaari mong humanga sa "Portrait of a Young Woman" (na kung hindi man ay tinatawag na "Fornarina"), na may petsang 1519. Matapos ang pagkamatay ng guro (na nangyari makalipas ang isang taon), isa sa pinakasikat na mag-aaral ng Raphael, si Giulio Romano, ay nagpinta sa isang babae sa isang canvas ng isang pulseras na may pangalan ng may-akda. Ang isa pang sikat na paglalarawan ng Muse ay ang "Donna Velato" ("The Veiled Lady"). Nang makita ang 17-anyos na si Margherita, minahal siya ni Rafael nang walang alaala at binili siya sa kanyang ama. Maraming mga kinatawan ng bohemia noong panahong iyon ay homosexual (ang Renaissance ay karaniwang nailalarawan sa pamamagitan ng walang pigil na tagumpay ng laman), ngunit si Santi ay isang pagbubukod.

Dalawang bersyon ng kamatayan

Sinabi ng isa sa mga alamat tungkol sa kanyang pagkamatay na inabot ng kamatayan ang artista sa kama ni Fornarina. Ang parehong masamang tsismis ay sinasabing: ang batang babae ay hindi tapat sa kanyang kasintahan. At pagkatapos ng kanyang maagang pag-alis, na nakatanggap ng malaking kayamanan, gayunpaman ay nagpatuloy siya sa kanyang mabagsik na kalikasan at naging isa sa mga sikat na courtesan ng Roma.

Ngunit ang mga admirer ng talento ng pintor ay sumunod sa ibang bersyon: isang lagnat ang nagdala sa kanya sa libingan. At ang pagmamahalan ng mag-asawang Rafael-Fornarina ay maaaring kinaiinggitan ng marami. Matapos ang pagkamatay ng kanyang walang asawa na asawa, kinuha niya ang tono at panandaliang nabuhay ang maestro, na isinasaalang-alang ang kanyang sarili na kanyang balo.

Iba-iba ang talento ni Raffaello. Ipinakita niya ang kanyang sarili bilang isang arkitekto, bilang isang makata. At ang isa sa kanyang mga guhit ay umalis sa auction ng Sotheby sa pagtatapos ng 2012 para sa isang record na presyo na 29,721,250 British pounds.