Esquema de una sinopsis sobre el tema "Naturaleza muerta en colores contrastantes". Plan: una sinopsis de una lección de pintura: naturaleza muerta a partir de objetos de diferentes materiales (Imitación de técnicas de pintura al óleo) Esquema de una lección sobre el tema de la naturaleza muerta.
DEPARTAMENTO DE CULTURA
ADMINISTRACIÓN DE LA CIUDAD DE BRATSK
Educativo presupuestario municipal
institución de educación adicional para niños
"Escuela de Arte Infantil No. 2"
del municipio de la ciudad de Bratsk
BOSQUEJO DE LA LECCIÓN ABIERTA
Programa complementario de educación general preprofesional en el campo. Artes visuales"Pintura" (término de estudio 5 (6) años),
asignatura académica "Pintura", primer grado, I semestre
TEMA: “ARMONÍA DE COLORES. ARMONÍA POLAR. FOTOGRAFÍA DECORATIVA "
Profesor MBOU DOD "DSHI No. 2" MO Bratsk
Marina Mikhailovna Pozharskaya
Bratsk 2013
Nota explicativa
Lección del tema presentada PO.01. UP.02, PO.01.UP.05"Pintura" del programa adicional de educación general preprofesional en el campo de las bellas artes "Pintura" (la duración del estudio es de 5 (6) años), desarrollado para estudiantes de 1er grado del departamento de arte. De acuerdo con el plan de lección temático del calendario, el tema seleccionado de la lección número 9 “Armonía de colores. Armonía polar. Bodegón decorativo ”, es una continuación del estudio de las armonías cromáticas. El tema de la lección anterior №8 "Contraste de luz (contraste acromático)". Esta lección abierta “Armonía de colores. Armonía polar. Bodegón decorativo "es una lección para consolidar la práctica de la acuarela en el apartado" Pintura de acuarela ". La lección está diseñada para 3 horas académicas de acuerdo con el plan de lección temático. Los principales objetivos de la lección son una desviación de la enseñanza académica tradicional de las disciplinas artísticas y la formación de soluciones alternativas independientes de los estudiantes.
La condición principal para una lección exitosa es el estímulo a la autoexpresión artística y la manifestación activa de la iniciativa creativa individual. Se eligió la intriga creativa como el momento clave para la lección. Esto proporciona una motivación constante para desarrollar interés en el contenido de la lección. La presencia de elementos de un experimento creativo activa el estado emocional de los estudiantes, contribuye al desarrollo. actividades cognitivas y esforzarse por obtener resultados.
Para la asimilación efectiva de la parte teórica de la lección, se ha creado un entorno temático especial en forma de exhibición de objetos de la cultura china, acompañamiento musical y presentación por computadora.
La parte práctica de la lección se presenta en forma de clase magistral, lo que garantiza un alto grado de actividad de la audiencia y desarrolla el coraje creativo. Varias formas de capacitación, desde el grupo hasta el individuo, crean una imagen dinámica de los tipos cambiantes de actividades e intensifican el proceso creativo.
Desarrollo metódico contiene un guión detallado de la lección que indica las metas y los objetivos, así como el resultado esperado. Los pasos de trabajo muestran el curso lógico de la lección y la interacción del profesor con los estudiantes. El apéndice contiene enrutamiento clases, descripción de tecnología y técnicas, su efectividad en el aula, apoyo didáctico (términos de referencia, fichas de tareas). La presentación visual se realizó en MS Power Point.
Una lección abierta se basa en la cantidad de conocimiento del material aprobado, así como en paralelo, persigue el objetivo de consolidación primaria de nuevo material educativo, posibilidades teóricas y prácticas en pintura, es decir, el desarrollo de habilidades preprofesionales. de estudiantes en esta asignatura académica.
Lección abierta sobre "Pintura" en el primer grado II medio año
maestro MBOU DOD "DSHI No. 2" MO Bratsk
Marina Mikhailovna Pozharskaya
Fecha y hora de la lección: 12/10/2013, 15 00-17 20.
Sección de tema: Armonía de color. Armonía polar.
Tema de la lección: “Armonía cromática. Armonía polar. Bodegón decorativo "
Número de lección: 8.
Tipo de lección: La lección del estudio y la consolidación primaria del nuevo material educativo.
El propósito de la lección: desarrollo del pensamiento abstracto, mejora de las habilidades en la técnica de la pintura, posesión compositiva del espacio de la hoja; percepción y transmisión de colores.
Objetivos de la lección:
Educativo:
Saber:
Propiedades y particularidades de la acuarela, sus posibilidades y cualidades estéticas;
Propiedades artísticas y estéticas del color;
Los principales patrones de creación de un sistema de color;
Ser capaz de:
Ver y transmitir las relaciones de color;
Desarrollando:
Desarrollo de habilidades artísticas;
Desarrollo de elementos actividad creativa;
Educativo:
Fomentar el "valor creativo" y la confianza en uno mismo;
Aumento de la necesidad de autoexpresión creativa;
Educación de ideas estéticas y gusto artístico;
El resultado esperado es:
Desarrollo de habilidades prácticas en pintura de acuarela en naturaleza muerta;
Busque relaciones de color;
Formación de ideas reales sobre sus habilidades artísticas.
Tecnologías utilizadas:
Tecnologías orientadas a la personalidad.
Duración de la lección: 45 minutos + 45 min. + 45 min. con cambios
Equipo de lección:
Metaplan;
Hoja A2;
Cinta adhesiva, clips,
Platos para decorar cuadros (pasaporte)
Acompañamiento musical ( Centro de audio MP3)
Presentación por computadora (proyector de video)
Computadora portátil
Herramientas y materiales artísticos: pinturas de acuarela(12-24 colores), pinceles "Squirrel" (No. 5, No. 3, No. 2), tinta negra;
Tablas metodológicas para la ciencia del color, reproducciones de naturalezas muertas, frutas o verduras.
Integración: - ciencia del color, composición de caballete.
Plan de estudios:
8. Reflexión (resumen de los resultados de la lección) 10 min.
Durante las clases:
Organización preliminar de la clase (comprobación de ausencias,
el estado externo de las instalaciones, los lugares de trabajo, la organización de la atención);
2 . Declaración de la meta y los objetivos de la lección.Conocimiento de la situación preprofesional.
Introducción
Saludos de la audiencia
Conocimiento de la situación preprofesional:
Durante las clases.
Maestro- Me gustaría comenzar nuestra lección con una invitación a una exposición, donde ustedes mismos pueden convertirse en participantes de la visualización creativa. Cada año, al final del año académico, una exposición de los mejores trabajos de los estudiantes en varios direcciones artísticas... Cada uno de ustedes tiene la oportunidad de presentar su trabajo a la exposición. Una vez finalizada la exposición, se resumirán los resultados. De acuerdo con los resultados de la votación de los visitantes de la exposición, se determinarán los ganadores en las distintas nominaciones. ¡El verdadero éxito le espera! Solo tienes que decidir el tema de tu futuro trabajo creativo.
3. Actualización de conocimientos. Trabajando con información teórica.
Maestro- ¿Qué pueden representar los artistas en sus pinturas y qué quieren expresar con sus obras? Pueden contar sobre varios eventos, cosas, mostrar cómo era la gente antes y transmitir su carácter y estado de ánimo, cómo el artista se relaciona con lo que representa.
Estudiante 1- La naturaleza muerta como género de pintura surgió en Europa en la frontera de los siglos XVI y XVII, el término en sí apareció a principios del siglo XIX. en Francia (naturaleza muerta), reemplazando la palabra holandesa (naturaleza inmóvil). La naturaleza muerta es un género en el que el artista expresa su actitud ante la realidad a través de la imagen de objetos que combina primero en la naturaleza y luego en el lienzo con conexiones semánticas y estéticas.
El género de la naturaleza muerta es multifacético, su objeto principal es íntimo, vida privada persona. Sus simples asuntos y necesidades cotidianos, expresados en objetos: comida, bebida, utensilios domésticos, elementos de flora y fauna, y más. El artista representa el mundo exterior. Forma, color, textura de los objetos, densidad, suavidad, jugosidad, humedad, transparencia, fragilidad. No solo se aprenden las propiedades físicas de las cosas, sino, principalmente, su significado para una persona, el papel que juegan en su vida. Gracias a esto, conocemos la vida de la época, el país. El artista examina los objetos de cerca: con calma, sin prisas, con atención, los muestra al espectador en primer plano, desde diferentes ángulos, completos. Cortado, roto. Todo esto permite al espectador ver cosas familiares y familiares de una manera nueva, apreciar su belleza.
Maestro- Uno de los principales temas del género es el amor por la naturaleza, tema de su conocimiento y desarrollo, inspiración por la abundancia de sus dones en una belleza y diversidad infinitas.
Estudiante 2- en el sonido de las naturalezas muertas y temas filosóficos significado de la vida humana. Los objetos representados en naturalezas muertas se pueden dividir en dos grandes grupos. Objetos naturales (flores, frutas, pescado, caza). Y cosas hechas por manos humanas (herramientas, artículos para el hogar, obras de arte).
La peculiaridad de los objetos naturales es su fragilidad, las flores se marchitan, los frutos se deterioran, etc. Por tanto, la función de este género es impartir inmutabilidad a lo cambiante, consolidar una belleza inestable, frenar el curso del tiempo, hacer eternos las cosas perecederas. Esto le da a las naturalezas muertas una profundidad filosófica atractiva para el espectador, que se expresa acertadamente en los versos:
Habiendo vivido hasta el presente,
Quedó un cuchillo largo, no roto,
Y vientos frente al limón
Monograma de piel rugosa.
Y la pared no se pela,
Y los pliegues de la tela no cambian,
Y todo esta en orden
Y el jamón se pone rosado.
Nadie ha bebido vino.
Y sin derrames en la servilleta.
Pero sin pinceles y sin paleta
Y no hay artista desde hace mucho tiempo.
¿Y quién responderá por qué?
Como el dia anterior
Así será mañana
Para que alguien espere por un desayuno servido ...
Y no lo toques.
A. Veksler.
Maestro- cuando consideramos una serie de naturalezas muertas de diferentes artistas, vemos cuán diversas son, y no solo por lo que se representa (por el contenido), como se representa (mediante la expresividad), sino también por la forma creativa individual de cada artista. Sentimos un cierto impacto emocional de cada cuadro: algunos parecen líricos, íntimos, otros solemnes, heroicos, monumentales
Entonces, dependiendo del contenido de los objetos representados en la imagen, seleccionamos condicionalmente bodegones de orden único o mixtos.
Estudiante- La naturaleza muerta de una sola fila (un tipo) representa objetos de un tipo específico: solo verduras, solo frutas, bayas, etc. La imagen también puede mostrar una variedad de alimentos (comida); pan y diversos productos de harina, queso, salchichas, diversas bebidas, etc. I. Mashkov, “Moscow food. Panes ". Si la imagen muestra una variedad de objetos (verduras y frutas, flores y frutas, platos, etc.), definimos tal naturaleza muerta como mixta en contenido I. Khrutsky, "Flores y frutas".
Los bodegones, unidos por el nombre de “Mesa Laid”, tienen un carácter algo diferente: “Desayuno”, “Postre”, “Cena”, etc. I. Grabar, “Mesa Descuidada”. Hay una cierta trama en tales imágenes, así que las designamos. Como historias. Se pueden atribuir al tema naturalezas muertas que representan aves, animales, seres humanos o naturalezas muertas con el paisaje de F. Tolstoi, "Un ramo de flores, una mariposa y un pájaro", S. Zhukovsky, "Frente a la terraza" naturaleza muerta.
Maestro- Como ya hemos señalado, los personajes principales del bodegón son objetos. Cosas que se presentan "de cerca" para que pueda observar su belleza. Cada artículo tiene su propia forma, textura, densidad, etc.
Ahora vamos a jugar al juego "Know by touch".
Objetivo del juego: consolidar el conocimiento sobre la forma de verduras, frutas, examen táctil de la forma, superficie, correlacionar sensaciones táctiles con las representaciones visuales disponibles.
Material: conjunto de frutas y verduras, bolsa de tela.
Gestión: Un grupo de estudiantes se sienta en semicírculo frente a una mesa. Hay una bolsa de frutas y verduras sobre la mesa. A su vez, cada uno se acerca a la bolsa, colocando su mano en la bolsa. Busque una verdura o una fruta e intente adivinar qué es. Dígale sobre el objeto, qué forma tiene, dura o blanda, cuál es su superficie: lisa o rugosa. Y al final, diga qué tipo de objeto es. Luego sáquelo de la bolsa y compruebe si fue reconocido correctamente.
La siguiente tarea: en un caballete, cinco reproducciones para determinar qué naturaleza muerta se pintó en la habitación, cuáles al aire libre, en qué se diferencian.
2. Maestro- Hemos examinado muchas naturalezas muertas diferentes, son las más diversas, realizadas en diferentes técnicas y en diferentes colores. ¿Cómo ayuda el color a comprender el estado de ánimo de la imagen?
En la obra de cualquier artista hay periodos en los que prefiere uno u otro colores... Algunos artistas pintan en colores cálidos, otros en colores fríos, algunos en colores brillantes o pasteles. Y todos transmiten un estado de ánimo, estado diferente (alegre, soleado, festivo, triste, lúgubre, etc.). Diferentes sensaciones (frescor, frescor, ternura, suavidad, sonoridad, etc.). Llegamos a la combinación de colores, prestemos atención a la rueda de colores. En la primera etapa, la rueda de colores se puede dividir en tres combinaciones de colores:
Gamas de colores relacionados;
Esquemas de colores contrastantes;
Relativamente contrastante;
Polar;
Analizaremos el primer esquema de color. Colores relacionados (4 colores seguidos, incluido un color principal, que puede estar al principio o al final):
Amarillo - rojo anaranjado;
Rojo - ultramarino;
Azul - guisante;
Verde - limón;
El rojo es amarillo anaranjado.
Analicemos uno de ellos. Como regla general, el más popular es el dorado, que va del amarillo al rojo. Tenemos cuatro colores brillantes y saturados: el poder de expresión del tono de color. Las pinturas están saturadas en su forma pura, y no cuando se mezclan con otras, amarillas, amarillo-naranja, naranja, naranja-rojo. Podemos enriquecer cada uno de estos colores haciendo a partir de ellos colores pastel (+ blanqueado) poco saturados (+ negro), obtenemos colores amarillo claro y dorado pálido (pastel), dorado-verdoso y rojo-marrón (poco saturado). Qué variedad tan rica.
Imagina. Que hemos enriquecido cada uno de estos cuatro colores al 100% de saturación a al menos tres estados (pastel, baja saturación, insaturado).
4. Asimilación primaria de nuevos conocimientos. Trabajo practico
Pasemos a la siguiente etapa de nuestro trabajo, la pintura de acuarela.
Maestro: dependiendo de la idea, elegimos un esquema de color y comenzamos a trabajar en un boceto ya preparado (el boceto se preparó en la lección anterior). Para realizar un bodegón plano decorativo en colores polares.
En el curso del trabajo práctico de los estudiantes, el profesor realiza un trabajo individual con los estudiantes, sobre la selección de colores, su distribución en un plano, etc.
5. Prueba inicial de comprensión. Exposición
Entonces, tu trabajo está completo. Pero adquirirán su apariencia final cuando reciban un marco digno. Hay un taller de enmarcado a su servicio. (Se organiza un taller de baguette estilizado en una de las mesas: marcos preparados de papel de colores) Elija el marco adecuado para su trabajo, de acuerdo con su contenido de color, mostrando su gusto y conocimiento de la ciencia del color. (Los alumnos llegan al lugar con marcos y seleccionan muestras. Decoran el trabajo, fijándolos en la tableta. El profesor aconseja)
Sugiero que se levanten y vean el trabajo de los demás. Tenemos un día de apertura improvisado. No te olvides de la "Montaña del éxito". Quizás cada uno de ustedes tenga el deseo de mover su calcomanía a un nuevo lugar, es decir, reevalúe sus capacidades después de completar el trabajo. ( Los estudiantes ven obras de arte y trabajan con pegatinas.). Ahora analicemos nuestras impresiones del día de la inauguración. ¿Qué trabajo te gustó más? ¿Qué obras requieren, en su opinión, mejoras?
6. Anclaje primario. Evaluación
El docente evalúa cada trabajo desde la posición de un experto, destacando sus méritos.
Los estudiantes evalúan su trabajo, notando desventajas o áreas problemáticas, y también se dan consejos y recomendaciones entre sí.
7. Información sobre la tarea, sesión informativa
sobre su implementación
Maestro:
Encuentre una ilustración o una postal, determine la combinación de colores.
Los estudiantes escriben la tarea que reciben.
8. Reflexión (resumiendo los resultados de la lección)
Maestro:
¿Qué dificultades enfrentó al elegir colores para combinar con la armonía multicolor? (La elección de colores y matices en el estudio y la correspondencia de colores y matices en la ilustración)
¿Qué etapa fue la más difícil? ( Comenzando, determine el grado de finalización)
¿Qué etapa fue la más interesante? ( Detallar, diseñar obras, visualizar obras y compararse con los demás)
¿Cuáles son las perspectivas de cada uno de ellos para este tipo de actividad artística?
(Hay ganas de repetir este trabajo, escribir otro)
Maestro:
¡GRACIAS POR SU COOPERACIÓN!
¡TE DESEO ÉXITO!
BIBLIOGRAFÍA:
Abramtseva M.A. Conversaciones y juegos didácticos en las lecciones de bellas artes, grados 1-4. M. Vlados 2003
Buinov A.M., Elizarova E.M., Escuela de Bellas Artes Ioganson B.V., vol. 2ª ed. tercero, corregido. y añadir. M.: Bellas artes. 1988 año
Bellas artes parte 2, libro de texto de conceptos básicos de pintura para estudiantes en los grados 5-8. Editorial "Título" de Obninsk, 1996
Kurochkina N. A. Conocido con la editorial de naturaleza muerta "Childhood-Press" SP. 1999 año
William Powell. Color y cómo usarlo. M. Ast. Astrel 2005
RECURSOS DE INTERNET UTILIZADOS:
1. http://www.linteum.ru/article254.html
2. http://decko.ru/dizain/100-colorist
6.
7.
8.http: //aversin.livejournal.com/11713.html
SOLICITUD
SOPORTES DE TEXTO
ARMONÍA POLAR
CUADRO
Naturaleza muerta
ACUARELA
TRANSPARENCIA
CROMOTICIDAD
ACENTO DE TONO
TÉRMINOS CLAVE
ACUARELA -(Acuarela francesa, del italiano acquerello, del latín agua aqua), pinturas (generalmente sobre cola vegetal), diluidas con agua, así como pintura con pinturas al agua.
COLORES ACROMÁTICOS - blanco, gris, negro
ARMONÍA proviene de la palabra griega, que significa consonancia, armonía, lo opuesto al caos, la ley de la belleza
MONOTONO DE ARMONÍA (en la literatura científica del color también se le llama monocromático, es decir, un color) se basa en una combinación de tonos de un "rayo" de color, que difieren en la claridad y saturación de un color. El tono general del color confiere a la composición del color un carácter tranquilo y equilibrado.
RELACIONADOS CON LA ARMONÍA basado en la presencia en ellos de impurezas del mismo color principal. Los colores principales se llaman: amarillo, rojo, azul, verde. Estos pueden ser colores adyacentes: rojo y rojo-naranja, amarillo y amarillo-rojo, pero no amarillo y rojo.
ARMONÍA POLAR construido sobre la oposición de dos colores principales. Por ejemplo: rojo y verde, amarillo y morado. En armonía polar, se pueden combinar varios tonos de los colores polares principales. Muchos investigadores consideran que esta armonía es la más cómoda para la vista, esta es la manifestación del deseo de nuestro cuerpo por el equilibrio y la autodefensa.
ARMONÍA TRICOLOR construido sobre la oposición de tres colores primarios que se encuentran dentro de los intervalos o construido alrededor de ellos tres armonías de color.
ARMONÍA MUCHO COLOR en el que, con una amplia variedad de colores, no se pueden distinguir los principales.
COLORES ADICIONALES (CONTRASTE) - Estos son pares de colores claramente opuestos, que refuerzan mutuamente la saturación de cada uno (por ejemplo, naranja y azul, morado y amarillo, rojo y verde).
CUADRO -vistamultaletras, obrasquién
son creados con ayuda pinturas, aplicado en que- o sólido superficie.
CONTRASTE- contiene el claro opuesto de los objetos o flores para cualquier propiedad.
MONOCROMO -monocromaticidad
NUANCE - significa diferencias sutiles y leves en los elementos o flores para cualquier propiedad.
SATURACIÓN- esta es la diferencia entre un color cromático y un color gris de igual luminosidad.
COLORES PRIMARIOS: amarillo, rojo, azul.
NATURALEZA MUERTA - este es , tema cual es la imagen artículos para el hogar, flores, verduras y frutas.
TRANSPARENCIA -propiedad de un objeto que permite que la luz lo atraviese sin distorsión significativa
COLORES COMPUESTOS:
naranja, morado, verde.
Los colores compuestos se obtienen mezclando dos colores primarios:
Naranja = rojo + amarillo
Morado = rojo + azul
Verde = amarillo + azul
Todos los demás colores consisten en mezclar estos colores en diferentes proporciones.
Más la diferencia en saturación y ligereza.
ACENTO DE TONO - resaltando una parte de una composición, una imagen, un objeto para darle una gran importancia.
COLORES CROMÁTICOS -"De colores"
ARMONÍA DE COLORES = EQUILIBRIO DE COLORES.
TONO DE COLOR- la presencia del color principal en un color complejo,
que define su lugar en la rueda de colores.
El tono de color está determinado por el nombre del color: escarlata, carmesí.
Imagen1>
Marina Andreeva
Lección de pintura
Frente a los niños hubo una actuación con una jarra, champiñón, berenjena, pimiento y cerezas. Todo esto se colocó sobre una cortina verde sin pliegues.
Grado 4, edad de 12 a 14 años.
Objetivos de la lección
1. Coloque correctamente los elementos en la hoja.
2. Construya la jarra correctamente.
3. Reproduzca el tono de color de acuerdo con la naturaleza.
4. Desarrollo del ojo.
5. Desarrollo de la habilidad de la relación de objetos entre sí para una transferencia precisa de tamaños.
Parte teórica.
Algunos niños de este grupo participan en el primer año, por lo que para ellos fue especialmente importante una explicación de los matices y requisitos para el trabajo. Para una asimilación más sólida del material se utilizaron comparaciones fáciles de entender.
Por ejemplo, cada elemento está ubicado en su lugar y a cierta distancia de otros elementos. Para esta explicación, se utilizó un ejemplo de las órbitas en las que se encuentran los planetas del sistema solar.
La parte práctica.
Los niños determinaron la posición de la hoja y procedieron a colocar objetos en la hoja. Para empezar, se determinó un plano (una mesa sobre la que se colocarán los objetos.
Cada niño tiene sus propias características de visión de una naturaleza muerta. Alguien agranda objetos, alguien los hace más pequeños. Alguien se mueve hacia arriba, alguien hacia abajo, alguien hacia la derecha o hacia la izquierda. Para evitar esto, se recomendó a los niños que hicieran un mini bosquejo en la esquina de la hoja.
Trabajando con color.
Para que el trabajo sea holístico, debe trabajar con el color con todos los objetos a la vez, y no por separado. Por lo tanto, puede dividir el trabajo con color en etapas.
1. Determinación del tono básico de cada objeto.
2. Revelar áreas oscuras, áreas claras, luces, sombras en un plano, en objetos.
3. Análisis de cada tema para considerar reflejos y matices.
4. La etapa final. Generalización de objetos, trabajo con pequeñas cosas.
Salir
Los niños terminan su trabajo y, junto con el maestro, discuten los momentos: qué fue exitoso y qué no. Es importante elogiar a todos por su trabajo. Es especialmente importante que los niños que estudian el primer año comprendan que todo les está saliendo bien.
Al finalizar la lección, queda claro que cada niño específicamente tiene más éxito, que es menos. Qué se debe enfatizar en la próxima lección.
Obras terminadas de niños.
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El tema de la lección es "Pintura".
Objetivos de la lección:
Didáctico: Contribuir a la formación del conocimiento sobre la pintura, sobre sus tipos, subdivisiones.
Desarrollando: para familiarizarse con el trabajo de A. A. Plastov. Promover el desarrollo del pensamiento creativo, la capacidad de respuesta emocional, la capacidad de describir imágenes.
Educativo: contribuir a la formación del gusto estético; la necesidad de una comunicación independiente con las artes visuales; contribuir al desarrollo de la cultura comunicativa (la capacidad de comunicarse, el desarrollo del discurso monólogo); sentimientos de patriotismo, amor por su patria.
Métodos de lección: explicativo - ilustrativo, reproductivo, en parte - exploratorio.
Formas de lección: Frontal, grupal, individual.
Material y material didáctico: computadora, proyector, pizarra interactiva, folletos.
Formación de competencias generales: 3. Tomar decisiones en situaciones estándar y atípicas y ser responsable de ellas. 4. Realizar la búsqueda y uso de la información necesaria para el efectivo cumplimiento de las tareas profesionales, desarrollo profesional y personal. 6. Desarrollarse en equipo y en equipo, comunicarse de manera efectiva con colegas, gerencia, consumidores.
Plan de estudios:
1. Comunicación del propósito de la lección (2 min.)
II. Parte principal (40 min.)
1. Generalización y sistematización de conocimientos (calentamiento terminológico (4 min.)
2. Aprendizaje de material nuevo.
A) "Pintura", subdivisiones de pintura, tipos (10 min.)
B) Arte soviético, informe sobre A.A. Plastova (8 min.)
C) Descripción de reproducciones (10 min.)
3. Fijación del material.
A) descripción de la reproducción por parte de los estudiantes, según el memo - sugerencia (8 min.)
III. La parte final - (3 min.)
1. Mensaje sobre el logro del objetivo de la lección.
2. Envío de calificaciones.
3. Tarea.
Durante las clases.
I. Organización del inicio de la lección.
1. Saludos, mensaje del tema de la lección, metas y objetivos, (2 min.)
II. La parte principal.
1. Calentamiento terminológico, (4 min).
Los principales conceptos del curso se encuentran en el tablero. Los estudiantes los definen.
1. Escultura, 2. estética, 3.enumerar los tipos de cinematografía,4.música, 5.arquitectura.
1. Traducido del griego. constructor. El arte de diseñar y construir edificios y otras estructuras (también sus complejos) que crean un entorno material organizado que las personas necesitan para su vida y su trabajo.
2. La ciencia de la belleza, de las leyes del surgimiento, funcionamiento y evaluación de las formas expresivas en la naturaleza, la sociedad, el arte.
3. películas de ficción, cortometrajes, documentales.
4.B traducido del griego "arte de las musas". Una forma de arte en la que los medios de encarnación imagenes artisticas los sonidos de la música organizados de una determinada manera sirven.
5.Un tipo de bellas artes, cuyas obras tienen una forma tridimensional, tridimensional y están hechas de materiales sólidos o plásticos.
2. Aprendizaje de material nuevo.
a) El profesor revela el contenido del concepto de "pintura". Subdivisiones de pintura, tipos de pintura (10 min.)
La pintura (del ruso. Viva y para escribir) es un tipo de bellas artes, que consiste en la creación de pinturas, pinturas, que reflejan la realidad de la manera más completa y realista.
Una obra de arte realizada con pinturas (óleo, temple, acuarelas, gouache, etc.) aplicadas sobre cualquier superficie dura se denomina pintura. El principal medio expresivo de la pintura es el color, su capacidad para evocar diversos sentimientos, asociaciones, realza la emocionalidad de la imagen. El artista generalmente compone el color necesario para pintar en una paleta y luego convierte la pintura en color en el plano de la imagen, creando un orden de color: colorear. Por la naturaleza de las combinaciones de colores, puede ser cálido y frío, alegre y triste, tranquilo y tenso, claro y oscuro.
La pintura es una de las más antiguas y, por tanto, especies interesantes Arte. A lo largo de los años, han aparecido nuevas técnicas, materiales y técnicas, pero la pintura a lo largo de los siglos sigue siendo la principal herramienta para transmitir imágenes visuales inolvidables, completamente naturales o extravagantes. La pintura puede realizar funciones didácticas o documentales, pero, sobre todo, permite admirar las posibilidades y rasgos estéticos de cualquier estilo, la singularidad de la obra del maestro, cada escena captada por él. La pintura siempre es autosuficiente: un marco de alta calidad solo habla de una actitud cuidadosa hacia el trabajo, pero es una imagen memorable que puede convertirse en un verdadero punto culminante de cualquier interior.
La pintura se divide en caballete y monumental. El artista pinta cuadros sobre lienzo estirado en una camilla y montado en un caballete, que también se puede llamar máquina herramienta. De ahí el nombre "pintura de caballete"(diapositiva). Y la palabra "monumental" en sí misma habla de algo grande y significativo. Pintura monumental ( diapositiva ) - se trata de grandes pinturas en las paredes interiores o exteriores de los edificios (frescos, paneles, etc.). Una obra de pintura monumental no puede separarse de su base (paredes, soportes, techos, etc.). También se eligen temas significativos para pinturas monumentales: hechos históricos, hazañas heroicas, cuentos populares, etc. Mosaico ( diapositiva) y vidrieras (diapositiva ), que también se puede atribuir al arte decorativo. Aquí es importante lograr la unidad estilística y figurativa de la pintura y la arquitectura monumentales, la síntesis de las artes.
A diferencia de la pintura como un tipo independiente de bellas artes, el enfoque pictórico (método) se puede utilizar en sus otras formas: en el dibujo, los gráficos e incluso en la escultura. La esencia del enfoque pictórico radica en representar un objeto en conexión con el entorno espacial de luz y aire circundante, en una gradación sutil de transiciones tonales.
Según las técnicas y materiales utilizados, la pintura se puede dividir en los siguientes tipos: aceite (diapositiva), - una de las técnicas de pintura, utilizando pinturas con aceite vegetal como aglutinante principal, tempera (diapositiva) - pinturas preparadas a base de pigmentos naturales en polvo seco.Las pinturas al temple son una de las más antiguas. Hasta los siglos XV-XVII. Las pinturas al temple eran el material principal para la pintura de caballete. Entonces, las famosas pinturas de los sarcófagos de los antiguos faraones egipcios están hechas con pinturas al temple,cera (diapositiva) -una especie de técnica de pintura, en la que la cera sirve como aglutinante de la pintura, las obras conservan durante muchos siglos la frescura original del color local, la densidad y textura de la capa de pintura, esmalte (diapositiva) - la base del esmalte es una aleación vítrea - "fundente" - estaño quemado y plomo, mezclado con vidrio triturado, aditivos de potasa, sodio, azufre. El color del esmalte viene dado por varios óxidos metálicos, pegamento (diapositiva) - una especie de técnica de pintura en la que el pegamento sirve como aglutinante del pigmento. Con un alto contenido de pegamento en la pintura, la superficie se vuelve brillante, pinta: mayor intensidad, fresco (diapositiva) - técnica de pintura con pinturas sobre agua limpia o de cal sobre yeso fresco y húmedo.En algunos casos, puede resultar difícil separar la pintura de los gráficos. Los trabajos realizados con acuarelas, gouache y pasteles pueden relacionarse tanto con la pintura como con los gráficos. Gráficos(diapositiva) - un tipo de bellas artes que utiliza líneas, trazos, manchas y puntos como principales medios visuales. Al dibujar con gráficos, generalmente no se usa más de un color (excepto el negro principal), en casos raros, dos.
B) Arte soviético, informe de A.A. Plastov. (8 min.)
El arte soviético puede enorgullecerse de los artistas destacados que definieron el rostro del arte soviético. cultura artística... Tal como:
Shishkin Ivan Ivanovich, Surikov Vasily Ivanovich, Vasnetsov Viktor Mikhailovich, Roerich Nikolai Konstantinovich(diapositivas de retratos de artistas y reproducciones).
Conocimiento del trabajo de A.A. Plastov. (diapositivas de las pinturas del artista en una pizarra interactiva).
Es un excelente maestro de una imagen compleja y un boceto fluido, un excelente ilustrador, un artista extremadamente versátil en sus aspiraciones creativas. Al mismo tiempo, su arte es notable por su asombrosa integridad. Esto se debe al hecho de que desde los primeros pasos su arte está profunda y directamente conectado con la lucha, pensamientos y sentimientos de su gente nativa y, en primer lugar, con personas a las que conoce perfectamente, con el campesinado.
Informe biográfico.
Arkady Alexandrovich Plastov
(1893-1972)
Nacido y criado en el pueblo de Prislonikha, región de Ulyanovsk. Aquí, ya graduado de la Escuela de Pintura de Moscú, era un campesino en los primeros años después de la revolución. Aquí, en la década de 1930, se dedicó por completo a su amado arte. En 1931, cuando A.A. Plastov tenía unos cuarenta años, su casa y taller en Prislonikha se incendiaron. Todas sus obras fueron quemadas. Pero el artista no se desanimó y encontró la fuerza para crear nuevas obras. Fue el apogeo de su creatividad.
Plastov fue un pintor del pueblo, su nativo, su habitante. No le gustaba dejar su Prislonikha natal. No se esforzó por mudarse a Moscú, donde una vez recibió una educación artística en la Escuela de Arte Industrial Stroganov. Se mantuvo fiel a sí mismo y al camino elegido una vez.
La vida de su pueblo natal es un tema invariable en las pinturas de Plastov, aunque a veces no encontraremos en ellos signos específicos de este pueblo en particular y sus habitantes. Como cualquier gran artista, Plastov es un maestro de la selección y generalización artística, que sabe ver en concreto lo general, inherente al tiempo. La participación directa en él permitió a este maravilloso pintor evitar la declaratividad y la franqueza en sus numerosas obras. Sus obras están imbuidas de un sentido vivo y vibrante de la realidad. El espectador nunca duda de la existencia real de los héroes de Plastov. Está profundamente conmovido por los sentimientos que expresa el artista: un sentido de orgullo por la fuerza de la gente común, admiración por su trabajo desinteresado en sus campos nativos.
El arte de Plastov es brillante, audaz, que afirma la vida. Esto se debe a la inclinación del artista por representar aspectos de la vida en los que se revela el optimismo de una persona rusa. En una escena de trabajo en el pueblo o en unas vacaciones ruidosas, en un episodio de la vida de los niños del pueblo o en el retrato de una joven campesina colectiva, se puede sentir confianza en la fortaleza espiritual de los rusos, nuestros contemporáneos, llenos de egoísmo. estima y fuerza interior.
v) Descripción de las reproducciones de A.A. Plastov (10 min.)
Reproducciones "Fascist voló", "Cena de conductores de tractores", "Primera nieve" se encuentran alternativamente en la pizarra interactiva.
... 1942, terrible época de guerra, cuando la sombra de la derrota aún no había desaparecido en el horizonte de la historia. Entonces Plastov creó una imagen que lo hizo famoso. "El fascista pasó volando" es una terrible revelación del horror y la muerte de la guerra. La brutalidad ciega de la guerra está enmarcada por una naturaleza inapropiadamente hermosa. Sangre de inocentes, latiendo en los ojos, cortando el corazón. El grito del alma del artista, en el que se nutrieron desde la más tierna infancia los ideales del amor y la misericordia cristianos. Para Plastov, paradójicamente, vivir en un país de ateísmo militante y ser un artista reconocido, cuyas obras se exhibían regularmente en exposiciones de toda la Unión, seguía siendo una persona profundamente religiosa.
"El fascista pasó volando" (1942)
Finales del otoño. Cielo bajo y sombrío. Hojas amarillas sobre abedules jóvenes delgados, hierba rojiza. Una manada pasta en el borde del bosque, y un pastorcillo campesino corre por aquí ...
Pero entonces pasó un avión fascista, y el piloto, presionando el auto contra el suelo, sin sentido lo cortó brutalmente con una ametralladora ... El niño cayó al suelo, hundió la cabeza en la hierba. El perro aulló lentamente. La manada se dispersó. Y sobre un campo de cultivos invernales que estaba despertando a la vida, escondiéndose poco a poco en la distancia, un avión voló ...
Es difícil argumentar que el artista Plastov fue testigo ocular de tal escena. Quizás no vio un episodio así. Pero ese no es el punto.
El dolor severo y la ira llenaron el corazón del artista. El pueblo soviético pereció a manos de monstruos fascistas. La guerra trajo sangre, muerte y lágrimas. Irrumpió en los rincones distantes de Rusia, llegó a campos pacíficos. Las aldeas se incendiaron, las ciudades fueron destruidas. Era 1941. El enemigo se acercaba a Moscú.
El artista sintió la necesidad de contar las atrocidades de los fascistas, su crueldad sin sentido, el asesinato de niños y ancianos inocentes. Así nació la idea de la pintura. Plastov nunca había alcanzado tal profundidad de sentimiento, tal emoción emocional.
Con el telón de fondo de una pacífica naturaleza nativa el crimen cometido por los fascistas parece especialmente monstruoso y cruel. No fue por casualidad que Plastov tomó el motivo otoñal, que, con su triste belleza, desencadena figurativamente la trágica muerte de la pastora. El artista pintó la pendiente de la ladera como una alfombra preciosa, resplandeciente con tonos cálidos. El oro de los abedules jóvenes, aquí y allá manchas rojas destellantes del follaje otoñal, terciopelo verde en invierno, todo esto se percibe como un hermoso acompañamiento musical de una canción triste, tierna y lírica llena de profunda tragedia interior.
Maestro: No había nada accidental o superfluo en esta imagen. Cada detalle es extremadamente simple y al mismo tiempo extraordinariamente expresivo. Mire una vez más la imagen, su inquietante, un poco triste, pero tan cerca del corazón del paisaje nacional. En estos delgados, al parecer, jóvenes abedules meciéndose con el viento, en este cielo gris y campos distantes, y sentirás un doloroso sentimiento de dolor e indignación, resentimiento e ira por la vida del niño que terminó tan temprano, por los profanados. tierra.
El alumno da las características de reproducción.
"Cena de conductores de tractor" (1951)
El anochecer cae sobre el suelo, el campo arado se ha oscurecido y la luz del sol poniente ha pintado todo en tonos rojizos y dorados ardientes. Un conductor de tractor y un niño, su asistente, a quien una niña con una pulcra bata blanca traía pan y leche en el campo, se acomodaron para cenar cerca del tractor. Ahora ha llegado un momento feliz de breve descanso para los conductores de tractores (después de todo, también tienen que trabajar de noche): el mayor corta el pan, el niño mira el espeso chorro de leche fresca que vierte la niña.
El artista dedica su trabajo a representar el trabajo de una persona soviética común, aunque no se muestra el proceso de trabajo en sí. Aparecen ante el espectador personas que han trabajado mucho y con éxito durante un largo día. Tiene claro que este trabajo no es fácil, que exigía grandes esfuerzos tanto al conductor del tractor como al niño.
Plastov dispuso las figuras en un grupo compacto, y esto le dio una mayor integridad. Un grupo de personas se instaló en el suelo cubierto de hierba densa y flores silvestres. Y detrás de ellos está la extensión ilimitada de un campo recién arado. Este espacio que se extiende hasta el horizonte lejano, sobre el que se extiende el cielo, cubierto de nubes blanquecinas al atardecer, causa una impresión majestuosa. Crea una sensación de paz solemne, dando a la imagen un sonido épico. El silencio de los campos corresponde al estado de consideración en el que se encuentra inmerso el conductor del tractor, y al silencio de la niña y el chico. La naturaleza, como los humanos, disfruta de la paz después de un día soleado.
Maestro: "Cena de tractores"- una de las pinturas más poéticas de Plastov. Pero no es fácil responder a la pregunta de cuál es el secreto de esta poesía. Quizás en la mágica iluminación vespertina que da suavidad a los contornos de figuras, paisajes, objetos. Quizás en la asombrosa fusión del hombre y la naturaleza. Y muy probablemente, en la mayor simplicidad y motivo de la trama, y la apariencia de las personas y el paisaje, la simplicidad, que es una alta manifestación de la verdad de la vida. En este lienzo, Plastov evita todo lo que pueda complicar la historia, romper el ritmo mesurado, pausado y conmovedor de la historia. La composición de la imagen en sí es simple, cuyo plano se divide en dos partes casi iguales: en la parte inferior hay grandes figuras de personas, en la parte superior de un campo arado y un cielo alto. Los ritmos lineales son simples. Apariencia simple y sin pretensiones de las personas representadas. Sencillo en su fuerza inagotable, las densas capas de la tierra y el exuberante crecimiento de las hierbas, pintado por el sol poniente.
En 1931, cuando A.A. Plastov tenía unos cuarenta años, su casa y taller en Prislonikha se incendiaron. Todas sus obras fueron quemadas. Pero el artista no se desanimó y encontró la fuerza para crear nuevas obras. Fue el apogeo de su creatividad. Durante este período, se pintó el cuadro "Primera nieve".
El alumno da las características de reproducción.
"Primera nieve" (1931)
En esta imagen, el artista logró transmitir la sensación de alegría desde la primera nevada. A pesar de que el fondo de la imagen es oscuro, lúgubre y el cielo gris bajo, las casas húmedas, el abedul con las últimas hojas evocan melancolía, la primera nevada lo transforma inmediatamente todo.
La trama de la imagen es simple. El niño se dispuso a dar un paseo, salió a la calle y vio la primera nieve, que caía en copos al suelo. El niño volvió corriendo a la casa y llamó a su hermana para que viera la nevada. La niña salió corriendo al porche de la casa con un ligero vestido de chintz, con botas de fieltro en los pies descalzos, echándose el pañuelo de su madre sobre los hombros. Ella mira con los ojos muy abiertos, como su hermano. Hay sonrisas en los rostros de los chicos. Hermano y hermana se regocijan con la primera nevada con la alegría que es característica solo de los niños. Y la nieve sigue cayendo y cayendo del cielo, cubriendo los techos de las casas, el porche de una casa de campo, la carretera. Un cuervo curioso, que da grandes zancadas, sin embargo, con cierta precaución, pisa la primera nevada. Ella se sorprende no menos que los chicos, tal vez por primera vez tuvo la oportunidad de ver la nieve.
Maestro: Esta foto me hace sentir feliz, ¡porque la nieve es genial! Recuerdo de inmediato mi infancia, cuando nosotros, siendo los mismos niños, nos regocijamos con la llegada del invierno, y con él la primera nevada, cogimos copos de nieve con la boca, hicimos muñecos de nieve. Sí, este tiempo ha pasado, pero permanecerá en nuestra memoria para siempre, y el cuadro "First Snow" nos recordará este maravilloso momento. Siempre es agradable disfrutar de la pureza de la primera nieve después de un otoño oscuro y nublado.
3. Fijación del material.
a) Hay una reproducción en la pizarra interactiva." Verano ". Los estudiantes describen verbalmente la imagen, basándose en un recordatorio: una pista. (8 min.)
Memo - sugerencia:
1. Observe de cerca la imagen.
2. Trate de captar, comprender el estado de ánimo que transmite el artista.
3. ¿Qué época del año se muestra en la imagen?
4. Personajes de la imagen: primer plano, segundo plano.
5. ¿Qué elementos se muestran en la imagen?
"Verano" (1953-1954)
Los héroes favoritos del artista son los niños.En el lienzo, el maestro representó un sofocante día de verano.Los recolectores de setas y su perro se encuentran debajo del abedul. En el primer plano de la pintura hay una niña con un vestido blanco y una bufanda roja. Se sienta en la hierba, estira los pies descalzos, coge bayas maduras de una rama y las pone en una taza. La cara de la niña está bronceada, un rubor juega en sus mejillas morenas. Los ojos de la niña están bajados. De debajo del pañuelo, el cabello oscuro se cae y cae al cofre. Junto a la niña, descansando su cabeza sobre sus patas, yace un perro. Ella está muy cansada y caliente.
El fondo muestra a una abuela cansada con un vestido azul y un pañuelo azul en la cabeza. La mujer está dormitando. Se puso una mano debajo de la cabeza y se cubrió la cara con la otra. La mano de una mujer levantada está muy claramente dibujada. Su mano está bronceada, fuerte, está claro que esta campesina es una trabajadora.
Hay una canasta y un balde lleno de hongos en la hierba. Cerca hay una jarra con bayas maduras, quieres ponértelas en la boca y sentir el sabor amargo de las bayas silvestres. Se puede concluir que la mujer y la niña fueron al bosque a recoger setas y bayas.
Los recolectores de setas se acomodaron bajo un abedul en un hermoso prado. Entre la hierba esmeralda hay algunas flores amarillas. Los brillantes rayos del sol caen sobre las hojas y se ven doradas.
Los colores brillantes animan, mirando la imagen, se recuerda el caluroso verano, se inhala el olor a bayas y flores. Da la impresión de que estamos en esta hermosa pradera, donde se encuentran cansados recolectores de setas.
III.Parte final:
1. Resumiendo los resultados de la lección.
2. El profesor puntúa.
3. Deberes:Prepare una descripción de la pintura de su artista favorito.
Esquema de la lección de pintura
guardería del maestro escuela de Arte № 1
Sagida Favzievna Syrazieva
Localización: Escuela de Arte Infantil No. 1
Tema de la lección: Bodegón decorativo (monocromo)
Tiempo de ejecución: 8 horas.
Objetivos de la lección:
educativo: familiarización con la técnica decorativa de ejecución gouache; estudio más profundo de las posibilidades de la pintura monocromática; desarrollo del concepto de tono en la pintura gouache;
en desarrollo: continuación del estudio del género "naturaleza muerta"; familiarización con la pintura monocromática; el impacto emocional de las relaciones tonales contrastantes;
educativo: educación del amor por la pintura en toda su diversidad; educación en perseverancia y precisión; educación del amor por los tipos de artes decorativas nacionales.
Tipo de lección: aprender material nuevo.
Materiales de la lección: papel ¼ hoja, gouache, lápices TM, M, pinceles, botones, banda elástica, tarro de agua, paleta para mezclar pinturas.
Equipo para la lección:
Una ayuda visual con muestras de trabajos de alumnos de tercer grado.
Ayuda visual "La secuencia de realización de un bodegón en pintura monocromática" (2 tablas).
Ayuda visual "Rueda de colores".
Ayuda visual "Armonía cromática".
Plan de estudios
Parte organizativa (5 min.).
Publicar nuevo material (25 min.).
Trabajo independiente(1 h. 70 min.)
Fin de la lección y el mensaje. tarea(5 minutos.).
Durante las clases
¡Hola chicos! (saludo alumnos, marco a los presentes).
El tema de nuestra lección es pintar con gouache, pero no pintura ordinaria, sino monocromática. Hay muchas armonías de color en la pintura (muestra de mesa). Uno de los tipos es monocromo. ¿Qué es monocromo? (Los chicos responden la pregunta). Una especie de pintura, pintura con color limitado. Pintura monocromática (uno) o monocromática. Teniendo un color, podemos crear hermosas obras no solo composiciones, sino también naturalezas muertas. Miren, muchachos, los ejemplos de pintura monocromática en los grados inferiores y los resultados que logramos en los grados superiores. Hoy conocemos no solo el monocromo, sino que trabajamos en técnica decorativa. Durante el último trimestre hemos trabajado en una técnica de pintura. Cuál es la diferencia técnica de pintura de decorativo? (precisión, introducción de patrones, es decir, decoración y pintura: escribimos con trazos). Cómo trabajamos en pintura gouache (ennegrecimiento, decoloración). Tome un color de su elección, estírelo con pintura en blanco y negro. Mire la tabla para el estiramiento del tono. Tomamos la pintura, en la paleta con hendiduras profundas mezclamos hasta que quede suave, no espesa y no líquida, cuando se aplica al papel, no debe brillar. La secuencia de trabajo se muestra en la ayuda visual. (Muestro en la paleta cómo mezclar y cómo empezar). Chicos, comenzamos la etapa 1 del trabajo con el fondo, estrías con cal, luego estiramos con pintura gris (plano de mesa, bandeja), estiramos con pintura negra (parte de una tetera, bandeja). Si lo desea, cuando se completa el primer registro, comenzamos a trabajar con el adorno (adorno en el fondo, plano de la mesa, bandeja y parte de la tetera). Hacemos el adorno primero con un lápiz simple, luego con gouache en luz oscura, en luz oscura, es decir. usa contraste.
Trabajo independiente.
Fin de la lección. Análisis de obras. Asignación en casa: bocetos de composiciones en monocromo sobre el tema "Calor", "Frío".
BOSQUEJO DE LA LECCIÓN DE PINTURATema de la lección: "Naturaleza muerta a partir de objetos de diversos materiales"
Docente de disciplinas especiales: Tyurenkova Olga Alekseevna
Lugar de trabajo: MBOU DOD "Bryansk Children's Art School"
Artículo: Cuadro
Clase: 6
Tema y número de lección: "Naturaleza muerta a partir de objetos de diversos materiales". Lección 2
Número de horas sobre el tema: 12 h.
Duración de la lección: 40 minutos
Metas:
a)educativo:
consolidar el conocimiento sobre el género de la pintura "naturaleza muerta";
enseñar las técnicas para realizar un trabajo paso a paso en una naturaleza muerta con grandes relaciones de color y tono de acuerdo con las reglas y leyes de transferencia de la forma, el volumen y la materialidad de los objetos en la pintura;
B)desarrollando:
desarrollo imaginación creativa estudiantes;
desarrollo del pensamiento imaginativo;
desarrollo de habilidades de pensamiento;
desarrollo de habilidades con el pincel;
desarrollo de la motricidad fina;
v)educativo:
fomentar el interés por el mundo que nos rodea, en el tema de la "pintura";
Fomentar una cultura de trabajo, atención, perseverancia, enseñar a realizar una autoevaluación del trabajo realizado.
Objetivos de la lección: para completar la etapa inicial del esquema de color de la naturaleza muerta, de acuerdo con la implementación por fases del trabajo en la naturaleza muerta; para transmitir las relaciones color-tono de grandes manchas, sombras de objetos "propios" y sombras de objetos en un bodegón en una técnica mixta de acuarelas.
Tipo de ocupación: conjunto:
a) explicativo e ilustrativo (conversación);
b) práctica (trabajo del alumno).
Materiales y equipamiento:
para el maestro:
Manual metódico "Obra escalonada sobre un bodegón en la técnica de la" acuarela "(4 hojas).
Trabajos creativos de estudiantes de 5-6 grados de la escuela de arte para niños de Bryansk sobre el tema "Naturaleza muerta a partir de objetos de diversos materiales".
Reproducciones de cuadros de artistas sobre el tema "Naturaleza muerta".
para estudiantes:
pinturas de acuarelas;
dibujo preparatorio en papel formato A3;
cepillos No. 7, 5, 3;
paleta de papel;
botones;
jarras de agua.
Estructura de la lección:
Momento organizacional - 3 min.
Presentación de material educativo: una conversación, una encuesta sobre el tema de la lección, el estudio del trabajo por fases en una naturaleza muerta - 12 min.
Trabajo independiente - 20 min.
Análisis del trabajo - resumen de los resultados de la lección - 4 min.
Finalización del trabajo - 1 min.
PROCESO DE LECCIÓN N ° 2
Organizando el tiempo
Comprobación de la presencia de alumnos. Preparación de los lugares de trabajo para la asignación, colocando caballetes alrededor de un escenario a gran escala, arreglando bocetos, colocando herramientas, pinturas, paletas, pinceles, jarras de agua.
Declaración del objetivo de la lección
Presentación de material educativo: una encuesta sobre la lección anterior, conversación, estudio de la ejecución paso a paso de una naturaleza muerta en color según la tabla.
Objetivo: consolidar los conocimientos adquiridos en la lección anterior, enseñar a los niños cómo iniciar la combinación de colores de un bodegón.
Preguntas a los estudiantes (durante la conversación).
¿Qué es la pintura?
"La pintura es un tipo de arte en el que el color juega un papel importante".
¿Cuáles son los géneros de pintura que conocemos?
"Retrato, naturaleza muerta, paisaje, género animal, género mitológico".
¿Qué es la naturaleza muerta?
“El bodegón es una naturaleza muerta (francés). Es decir, puesta en escena de objetos inanimados, artículos para el hogar, artículos para el hogar ".
Consideramos reproducciones de naturalezas muertas de artistas.
¿Qué vemos en estas reproducciones? etc.
Ahora estamos considerando nuestra naturaleza muerta. Damos las características de color y tono de los objetos de naturaleza muerta. Damos una característica de la textura de los objetos a partir de los cuales se compone el bodegón.
Una vez más, nos aseguramos de que el color sea la base de la pintura:
en primer lugar, el color se puede percibir de diferentes formas y transmitir la belleza del mundo circundante;
en segundo lugar, el color puede expresar sentimientos, estado de ánimo y estado emocional;
en tercer lugar, el color se puede utilizar para pensar y diseñar la forma de un objeto, para transmitir textura y volumen.
Hoy en la lección realizaremos el comienzo del esquema de color. Los estudiantes completaron la primera etapa de la naturaleza muerta: construcción gráfica. Se han completado los bocetos preliminares: busque una composición de objetos de naturaleza muerta en formato de hoja. Se ha completado un boceto preliminar del esquema de color de la naturaleza muerta.
El principio de trabajar en una naturaleza muerta en color de acuarela, de oscuro a claro. Considere un manual metodológico: "realizar una naturaleza muerta en color".
Etapa dos. El trabajo se realizará en el siguiente orden.
Primero, realizamos mentalmente el diseño de los objetos en términos de tono de color, desde el objeto más saturado en color y luminosidad en una naturaleza muerta hasta el más claro:
a) determinamos el objeto más saturado por color y tono en un bodegón. Es una cortina verde, una cortina azul;
b) luego pasamos a los objetos menos saturados en color y luminosidad (tono medio). Esta es una cortina de color azul claro, tetera, manzana, limón;
c) determinamos el objeto más ligero de la naturaleza muerta: una taza de cerámica blanca.
Trabajamos según el siguiente esquema:
Propia sombra sobre el sujeto.
Una sombra que cae de un objeto en un avión.
Reflejo de un objeto + toque con el fondo.
Penumbra sobre el tema.
Iluminar el sujeto + tocar el fondo.
Analizamos la secuencia de trabajo en color.
Entonces, primero pintamos las cortinas verdes y azules en el lado de la sombra. Luego pinta los pliegues en el lado de la sombra de las cortinas de color azul claro. Luego examinamos la manzana y la tetera. Estos elementos son diferentes en textura e importancia. Empezamos a pintar nuestras propias sombras en la tetera. La tetera es de metal, tiene una superficie brillante. Tiene manchas oscuras: óxido. La manzana está en primer plano. Escribimos nuestra propia sombra en la manzana. Luego pintamos nuestra propia sombra sobre el limón. Luego mostramos relaciones de sombras sobre el tema más claro de la naturaleza muerta: una taza.
Cabe señalar que cada vez que se empieza a representar en color la parte de sombra de cada objeto posterior, es imperativo compararla con la parte de sombra del anterior.
Luego, en la misma secuencia, comparamos las sombras que caen, luego los reflejos en los objetos, luego - la penumbra en los objetos, y finalmente - las partes iluminadas de los objetos de naturaleza muerta.
En nuestro trabajo, pasamos de las sombras más oscuras y saturadas (propias y en caída) de los objetos de un bodegón, teniendo en cuenta el entorno, a los más claros, sin olvidar que bajo la iluminación artificial, las sombras propias y que caen tienen un resfriado. tinte.
Por lo tanto, se debe prestar atención a identificar la diferencia de tono y matices de color, teniendo en cuenta que cuanto más cercanos están los objetos a nosotros, más contrastantes en color y tono son; cuanto más se suavizan el color y la forma, se pierde la saturación y el contraste del color.
No olvides que aplicamos trazos en forma de objetos. Todos los artículos para el hogar son las combinaciones más simples de cuerpos geométricos. Pasemos al manual: los trabajos de los estudiantes. Vamos a considerarlos. Si el objeto nos recuerda la forma de una bola, entonces los trazos se colocan en un círculo (en forma de óvalo), si es una superficie cilíndrica o cónica, luego vertical u horizontalmente (en ángulo), etc.
Trabajo independiente de estudiantes - 20 minutos, durante los cuales los alumnos completan la primera etapa de la combinación de colores de un bodegón en técnica mixta en acuarela. Durante la lección, los estudiantes reciben trabajo individual y frontal.
Resumen de la lección - exposición de obras. Se destacan los trabajos realizados con mayor competencia. Se realiza el análisis del trabajo, se analizan los errores individuales (típicos).
Se dan calificaciones para la lección.
Fin de la lección
Al final de la lección, se limpian los lugares de trabajo.