Art modernong pagpipinta- ito ay mga akdang nilikha sa kasalukuyang panahon o sa kamakailang nakaraan. Ang isang tiyak na bilang ng mga taon ay lilipas, at ang mga kuwadro na ito ay magiging bahagi ng kasaysayan. Ang mga pintura na nilikha sa panahon mula 60s ng huling siglo hanggang sa kasalukuyan ay sumasalamin sa ilang mga lugar ng kontemporaryong sining na maaaring mauri bilang postmodernism. Sa panahon ng Art Nouveau, ang gawain ng mga pintor ay mas malawak na kinakatawan, at noong 70s ng ikadalawampu siglo ay nagkaroon ng pagbabago sa panlipunang oryentasyon ng sining ng pagpipinta.

Aktwal na sining

Kinakatawan ng mga artista ng modernong pagpipinta, una sa lahat, ang mga bagong uso sa pinong sining. Sa terminolohiya ng kultura, mayroong konsepto ng "kontemporaryong sining", na medyo nauugnay sa konsepto ng "kontemporaryong pagpipinta". Sa pamamagitan ng kontemporaryong sining, ang mga artist ay kadalasang nangangahulugan ng pagbabago, kapag ang pintor ay bumaling sa mga ultra-modernong paksa, anuman ang kanilang oryentasyon. Ang larawan ay maaaring ipinta at ilarawan ang anumang pang-industriya na negosyo. O sa canvas mayroong isang landscape na landscape na may isang patlang ng trigo, parang, kagubatan, ngunit sa parehong oras, ang isang pagsasama ay tiyak na iguguhit sa malayo. Ang estilo ng modernong pagpipinta ay nagpapahiwatig ng isang panlipunang oryentasyon ng larawan. Sa parehong oras landscape mga kontemporaryong artista kung walang panlipunang mga palagay ay pinahahalagahan nang mas mataas.

Pagpili ng direksyon

Mula noong katapusan ng dekada 1990, ang mga kontemporaryong artista ay inabandona ang mga tema ng produksyon at inililipat ang kanilang mga gawa sa mainstream ng purong sining biswal. May mga masters ng fine portraiture, landscape scenes, still lifes in the style of Flemish drawing. At unti-unti, sa modernong pagpipinta, nagsimulang lumitaw ang tunay na sining, sa anumang paraan ay hindi mas mababa sa mga pagpipinta na nilikha ng mga pambihirang artista noong ika-18 at ika-19 na siglo, at sa ilang mga paraan ay nakahihigit pa sa kanila. Ang mga masters ng brush ngayon ay tinutulungan ng isang binuo na teknikal na base, isang kasaganaan ng mga bagong tool na nagpapahintulot sa kanila na ganap na ipakita ang kanilang mga plano sa canvas. Kaya, ang mga artista ng kontemporaryong pagpipinta ay maaaring lumikha sa abot ng kanilang kakayahan. Siyempre, ang kalidad ng mga pintura o brush ay mahalaga sa proseso ng pagpipinta, ngunit ang pangunahing bagay ay talento.

abstract expressionism

Ang mga modernong artist ay sumunod sa mga pamamaraan ng pagpipinta na nagpapahintulot sa paggamit ng mga non-geometric stroke na inilapat sa malalaking numero sa isang malaking canvas. Malaking brushes, minsan paint brushes, ay ginagamit. Ang ganitong pagpipinta ay halos hindi matatawag na sining sa klasikal na kahulugan ng salita, gayunpaman, ang abstraction ay isang pagpapatuloy ng surrealism, na lumitaw noong 1920 salamat sa mga ideya ni Andre Breton at agad na nakahanap ng maraming mga tagasunod, tulad ng Salvator Dali, Hans Hoffmann, Adolf Gottlieb. Kasabay nito, naiintindihan ng mga kontemporaryong artista ang ekspresyonismo sa kanilang sariling paraan. Ngayon, ang genre na ito ay naiiba mula sa hinalinhan nito sa laki ng mga kuwadro na gawa, na maaaring umabot ng tatlong metro ang haba.

Pop Art

Ang counterbalance sa abstractionism ay ang konseptwal na bagong avant-garde, na nagtataguyod ng mga aesthetic na halaga. Nagsimula nang isama ng mga modernong artista ang mga larawan ng mga sikat na personalidad tulad nina Mao Zedong o Marilyn Monroe sa kanilang mga pagpipinta. Ang sining na ito ay tinawag na "pop art" - isang sikat, karaniwang kinikilalang kalakaran sa pagpipinta. Pinalitan ng kulturang masa ang abstractionism at nagbunga ng espesyal na uri aesthetics, na sa makulay at kamangha-manghang paraan ay ipinakita sa publiko kung ano ang nasa labi ng bawat isa, ilang kamakailang mga kaganapan o larawan ng mga kilalang tao sa iba't ibang sitwasyon sa buhay.

Ang mga tagapagtatag at tagasunod ng pop art ay sina Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Photorealism

Ang modernong sining ay multifaceted, madalas na isang bagong direksyon ang lilitaw dito, na pinagsasama ang dalawa o higit pang mga uri ng pinong sining. Ang photorealism ay naging isang anyo ng pagpapahayag ng sarili ng artist. Ang direksyong ito sa pagpipinta ay lumitaw sa USA noong 1968. Ito ay naimbento ng avant-garde artist na si Louis Meisel, at ang genre ay ipinakilala makalipas ang dalawang taon sa Whitney Museum sa panahon ng Twenty-Two Realists exhibition.

Ang pagpipinta sa estilo ng photorealism ay nauugnay sa pagkuha ng litrato, ang paggalaw ng bagay ay tila nagyelo sa oras. Kinokolekta ng photorealist artist ang kanyang imahe, na kukunan sa larawan, sa tulong ng mga litrato. Mula sa isang negatibo o isang slide, ang imahe ay inililipat sa canvas sa pamamagitan ng projection o paggamit ng isang scale grid. Pagkatapos ang isang kumpletong larawan ay nilikha gamit ang mga teknolohiya ng pagpipinta.

Ang kasagsagan ng photorealism ay dumating noong kalagitnaan ng 70s, pagkatapos ay nagkaroon ng pagbaba sa katanyagan, at noong unang bahagi ng 90s ang genre ay muling nabuhay. Ang mga kagalang-galang na artista ay nagtrabaho pangunahin sa USA, kasama ng mga ito mayroong maraming mga iskultor na lumikha din ng kanilang mga gawa gamit ang projection ng imahe. Ang pinakasikat na masters ng pagpipinta batay sa photorealism ay sina Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Photorealist artist ng nakababatang henerasyon - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Mga modernong artista ng Russia

• Serge Fedulov (ipinanganak 1958), katutubong ng Nevinnomyssk, Stavropol Territory. Lumahok sa ilang mga eksibisyon sa Latin America at Europa. Ang kanyang mga pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging totoo at magkakaibang mga kumbinasyon ng kulay.
• Si Mikhail Golubev (b. 1981), ay nagtapos sa klase ng sining ng Omsk School of Painting. Kasalukuyang nakatira sa St. Petersburg. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng isang hindi pangkaraniwang paraan ng pagkamalikhain, ang lahat ng kanyang mga gawa ay mga pagpipinta ng pagmuni-muni na may malalim na pilosopikal na mga tono.
• Dmitry Annenkov (b. 1965) sa Moscow. Nagtapos mula sa Stroganov Art Institute. Sikat sa ibang bansa, ngunit mas pinipili ang mga eksibisyon ng Russia. Ang sining ni Annenkov ay makatotohanan, ang artista ay isang kinikilalang master ng still life.

Mga Impresyonistang Ruso

• Si Alexei Chernigin, pintor ng Impresyonistang Ruso (ipinanganak noong 1975), ay anak ng sikat na pintor na si Alexander Chernigin. Nag-aral ng pagpipinta at graphic na disenyo sa art school sa Nizhny Novgorod. Nagtapos mula sa Nizhny Novgorod Architectural Institute na may degree sa Disenyo sa Industriya. Miyembro ng Union of Artists of Russia mula noong 1998. Mula noong 2001, naging guro siya sa NGASU sa Department of Interior Design.
• Konstantin Lupanov, Krasnodar artist (b. 1977). Nagtapos mula sa Industrial Academy sa State University of Culture and Arts na may degree sa monumental na pagpipinta. Miyembro ng marami mga eksibisyon ng sining sa at St. Petersburg. Nakikilala sa pamamagitan ng isang bihirang estilo ng oil painting na may mga swirling stroke. Ang mga pagpipinta ni Lupanov ay ganap na walang magkakaibang mga kumbinasyon ng mga kulay, ang mga imahe ay tila dumadaloy sa isa't isa. Ang artist mismo ay tumatawag sa kanyang mga gawa na "isang masayahin, iresponsableng daub", ngunit ang pahayag na ito ay naglalaman ng isang bahagi ng coquetry: ang mga kuwadro na gawa ay talagang isinulat nang medyo propesyonal.

Ang mga artistang Ruso ay nagpinta sa istilong hubad

• Sergei Marshennikov (ipinanganak 1971), isa sa pinakasikat na kontemporaryong artistang Ruso. Nagtapos mula sa Ufa College of Arts. Ang kanyang mga pagpipinta ay isang halimbawa ng maliwanag na pagiging totoo. Ang mga gawa ay nagbibigay ng impresyon ng isang masining na litrato, ang komposisyon ay napakatumpak at bawat stroke ay napatunayan. Ang asawa ng pintor na si Natalya ay madalas na gumaganap bilang isang modelo, at nakakatulong ito sa kanya sa paglikha ng isang sensual na larawan.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (ipinanganak 1964), apo ng sikat na mang-aawit ng opera na si Lavrenty Dmitrievich Donskoy. Ang pinakamaliwanag na kinatawan ng modernong pagpipinta ng Russia. Gumuguhit sa istilo ng paksang hubad. Sa creative palette ng artist, makakahanap ka ng mga kagandahan mula sa eastern harem at hubad na mga batang babae sa nayon sa pampang ng ilog sa gabi ng pista ng Ivan Kupala, isang Russian bathhouse na may mga maiinit na babae na lumalabas sa snow at lumalangoy sa isang butas ng yelo . Ang artista ay gumuhit ng maraming at may talento.

Ang mga kontemporaryong artistang Ruso at ang kanilang mga gawa ay tumataas na interes sa mga connoisseurs ng sining sa buong mundo.

Ang modernong pagpipinta bilang isang sining sa mundo

Ngayon, ang mga visual na sining ay may mga anyo na naiiba sa mga hinihiling noong ika-18 at ika-19 na siglo. Ang mga modernong artista ng mundo ay bumaling sa avant-garde sa isang mas makitid na interpretasyon, ang mga canvases ay nakakuha ng pagiging sopistikado at naging mas makabuluhan. Ang lipunan ngayon ay nangangailangan ng isang panibagong sining, ang pangangailangan ay umaabot sa lahat ng uri ng pagkamalikhain, kabilang ang pagpipinta. Ang mga pagpipinta ng mga kontemporaryong artista, kung ito ay ginawa sa isang sapat na mataas na antas, ay binili, nagiging paksa ng bargaining o palitan. Ang ilang mga canvases ay kasama sa mga listahan ng mga partikular na mahahalagang gawa ng sining. Ang mga pagpipinta mula sa nakaraan, na ipininta ng mga magagaling na pintor, ay hinihiling pa rin, ngunit ang mga kontemporaryong artista ay nakakakuha ng higit at higit na katanyagan. Ang langis, tempera, watercolor, at iba pang mga pintura ay tumutulong sa kanila sa kanilang pagkamalikhain at matagumpay na pagpapatupad ng kanilang mga plano. Ang mga pintor, bilang panuntunan, ay sumunod sa anumang isang istilo. Maaari itong maging landscape, portrait, battle scenes o ibang genre. Alinsunod dito, para sa kanyang trabaho, pinipili ng artist ang isang tiyak na uri ng pintura.

Mga kontemporaryong artista ng mundo

Ang pinakasikat na modernong mga artista ay naiiba sa paraan ng pagsulat, ang kanilang brush ay nakikilala, kung minsan ay hindi mo na kailangang tingnan ang pirma sa ilalim ng canvas. Mga kilalang master kontemporaryong pagpipinta - Philip Pearlstein, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fishl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

Ang sining ay patuloy na umuunlad, tulad ng buong mundo sa paligid natin. Ang mga modernong artista ng ika-21 siglo at ang kanilang mga pagpipinta ay hindi katulad ng mga umiral noong Middle Ages, ang Renaissance. Lumilitaw ang mga bagong pangalan, materyales, genre, paraan ng pagpapahayag ng mga talento. Sa ranking na ito, makikilala natin ang sampung makabagong artista sa ating panahon.

10. Pedro Campos. Sa ikasampung lugar ay ang Espanyol, na ang brush ay madaling makipagkumpitensya sa camera, siya ay nagpinta ng mga makatotohanang canvases. Para sa karamihan, lumilikha siya ng mga buhay pa rin, ngunit hindi ang mga tema ng kanyang mga kuwadro na gawa ang nagdudulot ng kamangha-manghang paghanga, ngunit ang mahusay na sagisag. Textures, glare, depth, perspective, volume - lahat ng ito Pedro Campos subordinated sa kanyang brush, kaya na katotohanan, at hindi fiction, tumingin sa viewer mula sa canvas. Kung walang embellishment, walang romanticism, realidad lamang, ito ang kahulugan ng genre ng photorealism. Sa pamamagitan ng paraan, nakuha ng artista ang kanyang pansin sa detalye at pagiging maingat sa gawain ng isang tagapagbalik.

9. Richard Estes. Ang isa pang tagahanga ng genre ng photorealism, si Richard Estes, ay nagsimula sa ordinaryong pagpipinta, ngunit kalaunan ay lumipat sa pagpipinta ng mga urban landscape. Ang mga artista ngayon at ang kanilang mga nilikha ay hindi kailangang umangkop sa sinuman, at iyan ay mahusay, lahat ay maaaring ipahayag ang kanilang sarili sa paraang gusto nila sa kung ano ang gusto nila. Tulad ng kaso ni Pedro Campos, ang mga gawa ng master na ito ay madaling malito sa mga litrato, ang lungsod ay katulad ng tunay. Bihira kang makakita ng mga tao sa mga painting ni Estes, ngunit halos palaging may mga reflection, glare, parallel lines at isang perpektong, perpektong komposisyon. Kaya, hindi lang niya kinopya ang urban landscape, ngunit nakakahanap ng pagiging perpekto dito at sinusubukang ipakita ito.

8. Kevin Sloan Mayroong isang hindi kapani-paniwalang bilang ng mga kontemporaryong artista ng ika-21 siglo at ang kanilang mga pagpipinta, ngunit hindi bawat isa sa kanila ay nagkakahalaga ng pansin. Ang Amerikanong si Kevin Sloan ay sulit, dahil ang kanyang mga gawa ay tila nag-uudyok sa manonood sa ibang dimensyon, isang mundong puno ng mga alegorya, mga nakatagong kahulugan, mga metaporikal na misteryo. Gustung-gusto ng artista na magpinta ng mga hayop, dahil, sa kanyang opinyon, nakakakuha siya ng higit na kalayaan sa ganitong paraan kaysa sa mga tao na magkuwento. Si Sloane ay lumilikha ng kanyang "trick reality" gamit ang mga langis sa loob ng halos 40 taon. Kadalasan, ang mga orasan ay lumilitaw sa mga canvases: alinman sa isang elepante o isang octopus ay tumingin sa kanila; ang imaheng ito ay maaaring bigyang-kahulugan bilang paglipas ng oras o bilang mga limitasyon ng buhay. Kahanga-hanga ang bawat larawan ni Sloan, gusto kong i-unravel ang gustong iparating sa kanya ng may-akda.

7. Laurent Parcelier. Ang pintor na ito ay kabilang sa mga kontemporaryong artista ng ika-21 siglo, na ang mga pagpipinta ay nakilala nang maaga, kahit na sa panahon ng kanilang pag-aaral. Ang talento ni Laurent ay ipinakita mismo sa mga nai-publish na mga album sa ilalim ng pangkalahatang pamagat na "Kakaibang Mundo". Siya ay nagpinta sa mga langis, ang kanyang estilo ay magaan, nakakaakit patungo sa pagiging totoo. katangian na tampok Ang mga gawa ng artista ay isang kasaganaan ng liwanag, na tila bumubuhos mula sa mga canvases. Bilang isang patakaran, inilalarawan niya ang mga landscape, ilang nakikilalang mga lugar. Ang lahat ng mga gawa ay hindi pangkaraniwang magaan at mahangin, puno ng araw, kasariwaan, hininga.

6. Jeremy Mann Gustung-gusto ng isang katutubo ng San Francisco ang kanyang lungsod, kadalasang inilalarawan ito sa kanyang mga pagpipinta. Ang mga kontemporaryong artista ng ika-21 siglo ay maaaring gumuhit ng inspirasyon para sa kanilang mga pagpipinta kahit saan: sa ulan, basang simento, neon sign, mga ilaw ng lungsod. Si Jeremy Mann ay naglalagay ng mga simpleng landscape na may mood, kasaysayan, eksperimento sa mga diskarte at mga pagpipilian sa kulay. Ang pangunahing materyal ni Mann ay langis.

5. Hans Rudolf Giger. Sa ikalimang lugar ay ang natatangi, natatanging Hans Giger, ang lumikha ng Alien mula sa pelikulang may parehong pangalan. Ang mga artista ngayon at ang kanilang mga gawa ay magkakaiba, ngunit ang bawat isa ay napakatalino sa sarili nitong paraan. Ang madilim na Swiss na ito ay hindi nagpinta ng kalikasan at mga hayop, mas pinipili niya ang "biomechanical" na pagpipinta, kung saan nagtagumpay siya. Ikinukumpara ng ilan ang artist kay Bosch para sa kadiliman, ang pagiging fantastic ng kanyang mga canvases. Kahit na ang mga pagpipinta ni Giger ay amoy ng isang bagay na hindi sa daigdig, mapanganib, hindi mo siya maaaring tanggihan sa pamamaraan, kasanayan: siya ay matulungin sa mga detalye, tama na pumili ng mga shade, iniisip ang lahat hanggang sa pinakamaliit na detalye.

4. Will Barnet Ang artist na ito ay may sariling natatanging istilo ng may-akda, kaya't ang kanyang mga gawa ay madaling tinanggap ng mga dakilang museo ng mundo: ang Metropolitan Museum of Art, ang National Gallery of Art, ang British Museum, ang Ashmolean Museum, ang Vatican Museum. Ang mga kontemporaryong artista ng ika-21 siglo at ang kanilang mga gawa, upang makilala, ay dapat kahit papaano ay namumukod-tangi sa iba pang masa. At magagawa ito ni Will Barnett. Ang kanyang mga gawa ay graphic at contrasting, madalas niyang inilalarawan ang mga pusa, ibon, babae. Sa unang sulyap, ang mga pagpipinta ni Barnett ay simple, ngunit sa karagdagang pagsusuri, napagtanto mo na ang pagiging simple na ito ay ang kanilang henyo.

3. Neil Simon. Isa ito sa mga kontemporaryong artista ng ika-21 siglo, na ang mga gawa ay hindi kasing simple ng tila sa unang tingin. Sa pagitan ng mga balangkas at mga gawa ni Neil Simon, ang mga hangganan ay tila nahuhugasan, dumadaloy sila mula sa isa't isa, umaakit sa manonood, hinila sila sa ilusyon na mundo ng artista. Ang mga likha ni Simon ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliliwanag at puspos na mga kulay, na nagbibigay sa kanila ng lakas at lakas, at pumukaw ng emosyonal na tugon. Gustung-gusto ng master na maglaro na may pananaw, ang laki ng mga bagay, na may hindi pangkaraniwang mga kumbinasyon at hindi inaasahang mga hugis. Mayroong maraming geometry sa mga gawa ng artist, na pinagsama sa mga natural na landscape, na parang nagmamadali sa loob, ngunit hindi sinisira, ngunit maayos na umaayon.

2. Igor Morsky. Ang 21st century artist ngayon at ang kanyang mga painting ay madalas na inihahambing sa mahusay na henyo na si Salvador Dali. Ang mga gawa ng Polish master ay hindi mahuhulaan, mahiwaga, kapana-panabik, pukawin ang isang matingkad na emosyonal na tugon, at sa mga lugar ay nakakabaliw. Tulad ng iba pang surrealist, hindi niya hinahangad na ipakita ang katotohanan kung ano ito, ngunit nagpapakita ng mga aspeto na hindi natin makikita sa buhay. Mas madalas, bida Ang gawain ni Morsky ay isang tao na may lahat ng kanyang mga takot, hilig, pagkukulang. Gayundin, ang mga metapora ng mga gawa ng surrealist na ito ay kadalasang nauukol sa kapangyarihan. Siyempre, hindi ito ang artista na ang trabaho ay ibinitin mo sa ibabaw ng kama, ngunit ang isa na ang eksibisyon ay talagang sulit na puntahan.

1. Yayoi Kusama. Kaya, sa unang lugar ng aming pagraranggo ay isang Japanese artist na nakamit ang hindi kapani-paniwalang tagumpay sa buong mundo, sa kabila ng katotohanan na siya ay may ilang mga sakit sa isip. Ang pangunahing "tampok" ng artist ay polka dots. Sinasaklaw niya ang lahat ng nakikita niya ng mga bilog na may iba't ibang hugis at sukat, na tinatawag itong lahat ng mga lambat ng kawalang-hanggan. Ang mga interactive na eksibisyon at pag-install ng Kusama ay isang tagumpay, dahil kung minsan ang lahat ay nais (kahit na hindi nila aminin) na nasa loob ng psychedelic na mundo ng mga guni-guni, parang bata na spontaneity, mga pantasya at makulay na mga bilog. Sa mga kontemporaryong artista ng ika-21 siglo at ang kanilang mga painting, si Yayoi Kusama ang pinakamabenta.

"Mga Manlalaro ng Card"

may-akda

Paul Cezanne

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1839–1906
Estilo post-impressionism

Ang artista ay ipinanganak sa timog ng France sa maliit na bayan ng Aix-en-Provence, ngunit nagsimulang magpinta sa Paris. Tunay na Tagumpay dumating sa kanya pagkatapos ng isang solong eksibisyon na inorganisa ng kolektor na si Ambroise Vollard. Noong 1886, 20 taon bago siya umalis, lumipat siya sa labas bayan. Tinawag ng mga batang artista ang mga paglalakbay sa kanya na "isang paglalakbay sa Aix".

130x97 cm
1895
presyo
$250 milyon
naibenta noong 2012
sa pribadong auction

Madaling maunawaan ang gawa ni Cezanne. Ang tanging panuntunan ng artist ay ang direktang paglipat ng paksa o balangkas sa canvas, kaya ang kanyang mga pagpipinta ay hindi nagiging sanhi ng pagkalito ng manonood. Pinagsama ni Cezanne sa kanyang sining ang dalawang pangunahing tradisyon ng Pransya: classicism at romanticism. Sa tulong ng makulay na texture, binigyan niya ang anyo ng mga bagay ng isang kamangha-manghang plasticity.

Isang serye ng limang mga kuwadro na "Mga Manlalaro ng Card" ay isinulat noong 1890-1895. Ang kanilang balangkas ay pareho - maraming tao ang masigasig na naglalaro ng poker. Ang mga gawa ay naiiba lamang sa bilang ng mga manlalaro at sa laki ng canvas.

Apat na mga pintura ang itinatago sa mga museo sa Europa at Amerika (ang Musée d'Orsay, ang Metropolitan Museum of Art, ang Barnes Foundation at ang Courtauld Institute of Art), at ang ikalima, hanggang kamakailan, ay isang adornment ng pribadong koleksyon ng Bilyonaryong Greek na may-ari ng barko na si George Embirikos. Ilang sandali bago siya namatay, noong taglamig ng 2011, nagpasya siyang ibenta ito. Ang mga potensyal na mamimili ng "libre" na gawa ni Cezanne ay ang art dealer na si William Aquavella at ang sikat na may-ari ng gallery na si Larry Gagosian, na nag-alok ng humigit-kumulang $220 milyon para dito. Bilang resulta, ang pagpipinta ay napunta sa maharlikang pamilya ng Arab state ng Qatar sa halagang 250 milyon. Ang pinakamalaking art deal sa kasaysayan ng pagpipinta ay isinara noong Pebrero 2012. Iniulat ito sa Vanity Fair ng mamamahayag na si Alexandra Pierce. Nalaman niya ang halaga ng pagpipinta at ang pangalan ng bagong may-ari, at pagkatapos ay tumagos ang impormasyon sa media sa buong mundo.

Noong 2010, binuksan sa Qatar ang Arab Museum of Modern Art at ang Qatar National Museum. Ngayon ang kanilang mga koleksyon ay lumalaki. Marahil ang ikalimang bersyon ng The Card Players ay nakuha ng sheik para sa layuning ito.

Ang pinakamamahaling larawansa mundo

May-ari
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

Ang dinastiyang al-Thani ay namuno sa Qatar sa loob ng mahigit 130 taon. Mga kalahating siglo na ang nakalipas, natuklasan ang malalaking reserba ng langis at gas dito, na agad na ginawang isa ang Qatar sa pinakamayamang rehiyon sa mundo. Dahil sa pag-export ng hydrocarbons, naitala ng maliit na bansang ito ang pinakamalaking GDP per capita. Si Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani ay inagaw ang kapangyarihan noong 1995, habang ang kanyang ama ay nasa Switzerland, na may suporta ng mga miyembro ng pamilya. Ang merito ng kasalukuyang pinuno, ayon sa mga eksperto, ay nasa isang malinaw na diskarte para sa pag-unlad ng bansa, na lumilikha ng isang matagumpay na imahe ng estado. Ang Qatar ay mayroon na ngayong konstitusyon at punong ministro, at ang mga kababaihan ay nakakuha ng karapatang bumoto sa parliamentaryong halalan. Siyanga pala, ang Emir ng Qatar ang nagtatag ng Al Jazeera news channel. Ang mga awtoridad ng estado ng Arab ay nagbibigay ng malaking pansin sa kultura.

2

"Numero 5"

may-akda

Jackson Pollock

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1912–1956
Estilo abstract expressionism

Jack the Sprinkler - tulad ng palayaw na ibinigay sa Pollock ng publikong Amerikano para sa kanyang espesyal na pamamaraan ng pagpipinta. Iniwan ng artist ang brush at easel, at ibinuhos ang pintura sa ibabaw ng canvas o fiberboard habang patuloy na gumagalaw sa paligid at loob ng mga ito. MULA SA mga unang taon siya ay mahilig sa pilosopiya ni Jiddu Krishnamurti, ang pangunahing mensahe nito ay ang katotohanan ay nahayag sa panahon ng isang libreng "pagbuhos".

122x244 cm
1948
presyo
$140 milyon
naibenta noong 2006
sa auction Sotheby's

Ang halaga ng gawa ni Pollock ay wala sa resulta, ngunit sa proseso. Hindi sinasadyang tinawag ng may-akda ang kanyang sining na "action painting". Sa kanyang magaan na kamay, ito ang naging pangunahing asset ng America. Pinaghalo ni Jackson Pollock ang pintura na may buhangin, basag na salamin, at nagsulat gamit ang isang piraso ng karton, isang palette na kutsilyo, isang kutsilyo, isang pala. Ang artista ay napakapopular na noong 1950s ay may mga imitator pa sa USSR. Ang pagpipinta na "Number 5" ay kinikilala bilang isa sa mga kakaiba at pinakamahal sa mundo. Binili ito ng isa sa mga tagapagtatag ng DreamWorks na si David Geffen para sa isang pribadong koleksyon, at noong 2006 ay ibinenta ito sa Sotheby's sa halagang $140 milyon sa Mexican collector na si David Martinez. Gayunpaman, hindi nagtagal ay naglabas ang law firm ng press release sa ngalan ng kliyente nito na nagsasaad na hindi si David Martinez ang may-ari ng painting. Isang bagay lamang ang tiyak na kilala: ang Mexican na financier ay talagang nakolekta kamakailan ng mga gawa ng kontemporaryong sining. Hindi malamang na makaligtaan niya ang isang "malaking isda" gaya ng "Number 5" ni Pollock.

3

"Babae III"

may-akda

Willem de Kooning

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1904–1997
Estilo abstract expressionism

Tubong Netherlands, lumipat siya sa Estados Unidos noong 1926. Noong 1948, isang personal na eksibisyon ng artista ang naganap. Pinahahalagahan ng mga kritiko ng sining ang kumplikado, kinakabahan na mga itim-at-puting komposisyon, na kinikilala sa kanilang may-akda ang isang mahusay na modernistang artista. Sa halos lahat ng kanyang buhay ay nagdusa siya sa alkoholismo, ngunit ang kagalakan ng paglikha ng bagong sining ay nararamdaman sa bawat gawain. Ang De Kooning ay nakikilala sa pamamagitan ng impulsiveness ng pagpipinta, malawak na mga stroke, kaya kung minsan ang imahe ay hindi magkasya sa loob ng mga hangganan ng canvas.

121x171 cm
1953
presyo
$137 milyon
naibenta noong 2006
sa pribadong auction

Noong 1950s, lumilitaw sa mga painting ni de Kooning ang mga babaeng walang laman ang mata, malalaking suso, at pangit na katangian. Ang "Woman III" ay ang huling gawa mula sa seryeng ito na lumahok sa auction.

Mula noong 1970s, ang pagpipinta ay itinago sa Tehran Museum of Modern Art, ngunit pagkatapos ng pagpapakilala ng mahigpit na mga tuntunin sa moral sa bansa, sinubukan nilang alisin ito. Noong 1994, ang gawain ay inalis sa Iran, at pagkaraan ng 12 taon, ang may-ari nito na si David Geffen (ang parehong producer na nagbebenta ng "Number 5" ni Jackson Pollock ay ibinenta ang pagpipinta sa milyonaryo na si Stephen Cohen sa halagang $137.5 milyon. Kapansin-pansin na sa isang taon ay nagsimulang ibenta ni Geffen ang kanyang koleksyon ng mga kuwadro na gawa. Nagbunga ito ng maraming alingawngaw: halimbawa, na nagpasya ang producer na bilhin ang Los Angeles Times.

Sa isa sa mga art forum, isang opinyon ang ipinahayag tungkol sa pagkakatulad ng "Woman III" sa pagpipinta ni Leonardo da Vinci na "Lady with an Ermine". Sa likod ng mapupungay na ngiti at walang hugis na pigura ng pangunahing tauhang babae, naunawaan ng maalam sa pagpipinta ang biyaya ng isang taong may dugong maharlika. Ito ay pinatunayan din ng hindi magandang natunton na korona na nagpuputong sa ulo ng isang babae.

4

"Larawan ni AdeleBloch-Bauer I"

may-akda

Gustav Klimt

Ang bansa Austria
Mga taon ng buhay 1862–1918
Estilo moderno

Si Gustav Klimt ay ipinanganak sa pamilya ng isang engraver at pangalawa sa pitong anak. Tatlong anak na lalaki ni Ernest Klimt ang naging artista, at tanging si Gustav lamang ang naging tanyag sa buong mundo. Ginugol niya ang karamihan sa kanyang pagkabata sa kahirapan. Matapos ang pagkamatay ng kanyang ama, siya ang may pananagutan sa buong pamilya. Sa panahong ito nabuo ni Klimt ang kanyang istilo. Bago ang kanyang mga pagpipinta, ang sinumang manonood ay nag-freeze: sa ilalim ng manipis na mga stroke ng ginto, ang lantad na erotismo ay malinaw na nakikita.

138x136 cm
1907
presyo
$135 milyon
naibenta noong 2006
sa auction Sotheby's

Ang kapalaran ng pagpipinta, na tinatawag na "Austrian Mona Lisa", ay madaling maging batayan para sa isang bestseller. Ang gawain ng artista ay naging sanhi ng salungatan ng buong estado at isang matandang babae.

Kaya, ang "Portrait of Adele Bloch-Bauer I" ay naglalarawan ng isang aristokrata, ang asawa ni Ferdinand Bloch. Ang kanyang huling habilin ay ilipat ang pagpipinta sa Austrian State Gallery. Gayunpaman, kinansela ni Bloch ang donasyon sa kanyang kalooban, at kinuha ng mga Nazi ang pagpipinta. Nang maglaon, halos hindi binili ng gallery ang Golden Adele, ngunit pagkatapos ay lumitaw ang tagapagmana - si Maria Altman, pamangkin ni Ferdinand Bloch.

Noong 2005, nagsimula ang high-profile na pagsubok na "Maria Altman laban sa Republika ng Austria", bilang isang resulta kung saan ang larawan ay "umalis" kasama niya sa Los Angeles. Ang Austria ay gumawa ng mga hindi pa nagagawang hakbang: ang mga pautang ay nakipag-usap, ang populasyon ay nag-donate ng pera upang bilhin ang larawan. Ang kabutihan ay hindi kailanman nagtagumpay sa kasamaan: Itinaas ni Altman ang presyo sa $300 milyon. Sa panahon ng paglilitis, siya ay 79 taong gulang, at siya ay bumaba sa kasaysayan bilang ang taong nagbago sa kalooban ni Bloch-Bauer pabor sa mga personal na interes. Ang pagpipinta ay binili ni Ronald Lauder, may-ari ng New Gallery sa New York, kung saan nananatili ito hanggang ngayon. Hindi para sa Austria, para sa kanya binawasan ni Altman ang presyo sa $135 milyon.

5

"sigaw"

may-akda

Edvard Munch

Ang bansa Norway
Mga taon ng buhay 1863–1944
Estilo ekspresyonismo

Ang unang pagpipinta ni Munch, na naging tanyag sa buong mundo, ang "The Sick Girl" (umiiral sa limang kopya) ay nakatuon sa kapatid ng artista, na namatay sa tuberculosis sa edad na 15. Si Munch ay palaging interesado sa tema ng kamatayan at kalungkutan. Sa Germany, ang kanyang mabigat at manic na pagpipinta ay nagdulot pa ng isang iskandalo. Gayunpaman, sa kabila ng mapagpahirap na mga plot, ang kanyang mga pagpipinta ay may espesyal na magnetismo. Kumuha ng hindi bababa sa "Scream".

73.5x91 cm
1895
presyo
$119.992 milyon
naibenta sa 2012
sa auction Sotheby's

Ang buong pangalan ng pagpipinta ay Der Schrei der Natur (isinalin mula sa Aleman bilang "ang sigaw ng kalikasan"). Ang mukha ng alinman sa isang tao o isang dayuhan ay nagpapahayag ng kawalan ng pag-asa at gulat - ang manonood ay nakakaranas ng parehong mga damdamin kapag tinitingnan ang larawan. Ang isa sa mga pangunahing gawa ng expressionism ay nagbabala sa mga tema na naging talamak sa sining ng ika-20 siglo. Ayon sa isang bersyon, nilikha ito ng artist sa ilalim ng impluwensya ng isang mental disorder, na pinagdudusahan niya sa buong buhay niya.

Dalawang beses ninakaw ang painting mula sa iba't ibang museo ngunit ito ay ibinalik. Bahagyang nasira pagkatapos ng pagnanakaw, ang The Scream ay naibalik at handa nang ipakita muli sa Munch Museum noong 2008. Para sa mga kinatawan ng pop culture, ang trabaho ay naging mapagkukunan ng inspirasyon: Si Andy Warhol ay lumikha ng isang serye ng mga kopya-print nito, at ang maskara mula sa pelikulang "Scream" ay ginawa sa imahe at pagkakahawig ng bayani ng larawan.

Para sa isang balangkas, sumulat si Munch ng apat na bersyon ng trabaho: ang isa sa isang pribadong koleksyon ay ginawa sa pastel. Ang Norwegian billionaire na si Petter Olsen ay naglagay nito para sa auction noong Mayo 2, 2012. Ang bumili ay si Leon Black, na hindi nag-ipon ng record na halaga para sa "Scream". Nagtatag ng Apollo Advisors, L.P. at Lion Advisors, L.P. kilala sa kanyang pagmamahal sa sining. Si Black ay patron ng Dartmouth College, Museum of Modern Art, Lincoln Art Center, at Metropolitan Museum of Art. Ito ang may pinakamalaking koleksyon ng mga painting ng mga kontemporaryong artist at classical masters ng nakalipas na mga siglo.

6

"Hubad na hubad sa background ng bust at berdeng dahon"

may-akda

Pablo Picasso

Ang bansa Spain, France
Mga taon ng buhay 1881–1973
Estilo kubismo

Sa pinagmulan siya ay isang Kastila, ngunit sa diwa at lugar ng paninirahan siya ay isang tunay na Pranses. Binuksan ni Picasso ang sarili niyang art studio sa Barcelona noong siya ay 16 taong gulang pa lamang. Pagkatapos ay nagpunta siya sa Paris at ginugol ang halos buong buhay niya doon. Kaya naman may double stress sa apelyido niya. Ang istilo na naimbento ni Picasso ay batay sa pagtanggi sa opinyon na ang bagay na inilalarawan sa canvas ay maaaring tingnan sa isang anggulo lamang.

130x162 cm
1932
presyo
$106.482 milyon
naibenta sa 2010
sa auction kay Christie

Sa panahon ng kanyang trabaho sa Roma, nakilala ng artista ang mananayaw na si Olga Khokhlova, na sa lalong madaling panahon ay naging kanyang asawa. Tinapos niya ang vagrancy, lumipat kasama niya sa isang marangyang apartment. Sa oras na iyon, ang pagkilala ay nakahanap ng isang bayani, ngunit ang kasal ay nawasak. Ang isa sa mga pinakamahal na pagpipinta sa mundo ay nilikha halos sa pamamagitan ng aksidente - dahil sa mahusay na pag-ibig, na, gaya ng nakasanayan sa Picasso, ay maikli ang buhay. Noong 1927, naging interesado siya sa batang si Marie-Therese Walter (siya ay 17 taong gulang, siya ay 45). Lihim mula sa kanyang asawa, umalis siya kasama ang kanyang maybahay para sa isang bayan malapit sa Paris, kung saan nagpinta siya ng isang larawan na naglalarawan kay Marie-Therese sa imahe ni Daphne. Ang pagpipinta ay binili ng New York dealer na si Paul Rosenberg at ibinenta noong 1951 kay Sidney F. Brody. Isang beses lamang ipinakita ng mga Brody ang pagpipinta sa mundo, at dahil lamang sa 80 taong gulang ang artista. Pagkamatay ng kanyang asawa, inilagay ni Mrs. Brody ang trabaho para sa auction sa Christie's noong Marso 2010. Sa loob ng anim na dekada, ang presyo ay tumaas ng higit sa 5,000 beses! Binili ito ng hindi kilalang kolektor sa halagang $106.5 milyon. Noong 2011, isang "one painting exhibition" ang ginanap sa Britain, kung saan nakita nito ang liwanag sa pangalawang pagkakataon, ngunit hindi pa rin alam ang pangalan ng may-ari.

7

"Walong Elvise"

may-akda

Andy Warhole

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1928-1987
Estilo
pop Art

"Ang sex at mga party ay ang tanging mga lugar kung saan kailangan mong magpakita ng personal," sabi ng kultong pop artist, direktor, at isa sa mga tagapagtatag ng Interview magazine, ang taga-disenyo na si Andy Warhol. Nagtrabaho siya sa Vogue at Harper's Bazaar, nagdisenyo ng mga record cover, at nagdisenyo ng mga sapatos para sa I.Miller. Noong 1960s, lumitaw ang mga kuwadro na naglalarawan sa mga simbolo ng Amerika: Campbell's soup at Coca-Cola, Presley at Monroe - na ginawa siyang isang alamat.

358x208 cm
1963
presyo
$100 milyon
naibenta sa 2008
sa pribadong auction

Warhol's 60s - ang tinaguriang panahon ng pop art sa America. Noong 1962, nagtrabaho siya sa Manhattan sa Factory Studio, kung saan nagtipon ang lahat ng bohemia ng New York. Ang pinakamaliwanag na kinatawan nito: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote at iba pang sikat na personalidad sa mundo. Kasabay nito, sinubukan ni Warhol ang pamamaraan ng silk-screen printing - maraming pag-uulit ng isang imahe. Ginamit din niya ang pamamaraang ito sa paggawa ng "Eight Elvises": tila nakikita ng manonood ang mga frame mula sa isang pelikula kung saan nabuhay ang bituin. Lahat ng bagay na labis na minahal ng artista ay narito: isang win-win na pampublikong imahe, kulay na pilak at isang premonisyon ng kamatayan bilang pangunahing mensahe.

Mayroong dalawang art dealers na nagpo-promote ng gawa ni Warhol sa world market ngayon: Larry Gagosian at Alberto Mugrabi. Ang una noong 2008 ay gumastos ng $200 milyon para bumili ng higit sa 15 mga gawa ng Warhol. Ang pangalawa ay bumibili at nagbebenta ng kanyang mga painting tulad ng mga Christmas card, mas mahal lamang. Ngunit hindi sila, ngunit ang mapagpakumbabang consultant ng sining ng Pransya na si Philippe Segalo na tumulong sa Romanong art connoisseur na si Annibale Berlinghieri na ibenta ang Eight Elvises sa isang hindi kilalang mamimili para sa isang record na halaga para sa Warhol - $ 100 milyon.

8

"Kahel,Pulang Dilaw"

may-akda

Mark Rothko

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1903–1970
Estilo abstract expressionism

Isa sa mga lumikha ng color field painting ay ipinanganak sa Dvinsk, Russia (ngayon ay Daugavpils, Latvia), sa isang malaking pamilya ng isang Hudyo na parmasyutiko. Noong 1911 lumipat sila sa USA. Nag-aral si Rothko sa art department ng Yale University, nakamit ang isang iskolarsip, ngunit ang mga anti-Semitic na sentiments ay pinilit siyang umalis sa kanyang pag-aaral. Sa kabila ng lahat, idolo ng mga kritiko ng sining ang artista, at hinabol siya ng mga museo sa buong buhay niya.

206x236 cm
1961
presyo
$86.882 milyon
naibenta noong 2012
sa auction kay Christie

Ang mga unang artistikong eksperimento ni Rothko ay isang oryentasyong surrealist, ngunit sa paglipas ng panahon ay pinasimple niya ang balangkas upang kulayan ang mga spot, na inaalis sa kanila ang anumang objectivity. Sa una sila ay may maliliwanag na kulay, at noong 1960s sila ay napuno ng kayumanggi, lila, pampalapot hanggang itim sa oras ng pagkamatay ng artista. Nagbabala si Mark Rothko laban sa paghahanap ng anumang kahulugan sa kanyang mga kuwadro na gawa. Nais sabihin ng may-akda nang eksakto kung ano ang sinabi niya: tanging ang kulay na natutunaw sa hangin, at wala nang iba pa. Inirerekomenda niya ang pagtingin sa mga gawa mula sa layo na 45 cm, upang ang manonood ay "na-drag" sa kulay, tulad ng sa isang funnel. Pag-iingat: ang panonood ayon sa lahat ng mga patakaran ay maaaring humantong sa epekto ng pagmumuni-muni, iyon ay, unti-unting dumating ang pagsasakatuparan ng kawalang-hanggan, kumpletong paglulubog sa sarili, pagpapahinga, paglilinis. Ang kulay sa kanyang mga kuwadro na gawa ay nabubuhay, humihinga at may malakas na emosyonal na epekto (minsan ay sinasabing nakapagpapagaling). Sinabi ng artista: "Dapat umiyak ang manonood sa pagtingin sa kanila" - at talagang may mga ganoong kaso. Ayon sa teorya ni Rothko, sa sandaling ito ang mga tao ay nabubuhay sa parehong espirituwal na karanasan na mayroon siya sa proseso ng paggawa sa larawan. Kung nagawa mong maunawaan ito sa isang banayad na antas, kung gayon huwag magulat na ang mga gawa ng abstractionism na ito ay madalas na inihambing ng mga kritiko na may mga icon.

Ang akdang "Orange, Red, Yellow" ay nagpapahayag ng kakanyahan ng pagpipinta ni Mark Rothko. Ang paunang halaga nito sa auction ni Christie sa New York ay 35-45 milyong dolyar. Isang hindi kilalang mamimili ang nag-alok ng presyo na doble sa tantiya. Ang pangalan ng masayang may-ari ng pagpipinta, gaya ng kadalasang nangyayari, ay hindi isiniwalat.

9

"Triptych"

may-akda

Francis Bacon

Ang bansa
Britanya
Mga taon ng buhay 1909–1992
Estilo ekspresyonismo

Ang mga pakikipagsapalaran ni Francis Bacon, isang buong pangalan at, bukod dito, isang malayong inapo ng dakilang pilosopo, ay nagsimula nang itakwil siya ng kanyang ama, na hindi matanggap ang mga hilig ng homoseksuwal ng kanyang anak. Nauna si Bacon sa Berlin, pagkatapos ay sa Paris, at pagkatapos ay ang kanyang mga bakas ay nalilito sa buong Europa. Kahit na sa panahon ng kanyang buhay, ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa pangunguna mga sentrong pangkultura mundo, kabilang ang Guggenheim Museum at ang Tretyakov Gallery.

147.5x198 cm (bawat isa)
1976
presyo
$86.2 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

Ang mga prestihiyosong museo ay nagsumikap na magkaroon ng mga kuwadro na gawa ni Bacon, ngunit ang prim English public ay hindi nagmamadaling kumuha ng ganoong sining. Ang maalamat na Punong Ministro ng Britanya na si Margaret Thatcher ay nagsabi tungkol sa kanya: "Ang taong nagpinta ng mga kakila-kilabot na larawang ito."

Ang simula ng panahon sa kanyang trabaho, ang artist mismo ay isinasaalang-alang ang panahon ng post-war. Pagbalik mula sa serbisyo, muli siyang nagpinta at lumikha ng mga pangunahing obra maestra. Bago ang paglahok ng "Triptych, 1976" sa auction, ang pinakamahal na gawa ni Bacon ay "Pag-aaral para sa isang Larawan ni Pope Innocent X" (52.7 milyong dolyar). Sa "Triptych, 1976" inilarawan ng artist ang gawa-gawa na balangkas ng pag-uusig kay Orestes ng mga galit. Siyempre, si Orestes ay si Bacon mismo, at ang mga galit ay ang kanyang mga pagdurusa. Sa loob ng higit sa 30 taon, ang pagpipinta ay nasa isang pribadong koleksyon at hindi lumahok sa mga eksibisyon. Ang katotohanang ito ay nagbibigay ng isang espesyal na halaga at, nang naaayon, pinatataas ang gastos. Ngunit ano ang ilang milyon para sa isang connoisseur ng sining, at kahit na mapagbigay sa Russian? Sinimulan ni Roman Abramovich na lumikha ng kanyang koleksyon noong 1990s, dito siya ay lubos na naimpluwensyahan ng kanyang kasintahan na si Dasha Zhukova, na naging modernong Russia may-ari ng fashion gallery. Ayon sa hindi opisyal na data, ang negosyante ay nagmamay-ari ng mga gawa nina Alberto Giacometti at Pablo Picasso, na binili sa halagang lampas sa $100 milyon. Noong 2008, naging may-ari siya ng Triptych. Sa pamamagitan ng paraan, noong 2011, isa pang mahalagang gawain ni Bacon ang nakuha - "Tatlong sketch para sa isang larawan ni Lucian Freud." Sinasabi ng mga nakatagong mapagkukunan na si Roman Arkadievich ay muling naging mamimili.

10

"Pond na may water lilies"

may-akda

Claude Monet

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1840–1926
Estilo impresyonismo

Ang artista ay kinikilala bilang tagapagtatag ng impresyonismo, na "nagpatent" ng pamamaraang ito sa kanyang mga canvases. Ang unang makabuluhang gawain ay ang pagpipinta na "Breakfast on the Grass" (ang orihinal na bersyon ng gawa ni Edouard Manet). Sa kanyang kabataan, gumuhit siya ng mga karikatura, at kumuha ng tunay na pagpipinta sa kanyang paglalakbay sa baybayin at sa open air. Sa Paris, pinamunuan niya ang isang bohemian na pamumuhay at hindi ito iniwan kahit na pagkatapos maglingkod sa hukbo.

210x100 cm
1919
presyo
$80.5 milyon
naibenta sa 2008
sa auction kay Christie

Bukod sa katotohanan na si Monet ay isang mahusay na artista, masigasig din siyang nakikibahagi sa paghahardin, sambahin ang wildlife at mga bulaklak. Sa kanyang mga tanawin, ang estado ng kalikasan ay panandalian, ang mga bagay ay tila malabo sa paggalaw ng hangin. Ang impression ay pinahusay ng malalaking stroke, mula sa isang tiyak na distansya sila ay nagiging invisible at sumanib sa isang texture, three-dimensional na imahe. Sa pagpipinta ng yumaong Monet, isang espesyal na lugar ang inookupahan ng tema ng tubig at buhay dito. Sa bayan ng Giverny, ang artista ay may sariling pond, kung saan siya ay nagtanim ng mga water lilies mula sa mga buto na espesyal na dinala niya mula sa Japan. Nang mamukadkad ang kanilang mga bulaklak, nagsimula siyang magpinta. Ang serye ng Water Lilies ay binubuo ng 60 obra na ipininta ng artist sa loob ng halos 30 taon, hanggang sa kanyang kamatayan. Ang kanyang paningin ay lumala sa edad, ngunit hindi siya tumigil. Depende sa hangin, panahon at panahon, ang view ng pond ay patuloy na nagbabago, at gusto ni Monet na makuha ang mga pagbabagong ito. Sa pamamagitan ng maingat na trabaho, isang pag-unawa sa kakanyahan ng kalikasan ang dumating sa kanya. Ang ilan sa mga kuwadro na gawa sa serye ay itinatago sa mga nangungunang gallery ng mundo: National Museum of Western Art (Tokyo), Orangerie (Paris). Ang bersyon ng susunod na "Pond with water lilies" ay napunta sa mga kamay ng isang hindi kilalang mamimili para sa isang record na halaga.

11

Maling Bituin t

may-akda

Jasper Johns

Ang bansa USA
Taon ng kapanganakan 1930
Estilo pop Art

Noong 1949, pumasok si Jones sa paaralan ng disenyo sa New York. Kasama sina Jackson Pollock, Willem de Kooning at iba pa, siya ay kinikilala bilang isa sa mga pangunahing artista ng ika-20 siglo. Noong 2012, natanggap niya ang Presidential Medal of Freedom, ang pinakamataas na parangal ng sibilyan sa Estados Unidos.

137.2x170.8 cm
1959
presyo
$80 milyon
naibenta noong 2006
sa pribadong auction

Tulad ni Marcel Duchamp, nagtrabaho si Jones sa mga tunay na bagay, na inilalarawan ang mga ito sa canvas at sa iskultura nang buong alinsunod sa orihinal. Para sa kanyang mga gawa, gumamit siya ng simple at naiintindihan na mga bagay para sa lahat: isang bote ng beer, isang bandila o mga mapa. Walang malinaw na komposisyon sa Maling Simula na larawan. Ang artista ay tila nakikipaglaro sa manonood, madalas na "maling" pinirmahan ang mga kulay sa larawan, na pinapalitan ang mismong konsepto ng kulay: "Nais kong makahanap ng isang paraan upang ilarawan ang kulay upang ito ay matukoy ng ibang paraan." Ang kanyang pinaka-paputok at "hindi sigurado", ayon sa mga kritiko, ang pagpipinta ay nakuha ng isang hindi kilalang mamimili.

12

"Nakaupohubadsa sopa"

may-akda

Amedeo Modigliani

Ang bansa Italy, France
Mga taon ng buhay 1884–1920
Estilo ekspresyonismo

Si Modigliani ay madalas na may sakit mula pagkabata, sa panahon ng isang nilalagnat na delirium, nakilala niya ang kanyang kapalaran bilang isang artista. Nag-aral siya ng pagguhit sa Livorno, Florence, Venice, at noong 1906 ay umalis siya patungong Paris, kung saan umunlad ang kanyang sining.

65x100 cm
1917
presyo
$68.962 milyon
naibenta sa 2010
sa auction Sotheby's

Noong 1917, nakilala ni Modigliani ang 19-taong-gulang na si Jeanne Hebuterne, na naging kanyang modelo at kalaunan ay kanyang asawa. Noong 2004, ang isa sa kanyang mga larawan ay naibenta sa halagang $31.3 milyon, ang huling rekord bago ang pagbebenta ng Seated Nude on a Sofa noong 2010. Ang pagpipinta ay binili ng isang hindi kilalang mamimili para sa maximum para sa Modigliani sa sa sandaling ito presyo. Ang mga aktibong benta ng mga gawa ay nagsimula lamang pagkatapos ng pagkamatay ng artist. Namatay siya sa kahirapan, dumaranas ng tuberculosis, at kinabukasan, si Jeanne Hebuterne, na siyam na buwang buntis, ay nagpakamatay din.

13

"Agila sa isang Pine"

may-akda

Qi Baishi

Ang bansa Tsina
Mga taon ng buhay 1864–1957
Estilo guohua

Ang interes sa kaligrapya ay humantong kay Qi Baishi na magpinta. Sa edad na 28, naging estudyante siya ng artist na si Hu Qingyuan. Ginawaran siya ng Ministri ng Kultura ng Tsina ng titulong "Dakilang Artista ng mga Tsino", noong 1956 natanggap niya Internasyonal na Gantimpala kapayapaan.

10x26 cm
1946
presyo
$65.4 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Tagapangalaga ng China

Interesado si Qi Baishi sa mga pagpapakitang iyon ng nakapaligid na mundo, na hindi binibigyang halaga ng marami, at ito ang kanyang kadakilaan. Ang isang tao na walang pinag-aralan ay naging isang propesor at isang natatanging manlilikha sa kasaysayan. Sinabi ni Pablo Picasso tungkol sa kanya: "Natatakot akong pumunta sa iyong bansa, dahil mayroong Qi Baishi sa China." Ang komposisyon na "Eagle on a Pine Tree" ay kinikilala bilang ang pinakamalaking gawa ng artist. Bilang karagdagan sa canvas, kabilang dito ang dalawang hieroglyphic scroll. Para sa China, ang halaga kung saan binili ang produkto ay isang talaan - 425.5 milyong yuan. Tanging ang scroll ng sinaunang calligrapher na si Huang Tingjian ang naibenta sa halagang 436.8 milyong dolyar.

14

"1949-A-#1"

may-akda

Clifford pa rin

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1904–1980
Estilo abstract expressionism

Sa edad na 20, binisita niya ang Metropolitan Museum of Art sa New York at nadismaya. Nang maglaon, nag-sign up siya para sa isang kurso sa liga ng sining ng mag-aaral, ngunit umalis 45 minuto pagkatapos ng pagsisimula ng klase - ito ay naging "hindi kanya". Ang unang personal na eksibisyon ay nagdulot ng resonance, natagpuan ng artist ang kanyang sarili, at kasama nito ang pagkilala

79x93 cm
1949
presyo
$61.7 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Sotheby's

Ang lahat ng kanyang mga gawa, na higit sa 800 na mga canvases at 1600 na mga gawa sa papel, ay ipinamana pa rin sa lungsod ng Amerika, kung saan bubuksan ang isang museo na ipinangalan sa kanya. Ang Denver ay naging isang lungsod, ngunit ang konstruksiyon lamang ang mahal para sa mga awtoridad, at apat na gawa ang inilagay para sa auction upang makumpleto ito. Ang mga gawa ni Still ay malabong ma-auction muli, na nagtaas ng kanilang presyo nang maaga. Ang pagpipinta na "1949-A-No.1" ay naibenta para sa isang record na halaga para sa artist, bagaman hinulaan ng mga eksperto ang pagbebenta ng maximum na 25-35 milyong dolyar.

15

"Suprematist na komposisyon"

may-akda

Kazimir Malevich

Ang bansa Russia
Mga taon ng buhay 1878–1935
Estilo Suprematismo

Nag-aral ng pagpipinta si Malevich sa Kiev paaralan ng sining, pagkatapos ay sa Moscow Academy of Arts. Noong 1913, nagsimula siyang magpinta ng mga abstract na geometric na pagpipinta sa isang istilo na tinawag niyang Suprematism (mula sa Latin na "dominance").

71x 88.5 cm
1916
presyo
$60 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

Ang pagpipinta ay itinago sa museo ng lungsod ng Amsterdam sa loob ng halos 50 taon, ngunit pagkatapos ng 17-taong pagtatalo sa mga kamag-anak ni Malevich, ibinigay ito ng museo. Ipininta ng pintor ang gawaing ito sa parehong taon bilang The Manifesto of Suprematism, kaya inihayag ni Sotheby bago ang auction na hindi ito pupunta sa isang pribadong koleksyon nang mas mababa sa $60 milyon. At nangyari nga. Mas mainam na tingnan ito mula sa itaas: ang mga figure sa canvas ay kahawig ng isang aerial view ng lupa. Siyanga pala, ilang taon na ang nakalilipas, kinuha ng parehong mga kamag-anak ang isa pang "Suprematist Composition" mula sa MoMA Museum upang ibenta ito sa Phillips sa halagang $17 milyon.

16

"Mga naliligo"

may-akda

Paul Gauguin

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1848–1903
Estilo post-impressionism

Hanggang sa edad na pito, ang artista ay nanirahan sa Peru, pagkatapos ay bumalik sa France kasama ang kanyang pamilya, ngunit ang mga alaala ng pagkabata ay patuloy na nagtulak sa kanya na maglakbay. Sa France, nagsimula siyang magpinta, kaibigan ni Van Gogh. Ilang buwan pa siyang kasama niya sa Arles, hanggang sa putulin ni Van Gogh ang kanyang tainga sa isang away.

93.4x60.4 cm
1902
presyo
$55 milyon
naibenta noong 2005
sa auction Sotheby's

Noong 1891, inayos ni Gauguin ang pagbebenta ng kanyang mga pintura upang magamit ang mga nalikom sa malalim na isla ng Tahiti. Doon ay lumikha siya ng mga gawa kung saan mararamdaman ng isa ang banayad na koneksyon sa pagitan ng kalikasan at ng tao. Nakatira si Gauguin sa isang kubo na pawid, at isang tropikal na paraiso ang namumulaklak sa kanyang mga canvases. Ang kanyang asawa ay isang 13-taong-gulang na Tahitian Tehura, na hindi humadlang sa artist na makisali sa kahalayan. Nang magkaroon ng syphilis, umalis siya patungong France. Gayunpaman, si Gauguin ay masikip doon, at bumalik siya sa Tahiti. Ang panahong ito ay tinatawag na "pangalawang Tahitian" - noon na ang pagpipinta na "Bathers" ay ipininta, isa sa pinaka maluho sa kanyang trabaho.

17

"Daffodils at isang tablecloth na kulay asul at pink"

may-akda

Henri Matisse

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1869–1954
Estilo Fauvism

Noong 1889, inatake ng apendisitis si Henri Matisse. Nang gumaling siya sa operasyon, binilhan siya ng kanyang ina ng mga pintura. Una, dahil sa inip, kinopya ni Matisse ang mga may kulay na mga postkard, pagkatapos - ang mga gawa ng mahusay na pintor na nakita niya sa Louvre, at sa simula ng ika-20 siglo ay nakagawa siya ng isang istilo - fauvism.

65.2x81 cm
1911
presyo
$46.4 milyon
naibenta sa 2009
sa auction kay Christie

Ang pagpipinta na "Daffodils and a Tablecloth in Blue and Pink" ay pag-aari ni Yves Saint Laurent sa mahabang panahon. Matapos ang pagkamatay ng couturier, ang kanyang buong koleksyon ng sining ay ipinasa sa mga kamay ng kanyang kaibigan at kasintahan na si Pierre Berger, na nagpasya na ilagay ito para sa auction sa Christie's. Ang perlas ng ibinebentang koleksyon ay ang pagpipinta na "Daffodils and a tablecloth in blue and pink", na ipininta sa isang ordinaryong tablecloth sa halip na canvas. Bilang isang halimbawa ng Fauvism, ito ay puno ng enerhiya ng kulay, ang mga kulay ay tila sumasabog at sumisigaw. Sa mga kilalang serye ng mga pagpipinta ng tablecloth, ngayon ang gawaing ito ay ang tanging isa na nasa isang pribadong koleksyon.

18

"Natutulog na Babae"

may-akda

RoyLee

chtenstein

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1923–1997
Estilo pop Art

Ang artista ay ipinanganak sa New York, at pagkatapos ng pagtatapos sa paaralan, nagpunta siya sa Ohio, kung saan nagpunta siya sa mga kurso sa sining. Noong 1949, natanggap ng Liechtenstein ang kanyang Master of Fine Arts degree. Ang interes sa mga komiks at ang kakayahang maging ironic ay ginawa siyang isang kulto na artista ng huling siglo.

91x91 cm
1964
presyo
$44.882 milyon
naibenta noong 2012
sa auction Sotheby's

Minsan, ang chewing gum ay nahulog sa mga kamay ni Liechtenstein. Iginuhit niyang muli ang larawan mula sa insert sa canvas at naging tanyag. Ang balangkas na ito mula sa kanyang talambuhay ay naglalaman ng buong mensahe ng pop art: ang pagkonsumo ay ang bagong diyos, at walang mas kaunting kagandahan sa isang gum wrapper kaysa sa Mona Lisa. Ang kanyang mga pagpipinta ay nakapagpapaalaala sa mga komiks at cartoon: Pinalaki lang ni Lichtenstein ang natapos na imahe, gumuhit ng mga raster, gumamit ng screen printing at silkscreen printing. Ang pagpipinta na "Sleeping Girl" ay pag-aari ng mga kolektor na sina Beatrice at Philip Gersh sa loob ng halos 50 taon, na ang mga tagapagmana ay nagbebenta nito sa auction.

19

"Tagumpay. Boogie Woogie"

may-akda

Piet Mondrian

Ang bansa Netherlands
Mga taon ng buhay 1872–1944
Estilo neoplasticism

Aking tunay na pangalan- Cornelis - ang artista ay nagbago kay Mondrian nang lumipat siya sa Paris noong 1912. Kasama ang artist na si Theo van Doesburg, itinatag niya ang neoplastic movement. Ang Piet programming language ay pinangalanan sa Mondrian.

27x127 cm
1944
presyo
$40 milyon
naibenta noong 1998
sa auction Sotheby's

Ang pinaka-"musika" ng mga artista noong ika-20 siglo ay nabuhay na may mga watercolor pa rin, kahit na siya ay naging tanyag bilang isang neoplastic na artista. Lumipat siya sa USA noong 1940s at doon ginugol ang natitirang bahagi ng kanyang buhay. Jazz at New York - iyon ang higit na nagbigay inspirasyon sa kanya! Pagpipinta "Tagumpay. Si Boogie Woogie ang pinakamagandang halimbawa nito. Ang mga "Branded" na maayos na mga parisukat ay nakuha sa pamamagitan ng paggamit ng adhesive tape - ang paboritong materyal ng Mondrian. Sa Amerika, siya ay tinawag na "pinakatanyag na imigrante." Noong dekada ikaanimnapung taon, ginawa ni Yves Saint Laurent ang sikat sa mundo na "Mondrian" na mga damit na may malaking kulay na check print.

20

"Komposisyon Blg. 5"

may-akda

BasilKandinsky

Ang bansa Russia
Mga taon ng buhay 1866–1944
Estilo avant-garde

Ang artista ay ipinanganak sa Moscow, at ang kanyang ama ay mula sa Siberia. Pagkatapos ng rebolusyon, sinubukan niyang makipagtulungan sa mga awtoridad ng Sobyet, ngunit sa lalong madaling panahon natanto na ang mga batas ng proletaryado ay hindi nilikha para sa kanya, at lumipat sa Alemanya nang walang mga paghihirap.

275x190 cm
1911
presyo
$40 milyon
naibenta noong 2007
sa auction Sotheby's

Si Kandinsky ay isa sa mga unang ganap na tinalikuran ang pagpipinta ng bagay, kung saan natanggap niya ang pamagat ng henyo. Sa panahon ng Nazismo sa Germany, ang kanyang mga kuwadro ay inuri bilang "degenerate art" at hindi ipinakita kahit saan. Noong 1939, kinuha ni Kandinsky ang pagkamamamayan ng Pransya, sa Paris ay malayang lumahok siya sa proseso ng artistikong. Ang kanyang mga pintura ay "tunog" tulad ng mga fugue, kaya naman marami ang tinatawag na "mga komposisyon" (ang una ay isinulat noong 1910, ang huli ay noong 1939). Ang "Composition No. 5" ay isa sa mga pangunahing gawa sa genre na ito: "Ang salitang "composition" ay parang isang panalangin sa akin," sabi ng artist. Hindi tulad ng maraming tagasunod, nagplano siya kung ano ang kanyang ilarawan sa isang malaking canvas, na parang nagsusulat ng mga tala.

21

"Pag-aaral ng Babae na Asul"

may-akda

Fernand Léger

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1881–1955
Estilo cubism-post-impressionism

Nakatanggap si Leger ng edukasyon sa arkitektura, at pagkatapos ay isang estudyante sa School of Fine Arts sa Paris. Itinuring ng artist ang kanyang sarili na isang tagasunod ni Cezanne, ay isang apologist para sa cubism, at noong ika-20 siglo ay nagkaroon din siya ng tagumpay bilang isang iskultor.

96.5x129.5 cm
1912–1913
presyo
$39.2 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

Si David Normann, presidente ng Sotheby's International Impressionism and Modernism Department, ay naniniwala na ang malaking halagang ibinayad para sa The Lady in Blue ay ganap na makatwiran. Ang pagpipinta ay kabilang sa sikat na koleksyon ng Leger (ang pintor ay nagpinta ng tatlong mga kuwadro na gawa sa isang paksa, ang huli sa mga ito ay nasa pribadong mga kamay ngayon. - Ed.), At ang ibabaw ng canvas ay napanatili sa orihinal nitong anyo. Ang may-akda mismo ang nagbigay ng gawaing ito sa Der Sturm gallery, pagkatapos ay napunta ito sa koleksyon ni Hermann Lang, isang Aleman na kolektor ng modernismo, at ngayon ay kabilang sa isang hindi kilalang mamimili.

22

"eksena sa kalye. Berlin"

may-akda

Ernst LudwigKirchner

Ang bansa Alemanya
Mga taon ng buhay 1880–1938
Estilo ekspresyonismo

Para sa ekspresyonismo ng Aleman, si Kirchner ay naging isang landmark na tao. Gayunpaman, inakusahan siya ng mga lokal na awtoridad ng pagsunod sa "degenerate art", na lubhang naapektuhan ang kapalaran ng kanyang mga pagpipinta at ang buhay ng artista, na nagpakamatay noong 1938.

95x121 cm
1913
presyo
$38.096 milyon
naibenta noong 2006
sa auction kay Christie

Pagkatapos lumipat sa Berlin, gumawa si Kirchner ng 11 sketch mga eksena sa kalye. Naging inspirasyon niya ang pagmamadali at kaba ng malaking lungsod. Sa pagpipinta, na ibinebenta sa New York noong 2006, ang pagkabalisa ng artist ay lalo na talamak: ang mga tao sa isang kalye ng Berlin ay kahawig ng mga ibon - maganda at mapanganib. Siya ang huling gawa mula sa sikat na serye, na ibinebenta sa auction, ang iba ay itinago sa mga museo. Noong 1937, brutal na tinatrato ng mga Nazi si Kirchner: 639 sa kanyang mga gawa ay kinuha mula sa mga gallery ng Aleman, winasak o ibinenta sa ibang bansa. Hindi nakaligtas dito ang artista.

23

"Nagpapahingamananayaw"

may-akda

Edgar Degas

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1834–1917
Estilo impresyonismo

Ang kasaysayan ni Degas bilang isang pintor ay nagsimula sa katotohanan na siya ay nagtrabaho bilang isang tagakopya sa Louvre. Pinangarap niyang maging "sikat at hindi kilala", at sa huli ay nagtagumpay siya. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, bingi at bulag, ang 80-taong-gulang na si Degas ay patuloy na dumalo sa mga eksibisyon at auction.

64x59 cm
1879
presyo
$37.043 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

"Ang mga ballerina ay palaging para sa akin ay isang dahilan lamang upang ilarawan ang mga tela at makuha ang paggalaw," sabi ni Degas. Tila nasisilip ang mga eksena sa buhay ng mga mananayaw: ang mga dalaga ay hindi nagpapanggap sa artista, bagkus ay naging bahagi lamang ng kapaligirang nahuli ng titig ni Degas. Ang Resting Dancer ay naibenta sa halagang $28 milyon noong 1999, at wala pang 10 taon mamaya ito ay binili sa halagang $37 milyon - ngayon ito ang pinakamahal na gawa ng artist na inilagay para sa auction. Si Degas ay nagbigay ng maraming pansin sa mga frame, siya mismo ang nagdisenyo ng mga ito at ipinagbawal na baguhin ang mga ito. I wonder kung anong frame ang naka-install sa binebentang painting?

24

"Pagpipinta"

may-akda

Juan Miro

Ang bansa Espanya
Mga taon ng buhay 1893–1983
Estilo abstract na sining

Noong Digmaang Sibil ng Espanya, ang artista ay nasa panig ng mga Republikano. Noong 1937, tumakas siya mula sa pasistang kapangyarihan patungong Paris, kung saan namuhay siya sa kahirapan kasama ang kanyang pamilya. Sa panahong ito, ipininta ni Miro ang pagpipinta na "Tulong sa Espanya!", Na iginuhit ang atensyon ng buong mundo sa dominasyon ng pasismo.

89x115 cm
1927
presyo
$36.824 milyon
naibenta noong 2012
sa auction Sotheby's

Ang pangalawang pangalan ng pagpipinta ay "Blue Star". Isinulat ito ng artista sa parehong taon nang ipahayag niya: "Gusto kong patayin ang pagpipinta" at walang awang kinukutya ang mga canvases, kinakamot ang pintura gamit ang mga kuko, idinikit ang mga balahibo sa canvas, tinatakpan ang trabaho ng basura. Ang kanyang layunin ay i-debunk ang mga alamat tungkol sa misteryo ng pagpipinta, ngunit, nang makayanan ito, lumikha si Miro ng kanyang sariling mito - isang surreal abstraction. Ang kanyang "Pagpipinta" ay tumutukoy sa ikot ng "mga larawan-pangarap". Apat na mamimili ang nakipaglaban para dito sa auction, ngunit isang incognito na tawag sa telepono ang naayos ang hindi pagkakaunawaan, at ang "Pagpinta" ang naging pinakamahal na pagpipinta ng artist.

25

"Blue Rose"

may-akda

Yves Klein

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1928–1962
Estilo pagpipinta ng monochrome

Ang artista ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga pintor, ngunit nag-aral ng mga wikang oriental, nabigasyon, ang craft ng isang gilder ng mga frame, Zen Buddhism at marami pa. Ang kanyang personalidad at walang pakundangan na mga kalokohan ay maraming beses na mas kawili-wili kaysa sa mga monochrome painting.

153x199x16 cm
1960
presyo
$36.779 milyon
naibenta noong 2012
sa auction ni Christie

Ang unang eksibisyon ng solid na dilaw, orange, pink na mga gawa ay hindi pumukaw ng interes ng publiko. Nasaktan si Klein at sa susunod na ipinakita niya ang 11 magkatulad na canvases, pininturahan ng ultramarine na hinaluan ng isang espesyal na synthetic resin. Pina-patent pa niya ang pamamaraang ito. Bumaba ang kulay sa kasaysayan bilang "internasyonal kulay asul Klein". Nagbenta rin ang artista ng kawalan, lumikha ng mga pintura sa pamamagitan ng paglalantad ng papel sa ulan, pagsunog sa karton, paggawa ng mga kopya ng katawan ng tao sa canvas. Sa isang salita, nag-eksperimento ako sa abot ng aking makakaya. Upang lumikha ng "Blue Rose" gumamit ako ng mga dry pigment, resin, pebbles at natural na espongha.

26

"Hinahanap si Moses"

may-akda

Sir Lawrence Alma-Tadema

Ang bansa Britanya
Mga taon ng buhay 1836–1912
Estilo neoclassicism

Si Sir Lawrence mismo ang nagdagdag ng prefix na "alma" sa kanyang apelyido para unang lumabas sa mga art catalog. Sa Victorian England, ang kanyang mga pagpipinta ay napaka-in demand na ang artist ay iginawad sa isang kabalyero.

213.4x136.7 cm
1902
presyo
$35.922 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Sotheby's

Ang pangunahing tema ng akda ni Alma-Tadema ay sinaunang panahon. Sa mga pagpipinta, sinubukan niyang ilarawan ang panahon ng Imperyo ng Roma sa pinakamaliit na detalye, para dito ay nakikibahagi pa siya sa mga arkeolohiko na paghuhukay sa Apennine Peninsula, at sa kanyang bahay sa London ay muling ginawa niya ang makasaysayang interior ng mga taong iyon. Ang mga kwentong mitolohiya ay naging isa pang mapagkukunan ng inspirasyon para sa kanya. Ang artista ay may malaking pangangailangan sa kanyang buhay, ngunit pagkatapos ng kanyang kamatayan ay mabilis siyang nakalimutan. Ngayon ang interes ay muling nabubuhay, bilang ebidensya ng halaga ng pagpipinta na "In Search of Moses", pitong beses na mas mataas kaysa sa pagtatantya ng pre-sale.

27

"Larawan ng isang natutulog na hubad na opisyal"

may-akda

Lucian Freud

Ang bansa Germany,
Britanya
Mga taon ng buhay 1922–2011
Estilo matalinghagang pagpipinta

Ang artista ay apo ni Sigmund Freud, ang ama ng psychoanalysis. Matapos ang pagtatatag ng pasismo sa Alemanya, ang kanyang pamilya ay lumipat sa UK. Ang mga gawa ni Freud ay nasa Wallace Collection sa London, kung saan wala pang kontemporaryong artista ang dating nagpakita.

219.1x151.4 cm
1995
presyo
$33.6 milyon
naibenta sa 2008
sa auction kay Christie

Habang ang mga naka-istilong artista ng ika-20 siglo ay lumikha ng mga positibong "mga spot ng kulay sa dingding" at ibinenta ang mga ito sa milyun-milyon, si Freud ay nagpinta ng mga sobrang naturalistikong pagpipinta at ibinenta ang mga ito nang higit pa. "Nakukuha ko ang mga iyak ng kaluluwa at ang pagdurusa ng nalalanta na laman," sabi niya. Naniniwala ang mga kritiko na ang lahat ng ito ay "pamana" ni Sigmund Freud. Ang mga kuwadro na gawa ay aktibong ipinakita at matagumpay na naibenta na ang mga eksperto ay may pagdududa: mayroon ba silang mga katangian ng pampatulog? Nabenta sa auction na "Portrait of a sleeping hubad na opisyal", ayon sa Sun, ay nakuha ng connoisseur ng kagandahan at bilyunaryo na si Roman Abramovich.

28

"Biyolin at Gitara"

may-akda

Xisang gris

Ang bansa Espanya
Mga taon ng buhay 1887–1927
Estilo kubismo

Ipinanganak sa Madrid, kung saan nagtapos siya sa School of Arts and Crafts. Noong 1906 lumipat siya sa Paris at pumasok sa bilog ng mga pinaka-maimpluwensyang artista ng panahon: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, nagtrabaho din kasama si Sergei Diaghilev at ang kanyang tropa.

5x100 cm
1913
presyo
$28.642 milyon
naibenta sa 2010
sa auction kay Christie

Si Gris, sa kanyang sariling mga salita, ay nakikibahagi sa "planar, kulay na arkitektura." Ang kanyang mga pagpipinta ay tiyak na naisip: hindi siya nag-iwan ng isang aksidenteng stroke, na ginagawang may kaugnayan ang pagkamalikhain sa geometry. Ang artist ay lumikha ng kanyang sariling bersyon ng cubism, bagaman siya ay may malaking paggalang kay Pablo Picasso, ang founding father ng kilusan. Inialay pa nga ng kahalili ang kanyang unang gawaing Cubist, Tribute to Picasso, sa kanya. Ang pagpipinta na "Violin and Guitar" ay kinikilala bilang namumukod-tanging sa gawa ng artist. Sa panahon ng kanyang buhay, kilala si Gris, na pinapaboran ng mga kritiko at kritiko ng sining. Ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa pinakamalaking museo sa mundo at pinananatili sa mga pribadong koleksyon.

29

"LarawanMga Patlang ng Eluard»

may-akda

Salvador Dali

Ang bansa Espanya
Mga taon ng buhay 1904–1989
Estilo surrealismo

"Surrealism is me," sabi ni Dali nang siya ay pinatalsik mula sa grupong Surrealist. Sa paglipas ng panahon, siya ang naging pinakatanyag na surrealist na artista. Ang trabaho ni Dali ay nasa lahat ng dako, hindi lamang sa mga gallery. Halimbawa, siya ang nakaisip ng packaging para sa Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
presyo
$20.6 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Sotheby's

Noong 1929, ang makata na si Paul Eluard at ang kanyang asawang Ruso na si Gala ay dumating upang bisitahin ang dakilang provocateur at brawler na si Dali. Ang pagpupulong ay ang simula ng isang kuwento ng pag-ibig na tumagal ng higit sa kalahating siglo. Ang pagpipinta na "Portrait of Paul Eluard" ay ipininta lamang sa makasaysayang pagbisitang ito. "Nadama ko na ipinagkatiwala sa akin ang tungkulin na makuha ang mukha ng makata, kung saan ninakaw ko ang Olympus ng isa sa mga muse," sabi ng artist. Bago nakilala si Gala, siya ay isang dalaga at naiinis sa isiping makipagtalik sa isang babae. Love triangle umiral hanggang sa pagkamatay ni Eluard, pagkatapos nito ay naging Dali-Gala duet siya.

30

"Anniversary"

may-akda

Marc Chagall

Ang bansa Russia, France
Mga taon ng buhay 1887–1985
Estilo avant-garde

Si Moishe Segal ay ipinanganak sa Vitebsk, ngunit noong 1910 ay lumipat siya sa Paris, binago ang kanyang pangalan, at naging malapit sa mga nangungunang artista ng avant-garde noong panahon. Noong 1930s, nang agawin ng mga Nazi ang kapangyarihan, umalis siya patungong Estados Unidos sa tulong ng isang American consul. Bumalik lamang siya sa France noong 1948.

80x103 cm
1923
presyo
$14.85 milyon
naibenta noong 1990
sa Sotheby's auction

Ang pagpipinta na "Jubilee" ay kinikilala bilang isa sa mga pinakamahusay na gawa ng artist. Mayroon itong lahat ng mga tampok ng kanyang trabaho: ang mga pisikal na batas ng mundo ay nabura, ang pakiramdam ng isang fairy tale ay napanatili sa tanawin ng peti-burges na buhay, at ang pag-ibig ay nasa gitna ng balangkas. Hindi nakuha ni Chagall ang mga tao mula sa kalikasan, ngunit mula lamang sa memorya o pagpapantasya. Ang pagpipinta na "Jubilee" ay naglalarawan sa artist mismo kasama ang kanyang asawang si Bela. Ang pagpipinta ay naibenta noong 1990 at hindi na na-bid mula noon. Kapansin-pansin, ang New York Museum of Modern Art MoMA ay nananatiling eksaktong pareho, sa ilalim lamang ng pangalang "Birthday". Sa pamamagitan ng paraan, ito ay isinulat nang mas maaga - noong 1915.

inihanda ang draft
Tatyana Palasova
naipon ang rating
ayon sa listahan www.art-spb.ru
tmn magazine №13 (Mayo-Hunyo 2013)

Ang rating ng pinakamahal na mga gawa ng mga buhay na artista ay isang konstruksiyon na nagsasalita tungkol sa papel at lugar ng artist sa kasaysayan ng sining na mas mababa kaysa sa edad at kalusugan.

Ang mga patakaran para sa pag-compile ng aming rating ay simple: una, ang mga transaksyon lamang sa mga gawa ng mga buhay na may-akda ang isinasaalang-alang; pangalawa, ang mga benta sa pampublikong auction lamang ang isinasaalang-alang; at pangatlo, ang panuntunang "isang artista - isang gawa" ay sinusunod (kung ang dalawang rekord ay nabibilang kay Jones sa rating ng mga gawa, kung gayon ang pinakamahal na isa lamang ang nananatili, at ang iba ay hindi isinasaalang-alang). Ang pagraranggo ay isinasagawa sa mga tuntunin ng mga dolyar (sa halaga ng palitan sa petsa ng pagbebenta).

1. JEFF KOONS Kuneho. 1986. $91.075 milyon

Kapag mas matagal mong pinapanood ang auction career ni Jeff Koons (1955), mas nagiging kumbinsido ka na walang imposible para sa pop art. Maaari mong humanga ang mga eskultura ng Koons sa anyo ng mga laruan ng lobo, o maaari mong isaalang-alang ang mga ito na kitsch at masamang lasa - ang iyong karapatan. Isang bagay ang hindi maitatanggi: Ang mga pag-install ng Jeff Koons ay nagkakahalaga ng napakabaliw na pera.

Sinimulan ni Jeff Koons ang kanyang paglalakbay sa katanyagan bilang pinakamatagumpay na buhay na artista sa mundo noong 2007, nang ang kanyang higanteng metal installation na Hanging Heart ay binili sa halagang $23.6 milyon sa Sotheby's. Ang obra ay binili ng Larry Gagosian Gallery na kumakatawan kay Koons (isinulat sa press na ito ay para sa interes ng Ukrainian billionaire na si Viktor Pinchuk).Nakuha ng gallery hindi lamang isang installation, ngunit, sa katunayan, isang gawa ng alahas art. Kahit na ang gawa ay hindi gawa sa ginto (stainless steel ang nagsilbing materyal) at ito ay malinaw na mas malaki sa sukat kaysa sa isang ordinaryong palawit (isang iskultura na may taas na 2.7 m ay tumitimbang ng 1,600 kg), ngunit ito ay may katulad na layunin. Mahigit anim at kalahating libong oras ang ginugol sa paggawa ng isang komposisyon na may pusong natatakpan ng sampung patong ng pintura. Bilang resulta, nagbayad ng napakalaking pera para sa kamangha-manghang "dekorasyon".

Sumunod ay ang pagbebenta ng Purple Balloon Flower sa halagang £12.92 milyon ($25.8 milyon) sa Christie's London noong Hunyo 30, 2008. Kapansin-pansin, pitong taon na ang nakalilipas, binili ng mga naunang may-ari ng "Bulaklak" ang trabaho sa halagang $1.1 milyon. Madaling kalkulahin na sa panahong ito ang presyo nito sa merkado ay tumaas ng halos 25 beses.

Ang pagbagsak sa merkado ng sining noong 2008-2009 ay nagbigay sa mga may pag-aalinlangan ng dahilan upang siraan na ang fashion para sa Koons ay lumipas na. Ngunit nagkamali sila: kasama ang merkado ng sining, muling nabuhay ang interes sa mga gawa ng Koons. Ang kahalili ni Andy Warhol sa trono ng King of Pop ay nagtakda ng kanyang personal na pinakamahusay noong Nobyembre 2012 sa pagbebenta ng isang multicolored Tulips sculpture mula sa serye ng Triumph sa Christie's sa halagang $33.7 milyon kasama ang komisyon.

Ngunit ang "Tulips" ay "bulaklak" sa literal at matalinghagang kahulugan. Pagkalipas lamang ng isang taon, noong Nobyembre 2013, sumunod ang pagbebenta ng stainless steel balloon dog (orange) na iskultura: ang presyo ng martilyo ay kasing dami ng $58.4 milyon! Isang napakagandang halaga para sa isang buhay na artista. Ang gawa ng isang kontemporaryong may-akda ay naibenta para sa presyo ng isang Van Gogh o Picasso painting. Yan ang mga berry...

Sa resultang ito, naghari si Koons sa tuktok ng mga ranggo ng mga buhay na artista sa loob ng ilang taon. Noong Nobyembre 2018, saglit siyang nalampasan ni David Hockney (tingnan ang pangalawang lugar sa aming ranggo). Ngunit pagkalipas lamang ng anim na buwan, bumalik sa normal ang lahat: noong Mayo 15, 2019, sa New York, sa auction ng post-war at kontemporaryong sining, nagbenta si Christie ng isang textbook na iskultura para sa Koons noong 1986 - isang pilak na "Kuneho" gawa sa hindi kinakalawang na asero, na ginagaya ang isang lobo na may katulad na hugis.

Sa kabuuan, gumawa si Koons ng 3 tulad na mga eskultura kasama ang isang kopya ng may-akda. Isang kopya ng "Rabbit" number 2, mula sa koleksyon ng cult publisher na si Cy Newhouse, co-owner ng Conde Nast publishing house (mga magazine na Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, atbp.), Bumangon para sa auction. Ang pilak na "Kuneho" ay binili ng "ama ng kaakit-akit" na si Cy Newhouse noong 1992 para sa isang kahanga-hangang halaga ayon sa mga pamantayan ng mga taong iyon - $ 1 milyon. Matapos ang 27 taon sa pakikibaka ng 10 bidder, ang presyo ng martilyo ng iskultura ay 80 beses na mas mataas kaysa sa nakaraang presyo ng pagbebenta. At sa komisyon ng Buyer's Premium, ang huling resulta ay isang record na $91.075 milyon para sa lahat ng buhay na artista.

2. DAVID HOKNEY Larawan ng artista. Pool na may dalawang figure. 1972. $90,312,500

Si David Hockney (1937) ay isa sa pinakamahalagang British artist noong ika-20 siglo. Noong 2011, si David Hockney ay binoto bilang pinaka-maimpluwensyang British artist sa lahat ng panahon sa isang survey ng libu-libong propesyonal na mga pintor at eskultor ng British. Kasabay nito, nalampasan ni Hockney ang mga master tulad nina William Turner at Francis Bacon. Ang kanyang trabaho, bilang panuntunan, ay iniuugnay sa pop art, bagaman sa kanyang mga unang gawa ay higit siyang nahilig sa ekspresyonismo sa diwa ni Francis Bacon.

Ipinanganak at pinalaki si David Hockney sa England, Yorkshire. Ang ina ng hinaharap na artista ay pinanatili ang pamilya sa puritanical austerity, at ang kanyang ama, isang simpleng accountant na gumuhit ng kaunti sa isang amateur na antas, ay hinikayat ang kanyang anak na magpinta. Sa kanyang unang bahagi ng twenties, lumipat si David sa California, kung saan siya nanirahan sa kabuuan ng halos tatlong dekada. May dalawa pa siyang workshop doon. Ginawa ni Hockney ang mga bayani ng kanyang mga gawa bilang mga lokal na mayaman, ang kanilang mga villa, swimming pool, mga damuhan na naliligo sa araw ng California. Ang isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa noong panahon ng mga Amerikano - ang pagpipinta na "Splash" - ay isang imahe ng isang bigkis ng spray na tumataas mula sa pool pagkatapos tumalon ang isang tao sa tubig. Upang ilarawan ang bigkis na ito, "nabubuhay" nang hindi hihigit sa dalawang segundo, nagtrabaho si Hockney sa loob ng dalawang linggo. Sa pamamagitan ng paraan, ang pagpipinta na ito ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $5.4 milyon noong 2006 at sa loob ng ilang panahon ay itinuturing na kanyang pinakamahal na trabaho.

Si Hockney (1937) ay nasa kanyang otsenta na, ngunit siya ay nagtatrabaho pa rin at kahit na nag-imbento ng mga bagong artistikong pamamaraan gamit ang mga teknikal na inobasyon. Sa sandaling nakaisip siya ng ideya na gumawa ng malalaking collage mula sa mga larawan ng Polaroid, nag-print ng kanyang mga gawa sa mga fax machine, at ngayon ang artist ay masigasig na pinagkadalubhasaan ang pagguhit sa iPad. Ang mga kuwadro na iginuhit sa tablet ay tumatagal ng kanilang nararapat na lugar sa kanyang mga eksibisyon.

Noong 2005, sa wakas ay bumalik si Hockney mula sa States sa England. Ngayon ay nagpinta siya sa open air at sa studio ng malalaking (kadalasang binubuo ng ilang bahagi) ng mga landscape ng mga lokal na kagubatan at wastelands. Ayon kay Hockney, sa kanyang 30 taon sa California, siya ay naging hindi sanay sa simpleng pagbabago ng mga panahon na ito ay tunay na nabighani at nabighani sa kanya. Ang buong cycle ng kanyang kamakailang mga gawa ay nakatuon, halimbawa, sa parehong tanawin sa iba't ibang oras ng taon.

Noong 2018, ilang beses na sinira ng mga painting ni Hockney ang $10 milyon. At noong Nobyembre 15, 2018, isang bagong ganap na rekord para sa gawain ng isang buhay na artista ang nakarehistro sa Christie's - $ 90,312,500 para sa pagpipinta na "Portrait of the Artist (Pool with Two Figures)".

3. GERHARD RICHTER Abstract na pagpipinta. 1986. $46.3 milyon

Klasikong pamumuhay Gerhard Richter (1932) pumapangalawa sa aming ranking. Ang German artist ay ang pinuno sa mga buhay na kasamahan hanggang sa 58 millionth record ng Jeff Koons struck. Ngunit hindi malamang na ang sitwasyong ito ay maaaring yumanig sa bakal na awtoridad ni Richter sa merkado ng sining. Ayon sa mga resulta ng 2012, ang taunang turnover ng auction ng German artist ay pangalawa lamang sa mga kina Andy Warhol at Pablo Picasso.

Sa loob ng maraming taon, walang naglalarawan sa tagumpay na bumagsak sa Richter ngayon. Sa loob ng mga dekada, sinakop ng artista ang isang katamtamang lugar sa kontemporaryong merkado ng sining at hindi naghangad ng katanyagan. Masasabi nating naunahan siya ng katanyagan. Ang panimulang punto ay itinuturing ng marami bilang pagbili ng MoMA Museum ng New York noong 1995 ng serye ng Richter noong Oktubre 18, 1977. Ang American Museum ay nagbayad ng $3 milyon para sa 15 grayscale na pagpipinta at sa lalong madaling panahon ay nagsimulang mag-isip tungkol sa paghawak ng isang ganap na retrospective ng German artist. Ang engrandeng eksibisyon ay nagbukas pagkalipas ng anim na taon, noong 2001, at mula noon ang interes sa gawa ni Richter ay lumago nang mabilis. Mula 2004 hanggang 2008, triple ang presyo ng kanyang mga painting. Noong 2010, ang mga gawa ni Richter ay nagdala na ng $76.9 milyon, noong 2011, ayon sa website ng Artnet, ang mga gawa ni Richter sa auction ay nakakuha ng kabuuang $200 milyon, at noong 2012 (ayon sa Artprice) - $262.7 milyon - higit pa sa gawa ng alinmang ibang buhay na artista.

Bagama't, halimbawa, kay Jasper Johns, ang napakalaking tagumpay sa auction ay kaakibat lamang ng mga maagang gawa, ang ganitong matalim na dibisyon ay hindi pangkaraniwan para sa mga gawa ni Richter: pare-parehong stable ang demand para sa mga bagay mula sa iba't ibang panahon ng paglikha, kung saan napakarami sa Richter's. karera. Sa nakalipas na animnapung taon, sinubukan ng artist na ito ang kanyang sarili sa halos lahat ng tradisyonal na mga genre ng pagpipinta - portrait, landscape, marina, hubad, still life at, siyempre, abstraction.

Ang kasaysayan ng mga talaan ng auction ni Richter ay nagsimula sa isang serye ng mga still lifes na "Mga Kandila". Ang 27 photorealistic na larawan ng mga kandila noong unang bahagi ng 1980s, noong isinulat ang mga ito, ay nagkakahalaga lamang ng 15,000 German mark ($5,800) bawat trabaho. Ngunit wala pa ring bumili ng Kandila sa kanilang unang eksibisyon sa Max Hetzler Gallery sa Stuttgart. Pagkatapos ang tema ng mga kuwadro na gawa ay tinatawag na makaluma; Ngayon, ang "Mga Kandila" ay itinuturing na mga gawa sa lahat ng panahon. At nagkakahalaga sila ng milyun-milyong dolyar.

Noong Pebrero 2008 "Kandila", isinulat noong 1983, ay hindi inaasahang binili sa halagang £ 7.97 milyon ($16 milyon). Ang personal na rekord na ito ay tumayo ng tatlo at kalahating taon. Pagkatapos noong Oktubre 2011 isa pa "Kandila" (1982) napunta sa ilalim ng martilyo sa Christie's na para sa £ 10.46 milyon ($16.48 milyon). Sa rekord na ito, pumasok si Gerhard Richter sa nangungunang tatlong pinakamatagumpay na buhay na artista sa unang pagkakataon, na pumalit sa kanya sa likod nina Jasper Johns at Jeff Koons.

Pagkatapos ay nagsimula ang matagumpay na prusisyon ng "Abstract Paintings" ni Richter. Ang artist ay nagpinta ng gayong mga gawa sa isang natatanging pamamaraan ng may-akda: inilalapat niya ang isang halo ng mga simpleng pintura sa isang maliwanag na background, at pagkatapos ay pinahiran ang mga ito sa canvas na may mahabang scraper na kasing laki ng bumper ng kotse. Nagreresulta ito sa masalimuot na mga transition ng kulay, mga spot at guhitan. Ang pagsusuri sa ibabaw ng kanyang "Abstract Paintings" ay tulad ng mga paghuhukay: sa mga ito bakas ng iba't ibang "figure" na tumingin sa mga puwang ng maraming makulay na mga layer.

Nobyembre 9, 2011 sa auction ng moderno at post-war art na malakihan ni Sotheby "Abstract na pagpipinta (849-3)" 1997 napunta sa ilalim ng martilyo para sa $20.8m (£13.2m). At makalipas ang anim na buwan, Mayo 8, 2012 sa auction ng post-war at kontemporaryong sining ni Christie sa New York "Abstract na pagpipinta (798-3)" Nagpunta ang 1993 para sa isang rekord $21.8 milyon(kabilang ang komisyon). Pagkalipas ng limang buwan - muli isang talaan: "Abstract na pagpipinta (809-4)" mula sa koleksyon ng rock musician na si Eric Clapton noong Oktubre 12, 2012 sa Sotheby's sa London ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa £ 21.3 milyon ($34.2 milyon). Ang hadlang ng 30 milyon ay kinuha ni Richter nang napakadali, na parang hindi tungkol sa modernong pagpipinta, ngunit tungkol sa mga obra maestra na isang daang taong gulang na - hindi kukulangin. Bagaman sa kaso ni Richter, tila ang pagsasama sa pantheon ng "dakila" ay naganap na sa panahon ng buhay ng artista. Ang mga presyo ng Aleman ay patuloy na tumataas.

Ang susunod na rekord ni Richter ay kabilang sa isang photorealistic na gawa - isang landscape "Cathedral Square, Milan (Domplatz, Mailand)" 1968. Ang trabaho ay naibenta para sa 37.1 milyon sa Sotheby's auction Mayo 14, 2013. Ang tanawin ng pinakamagandang parisukat ay ipininta ng isang German artist noong 1968 sa pamamagitan ng order ng Siemens Electro, lalo na para sa opisina ng kumpanya sa Milan. Sa panahon ng pagsulat nito, ito ang pinakamalaking makasagisag na gawa ni Richter (halos tatlo hanggang tatlong metro ang laki).

Ang rekord ng Cathedral Square ay tumayo ng halos dalawang taon, hanggang Pebrero 10, 2015 hindi siya nagambala "Abstract na pagpipinta" ( 1986): ang presyo ng martilyo ay umabot sa £ 30.389 milyon ($46.3 milyon). Ang 300.5 × 250.5 cm Abstract Painting, na inilagay para sa auction sa Sotheby's, ay isa sa mga unang malakihang gawa ni Richter sa pamamaraan ng kanyang espesyal na may-akda sa pag-scrap ng mga layer ng pintura. SA huling beses noong 1999, ang "Abstract Painting" na ito ay binili sa auction sa halagang $607 thousand (mula sa taong ito hanggang sa kasalukuyang pagbebenta, ang gawa ay ipinakita sa Ludwig Museum sa Cologne). Sa auction noong Pebrero 10, 2015, ang isang partikular na kliyenteng Amerikano sa mga hakbang sa auction na £2 milyon ay umabot sa presyo ng martilyo na $46.3 milyon. Ibig sabihin, mula noong 1999, tumaas ang presyo ng trabaho nang higit sa 76 na beses!

4. Tsui Zhuzhuo "Mga magagandang bundok na nababalutan ng niyebe." 2013. $39.577 milyon

Sa loob ng mahabang panahon ay hindi namin maingat na sinusunod ang pag-unlad ng sitwasyon sa merkado ng sining ng Tsino, na hindi gustong mag-overload ang aming mga mambabasa ng labis na dami ng impormasyon tungkol sa "hindi aming" sining. Maliban sa dissident na si Ai Weiwei, na hindi naman kasing mahal ng isang matunog na artist, sa tingin namin ay napakarami at malayo sa amin ang mga Chinese authors para alamin kung ano ang nangyayari sa kanilang market doon. Ngunit ang mga istatistika, tulad ng sinasabi nila, ay isang seryosong ginang, at kung pinag-uusapan natin ang pinakamatagumpay na buhay na mga may-akda sa mundo, kung gayon hindi natin magagawa nang walang kuwento tungkol sa mga natitirang kinatawan ng kontemporaryong sining ng Celestial Empire.

Magsimula tayo sa isang Chinese artist Cui Ruzhuo. Ang artista ay ipinanganak noong 1944 sa Beijing at nanirahan sa USA mula 1981 hanggang 1996. Pagkatapos bumalik sa China, nagsimula siyang magturo sa National Academy of Arts. Muling binibigyang-kahulugan ni Cui Ruzhuo ang tradisyonal na istilo ng pagpipinta ng tinta ng Tsino at nilikha ang malalaking scroll canvases na gustong ibigay ng mga negosyante at opisyal ng Chinese bilang mga regalo sa isa't isa. Sa Kanluran, kakaunti ang nalalaman tungkol sa kanya, bagama't dapat maalala ng marami ang kuwento ng $3.7 milyon na scroll na napagkamalan na itinapon, napagkakamalang basura, ng mga tagapaglinis ng isang hotel sa Hong Kong. Kaya, ito ay ang scroll ni Cui Ruzhuo.

Si Cui Ruzhuo ay nasa kanyang 70s at ang merkado para sa kanyang trabaho ay umuunlad. Mahigit sa 60 gawa ng artist na ito ang tumawid sa $1 milyon na marka. Gayunpaman, ang kanyang mga gawa sa ngayon ay matagumpay lamang sa mga Chinese auction. Talagang kahanga-hanga ang mga rekord ni Cui Ruzhuo. Una ito "Landscape sa Niyebe" sa Poly Auction sa Hong Kong Abril 7, 2014 umabot sa presyong martilyo na HK$184 milyon ( US$23.7 milyon).

Eksaktong isang taon mamaya Abril 6, 2015 sa isang espesyal na Poly Auction sa Hong Kong na eksklusibong nakatuon sa gawain ng Cui Ruzhuo, isang serye "Ang Great Snowy Scenery ng Mountainous Jiangnan"(Ang Jiangnan ay isang makasaysayang rehiyon sa China, na sumasakop sa kanang pampang ng mas mababang bahagi ng Yangtze.) ng walong ink-on-paper na landscape ay umabot sa presyong martilyo na HK$236 milyon ( US$30.444 milyon).

Makalipas ang isang taon, naulit muli ang kasaysayan: sa solong auction ng Cui Ruzhuo, na ginanap ng Poly Auctions sa Hong Kong Abril 4, 2016 polyptych sa anim na bahagi "Mahusay na Snowcapped Mountains" Ang presyo ng martilyo noong 2013 (kabilang ang komisyon sa auction house) ay umabot sa HK$306 milyon (US$39.577 milyon). Sa ngayon, ito ay isang ganap na rekord sa mga Asian na nabubuhay na artista.

Ayon sa art dealer na si Johnson Chan, na nagtatrabaho sa Chinese contemporary art sa loob ng 30 taon, mayroong walang kondisyon na pagnanais na itaas ang mga presyo para sa mga gawa ng may-akda na ito, ngunit ang lahat ng ito ay nangyayari sa isang antas ng presyo kung saan ang mga nakaranasang kolektor ay malamang na hindi gusto. upang bumili ng isang bagay. "Nais ng mga Tsino na itaas ang mga rating ng kanilang mga artista sa pamamagitan ng pagpapalaki ng mga presyo para sa kanilang trabaho sa mga pangunahing internasyonal na auction tulad ng inorganisa ng Poly sa Hong Kong, ngunit walang duda na ang mga rating na ito ay ganap na gawa-gawa," komento ni Johnson Chang sa pinakabagong Cui Ruzhuo. rekord.

Ito, siyempre, ay opinyon lamang ng isang solong dealer, at mayroon kaming isang tunay na rekord na naitala sa lahat ng mga database. Kaya't isaalang-alang natin siya. Si Cui Ruzhuo mismo, sa paghusga sa kanyang mga pahayag, ay malayo sa kahinhinan ni Gerhard Richter pagdating sa kanyang tagumpay sa auction. Tila ang karerang ito para sa mga rekord ay seryosong nakakaakit sa kanya. “Umaasa ako na sa susunod na 5-10 taon ang mga presyo para sa aking mga gawa ay hihigit sa mga presyo para sa mga gawa ng mga Western masters tulad ng Picasso at Van Gogh. Ito ang pangarap ng mga Tsino,” sabi ni Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Bandila. 1983. $36 milyon

Ang ikatlong lugar sa ranggo ng mga buhay na artista ay kabilang sa isang Amerikano Kay Jasper Johns (1930). Ang kasalukuyang record na presyo para sa trabaho ni Jones ay $ 36 milyon. Napakaraming binayaran para sa kanyang sikat "Bandila" sa auction ni Christie Nobyembre 12, 2014.

Ang isang serye ng mga "flag" na mga pagpipinta, na sinimulan ni Jones noong kalagitnaan ng 1950s, kaagad pagkatapos ng pagbabalik ng artist mula sa hukbo, ay naging isa sa mga sentral sa kanyang trabaho. Kahit na sa kanyang kabataan, ang artista ay interesado sa ideya ng isang handa, ang pagbabago ng isang pang-araw-araw na bagay sa isang gawa ng sining. Gayunpaman, ang mga watawat ni Jones ay hindi totoo, sila ay pininturahan ng langis sa canvas. Kaya, ang isang gawa ng sining ay nakakuha ng mga katangian ng isang bagay mula sa ordinaryong buhay, ito ay sa parehong oras ang imahe ng bandila at ang bandila mismo. Isang serye ng mga gawa na may mga flag ang nagdala kay Jasper Johns sa buong mundo na katanyagan. Ngunit hindi gaanong sikat ang kanyang mga abstract na gawa. Sa loob ng maraming taon, ang listahan ng mga pinakamahal na gawa, na pinagsama ayon sa mga patakaran sa itaas, ay pinamumunuan ng isang abstract "Maling simula". Hanggang 2007, ang napakaliwanag at pandekorasyon na canvas na ito, na ipininta ni Jones noong 1959, ay itinuturing na may-ari ng isang halos hindi naa-access na presyo para sa isang buhay na artista (kahit na isang panghabambuhay na klasiko) - $ 17 milyon. Iyan ay kung magkano ang kanilang binayaran para dito sa ginto para sa merkado ng sining 1988.

Interestingly, hindi tuloy-tuloy ang experience ni Jasper Johns bilang record holder. Noong 1989, nagambala siya sa gawain ng kanyang kasamahan na si Willem de Kooning: ang dalawang-metro na abstraction na "Mixing" ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $ 20.7 milyon. Kailangang lumipat si Jasper Johns. Ngunit pagkatapos ng 8 taon, noong 1997, namatay si de Kooning , at " False start "Muling kinuha ni Jones ang unang linya ng auction rating ng mga buhay na artista sa loob ng halos 10 taon.

Ngunit noong 2007 nagbago ang lahat. Ang rekord ng False Start ay unang nalampasan ng gawa ng bata at ambisyosong Damien Hirst at Jeff Koons. Pagkatapos ay mayroong isang record sale para sa $ 33.6 milyon ng pagpipinta na "The Sleeping Benefit Inspector" ni Lusien Freud (ngayon ay namatay, at samakatuwid ay hindi nakikilahok sa rating na ito). Pagkatapos ay nagsimula ang mga talaan ni Gerhard Richter. Sa pangkalahatan, sa ngayon na may kasalukuyang rekord na 36 milyon, si Jasper Johns, isa sa mga masters ng American post-war art, na nagtatrabaho sa intersection ng neo-Dadaism, abstract expressionism at pop art, ay nasa ikatlong lugar.

6. ED RUSHAY Basagin. 1963. $30.4 milyon

Ang biglaang tagumpay ng pagpipinta na "Smash" ng isang Amerikanong artista Edward Ruscha (b. 1937) sa auction Christie's Nobyembre 12, 2014 dinala ang may-akda na ito sa bilang ng mga pinakamahal na buhay na artista. Ang nakaraang presyo ng rekord para sa gawain ni Ed Ruscha (kadalasan ang pangalang Ruscha ay binibigkas sa Russian bilang "Rusha", ngunit ang tamang pagbigkas ay Ruscha) ay "lamang" $ 6.98 milyon: iyan ang kanilang binayaran para sa kanyang canvas na "Burning Gas Station" noong 2007. Makalipas ang pitong taon sa kanya Basagin na may tinatayang $15–20 milyon, umabot ito sa presyo ng martilyo $30.4 milyon. Malinaw na ang merkado para sa mga gawa ng may-akda na ito ay umabot sa isang bagong antas - hindi para sa wala na pinalamutian ni Barack Obama ang White House ng kanyang mga gawa, at si Larry Gagosian mismo ay nagpapakita sa kanya sa kanyang mga gallery.

Si Ed Ruscha ay hindi kailanman naghangad na matapos ang digmaan sa New York na may pagkahumaling sa abstract expressionism. Sa halip, sa loob ng mahigit 40 taon, humingi siya ng inspirasyon sa California, kung saan lumipat siya mula sa Nebraska sa edad na 18. Ang artist ay nakatayo sa pinagmulan ng isang bagong trend sa sining, na tinatawag na pop art. Kasama sina Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud at iba pang mang-aawit kulturang masa Si Edward Ruscha noong 1962 ay nakibahagi sa eksibisyon na "A New Image of Ordinary Things" sa Museo ng Pasadena, na naging unang eksibisyon ng museo ng American pop art. Gayunpaman, si Ed Ruscha mismo ay hindi nagustuhan kapag ang kanyang trabaho ay iniuugnay sa pop art, conceptualism, o ilang iba pang uso sa sining.

Ang kanyang natatanging istilo ay tinatawag na "text painting". Mula sa huling bahagi ng 1950s, nagsimulang magpinta ng mga salita si Ed Ruscha. Tulad ng para kay Warhol ang isang lata ng sopas ay naging isang gawa ng sining, para kay Ed Ruscha, mga ordinaryong salita at parirala, na kinuha mula sa isang billboard o packaging sa isang supermarket, o mula sa mga kredito ng isang pelikula (Ang Hollywood ay palaging nasa tabi ni Ruscha, at hindi tulad ng marami sa kanyang mga kapwa artista, iginagalang ni Rushey ang "pabrika ng pangarap"). Ang mga salita sa kanyang mga canvases ay nakakuha ng mga katangian ng tatlong-dimensional na mga bagay, ito ay mga tunay na buhay na gawa sa mga salita. Kapag tinitingnan ang kanyang mga canvases, ang unang bagay na nasa isip ay ang visual at tunog na pang-unawa ng iginuhit na salita, at pagkatapos lamang nito - ang kahulugan ng semantiko. Ang huli, bilang panuntunan, ay hindi maaaring malinaw na matukoy; ang mga salita at pariralang pinili ni Ruscha ay maaaring bigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan. Ang parehong maliwanag na dilaw na salitang "Smash" sa isang malalim na asul na background ay maaaring maisip bilang isang agresibong tawag upang basagin ang isang bagay o isang tao upang magkapira-piraso; bilang nag-iisang adjective na kinuha sa labas ng konteksto (bahagi ng ilang headline ng pahayagan, halimbawa), o bilang isang solong salita na nakuha sa isang urban stream ng mga visual na imahe. Nagagalak si Ed Ruscha sa kawalan ng katiyakan na ito. "Ako ay palaging may malalim na paggalang sa kakaiba, hindi maipaliwanag na mga bagay... Ang mga paliwanag, sa isang kahulugan, ay pumatay ng isang bagay," sabi niya sa isang panayam.

7. CHRISTOPHER WOOL Walang pamagat (RIOT). 1990. $29.93 milyon

Amerikanong artista Christopher Wool(1955) unang pumasok sa ranggo ng mga nabubuhay na artista noong 2013 - pagkatapos ng pagbebenta ng Apocalypse Now sa halagang $26.5 milyon. Ang rekord na ito ay agad na naglagay sa kanya sa isang par sa Jasper Johns at Gerhard Richter. Ang halaga ng makasaysayang transaksyon na ito - higit sa $ 20 milyon - ay nagulat sa marami, dahil bago ito ang mga presyo para sa mga gawa ng artist ay hindi lalampas sa $ 8 milyon. Gayunpaman, ang mabilis na paglaki ng merkado para sa mga gawa ni Christopher Wool ay maliwanag na sa oras na iyon : Kasama sa track record ng artist ang 48 na mga transaksyon sa auction na nagkakahalaga ng higit sa $ 1 milyon, at 22 sa mga ito (halos kalahati) ay naganap noong 2013. Pagkalipas ng dalawang taon, ang bilang ng mga gawa ni Chris Wool, na naibenta ng higit sa $ 1 milyon, ay umabot sa 70, at isang bagong personal na rekord ay hindi magtatagal. Sa auction Sotheby's May 12, 2015 work "Untitled (RIOT)" ay naibenta sa halagang $ 29.93 milyon kabilang ang Buyer's Premium.

Si Christopher Wool ay kilala sa kanyang malakihang itim na letra sa puting aluminum sheet. Sila ang, bilang panuntunan, ay nagtatakda ng mga tala sa mga auction. Ito ang lahat ng mga bagay mula sa huling bahagi ng 1980s at unang bahagi ng 1990s. Ayon sa alamat, isang gabi ay naglalakad si Wool sa New York noong gabi at biglang nakakita ng graffiti sa mga itim na letra sa isang bagong puting trak - ang mga salitang sex at luv. Ang tanawing ito ay humanga sa kanya nang labis na siya ay agad na bumalik sa studio at nagsulat ng kanyang sariling bersyon na may parehong mga salita. Ang taon ay 1987, at ang karagdagang paghahanap ng artist para sa mga salita at parirala para sa kanyang "literal" na mga gawa ay sumasalamin sa magkasalungat na diwa ng panahong ito. Ito ang tawag na "ibenta ang bahay, ibenta ang kotse, ibenta ang mga bata", na kinuha ni Wool mula sa pelikulang "Apocalypse Now", at ang salitang "FOOL" ("fool") sa malalaking titik, at ang salitang "RIOT" ("rebelyon"), na kadalasang makikita sa mga headline ng pahayagan noong panahong iyon.

Mga salita at pariralang Wool na inilapat sa mga aluminum sheet gamit ang mga stencil na may alkyd o enamel paints, na sadyang nag-iiwan ng mga streak, stencil mark at iba pang ebidensya ng proseso ng paglikha. Hinati ng pintor ang mga salita upang hindi agad maunawaan ng manonood ang kahulugan. Sa una, makikita mo lamang ang isang kumpol ng mga titik, iyon ay, nakikita mo ang salita bilang isang visual na bagay, at pagkatapos lamang ay binabasa at naiintindihan mo ang kahulugan ng parirala o salita. Gumamit ang Wool ng font na ginagamit ng militar ng US pagkatapos ng World War II, na nagpapataas ng impresyon ng isang order, isang direktiba, isang slogan. Ang mga gawang "liham" na ito ay itinuturing na bahagi ng urban landscape, bilang ilegal na graffiti na lumabag sa kalinisan ng ibabaw ng ilang bagay sa kalye. Ang seryeng ito ng mga gawa ni Christopher Wool ay kinikilala bilang isa sa mga tuktok ng linguistic abstraction, at samakatuwid ay lubos na pinahahalagahan ng mga mahilig sa kontemporaryong sining.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. $28.81 milyon

British Peter Doig(1959), kahit na kabilang siya sa henerasyon ng mga postmodernistang Koons at Hirst, pinili para sa kanyang sarili ang isang ganap na tradisyonal na genre ng landscape, na sa loob ng mahabang panahon ay hindi pabor sa mga advanced na artist. Sa kanyang trabaho, muling binuhay ni Peter Doig ang kumukupas na interes ng publiko sa matalinghagang pagpipinta. Ang kanyang trabaho ay lubos na pinahahalagahan ng parehong mga kritiko at hindi mga espesyalista, at ang katibayan nito ay ang mabilis na pagtaas ng mga presyo para sa kanyang mga gawa. Kung noong unang bahagi ng 1990s ang kanyang mga landscape ay nagkakahalaga ng ilang libong dolyar, ngayon ang bayarin ay umaabot sa milyun-milyon.

Ang gawain ni Doig ay madalas na tinutukoy bilang mahiwagang realismo. Batay sa mga totoong landscape, lumilikha siya ng pantasya, mahiwaga at madalas na madilim na mga imahe. Gustong ilarawan ng artist ang mga bagay na inabandona ng mga tao: isang sira-sirang gusali na itinayo ni Le Corbusier sa gitna ng kagubatan o isang walang laman na puting canoe sa ibabaw ng lawa ng kagubatan. Bilang karagdagan sa kalikasan at imahinasyon, si Doig ay inspirasyon ng mga nakakatakot na pelikula, mga lumang postkard, mga litrato, mga baguhan na video, at iba pa. Ang mga painting ni Doig ay makulay, masalimuot, pandekorasyon at hindi nakakapukaw. Ang sarap magkaroon ng ganyang painting. Ang mababang produktibidad ng may-akda ay nagpapasigla rin sa interes ng mga kolektor: ang artist na naninirahan sa Trinidad ay lumilikha ng hindi hihigit sa isang dosenang mga pagpipinta sa isang taon.

Noong unang bahagi ng 2000s, ang mga indibidwal na landscape ng artist ay naibenta sa halagang ilang daang libong dolyar. Kasabay nito, ang gawa ni Doig ay kasama sa Saatchi Gallery, sa Biennale sa Whitney Museum at sa koleksyon ng MoMA. Noong 2006, nalampasan ang auction bar na $1 milyon. At nang sumunod na taon, isang hindi inaasahang tagumpay ang naganap: ang gawaing "White Canoe", na inaalok sa Sotheby's noong Pebrero 7, 2007 na may pagtatantya na $0.8-1.2 milyon, ay limang beses na mas mataas. kaysa sa paunang pagtatantya at naibenta sa halagang £5.7 milyon ($11.3 milyon). Sa oras na iyon, ito ay isang record na presyo para sa trabaho ng isang buhay na European artist.

Noong 2008, nagdaos si Doig ng mga solong eksibisyon sa Tate Gallery at Museum of Modern Art sa Paris. Ang multi-milyong dolyar na mga tag ng presyo para sa trabaho ni Doig ay naging karaniwan. Ang personal na rekord ni Peter Doig ay na-update kamakailan ilang beses sa isang taon - mayroon lang kaming oras upang baguhin ang larawan at lugar ng artist na ito sa aming pagraranggo ng mga buhay na may-akda.

Ang pinakamahal na trabaho ni Peter Doig hanggang ngayon ay ang 1991 Rosedale snowscape. Kapansin-pansin, ang rekord ay itinakda hindi sa Sotheby's o Christie's, ngunit sa Phillips contemporary art auction. Nangyari ito noong Mayo 18, 2017. Isang view ng snow-covered Rosedale, isa sa mga kapitbahayan ng Toronto, ay ibinenta sa isang bumibili ng telepono sa halagang $28.81 milyon, tumaas ng humigit-kumulang $3 milyon mula sa nakaraang record ($25.9 milyon para sa "Swallowed in the Mire"). Ang pagpipinta na "Rosedale" ay nakibahagi sa pangunahing eksibisyon ni Doig sa Whitechapel Gallery sa London noong 1998, at sa pangkalahatan ang gawaing ito ay sariwa para sa merkado, at samakatuwid ang rekord na presyo ay karapat-dapat.

9. FRANK STELLA Cape pines. 1959. $28 milyon

Si Frank Stella ay isang maliwanag na kinatawan ng abstraction ng post-painting at minimalism sa sining. Sa isang tiyak na yugto, ito ay tinutukoy bilang isang hard edge na istilo ng pagpipinta. Sa una, pinag-iba ni Stella ang mahigpit na geometricity, asetiko na monochrome at pagkakaayos ng kanyang mga kuwadro na gawa sa spontaneity at randomness ng mga canvases ng abstract expressionists tulad ni Jackson Pollock.

Noong huling bahagi ng 1950s, ang artista ay nakita ng sikat na may-ari ng gallery na si Leo Castelli at ginawaran ng isang eksibisyon sa unang pagkakataon. Dito, ipinakita niya ang tinatawag na "Black Paintings" - mga canvases na pininturahan ng magkatulad na mga itim na linya na may manipis na mga puwang ng hindi pininturahan na canvas sa pagitan ng mga ito. Ang mga linya ay nakatiklop sa mga geometric na hugis, medyo nakapagpapaalaala sa optical illusions, iyong mismong mga larawang kumikislap, gumagalaw, umiikot, lumilikha ng isang pakiramdam ng malalim na espasyo, kung titingnan mo ang mga ito nang mahabang panahon. Ipinagpatuloy ni Stella ang tema ng parallel lines na may manipis na dividing strips sa kanyang mga gawa sa aluminyo at tanso. Ang mga kulay, ang pictorial na batayan at maging ang hugis ng mga kuwadro na gawa ay nagbago (bukod sa iba, ang mga gawa sa hugis ng mga titik U, T, L ay namumukod-tangi). Ngunit ang pangunahing prinsipyo ng kanyang pagpipinta ay binubuo pa rin sa kalinawan ng tabas, monumentalidad, simpleng anyo, monochrome. Sa mga sumunod na dekada, lumipat si Stella mula sa gayong geometric na pagpipinta tungo sa makinis, natural na mga anyo at linya, at mula sa mga monochromatic na pagpipinta hanggang sa maliwanag at iba't ibang mga paglipat ng kulay. Noong 1970s, nabighani si Stella ng malalaking pattern na ginagamit sa pagpinta ng mga barko. Ginamit sila ng artista para sa malalaking pagpipinta na may mga elemento ng pagtitipon - isinama niya ang mga piraso ng bakal na tubo o wire mesh sa kanyang mga gawa.

Sa kanyang mga unang panayam, si Frank Stella ay tapat na nagsasalita tungkol sa mga kahulugang inilagay sa kanyang trabaho, o sa halip, tungkol sa kanilang kawalan: "Kung ano ang nakikita mo ay kung ano ang nakikita mo." Ang pagpipinta ay isang bagay sa sarili nito, hindi isang pagpaparami ng anuman. "Ito ay isang patag na ibabaw na may pintura dito at wala nang iba pa," sabi ni Stella.

Well, pinirmahan ni Frank Stella, ang "ibabaw na may pintura dito" ay maaaring nagkakahalaga ng milyun-milyong dolyar ngayon. Sa kauna-unahang pagkakataon sa ranggo ng mga buhay na artista, nakuha ni Frank Stella noong 2015 sa pagbebenta ng Delaware Crossing (1961) sa halagang $ 13.69 milyon, kasama ang komisyon.

Makalipas ang apat na taon, noong Mayo 15, 2019, isang bagong rekord ang naitakda ng maagang (1959) na gawaing “Cape of Pines”: ang presyo ng martilyo ay higit sa $28 milyon, kasama ang komisyon. Isa ito sa 29 na "black paintings" - ang mismong ginawa ni Stella sa kanyang debut sa kanyang unang eksibisyon sa New York. Ang nagtapos sa Princeton University na si Frank Stella ay 23 taong gulang noon. Madalas siyang walang sapat na pera para sa oil paint para sa mga artista. Ang batang artista ay nagliliwanag sa buwan bilang isang pag-aayos, talagang nagustuhan niya ang mga purong kulay ng pintura, at pagkatapos ay lumitaw ang ideya na magtrabaho kasama ang pinturang ito sa canvas. Gamit ang itim na enamel na pintura, nagsusulat si Stella ng mga parallel na guhitan, na nag-iiwan ng mga manipis na linya ng hindi naka-primed na canvas sa pagitan nila. Bukod dito, nagsusulat siya nang walang mga pinuno, sa pamamagitan ng mata, nang walang paunang sketch. Hindi alam ni Stella kung gaano karaming mga itim na linya ang lilitaw sa isang partikular na pagpipinta. Halimbawa, sa pagpipinta na "Cape of Pines", mayroong 35 sa kanila. Ang pamagat ng akda ay tumutukoy sa pangalan ng kapa sa Massachusetts Bay - Point of pines. Sa simula ng ika-20 siglo, mayroon itong malaking amusement park, at ngayon ito ay isa sa mga distrito ng lungsod ng Revere.

10. YOSHITOMO NARA Knife sa likod. 2000. $24.95 milyon

Si Yoshitomo Nara (1959) ay isa sa mga pangunahing tauhan ng Japanese neo-pop art. Japanese - dahil, sa kabila ng pandaigdigang katanyagan at maraming taon ng trabaho sa ibang bansa, ang kanyang trabaho ay nakikilala pa rin sa pamamagitan ng isang binibigkas na pambansang pagkakakilanlan. Ang mga paboritong karakter ni Nara ay mga batang babae at aso sa estilo ng Japanese manga at anime comics. Ang mga imahe na naimbento niya sa loob ng maraming taon ay "napunta sa mga tao": ang mga ito ay naka-print sa mga T-shirt, mga souvenir at iba't ibang "merch" ay ginawa sa kanila. Ipinanganak sa isang mahirap na pamilya, malayo sa kabisera, hindi lamang siya minamahal para sa kanyang talento, ngunit pinahahalagahan din bilang isang taong gumawa ng kanyang sarili. Ang artista ay gumagana nang mabilis at nagpapahayag. Nabatid na ang ilan sa kanyang mga obra maestra ay natapos nang literal sa magdamag. Ang mga pagpipinta at eskultura ni Yoshitomo Nara, bilang isang panuntunan, ay napaka-maigsi, at kahit na matipid sa nagpapahayag na paraan, ngunit palaging nagdadala ng isang malakas na emosyonal na singil. Ang mga teenager na babae sa Nara ay madalas na tumitingin sa manonood na may masamang duling. Sa kanilang mga mata - kawalang-galang, hamon at pagsalakay. Sa mga kamay - pagkatapos ay isang kutsilyo, pagkatapos ay isang sigarilyo. May opinyon na ang mga itinatanghal na perversions ng pag-uugali ay isang reaksyon sa mapang-aping pampublikong moralidad, iba't ibang bawal, at mga prinsipyo ng edukasyon na pinagtibay ng mga Hapon. Ang halos medieval na kalubhaan at kahihiyan ay nagtutulak ng mga problema sa loob, lumikha ng lupa para sa isang naantalang emosyonal na pagsabog. Ang "Knife behind the back" ay malawak na sumasalamin sa isa sa mga pangunahing ideya ng artist. Sa gawaing ito ay may galit na hitsura ng isang batang babae, at isang kamay na nagbabantang sumusugat sa kanyang likuran. Hanggang sa 2019, ang mga painting at eskultura ni Yoshitomo Nara ay tumawid na sa milyon, o kahit ilang milyong marka nang higit sa isang beses. Ngunit dalawampung milyon - sa unang pagkakataon. Si Nara ay isa sa pinakasikat na artistang ipinanganak sa Hapon. At ngayon ang pinakamahal sa buhay. Noong Oktubre 6, 2109, sa Sotheby's sa Hong Kong, kinuha niya ang titulong ito mula kay Takashi Murakami at kapansin-pansing nalampasan ang 90-taong-gulang na avant-garde artist na si Yayoi Kusama (ang pinakamataas na presyo ng auction para sa kanyang mga pagpipinta ay papalapit na sa $9 milyon).

11. ZENG FANZHI Ang huling Hapunan. 2001. $23.3 milyon

Sa Sotheby's Hong Kong Oktubre 5, 2013 taon scale canvas "Ang huling Hapunan" Artist ng Beijing Zeng Fanzhi (1964) ay naibenta sa halagang 160 milyong dolyar ng Hong Kong - $23.3 milyon USA. Ang pangwakas na halaga ng trabaho ni Fanzhi, na isinulat, siyempre, sa ilalim ng impluwensya ni Leonardo da Vinci, ay naging dalawang beses sa paunang pagtatantya na humigit-kumulang $10 milyon. Ang dating rekord ng presyo ni Zeng Fanzhi ay $ 9.6 milyon binayaran sa Christie's Hong Kong auction noong Mayo 2008 para sa trabaho Serye ng Maskara. 1996 No. 6".

Ang "The Last Supper" ay ang pinakamalaking (2.2 × 4 meters) na pagpipinta ni Fanzhi sa seryeng "Masks", na sumasaklaw sa panahon mula 1994 hanggang 2001. Ang siklo ay nakatuon sa ebolusyon ng lipunang Tsino sa ilalim ng impluwensya ng mga repormang pang-ekonomiya. Ang pagpapakilala ng mga elemento ng isang market economy ng gobyerno ng PRC ay humantong sa urbanisasyon at pagkakawatak-watak ng mga Tsino. Inilalarawan ng Fanzhi ang mga naninirahan sa mga modernong lungsod ng Tsino, na kailangang makipaglaban para sa isang lugar sa araw. Ang kilalang komposisyon ng fresco ni Leonardo sa pagbabasa ng Fanzhi ay may ganap na naiibang kahulugan: ang eksena ay inilipat mula sa Jerusalem patungo sa silid-aralan ng isang paaralang Tsino na may mga tipikal na hieroglyphic board sa mga dingding. Ang "Kristo" at "mga apostol" ay naging mga pioneer na may mga iskarlata na kurbata, at si "Judas" lamang ang nagsusuot ng gintong kurbata - ito ay isang metapora para sa Kanluraning kapitalismo, na tumatagos at sumisira sa karaniwang paraan ng pamumuhay sa isang sosyalistang bansa.

Ang mga gawa ni Zeng Fanzhi ay estilistang malapit sa European expressionism at kasing dramatiko. Ngunit sa parehong oras ay puno sila ng mga simbolo at detalye ng Tsino. Ang versatility na ito ay umaakit sa mga Chinese at Western collectors sa gawa ng artist. Ang isang direktang kumpirmasyon nito ay ang pinagmulan ng The Last Supper: ang gawain ay inilagay para sa auction ng sikat na kolektor ng Chinese avant-garde noong 1980s at unang bahagi ng 1990s, ang Belgian baron na si Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN tulay. 1980. $20.6 milyon

Sa auction Christie's May 13, 2015 abstract na gawain "Tulay" 85 taong gulang na Amerikanong artista Robert Ryman(Robert Ryman) ay naibenta para sa $20.6 milyon isinasaalang-alang ang komisyon - dalawang beses na mas mahal kaysa sa mas mababang pagtatantya.

Robert Ryman(1930) ay hindi agad napagtanto na nais niyang maging isang artista. Sa edad na 23, lumipat siya sa New York mula sa Nashville, Tennessee, na gustong maging isang jazz saxophonist. Hanggang sa naging siya sikat na musikero, kailangang kumita ng dagdag na pera bilang security guard sa MoMA, kung saan nakilala niya sina Saul LeWitt at Dan Flavin. Ang una ay nagtrabaho sa museo bilang isang night secretary, at ang pangalawa bilang isang security guard at isang elevator operator. Dahil sa inspirasyon ng mga gawa ng abstract expressionists na nakita niya sa MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock at Newman - si Robert Ryman ay nagpinta noong 1955.

Si Ryman ay madalas na tinutukoy bilang isang minimalist, ngunit mas gusto niyang tawaging "realist" dahil hindi siya interesado sa paglikha ng mga ilusyon, ipinakita lamang niya ang mga katangian ng mga materyales na kanyang ginagamit. Karamihan sa kanyang mga gawa ay pininturahan ng mga pintura ng lahat ng posibleng kulay ng puti (mula sa kulay-abo o madilaw-dilaw hanggang sa nakasisilaw na puti) batay sa isang laconic square na hugis. Sa panahon ng kanyang karera, sinubukan ni Robert Ryman ang maraming materyales at diskarte: nagpinta siya sa mga langis, acrylics, casein, enamel, pastel, gouache, atbp. sa canvas, steel, plexiglass, aluminum, papel, corrugated cardboard, vinyl, wallpaper, atbp. Ang kanyang Pinayuhan siya ng kaibigan, isang propesyonal na restorer, si Orrin Riley, tungkol sa causticity ng mga materyales na naisip niyang gamitin. Sabi nga ng isang artista, “Wala akong tanong Ano magsulat, ang pangunahing bagay - paano sumulat". Ang lahat ay tungkol sa texture, ang likas na katangian ng mga stroke, ang hangganan sa pagitan ng makulay na ibabaw at mga gilid ng base, pati na rin ang relasyon sa pagitan ng trabaho at dingding. Mula noong 1975, ang isang espesyal na tampok ng kanyang trabaho ay ang mga fixtures, na idinisenyo ni Ryman sa kanyang sarili at sadyang iniiwan ang mga ito na nakikita, na binibigyang-diin ang kanyang trabaho na "kasing totoo ng mga pader kung saan sila nakasabit ay totoo." Mas gusto ni Ryman na magbigay ng "mga pangalan" sa mga gawa kaysa sa "mga pamagat". Ang "pangalan" ay kung ano ang tumutulong upang makilala ang isang trabaho mula sa isa pa, at Ryman madalas na pangalanan ang kanyang mga gawa sa pamamagitan ng mga tatak ng pintura, kumpanya, atbp., at ang "pamagat" ay nag-aangkin ng ilang uri ng mga parunggit at malalim na nakatagong kahulugan, ang pagkakaroon nito sa kanyang gawa na regular na itinatanggi ng artista. Walang iba kundi materyal at teknik ang mahalaga.

13. Damien Hirst Nakakaantok na tagsibol. 2002. $19.2 milyon

artistang Ingles Kay Damien Hirst (1965) ay nakatadhana na maging unang kumuha ng unang lugar sa rating na ito sa isang hindi pagkakaunawaan sa buhay na klasikong Jasper Johns. Ang nabanggit na gawaing "False Start" ay maaaring manatiling isang hindi malulubog na pinuno sa loob ng mahabang panahon kung Hunyo 21, 2007 pag-install noong panahong iyon, 42 taong gulang na si Hirst "Antukin Spring"(2002) ay hindi naibenta sa Sotheby's para sa £ 9.76 milyon, ibig sabihin, para sa $19.2 milyon. Ang trabaho, sa pamamagitan ng paraan, ay may medyo hindi pangkaraniwang format. Sa isang banda, ito ay isang display cabinet na may mga dummies ng mga tabletas (6,136 na tabletas), sa katunayan, isang klasikong pag-install. At sa kabilang banda, ang showcase na ito ay ginawang patag (10 cm ang lalim), kinuha sa isang frame at isinabit sa dingding tulad ng isang plasma panel, sa gayon ay ganap na nagbibigay ng kaginhawaan ng pagkakaroon na likas sa mga painting. Noong 2002, ibinenta ng kapatid ng installation, si Sleepy Winter, sa halagang $7.4 milyon, higit sa kalahati ng presyo. "Ipinaliwanag" ng isang tao ang pagkakaiba sa presyo sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga tablet ay mas kupas sa taglamig. Ngunit malinaw na ang paliwanag na ito ay ganap na walang batayan, dahil ang mekanismo ng pagpepresyo para sa mga naturang bagay ay hindi na nauugnay sa kanilang pandekorasyon na epekto.

Noong 2007, kinilala ng marami si Hirst bilang may-akda ng pinakamahal na gawain sa mga buhay na artista. Ang tanong, gayunpaman, ay mula sa kategoryang "depende sa kung paano magbilang." Ang katotohanan ay ang Hurst ay ibinenta para sa mamahaling pounds, at Jones para sa mga dolyar na ngayon ay bumagsak sa presyo, at kahit dalawampung taon na ang nakalipas. Ngunit kahit na magbilang tayo sa halaga ng mukha, nang hindi isinasaalang-alang ang 20-taong inflation, kung gayon ang trabaho ni Hirst ay mas mahal sa dolyar, at kay Jones sa pounds. Ang sitwasyon ay hangganan, at lahat ay malayang magpasya kung sino ang isasaalang-alang ang pinakamahal. Ngunit hindi gaanong nagtagal si Hurst sa unang pwesto. Sa parehong 2007, siya ay inilipat mula sa unang lugar ng Koons sa kanyang "Hanging Heart".

Sa bisperas lamang ng pandaigdigang pagbaba ng mga presyo para sa kontemporaryong sining, si Hirst ay nagsagawa ng isang hindi pa nagagawang gawain para sa isang batang artista - isang solong auction ng kanyang mga gawa, na naganap noong Setyembre 15, 2008 sa London. Inihayag ng bangkarota noong nakaraang araw Lehman Brothers hindi man lang nasira ang gana ng mga kontemporaryong mahilig sa sining: sa 223 na mga gawa na inaalok ng Sotheby's, lima lamang ang hindi nakahanap ng mga bagong may-ari (isa sa mga mamimili, sa pamamagitan ng paraan, ay si Viktor Pinchuk). Trabaho "Golden Taurus"- isang malaking effigy ng isang toro sa formaldehyde, na nakoronahan ng isang gintong disc, - dinala £10.3m ($18.6m). Ito pinakamahusay na resulta Hurst, kung magbibilang ka sa pounds (sa currency kung saan isinagawa ang transaksyon). Gayunpaman, kami ay nagraranggo sa mga tuntunin ng mga dolyar, kaya (nawa'y patawarin kami ng Golden Calf) isasaalang-alang namin ang pinakamahusay na sale ni Hirst bilang Sleepy Spring.

Mula noong 2008, si Hirst ay hindi nagkaroon ng mga benta ng Sleepy Spring at Golden Calf. Ang mga bagong rekord ng 2010s - para sa gawain ni Richter, Jones, Fanzhi, Wool at Koons - ay nag-udyok kay Damien sa ikaanim na linya ng aming rating. Ngunit huwag tayong gumawa ng isang kategoryang paghatol tungkol sa pagbaba ng panahon ng Hirst. Ayon sa mga analyst, si Hurst bilang isang "superstar" ay bumaba na sa kasaysayan, ibig sabihin ay bibilhin nila ito ng napakatagal na panahon; gayunpaman, ang pinakamalaking halaga sa hinaharap ay hinuhulaan para sa mga gawang nilikha sa pinaka-makabagong panahon ng kanyang karera, iyon ay, noong 1990s.

14. Maurizio Cattelan Siya. 2001. $17.19 milyon

Ang Italyano na si Maurizio Cattelan (1960) ay dumating sa sining pagkatapos magtrabaho bilang isang security guard, cook, gardener at furniture designer. Ang self-taught na may-akda ay naging sikat sa buong mundo para sa kanyang mga ironic na eskultura at pag-install. Naghulog siya ng meteorite sa Pope, ginawang tropeo ng pangangaso ang asawa ng customer, binutas ang sahig ng Old Masters Museum, itinaas ang isang higanteng gitnang daliri. stock exchange sa Milan, nagdala ng buhay na asno sa Frieze fair. Sa malapit na hinaharap, nangangako si Cattelan na mag-install ng ginintuang banyo sa Guggenheim Museum. Sa huli, ang mga kalokohan ni Maurizio Cattelan ay malawak na kinikilala sa mundo ng sining: inanyayahan siya sa Venice Biennale (ang pag-install na "Iba pa" noong 2011 - isang kawan ng dalawang libong kalapati na mukhang menacingly mula sa lahat ng mga tubo at beam sa mga pulutong ng mga bisita. pagpasa sa ibaba), ayusin na mayroon siyang retrospective sa New York Guggenheim Museum (Nobyembre 2011) at, sa wakas, malaking pera ang binayaran para sa kanyang mga eskultura.

Mula noong 2010, ang pinakamahal na gawa ni Maurizio Cattelan ay isang wax sculpture ng isang tao na sumilip sa isang butas sa sahig, sa panlabas ay katulad ng artist mismo ("Untitled", 2001). Ang sculpture-installation na ito, na mayroon sa halagang tatlong kopya kasama ang kopya ng may-akda, ay unang ipinakita sa Boijmans van Beuningen Museum sa Rotterdam. Pagkatapos ang malikot na karakter na ito ay tumingin sa isang butas sa sahig ng bulwagan na may mga pintura ng mga Dutch na pintor noong ika-18 at ika-19 na siglo. Iniuugnay ni Maurizio Cattellan sa gawaing ito ang kanyang sarili sa isang mapangahas na kriminal na sumalakay sa sagradong espasyo ng museo hall na may mga kuwadro na gawa ng mga dakilang master. Kaya, nais niyang alisin ang sining ng halo ng kabanalan na ibinibigay dito ng mga pader ng museo. Ang trabaho, para sa kapakanan ng pagpapakita na sa bawat oras na kailangan mong gumawa ng mga butas sa sahig, ay naibenta sa halagang $7.922 milyon sa Sotheby's.

Ang rekord ay tumagal hanggang Mayo 8, 2016, nang ang mas mapanuksong gawain ni Cattelan na Him, na naglalarawan sa isang lumuluhod na Hitler, ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa $17.189 milyon. Ang bagay ay kakaiba. Kakaiba ang pangalan. Mapanganib ang pagpili ng karakter. Tulad ng lahat ng iba pa sa Cattelan. Ano ang ibig sabihin Niya? "Kanya" o "Kanyang infernal na kamahalan"? Malinaw na tiyak na hindi natin pinag-uusapan ang pag-awit ng imahe ng Fuhrer. Sa gawaing ito, lumilitaw si Hitler sa isang walang magawa, nakakaawa na anyo. At walang katotohanan - ang pagkakatawang-tao ni Satanas ay ginawang kasing laki ng isang bata, nakasuot ng kasuotan ng batang mag-aaral at nakaluhod na may mapagpakumbabang ekspresyon sa kanyang mukha. Para kay Cattelan, ang larawang ito ay isang paanyaya upang pagnilayan ang kalikasan ng ganap na kasamaan at isang paraan upang maalis ang mga takot. Sa pamamagitan ng paraan, ang eskultura ng "Kanya" ay kilala sa Kanluraning madla. Ang kanyang mga kapatid sa serye ay nai-exhibit nang higit sa 10 beses sa mga nangungunang museo sa buong mundo, kabilang ang Pompidou Center at ang Solomon Guggenheim Museum.

15. MARC GROTJAN Walang Pamagat (S III Inilabas sa France Face 43.14). 2011. $16.8 milyon

Noong Mayo 17, 2017, isa sa pinakamakapangyarihang mga painting ni Marc Grotjan na inilagay para sa auction ay lumabas sa Christie's New York evening auction. Ang pagpipinta na "Walang Pamagat (S III Released to France Face 43.14)" ay inilagay ng Parisian collector na si Patrick Seguin na may tinatayang $13-16 milyon, at dahil ang pagbebenta ng lote ay ginagarantiyahan ng isang third party, walang partikular na tao. nagulat sa pagtatatag ng isang bagong personal na tala sa auction ng 49-taong-gulang na artista. Ang presyo ng martilyo na $14.75 milyon ($16.8 milyon kasama ang Buyer's Premium) ay nalampasan ang dating tala ng auction ni Grotjan ng higit sa $10 milyon, na nagpapahintulot sa kanya na makapasok sa club ng mga buhay na artista na ang trabaho ay nagbebenta ng walong numero. Pitong-digit na parehong mga resulta (mga benta ng higit sa $1 milyon, ngunit hindi hihigit sa $10 milyon) sa alkansya sa auction na si Mark Grotyan sa halos tatlumpu.

Si Mark Grotjan (1968), kung saan nakita ng mga eksperto sa trabaho ang impluwensya ng modernismo, abstract minimalism, pop at op art, ay dumating sa kanyang corporate identity noong kalagitnaan ng 1990s, pagkatapos lumipat kasama ang kanyang kaibigan na si Brent Peterson sa Los Angeles at magbukas ng gallery doon "Kwarto 702". Tulad ng naaalala mismo ng artist, sa oras na iyon nagsimula siyang mag-isip tungkol sa kung ano ang nauna para sa kanya sa sining. Hinahanap niya ang motibo kung saan siya maaaring mag-eksperimento. At napagtanto ko na palagi siyang interesado sa linya at kulay. Ang mga eksperimento sa diwa ng rayonism at minimalism na may linear na pananaw, maraming nawawalang punto at maraming kulay na abstract na tatsulok na mga hugis sa kalaunan ay nagdala sa Grotjan ng katanyagan sa buong mundo.

Mula sa abstract, makulay na mga landscape na may maraming horizon at nawawalang mga punto, napunta siya sa mga tatsulok na hugis na nakapagpapaalaala sa mga pakpak ng butterfly. Mga painting ni Grotjan 2001–2007 Tinatawag nila itong "Butterflies". Ngayon, ang paglipat ng nawawalang punto o paggamit ng ilang nawawalang punto nang sabay-sabay, na magkakahiwalay sa kalawakan, ay itinuturing na isa sa pinakamakapangyarihang pamamaraan ng artist.

Ang susunod na malaking serye ng mga gawa ay tinawag na "Mga Mukha"; sa mga abstract na linya ng seryeng ito ay maaaring hulaan ng isang tao ang mga tampok ng isang mukha ng tao, na pinasimple sa estado ng isang maskara sa diwa ng Matisse, Jawlensky o Brancusi. Sa pagsasalita tungkol sa pinakahuling pagpapasimple at pag-istilo ng mga anyo, tungkol sa komposisyon na solusyon ng mga kuwadro na gawa, kapag ang mga nakakalat na tabas ng mga mata at bibig ay tila nakatingin sa amin mula sa kagubatan, napansin ng mga mananaliksik ang koneksyon ng "Mga Mukha" ni Grotjan sa sining. ng mga primitive na tribo ng Africa at Oceania, habang ang artist mismo ay "gusto ang mga mata ng imahe na nakatingin sa labas ng gubat. Naiimagine ko minsan ang mga mukha ng mga baboon o unggoy. Hindi ko masasabi na ako ay sinasadya o hindi sinasadya na naiimpluwensyahan ng primitive na sining ng Africa, sa halip, naimpluwensyahan ako ng mga artista na naimpluwensyahan nito. Ang Picasso ang pinaka-halatang halimbawa."

Ang mga gawa ng seryeng "Mga Mukha" ay tinatawag na brutal at eleganteng, nakalulugod sa mata at nakalulugod sa isip. Sa paglipas ng panahon, ang texture ng mga gawang ito ay nagbabago din: upang lumikha ng epekto ng panloob na espasyo, ang artist ay gumagamit ng malawak na mga stroke ng makapal na pintura, kahit na splashing sa estilo ng Pollock, ngunit ang ibabaw ng pagpipinta ay leveled upang, sa mas malapit na pagsusuri. , ito ay tila ganap na patag. Ang auction-record-setting painting na Untitled (S III Released to France Face 43.14) ay kabilang sa bantog na seryeng ito ni Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Ang malungkot kong cowboy. $15.16 milyon

Hapon Takashi Murakami (1962) pumasok sa rating namin na may sculpture "Aking Lonely Cowboy", ibinenta sa Sotheby's noong Mayo 2008 sa halagang $ 15.16 milyon. Sa pagbebentang ito, si Takashi Murakami ay matagal nang itinuturing na pinakamatagumpay na buhay na artistang Asyano - hanggang sa siya ay nalampasan ng pagbebenta ng The Last Supper ni Zeng Fanzhi.

Si Takashi Murakami ay nagtatrabaho bilang isang artist, sculptor, fashion designer at animator. Nais ni Murakami na kumuha ng isang bagay na talagang Hapon bilang batayan ng kanyang trabaho, nang walang Kanluranin o anumang iba pang paghiram. Sa kanyang mga taon ng pag-aaral, siya ay nabighani sa tradisyonal na Japanese na sining ng nihonga, nang maglaon ay pinalitan ito ng sikat na sining ng anime at manga. Kaya isinilang ang psychedelic na Mr DOB, mga pattern ng nakangiting mga bulaklak at maliwanag, makintab na fiberglass sculpture, na parang kalalabas lang nila sa mga pahina ng Japanese comics. Itinuturing ng ilan na ang sining ni Murakami ay fast food at ang sagisag ng kabastusan, ang iba ay tinatawag ang artist na Japanese na si Andy Warhol - at sa hanay ng huli, tulad ng nakikita natin, mayroong maraming napakayamang tao.

Hiniram ni Murakami ang pangalan para sa kanyang eskultura mula sa The Lonely Cowboys (1968) ni Andy Warhol, na hindi pa napapanood ng mga Hapones, gaya ng inamin niya, ngunit talagang gusto niya ang kumbinasyon ng mga salita. Si Murakami na may isang iskultura ay nasiyahan sa mga tagahanga ng erotikong komiks ng Hapon at pinagtawanan sila. Nadagdagan ang laki, at bukod sa, three-dimensional din, ang bayani ng anime ay nagiging isang fetish ng kultura ng masa. Ang masining na pahayag na ito ay lubos na nasa diwa ng klasikong Western pop art (tandaan ang set ng kasangkapan ni Allen Jones o ang Pink Panther ng Koons), ngunit may pambansang twist.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. $14,784,505

Ang KAWS ay ang pseudonym ng American artist na si Brian Donelly mula sa New Jersey. Siya ang pinakabatang kalahok sa aming rating, ipinanganak noong 1974. Nagsimula si Donelly bilang isang animator sa Disney (pagguhit ng mga background para sa cartoon na "101 Dalmatians" at iba pa). Bata pa lang ako ay interesado na ako sa graffiti. Noong una, ang kanyang signature na disenyo ay isang bungo na may "X" sa halip na mga eye socket. Ang gawain ng batang manunulat ay minahal ng mga show business people at mga tao mula sa industriya ng fashion: ginawa niya ang cover para sa Kanye West album, naglabas ng mga pakikipagtulungan para sa Nike, Comme des Garçons at Uniqlo. Sa paglipas ng panahon, ang KAWS ay naging isang kilalang pigura sa kontemporaryong mundo ng sining. Ang kanyang signature na Mickey Mouse figurine ay nakarating sa mga museo, pampublikong espasyo at pribadong koleksyon. Minsan ang KAWS ay naglabas ng isang limitadong edisyon ng vinyl toy na may tatak na My Plastic Heart, at bigla silang naging paksa ng interes ng mataas na kolektor. Ang isa sa mga masigasig na kolektor ng mga "laruan" na ito ay ang nagtatag ng Black Star, ang rapper na si Timati: halos ganap niyang nakolekta ang buong serye ng "Cavs Companions".

Nagtakda ng rekord ang gawa ng KAWS para sa oeuvre ng isang artista - $14.7 milyon - sa Sotheby's Hong Kong auction noong Abril 1, 2019. Dati ito ay nasa koleksyon ng Japanese fashion designer na si Nigo. Meter canvas Ang KAWS Album ay isang parangal sa pabalat ng sikat na The Beatles album na "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" noong 1967. Sa halip na mga tao lamang, mayroon itong mga Kimpsons - inilarawan sa pangkinaugalian na mga character mula sa serye ng cartoon ng Simpsons na may "X" sa halip na mga mata.

18. JIN SHAN Tajik na nobya. 1983. $13.89 milyon

Sa mga medyo bata at kontemporaryong artistang Tsino, na lahat ay kabilang sa tinatawag na "bagong alon" noong huling bahagi ng dekada 1980 sa sining ng Tsino, ang aming rating ay hindi inaasahang kasama ang isang kinatawan ng isang ganap na naiibang henerasyon at ibang paaralan. Si Jin Shan (Jin Shangyi), na ngayon ay higit sa 80, ay kabilang sa mga matatalinong kinatawan ng unang henerasyon ng mga artista sa komunistang Tsina. Ang mga pananaw ng grupong ito ng mga artista ay nabuo sa isang malaking lawak sa ilalim ng impluwensya ng pinakamalapit na kaalyado ng komunista - ang USSR.

Opisyal na sining ng Sobyet, sosyalistang realismo, hindi pangkaraniwan kahit noon pa para sa Tsina pagpipinta ng langis(kumpara sa tradisyonal na pagpipinta ng Chinese ink) ay nasa tuktok ng katanyagan noong 1950s, at sa Beijing unibersidad ng sining sa loob ng tatlong taon (mula 1954 hanggang 1957) ay dumating upang magturo artistang sobyet Konstantin Methodievich Maksimov. Pumasok sa kanyang klase si Jin Shani, na noong panahong iyon ay ang pinakabata sa grupo. Palaging naaalala ng artista ang kanyang guro na may matinding init, na sinasabi na si Maksimov ang nagturo sa kanya na maunawaan at mailarawan nang tama ang modelo. Inilabas ni K. M. Maksimov ang isang buong kalawakan ng mga realistang Tsino, ngayon ay mga klasiko.

Sa gawain ni Jin Shan ay madarama ng isa ang impluwensya ng parehong "malubhang istilo" ng Sobyet at ang European school of painting. Ang artista ay nagtalaga ng maraming oras sa pag-aaral ng pamana ng Renaissance at klasisismo, habang itinuturing niyang kinakailangan upang mapanatili ang espiritu ng Tsino sa kanyang mga gawa. Ang pagpipinta na "Tajik Bride", na ipininta noong 1983, ay itinuturing na isang kinikilalang obra maestra, isang bagong milestone sa gawain ni Jin Shan. Siya ang inilagay sa auction ng China Guardian noong Nobyembre 2013 at naibenta nang maraming beses na mas mahal kaysa sa pagtatantya - para sa $ 13.89 milyon, kasama ang komisyon.

19. BANKSY Ang Nabulok na Parlamento. 2008. $12.14 milyon

Nagsimulang lumabas ang mga wall painting na may tag na Banksy sa mga pader ng mga lungsod (una sa UK at pagkatapos ay sa buong mundo) noong huling bahagi ng 1990s. Ang kanyang pilosopiko at kasabay na matalas na graffiti ay nakatuon sa mga problema ng pag-atake ng estado sa mga kalayaan ng mga mamamayan, mga krimen laban sa kapaligiran, iresponsableng pagkonsumo, at ang kawalang-katauhan ng iligal na sistema ng paglipat. Sa paglipas ng panahon, ang pader ni Banksy ay "mga paninisi" ay nakakuha ng hindi pa nagagawang katanyagan sa media. Sa katunayan, siya ay naging isa sa mga pangunahing tagapagsalita opinyon ng publiko, kinondena ang pagkukunwari ng mga estado at korporasyon, na nagbubunga ng lumalagong kawalang-katarungan sa sistemang kapitalista.

Ang kahalagahan ng Banksy, ang kahulugan ng "nerve ng oras" at ang katumpakan ng kanyang mga metapora ay pinahahalagahan hindi lamang ng madla, kundi pati na rin ng mga kolektor. Noong 2010s, daan-daang libo o higit pa sa isang milyong dolyar ang ibinigay para sa kanyang mga gawa. Umabot sa punto na ang graffiti ng Banksy ay nasira at ninakaw kasama ng mga piraso ng dingding.

Sa panahon ng advanced na digital surveillance, nananatiling hindi kilalang tao ang Banksy. Mayroong isang bersyon na ito ay hindi na isang tao, ngunit isang grupo ng ilang mga artista, na pinamumunuan ng isang mahuhusay na babae. Iyon ay magpapaliwanag ng marami. At ang panlabas na pagkakaiba-iba ng mga manunulat na nahuli sa mga lente ng mga camera ng mga saksi, at ang impersonal na stencil na paraan ng aplikasyon (nagbibigay ng mataas na bilis at hindi nangangailangan ng direktang pakikilahok ng may-akda), at ang nakakaantig na romantikismo ng mga paksa ng mga kuwadro na gawa. (mga bola, snowflake, atbp.). Magkagayunman, alam ng mga tao mula sa proyekto ng Banksy, kasama ang kanyang mga katulong, kung paano tikom ang kanilang mga bibig.

Sa 2019 ang pinaka mamahaling trabaho Si Banksy ay hindi inaasahang naging isang apat na metrong canvas na Devolved Parliament ("degraded", "decay" o "delegated" Parliament). Ang mga chimpanzee na nagtatalo sa House of Commons ay tila kinukutya ang madla sa taon ng nakakahiyang Brexit. Nakapagtataka na ang pagpipinta ay ipininta 10 taon bago ang makasaysayang pagbabagong ito, at samakatuwid ay itinuturing ito ng isang tao na makahulang. Sa isang auction ng Sotheby noong Oktubre 3, 2019, isang hindi kilalang mamimili ang bumili ng langis sa halagang $12,143,000 sa isang matinding bidding - anim na beses ang presyo ng paunang pagtatantya.

20. JOHN CURREN "Matamis at simple." 1999. $12.007 milyon

Amerikanong artista John Curran (1962) na kilala sa kanyang satirical figurative paintings sa mapanuksong sekswal at sosyal na mga tema. Ang gawa ni Curren ay namamahala upang pagsamahin ang mga diskarte sa pagpipinta ng mga lumang masters (lalo na si Lucas Cranach the Elder at ang mga mannerists) at fashion photography mula sa makintab na mga magazine. Sa pagkamit ng mas katawa-tawa, madalas na binabaluktot ni Karren ang mga proporsyon ng katawan ng tao, pinalaki o binabawasan ang mga indibidwal na bahagi nito, inilalarawan ang mga bayani sa mga sirang, mannered na pose.

Nagsimula si Curren noong 1989 na may mga larawan ng mga batang babae na muling iginuhit mula sa isang album ng paaralan; nagpatuloy noong unang bahagi ng 1990s na may mga larawan ng mga busty beauties na inspirasyon ng mga larawan mula sa Cosmopolitan at Playboy; noong 1992, lumitaw ang mga larawan ng mayayamang matatandang babae; at noong 1994, pinakasalan ni Curren ang iskultor na si Rachel Feinstein, na naging pangunahing muse at modelo niya sa loob ng maraming taon. Sa huling bahagi ng 1990s, ang teknikal na kahusayan ni Currin, na sinamahan ng kitsch at grotesqueness ng kanyang mga pagpipinta, ay nagdala sa kanya ng katanyagan. Noong 2003, kinuha ni Larry Gagosian ang pag-promote ng artist, at kung ang isang dealer bilang Gagosian ang kukuha sa may-akda, kung gayon ang tagumpay ay garantisadong. Noong 2004, ginanap ang isang retrospective ni John Curran sa Whitney Museum.

Sa mga oras na ito, ang kanyang trabaho ay nagsimulang magbenta ng anim na numero. Ang kasalukuyang record para sa isang pagpipinta ni John Curran ay pagmamay-ari ng Sweet and Simple, na ibinebenta noong Nobyembre 15, 2016 sa Christie's sa halagang $12 milyon. Ngayon ay higit sa 50, ito ay talagang isang tagumpay sa karera. Ang kanyang nakaraang rekord noong 2008 ay $ 5.5 milyon (binayaran, sa pamamagitan ng paraan, para sa parehong gawaing "Cute and Simple").

21. BRICE MARDEN Ang Dumalo. 1996–1999 $10.917 milyon

Ang isa pang buhay na American abstract artist sa aming ranking ay si Bryce Marden (1938). Ang mga gawa ni Marden sa estilo ng minimalism, at mula noong huling bahagi ng 1980s - gestural painting, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang natatanging may-akda, bahagyang naka-mute na palette. Ang mga kumbinasyon ng kulay sa mga gawa ni Marden ay inspirasyon ng kanyang mga paglalakbay sa buong mundo - Greece, India, Thailand, Sri Lanka. Kabilang sa mga may-akda na nakaimpluwensya sa pagbuo ng Marden ay sina Jackson Pollock (noong unang bahagi ng 1960s ay nagtrabaho si Marden bilang isang security guard sa Jewish Museum, kung saan personal niyang naobserbahan ang "mga patak" ni Pollock), Alberto Giacometti (nakilala ang kanyang trabaho sa Paris) at Robert Rauschenberg (ilang habang nagtatrabaho si Marden bilang kanyang katulong). Ang unang yugto ng trabaho ni Marden ay nakatuon sa mga klasikong minimalist na canvases, na binubuo ng mga may kulay na hugis-parihaba na bloke (pahalang o patayo). Hindi tulad ng maraming iba pang mga minimalist na naghahanap ng perpektong kalidad ng mga gawa, na parang naka-print sa pamamagitan ng isang makina, at hindi iginuhit ng isang tao, napanatili ni Marden ang mga bakas ng gawa ng artist, pinagsama. iba't ibang materyales(wax at mga pintura ng langis). Mula noong kalagitnaan ng 1980s, sa ilalim ng impluwensya ng oriental calligraphy, ang geometric abstraction ay pinalitan ng meandering, meander-like lines, ang background kung saan ay ang parehong mga field ng kulay ng monochrome. Ang isa sa mga gawang "meander" na ito - "The Attended" - ay naibenta sa Sotheby's noong Nobyembre 2013 sa halagang $10.917 milyon, kasama ang komisyon.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 Disyembre 1959. $10.6 milyon

23. ZHANG XIAOGANG Walang hanggang pag-ibig. $10.2 milyon

Ang isa pang kinatawan ng kontemporaryong sining ng Tsino ay isang simbolista at surrealist Zhang Xiaogang (1958). Sa Sotheby's Hong Kong Abril 3, 2011, kung saan ibinenta ang Chinese avant-garde mula sa koleksyon ng Belgian baron na si Guy Ullens, isang triptych ni Zhang Xiaogang "Walang hanggang pag-ibig" ay naibenta sa halagang $ 10.2 milyon. Sa oras na iyon, ito ay isang rekord hindi lamang para sa artist, ngunit para sa buong kontemporaryong sining ng Tsino. Sinasabing ang obra ni Xiaogang ay binili ng asawa ng bilyunaryo na si Wang Wei, na malapit nang magbukas ng sarili niyang museo.

Si Zhang Xiaogang, na mahilig sa mistisismo at pilosopiyang Silangan, ay sumulat ng kwento ng "Eternal Love" sa tatlong bahagi - buhay, kamatayan at muling pagsilang. Itinampok ang triptych na ito sa iconic na 1989 China/Avant-Garde exhibition sa National Museum of Art. Noong 1989 din, ang mga demonstrasyon ng estudyante ay brutal na sinupil sa Tiananmen Square ng militar. Kasunod ng kalunos-lunos na kaganapang ito, nagsimulang humigpit ang mga turnilyo - isang eksibisyon Pambansang Museo nagkalat, maraming artista ang nandayuhan. Bilang tugon sa sosyalistang realismo na ipinataw mula sa itaas, lumitaw ang direksyon ng mapang-uyam na realismo, isa sa mga pangunahing kinatawan nito ay si Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Walang magawa si Henry Moore. 1967. $9.9 milyon

Amerikano Bruce Nauman (1941), ang nagwagi sa pangunahing premyo ng 48th Venice Biennale (1999), ay matagal nang napunta sa kanyang record. Sinimulan ni Nauman ang kanyang karera noong dekada sisenta. Tinatawag siya ng mga connoisseurs, kasama sina Andy Warhol at Joseph Beuys, isa sa mga pinaka-maimpluwensyang pigura sa sining ng ikalawang kalahati ng ikadalawampu siglo. Gayunpaman, ang mayamang intelektwalidad at ganap na di-pandekorasyon ng ilan sa kanyang mga gawa ay malinaw na pumigil sa kanyang mabilis na pagkilala at tagumpay sa pangkalahatang publiko. Madalas na nag-eksperimento si Nauman sa wika, na nakatuklas ng mga hindi inaasahang kahulugan ng pamilyar na mga parirala. Ang mga salita ay nagiging sentral na mga karakter marami sa kanyang mga gawa, kabilang ang mga neon pseudo-sign at panel. Tinawag mismo ni Naumann ang kanyang sarili na isang iskultor, bagaman sa nakalipas na apatnapung taon ay sinubukan niya ang kanyang sarili nang lubusan. iba't ibang genre- sculpture, photography, video art, performances, graphics. Noong unang bahagi ng 1990s, binigkas ni Larry Gagosian ang mga makahulang salita: "Ang tunay na halaga ng gawain ni Naumann ay hindi pa natatanto." At kaya nangyari: Mayo 17, 2001 sa Christie's ni Naumann noong 1967 "Walang magawang Henry Moore (tanaw sa likuran)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ay nagtakda ng bagong record sa post-war art segment. Isang cast ng mga kamay ni Naumann na nakatali sa likod niya, na gawa sa plaster at wax, ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa $ 9.9 milyon sa koleksyon ng French magnate na si Francois Pinault (ayon sa iba pang mga mapagkukunan, ang American Phyllis Wattis). Ang pagtatantya ng trabaho ay $2-3 milyon lamang, kaya ang resulta ay isang tunay na sorpresa para sa lahat.

Bago ang maalamat na pagbebentang ito, dalawa lamang sa mga gawa ni Naumann ang tumawid sa milyong dolyar na marka. At sa kanyang buong karera sa auction sa ngayon, anim na gawa lamang, bilang karagdagan sa "Henry Moore ...", ay napunta para sa pitong-figure sums, ngunit ang kanilang mga resulta ay hindi pa rin maihahambing sa siyam na milyon.

Ang "Helpless Henry Moore" ay isa sa mga serye ng polemikal na gawa ni Naumann sa pigura ni Henry Moore (1898–1986), isang British artist na itinuring na kabilang sa mga pinakadakilang iskultor noong ika-20 siglo noong dekada sisenta. Ang mga batang may-akda, na natagpuan ang kanilang sarili sa anino ng isang kinikilalang master, pagkatapos ay inatake siya ng mabangis na pagpuna. Ang gawa ni Naumann ay isang tugon sa kritisismong ito at kasabay nito ay isang pagmumuni-muni sa paksa ng pagkamalikhain. Ang pamagat ng akda ay nagiging isang pun, dahil ito ay nag-uugnay sa dalawang kahulugan ng salitang Ingles na nakatali - nakatali (literal) at napapahamak sa ilang kapalaran.

Pansin! Ang lahat ng mga materyales ng site at database ng mga resulta ng auction ng site, kabilang ang nakalarawan na impormasyon ng sanggunian tungkol sa mga gawa na ibinebenta sa mga auction, ay inilaan para sa paggamit lamang alinsunod sa Art. 1274 ng Civil Code ng Russian Federation. Ang paggamit para sa mga layuning pangkomersyo o sa paglabag sa mga patakarang itinatag ng Civil Code ng Russian Federation ay hindi pinapayagan. ang site ay hindi mananagot para sa nilalaman ng mga materyal na isinumite ng mga ikatlong partido. Sa kaso ng paglabag sa mga karapatan ng mga ikatlong partido, ang pangangasiwa ng site ay may karapatang alisin ang mga ito mula sa site at mula sa database batay sa kahilingan ng awtorisadong katawan.

Nagpapakita kami ng na-update na bersyon ng ranking na na-publish ng TANR noong 2014

Ang materyal ay na-update ni: Alexey Alekseev, Konstantin Agunovich, Denis Belkevich, Anna Savitskaya, Disyembre 22, 2016. Dnatapos ang materyal noong Pebrero 25, 2017 — Eduard Bassalaev.

Noong 2014, nai-publish na namin ang isang katulad na listahan, ipinakita namin ang na-update na bersyon nito. Kasama sa nangungunang 50 ang mga artista na ipinanganak at nagtrabaho (o patuloy na nagtatrabaho) sa USSR-Russia, na ang mga gawa ay naibenta sa mga internasyonal na auction sa halagang lampas sa £30,000 sa nakalipas na sampung taon (ang British pound sterling ay pinili, mula noong 90 % ng mga domestic na benta ay naganap sa London sa currency na ito).

Ilya at Emilia Kabakov

1. Ilya Kabakov

Tila na sa pangkalahatan ang pangunahing Russian artist, ang founding ama ng Moscow conceptualism (isa sa kanila), ang may-akda ng termino at kasanayan ng "kabuuang pag-install". Mula noong 1988 ay nakatira sa New York. Nagtatrabaho sa pakikipagtulungan sa kanyang asawang si Emilia Kabakova , na ang dahilan kung bakit ang pamagat ay dapat magmukhang "Ilya at Emilia Kabakov", ngunit mula noon Ilya Iosifovich nakilala nang mas maaga kaysa kay Ilya at Emilia, pagkatapos ay hayaan itong manatiling ganoon. Ang mga gawa ay nasa Tretyakov Gallery, ang Russian Museum, ang Hermitage, ang Museum of Modern Art sa New York (MoMA), Kolodzei Art Foundation (USA), atbp. Taon ng kapanganakan: 1933

Produkto: "Salaginto". 1982

Petsa ng pagbebenta: 28.02.2008

Presyo (GBP): 2,932,500

2. Eric Bulatov

Gamit ang mga pamamaraan na sa kalaunan ay tatawaging Sots Art, pinagsama niya ang matalinghagang pagpipinta sa teksto sa kanyang mga gawa. Noong panahon ng Sobyet, isang matagumpay na ilustrador ng mga aklat ng mga bata. Mula noong 1989 siya ay naninirahan at nagtatrabaho sa New York, mula noong 1992 sa Paris. Ang unang Russian artist na may solong eksibisyon sa Pompidou Center. Ang mga gawa ay itinatago sa mga koleksyon Tretyakov Gallery, ang Russian Museum, ang Pompidou Center, ang Ludwig Museum sa Cologne, atbp., ay kasama sa mga koleksyon ng Dina Verny Foundation, Viktor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Catherine At Vladimir Semenikhin, Igor Tsukanov.

Taon ng kapanganakan: 1933

Artwork: "Luwalhati sa CPSU". 1975

Petsa ng pagbebenta: 28.02.2008

Presyo (GBP): 1,084,500

3. Vitaly Komar at Alexander Melamid

Ang mga tagalikha ng Sots Art - isang scurrilous trend sa hindi opisyal na sining, parodying ang mga simbolo at diskarte ng opisyal. Sila ay nanirahan sa New York mula noong 1978. Hanggang sa kalagitnaan ng 2000s, nagtrabaho silang dalawa. Bilang isang proyekto sa sining, inayos nila ang "pagbebenta ng mga kaluluwa" ng mga sikat na artista sa pamamagitan ng isang auction (soul Andy Warhol mula noon ay pagmamay-ari ng Moscow artist Alena Kirtsova). Ang mga gawa ay nasa mga koleksyon ng MoMA, ang Guggenheim Museum, ang Metropolitan Museum of Art, ang Louvre, sa mga koleksyon Breus sluts, Daria Zhukova At Roman Abramovich at iba pa.

Taon ng kapanganakan: 1943, 1945

Trabaho: "Pagpupulong ng Solzhenitsyn at Böll sa dacha ng Rostropovich". 1972

Petsa ng pagbebenta: 23.04.2010

Presyo (GBP): 657,250

4. Semyon Faibisovich

Isang photorealist artist na nananatiling pinakatumpak na realist kahit ngayon, kapag ang pagpipinta ay nakakabighani Semyon Natanovich mas kaunting publisidad. Ipinakita sa Malaya Gruzinskaya, kung saan noong 1985 siya ay napansin ng mga negosyante at kolektor ng New York. Mula noong 1987 ay regular na siyang nag-exhibit sa USA at Kanlurang Europa. Isang aktibong tagasuporta ng pagpawi ng batas sa propaganda ng homosexuality sa Russia. Nakatira at nagtatrabaho sa Moscow. Ang mga gawa ay nasa mga koleksyon ng Tretyakov Gallery, ang Moscow House of Photography (Multimedia Art Museum), mga museo sa Germany, Poland, USA, ay kasama sa mga koleksyon Daria Zhukova At Roman Abramovich, Igor Markin, Igor Tsukanov.

Taon ng kapanganakan: 1949

Artwork: "Mga Sundalo" 1989. Mula sa seryeng "Mga Istasyon"

Petsa ng pagbebenta: 10/13/2007

Presyo (GBP): 311,200

Grisha Bruskin

5. Grigory (Grisha) Bruskin

Ang pangunahing tauhan ng una at huling auction ng Sobyet na Sotheby's noong 1988, kung saan ang kanyang "Fundamental Lexicon" ang naging nangungunang lote (£220,000). Sa imbitasyon ng pamahalaang Aleman, lumikha siya ng isang monumental na triptych para sa muling itinayong Reichstag sa Berlin. Nagwagi ng Kandinsky Prize sa nominasyon na "Proyekto ng Taon" para sa eksibisyon na "Oras "H"" sa Multimedia Art Museum. Nakatira at nagtatrabaho sa New York at Moscow. Ang mga gawa ay nasa mga koleksyon ng Tretyakov Gallery, ang Russian Museum, ang Pushkin Museum im. A.S. Pushkin, ang Ludwig Museum sa Cologne, MoMA, ang Museum of Jewish Culture (New York), atbp., ay kasama sa mga koleksyon ng Queen of Spain Sofia, Petra Avena, Breus sluts, Catherine At Vladimir Semenikhin, Milos Forman.

Taon ng kapanganakan: 1945

Artwork: "Logii. Bahagi 1". 1987

Petsa ng pagbebenta: 07.11.2000

Presyo (GBP): 424,000

6. Oleg Tselkov

Isa sa mga pinakasikat na artista noong dekada ikaanimnapung taon, na noong dekada 1960 ay nagsimula at nagpapatuloy pa rin sa isang ikot ng mga pagpipinta kung saan inilalarawan niya ang magaspang, na parang mga mukha ng tao (o mga pigura) na hinulma mula sa luwad, na pininturahan ng maliliwanag na kulay aniline. Mula noong 1977 ay nakatira sa Paris. Ang mga gawa ay nasa mga koleksyon ng Tretyakov Gallery, ang Russian Museum, ang Hermitage, ang Zimmerli Museum ng Rutgers University, atbp., Ay kasama sa mga koleksyon Mikhail Baryshnikov, Arthur Miller, Igor Tsukanov. Ang pinakamalaking pribadong koleksyon ng mga gawa ni Tselkov sa Russia ay kabilang sa Evgeny Evtushenko.

Taon ng kapanganakan: 1934

Artwork: "Boy with Balloons" 1957

Petsa ng pagbebenta: 26.11.2008

Presyo (GBP): 238,406

Snow, dilim, putik - at Moscow at Renoir sa isang yakap, Oscar Rabin

7. Oscar Rabin

Pinuno ng grupong Lianozovo (mga nonconformist artist ng Moscow noong 1950s–1960s), tagapag-ayos ng nakakainis na Bulldozer Exhibition noong 1974. Siya ang una sa Unyong Sobyet na nagbebenta ng mga gawa nang pribado. Noong 1978 siya ay binawian ng pagkamamamayan ng Sobyet. Nakatira sa Paris. Noong 2006 nanalo siya ng Innovation Award para sa kanyang kontribusyon sa sining. Ang mga gawa ay nasa mga koleksyon ng Tretyakov Gallery, ang Russian Museum, ang Moscow Museum of Modern Art, ang Zimmerli Museum ng Rutgers University, ay kasama sa mga koleksyon. Alexander Glezer, Vyacheslav Kantor, Alexandra Kronika, Iveta At Tamaza Manasherov, Evgeny Nutovich, Aslan Chekhoeva.

Taon ng kapanganakan: 1928

Artwork: "Ang Lungsod at ang Buwan" ("Sosyalistang Lungsod"). 1959

Petsa ng pagbebenta: 15.04.2008

Presyo (GBP): 171,939

8. Zurab Tsereteli

Ang pinakamalaking kinatawan ng monumental na sining. May-akda ng monumento Peter I sa Moscow at ang monumento na "Good triumphs over evil" sa harap ng gusali ng UN sa New York. Tagapagtatag ng Moscow Museum of Modern Art, Pangulo ng Russian Academy of Arts, tagalikha ng Zurab Tsereteli Art Gallery, nagtatrabaho sa nabanggit na akademya. Ang mga eskultura ni Tsereteli, bilang karagdagan sa Russia, ay pinalamutian ang Brazil, Great Britain, Georgia, Spain, Lithuania, USA, France at Japan.

Taon ng kapanganakan: 1934

Komposisyon: "Ang Pangarap ni Athos"

Petsa ng pagbebenta: 01.12.2009

Presyo (GBP): 151,250

9. Viktor Pivovarov

Isa sa mga tagapagtatag ng konseptwalismo ng Moscow. Gaya ng Kabakov, imbentor ng genre ng concept album; tulad ni Kabakov, Bulatov At Oleg Vasiliev- isang matagumpay na ilustrador ng mga aklat ng mga bata, na nakikipagtulungan sa mga magazine na "Murzilka" at "Funny Pictures". Mula noong 1982 siya ay naninirahan at nagtatrabaho sa Prague. Ang mga gawa ay nasa mga koleksyon ng Tretyakov Gallery, ang Russian Museum, ang Pushkin Museum im. A.S. Pushkin, Kolodzei Art Foundation (USA), sa mga koleksyon Catherine At Vladimir Semenikhin, Igor Tsukanov.

Taon ng kapanganakan: 1937

Artwork: "Triptych na may ahas." 2000

Petsa ng pagbebenta: 10/18/2008

Presyo (GBP): 145,250

10. Alexander Melamid

Kalahati ng creative tandem Komar - Melamid, na-disband noong 2003. Kasama nina Vitaly Komar kalahok ng Bulldozer Exhibition (kung saan namatay ang kanilang "Double Self-Portrait", ang pangunahing gawain ng Sots Art). Mula noong 1978 siya ay nanirahan sa New York. Walang impormasyon kung saan matatagpuan ang mga kilalang koleksyon ng mga gawa ni Melamid, na nilikha niya nang nakapag-iisa.

Taon ng kapanganakan: 1945

Komposisyon: Cardinal José Saraiva Martins. 2007

Petsa ng pagbebenta: 10/18/2008

Presyo (GBP): 145,250

11. Francisco Infante Arana

Ang may-ari, marahil, sa pinakamabigat na listahan ng mga eksibisyon sa mga Russian artist. Miyembro ng grupo ng mga kinetist "Galaw", noong 1970s natagpuan ang kanyang sariling bersyon ng pagganap ng larawan, o "artifact" - mga geometric na hugis na isinama sa natural na tanawin.

Taon ng kapanganakan: 1943

Artwork: "Pagbuo ng isang palatandaan." 1984

Petsa ng pagbebenta: 31.05.2006

Presyo (GBP): 142,400

12. Vladimir Yankilevsky

Surrealist, isa sa mga pangunahing karakter ng post-war Moscow hindi opisyal na sining, tagalikha ng monumental philosophical polyptychs.

Taon ng kapanganakan: 1938

Artwork: “Triptych No. 10. Anatomy of the soul. II". 1970

Petsa ng pagbebenta: 23.04.2010

Presyo (GBP): 133,250

13. Alexander Vinogradov at Vladimir Dubossarsky

Ang kaakit-akit na proyekto na "Paintings to Order", na sinimulan nila noong walang pag-asa noong 1990s para sa pagpipinta, ay nakatanggap ng nararapat sa kanila noong 2000s. Naging tanyag ang duet sa mga kolektor, at isang pagpipinta ang napunta sa koleksyon ng Pompidou Center.

Taon ng kapanganakan: 1963, 1964

Artwork: "Night fitness". 2004

Petsa ng pagbebenta: 22.06.2007

Presyo (GBP): 132,000

14. Sergey Volkov

Isa sa mga bayani ng sining ng perestroika, na kilala sa mga nagpapahayag na mga pagpipinta na may maalalahanin na mga pahayag. Kalahok ng Soviet auction na Sotheby's noong 1988.

Taon ng kapanganakan: 1956

Artwork: "Dobleng pangitain. Triptych"

Petsa ng pagbebenta: 31.05.2007

Presyo (GBP): 132,000

15. АЕS+F (Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridkes)

Ang mga proyekto ng AES + F ay nakilala sa pamamagitan ng isang mahusay na presentasyon sa palpak na 1990s, na kung ano ang naaalala nila. Ngayon ay gumagawa sila ng malalaking animated na fresco na nag-broadcast sa dose-dosenang mga screen.

Taon ng kapanganakan: 1955, 1958, 1957, 1956

Komposisyon: "Warrior No. 4"

Petsa ng pagbebenta: 12.03.2008

Presyo (GBP): 120,500

16. Lev Tabenkin

Sculptor at pintor na may sculptural vision, na parang nililok ang kanyang mga karakter mula sa luad.

Taon ng kapanganakan: 1952

Komposisyon: Jazz Orchestra. 2004

Petsa ng pagbebenta: 30.06.2008

Presyo (GBP): 117,650

"Pangarap ng Pulang Ibon" 1988 Olga Bulgakova

17. Olga Bulgakova

Isa sa mga pangunahing figure ng intelligentsia "carnival" na pagpipinta ng panahon ng Brezhnev. Kaukulang miyembro ng Russian Academy of Arts.

Taon ng kapanganakan: 1951

Artwork: "Dream of the Red Bird" 1988

Petsa ng pagbebenta: 22.11.2010

Presyo (GBP): 100,876

Sergei at Alexei Tkachev. "Mga Kapatid" ("Dobleng larawan sa sarili"). 1981–1983 GTG

18. Sergey at Alexey Tkachev

Mga klasiko ng huli na impresyonismo ng Sobyet, mga mag-aaral Arkady Plastov, na kilala sa kanilang mga pagpipinta mula sa buhay ng nayon ng Russia.

Taon ng kapanganakan: 1922, 1925

Artwork: "Sabado" 1973

Petsa ng pagbebenta: 20.10.2016

Presyo (GBP): 97,935

19. Alexander Ivanov

Isang abstract artist na pangunahing kilala bilang isang negosyante, kolektor at tagalikha ng Faberge Museum sa Baden-Baden (Germany).

Taon ng kapanganakan: 1962

Komposisyon: Pag-ibig. 1996

Petsa ng pagbebenta: 06/05/2013

Presyo (GBP): 97,250

20. Ivan Chuikov

Isang malayang pakpak ng Moscow pictorial conceptualism. May-akda ng isang serye ng mga pagpipinta-mga bagay na "Windows". Kahit papaano noong 1960s, sinunog niya ang lahat ng kanyang mga painting, na ikinalulungkot pa rin ng mga may-ari ng gallery.

Taon ng kapanganakan: 1935

Artwork: "Walang Pamagat" 1986

Petsa ng pagbebenta: 12.03.2008

Presyo (GBP): 96,500

21. Konstantin Zvezdochetov

Miyembro ng grupo sa kabataan "Amanita", na ang mga miyembro ay tinawag ang kanilang sarili na "mga ama ng" bagong alon "sa Unyong Sobyet" - na may magandang dahilan; sa pagsisimula ng pagiging malikhain, lumahok siya sa Venice Biennale at Kassel Documenta. Mananaliksik at connoisseur ng visual sa kultura ng katutubo ng Sobyet.

Taon ng kapanganakan: 1958

Komposisyon: Perdo-K-62M

Petsa ng pagbebenta: 13.06.2008

Presyo (GBP): 92,446

22. Natalia Nesterova

Isa sa mga pangunahing bituin ng sining ng pagwawalang-kilos ng Brezhnev. Pinapaboran ng mga collectors para sa textured painting style nito.

Taon ng kapanganakan: 1944

Artwork: "Melnik at ang kanyang anak". 1969

Petsa ng pagbebenta: 15.06.2007

Presyo (GBP): 92,388

23. Maxim Kantor

Isang expressionist na pintor na gumanap sa Russian pavilion sa Venice Biennale noong 1997, pati na rin ang publicist at manunulat, may-akda ng pilosopiko at satirical na nobelang "Drawing Tutorial" tungkol sa ins at outs ng Russian art world.

Taon ng kapanganakan: 1957

Artwork: "Ang Istruktura ng Demokrasya". 2003

Petsa ng pagbebenta: 10/18/2008

Presyo (GBP): 87,650

24. Andrey Sidersky

Lumilikha ng mga kuwadro na gawa sa istilo ng psi-art na inimbento niya. Isinalin sa mga komposisyong Ruso Carlos Castaneda At Richard Bach.

Taon ng kapanganakan: 1960

Komposisyon: "Triptych"

Petsa ng pagbebenta: 04.12.2009

Presyo (GBP): 90,000

25. Valery Koshlyakov

Kilala sa mga painting na may mga motif ng arkitektura. Ang pinakamalaking kinatawan ng "South Russian wave". Kadalasan ay gumagamit ng mga karton na kahon, bag, malagkit na tape. Ang unang eksibisyon kasama ang kanyang pakikilahok ay ginanap sa isang pampublikong banyo sa Rostov-on-Don noong 1988.

Taon ng kapanganakan: 1962

Mga likhang sining: Moscow. 2006

Petsa ng pagbebenta: 10/17/2013

Presyo (GBP): 84,629

fragment - Sa larawan. 1987. Langis sa canvas. 200x297. Gallery ng Estado ng Tretyakov.

26. Alexey Sundukov

Gumagawa siya ng laconic, lead-colored na mga painting tungkol sa "lead abominations" ng pang-araw-araw na buhay ng Russia.

Taon ng kapanganakan: 1952

Artwork: "The Essence of Being". 1988

Presyo (USD) 103 363

Petsa ng pagbebenta: 23.04.2010

27. Nikas Safronov

Taon ng kapanganakan: 1956

Komposisyon: "Dream of Italy"

Petsa ng pagbebenta: 07.06.2011

Presyo (GBP): 63,650

28. Igor Novikov

Nabibilang sa henerasyon ng Moscow nonconformist artists noong huling bahagi ng 1980s.

Taon ng kapanganakan: 1961

Artwork: "Kremlin breakfast, o Moscow for sale". 2009

Petsa ng pagbebenta: 03.12.2010

Presyo (GBP): 62,092

29. Vadim Zakharov

Taon ng kapanganakan: 1959

Artwork: Baroque. 1986–1994

Petsa ng pagbebenta: 10/18/2008

Presyo (GBP): 61,250

30. Svetlana Kopystyanskaya

Kilala sa mga installation ng mga painting. Pagkatapos ng 1988 Sotheby's Moscow auction, nagtrabaho siya sa ibang bansa.

Taon ng kapanganakan: 1950

Komposisyon: "Seascape"

Petsa ng pagbebenta: 10/13/2007

Presyo (GBP): 57,600

31. Boris Orlov

Sculptor malapit sa Sots Art. Sikat para sa kanyang trabaho sa ironic na "imperial" na istilo at ang mahusay na pagbibihis ng bronze busts at bouquets.

Taon ng kapanganakan: 1941

Sining: Marino. 1976

Petsa ng pagbebenta: 10/17/2013

Presyo (GBP): 55,085

Taon ng kapanganakan: 1939

Artwork: "Self-portrait na may hang glider"

Petsa ng pagbebenta: 29.11.2007

Presyo (GBP): 54,500

33. Evgeny Semenov

Kilala sa isang serye ng larawan kasama ang mga pasyenteng may Down's disease, na gumaganap bilang mga karakter sa ebanghelyo.

Taon ng kapanganakan: 1960

Komposisyon: Puso. 2009

Petsa ng pagbebenta: 29.06.2009

Presyo (GBP): 49,250

34. Yuri Cooper

Naging tanyag siya sa kanyang mga nostalgic na pagpipinta na may mga lumang gamit sa bahay. May-akda ng dula na "Twelve Pictures from the Life of an Artist", na itinanghal sa Moscow Art Theater. A.P. Chekhov.

Taon ng kapanganakan: 1940

Artwork: Bintana. Dass Street, 56. 1978

Petsa ng pagbebenta: 09.06.2010

Presyo (GBP): 49,250

35. Alexander Kosolapov

Isang Sots Art artist na ang mga gawa ay naging target ng lahat ng uri ng pag-atake. Sa panahon ng patas na "Art Moscow - 2005" ang isa sa kanyang mga gawa ay nawasak ng isang panatiko sa relihiyon na may martilyo.

Taon ng kapanganakan: 1943

Artwork: "Marlboro Malevich". 1987

Petsa ng pagbebenta: 12.03.2008

Presyo (GBP): 48,500

"Tamaan ng martilyo ang isang karit." 1996 Sokolov Leonid

36. Leonid Sokov

Nangungunang Sots Art sculptor na pinagsama ang folklore sa pulitika. Kabilang sa mga sikat na gawa - "Isang aparato para sa pagtukoy ng nasyonalidad sa pamamagitan ng hugis ng ilong."

Taon ng kapanganakan: 1941

Artwork: "Tamaan ng martilyo ang isang karit." 1996

Petsa ng pagbebenta: 12.03.2008

Presyo (GBP): 48,500

Taon ng kapanganakan: 1945

Artwork: Ang Huling Hapunan. 2007

Petsa ng pagbebenta: 18.02.2011

Presyo (GBP): 46,850

Dmitry Gutov at Anatoly Osmolovsky sa pagbubukas ng 4th Moscow Biennale of Contemporary Art. Larawan: Olesya Burlaka 2012.

38. Anatoly Osmolovsky

Isa sa mga pangunahing figure ng Moscow actionism noong 1990s, art theorist, curator, publisher at pinuno ng Baza Institute research and educational program, nagwagi ng unang Kandinsky Prize.

Taon ng kapanganakan: 1969

Produkto: "Tinapay". 2009. Mula sa seryeng "Pagans"

Petsa ng pagbebenta: 23.04.2010

Presyo (GBP): 46,850

Wall painting na "Brother's kiss" ni Dmitri Vrubel sa East Side Gallery sa Berlin.

39. Dmitry Vrubel

Photorealist na pintor, na kilala sa kanyang mga paglalarawan ng paghalik Brezhnev At Honecker sa Berlin Wall.

Taon ng kapanganakan: 1960

Komposisyon: Fraternal kiss (triptych). 1990

Petsa ng pagbebenta: 25.11.2013

Presyo (GBP): 45,000

Taon ng kapanganakan: 1928

Artwork: "Apple II". 1974–1986 Mula sa seryeng "Seventh Heaven"

Petsa ng pagbebenta: 12/16/2009

Presyo (GBP): 43,910

Kaliwa - Gallery XL - Irina Nakhova "Big Red" 1998-1999

41. Irina Nakhova

Muse ng Moscow Conceptualism. Laureate ng Kandinsky Prize noong 2013 sa nominasyon na "Proyekto ng Taon". Noong 2015 kinatawan niya ang Russia sa 56th Venice Biennale.

Taon ng kapanganakan: 1955

Artwork: Triptych. 1983

Petsa ng pagbebenta: 12.03.2008

Presyo (GBP): 38,900

42. Katya Filippova

Isang avant-garde fashion designer na sumikat noong perestroika. Pinalamutian ang mga bintana ng Parisian department store na Galeries Lafayette, ay kaibigan ni Pierre Cardin.

Taon ng kapanganakan: 1958

Komposisyon: "Marina Ladynina". Mula sa seryeng Russian Hollywood

Petsa ng pagbebenta: 12.03.2008

Presyo (GBP): 38,900

43. Yuri Albert

Taon ng kapanganakan: 1959

Artwork: "Hindi ako si Kabakov." 1982

Petsa ng pagbebenta: 25.11.2014

Presyo (GBP): 37,500

44. Boris Zaborov

Artist ng teatro, ilustrador ng libro. Noong 1980 lumipat siya sa Paris, nagtrabaho sa mga costume para sa Comedie Francaise.

Taon ng kapanganakan: 1935

Artwork: "Kalahok". 1981

Petsa ng pagbebenta: 30.10.2006

Presyo (GBP): 36,356

Alexey Morozov at Sergey Minaev sa pagbubukas ng eksibisyon ng artist MMOMA 09.02.2017

45. Alexey Morozov

Sculptor at pintor, madalas na tumutukoy sa mga sinaunang eksena. Ang hinaharap, na mahusay na nakaugat sa nakaraan, ay naging pare-pareho ang haka-haka na lebadura ng kanyang bagong gawain.

Taon ng kapanganakan: 1974

Artwork: "Carrus I (bronze)". 2011

Petsa ng pagbebenta: 25.11.2014

Presyo (GBP): 35,000

46. ​​​​Mikhail Shemyakin

Pintor, graphic artist at sculptor, mahilig sa mga nakakatakot na imahe. Mula noong 1971 siya ay nakatira sa ibang bansa - una sa France, pagkatapos ay sa USA. May-akda ng ilang mga kahindik-hindik na monumento sa Moscow, Samara, St. Petersburg at iba pang mga lungsod. Matagumpay artista sa teatro. Laureate ng State Prize ng Russian Federation.

Taon ng kapanganakan: 1943

Artwork: "Walang Pamagat" 1985

Petsa ng pagbebenta: 13.06.2008

Presyo (GBP): 34,450

47. Rostislav Lebedev

Classical Sots Art artist, kasamahan (at workshop neighbor) Boris Orlov At Dmitry Prigov. Malikhaing binago niya ang visual na propaganda ng panahon ng Sobyet.

Taon ng kapanganakan: 1946

Artwork: "Russian fairy tale". 1949

Petsa ng pagbebenta: 05.06.2008

Presyo (GBP): 34,000

48. Andrey Filippov

Nabibilang sa Moscow conceptual school. Ang may-akda ng mga pagpipinta at pag-install, na pinagsama ng temang "Moscow - ang ikatlong Roma". Mula noong 2009, kasama ang Yuri Albert At Victor Skersis nabibilang sa grupo "Kupido".

Taon ng kapanganakan: 1959

Artwork: "Pitong talampakan sa ilalim ng kilya". 1988

Petsa ng pagbebenta: 31.05.2006

Presyo (GBP): 33,600

2005 "Walang Pamagat" Aidan Salakhova

Workshop ng Aidan Salakhova 2016

49. Aidan Salakhova

Artist, sculptor, dating may-ari ng gallery, isa sa mga pangunahing pigura sa kontemporaryong sining ng Russia.

Taon ng kapanganakan: 1964

Artwork: "Walang mga salita No. 14 (marble)". 2015

Petsa ng pagbebenta: 07.06.2016

Presyo (GBP): 32,500

50. Vladimir Shinkarev

Tagapagtatag at ideologo ng pangkat ng sining "Mitki". Sa kanyang nobelang "Mitki" sa unang pagkakataon ay tumunog ang konseptong ito. Ang nobela ay naisulat dahil sa inip habang nagtatrabaho sa boiler room.