Mga graphic na pagpipinta ng mga artistang Ruso. Mga master ng Soviet easel graphics
Kung sa tingin mo ang lahat ng magagaling na artista ay nasa nakaraan na, kung gayon wala kang ideya kung gaano ka mali. Sa artikulong ito matututunan mo ang tungkol sa pinakasikat at mga mahuhusay na artista pagiging makabago. At, maniwala ka sa akin, ang kanilang mga gawa ay mananatili sa iyong memorya nang hindi gaanong malalim kaysa sa mga gawa ng mga maestro mula sa mga nakaraang panahon.
Wojciech Babski
Si Wojciech Babski ay isang kontemporaryong Polish na pintor. Natapos niya ang kanyang pag-aaral sa Silesian Polytechnic Institute, ngunit iniugnay ang kanyang sarili sa. SA Kamakailan lamang gumuguhit pangunahin ang mga babae. Nakatuon sa pagpapahayag ng mga emosyon, nagsusumikap na makuha ang pinakamalaking posibleng epekto gamit ang mga simpleng paraan.
Mahilig sa kulay, ngunit madalas na gumagamit ng mga kulay ng itim at kulay abo upang makamit ang pinakamahusay na impression. Hindi natatakot na mag-eksperimento sa iba't ibang mga bagong pamamaraan. Kamakailan, tumataas ang katanyagan niya sa ibang bansa, pangunahin sa UK, kung saan matagumpay niyang naibenta ang kanyang mga gawa, na makikita na sa maraming pribadong koleksyon. Bilang karagdagan sa sining, interesado siya sa kosmolohiya at pilosopiya. Nakikinig ng jazz. Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Katowice.
Warren Chang
Si Warren Chang ay isang kontemporaryong Amerikanong artista. Ipinanganak noong 1957 at lumaki sa Monterey, California, nagtapos siya ng mga karangalan mula sa Art Center College of Design sa Pasadena noong 1981, kung saan nakatanggap siya ng BFA. Sa susunod na dalawang dekada, nagtrabaho siya bilang isang ilustrador para sa iba't ibang kumpanya sa California at New York bago nagsimula sa isang karera bilang isang propesyonal na artista noong 2009.
Ang kanyang mga makatotohanang pagpipinta ay maaaring nahahati sa dalawang pangunahing kategorya: mga biographical na interior painting at mga painting na naglalarawan sa mga tao sa trabaho. Ang kanyang interes sa istilong ito ng pagpipinta ay nagsimula pa noong akda ng 16th century artist na si Johannes Vermeer, at umaabot sa mga paksa, self-portraits, portrait ng mga miyembro ng pamilya, kaibigan, estudyante, studio interior, silid-aralan at tahanan. Ang kanyang layunin ay lumikha ng mood at damdamin sa kanyang makatotohanang mga pagpipinta sa pamamagitan ng pagmamanipula ng liwanag at paggamit ng mga naka-mute na kulay.
Naging tanyag si Chang pagkatapos lumipat sa tradisyonal na sining. Sa nakalipas na 12 taon, nakakuha siya ng maraming mga parangal at parangal, na ang pinakaprestihiyoso ay ang Master Signature mula sa Oil Painters of America, ang pinakamalaking komunidad ng oil painting sa United States. Isang tao lamang sa 50 ang binibigyan ng pagkakataong makatanggap ng parangal na ito. Kasalukuyang nakatira si Warren sa Monterey at nagtatrabaho sa kanyang studio, at nagtuturo din siya (kilala bilang isang mahuhusay na guro) sa San Francisco Academy of Art.
Aurelio Bruni
Si Aurelio Bruni ay isang Italyano na artista. Ipinanganak sa Blair, Oktubre 15, 1955. Nakatanggap siya ng diploma sa scenography mula sa Institute of Art sa Spoleto. Bilang isang artista, siya ay nagtuturo sa sarili, habang siya ay nakapag-iisa na "nagtayo ng isang bahay ng kaalaman" sa pundasyon na inilatag sa paaralan. Nagsimula siyang magpinta sa mga langis sa edad na 19. Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Umbria.
Ang mga unang pagpipinta ni Bruni ay nag-ugat sa surrealismo, ngunit sa paglipas ng panahon ay nagsisimula siyang tumuon sa kalapitan ng liriko na romantikismo at simbolismo, na pinahusay ang kumbinasyong ito sa katangi-tanging pagiging sopistikado at kadalisayan ng kanyang mga karakter. Ang mga animated at walang buhay na bagay ay nakakakuha ng pantay na dignidad at mukhang halos hyper-realistic, ngunit sa parehong oras ay hindi sila nagtatago sa likod ng isang kurtina, ngunit pinapayagan kang makita ang kakanyahan ng iyong kaluluwa. Ang versatility at sophistication, sensuality at kalungkutan, pagiging maalalahanin at pagiging mabunga ang diwa ni Aurelio Bruni, na pinalusog ng karilagan ng sining at pagkakatugma ng musika.
Aleksander Balos
Si Alkasander Balos ay isang kontemporaryong Polish na artist na dalubhasa sa oil painting. Ipinanganak noong 1970 sa Gliwice, Poland, ngunit mula noong 1989 ay nanirahan siya at nagtrabaho sa USA, sa Shasta, California.
Bilang isang bata, nag-aral siya ng sining sa ilalim ng patnubay ng kanyang ama na si Jan, isang self-taught na artist at sculptor, kaya mula sa isang maagang edad, ang artistikong aktibidad ay nakatanggap ng buong suporta ng parehong mga magulang. Noong 1989, sa edad na labing-walo, umalis si Balos sa Poland patungo sa Estados Unidos, kung saan hinikayat ng kanyang guro sa paaralan at part-time na artist na si Kathy Gaggliardi si Alkasander na mag-enrol sa paaralan ng sining. Pagkatapos ay nakatanggap si Balos ng isang buong iskolar sa Unibersidad ng Milwaukee, Wisconsin, kung saan nag-aral siya ng pagpipinta kasama ang propesor ng pilosopiya na si Harry Rozin.
Matapos makapagtapos noong 1995 na may bachelor's degree, lumipat si Balos sa Chicago upang pumasok sa paaralan sining biswal, na ang mga pamamaraan ay batay sa gawa ni Jacques-Louis David. Ang matalinghagang realismo at portraiture ang bumubuo sa karamihan ng akda ni Balos noong dekada 90 at unang bahagi ng 2000s. Ngayon, ginagamit ni Balos ang pigura ng tao upang i-highlight ang mga katangian at pagkukulang ng pagkakaroon ng tao, nang hindi nag-aalok ng anumang mga solusyon.
Ang mga komposisyon ng paksa ng kanyang mga kuwadro na gawa ay inilaan na independiyenteng bigyang-kahulugan ng manonood, pagkatapos lamang makuha ng mga kuwadro ang kanilang tunay na temporal at subjective na kahulugan. Noong 2005, lumipat ang artist sa Northern California, mula noon ang paksa ng kanyang trabaho ay lumawak nang malaki at kasama na ngayon ang mga mas malayang pamamaraan ng pagpipinta, kabilang ang abstraction at iba't ibang istilo ng multimedia na tumutulong sa pagpapahayag ng mga ideya at mithiin ng pagkakaroon sa pamamagitan ng pagpipinta.
Alyssa Monks
Si Alyssa Monks ay isang kontemporaryong Amerikanong artista. Ipinanganak noong 1977, sa Ridgewood, New Jersey. Nagsimula akong maging interesado sa pagpipinta noong bata pa ako. Nag-aral sa New School sa New York at Pambansang Unibersidad Montclair at nagtapos sa Boston College noong 1999 na may B.A. Kasabay nito, nag-aral siya ng pagpipinta sa Lorenzo de' Medici Academy sa Florence.
Pagkatapos ay ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral sa master's degree program sa New York Academy of Art, sa departamento ng Figurative Art, nagtapos noong 2001. Nagtapos siya sa Fullerton College noong 2006. Sa loob ng ilang panahon ay nagturo siya sa mga unibersidad at institusyong pang-edukasyon sa buong bansa, nagturo siya ng pagpipinta sa New York Academy of Art, gayundin sa Montclair State University at Lyme Academy of Art College.
"Gamit ang mga filter tulad ng salamin, vinyl, tubig at singaw, pinapangit ko ang katawan ng tao. Binibigyang-daan ka ng mga filter na ito na lumikha ng malalaking lugar ng abstract na disenyo, na may mga isla na may kulay na sumisilip - mga bahagi ng katawan ng tao.
Binabago ng aking mga kuwadro na gawa ang makabagong pananaw sa mga nakatatag na, tradisyonal na pose at kilos ng mga babaeng naliligo. Marami silang masasabi sa isang matulungin na manonood tungkol sa mga bagay na tila nakikita sa sarili gaya ng mga benepisyo ng paglangoy, pagsasayaw, at iba pa. Ang aking mga karakter ay idiniin ang kanilang mga sarili laban sa salamin ng shower window, na binabaluktot ang kanilang sariling mga katawan, na napagtatanto na sa gayon ay naiimpluwensyahan nila ang kilalang lalaki na titig sa isang hubad na babae. Ang makapal na layer ng pintura ay pinaghalo upang gayahin ang salamin, singaw, tubig at laman mula sa malayo. Gayunpaman, sa malapitan, ang mga kamangha-manghang pisikal na katangian ay nagiging maliwanag. pintura ng langis. Sa pamamagitan ng pag-eksperimento sa mga layer ng pintura at kulay, nakahanap ako ng isang punto kung saan ang abstract brushstrokes ay nagiging ibang bagay.
Noong una kong sinimulan ang pagpinta sa katawan ng tao, agad akong nabighani at nahumaling pa dito at naniwala na kailangan kong gawing makatotohanan ang aking mga pagpipinta hangga't maaari. Ako ay "nagpahayag" ng pagiging totoo hanggang sa nagsimula itong maglahad at magbunyag ng mga kontradiksyon sa sarili nito. Ine-explore ko na ngayon ang mga posibilidad at potensyal ng isang istilo ng pagpipinta kung saan nagtatagpo ang representasyonal na pagpipinta at abstraction - kung ang parehong mga estilo ay magkakasabay na mabubuhay sa parehong sandali, gagawin ko ito."
Antonio Finelli
artistang Italyano – “ Tagamasid ng Oras” – Si Antonio Finelli ay ipinanganak noong Pebrero 23, 1985. Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Italya sa pagitan ng Roma at Campobasso. Ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa ilang mga gallery sa Italya at sa ibang bansa: Roma, Florence, Novara, Genoa, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, at maaari ding matagpuan sa pribado at pampublikong mga koleksyon.
Mga guhit na lapis" Tagamasid ng Oras"Dinadala tayo ni Antonio Finelli sa isang walang hanggang paglalakbay sa panloob na mundo ng temporalidad ng tao at ang nauugnay na masusing pagsusuri sa mundong ito, ang pangunahing elemento nito ay ang paglipas ng panahon at ang mga bakas na iniiwan nito sa balat.
Si Finelli ay nagpinta ng mga larawan ng mga tao sa anumang edad, kasarian at nasyonalidad, na ang mga ekspresyon ng mukha ay nagpapahiwatig ng paglipas ng panahon, at inaasahan din ng artist na makahanap ng katibayan ng kawalang-awa ng oras sa mga katawan ng kanyang mga karakter. Tinukoy ni Antonio ang kanyang mga gawa sa isa, pangkalahatang pamagat: "Self-portrait", dahil sa kanyang mga guhit na lapis ay hindi lamang niya inilalarawan ang isang tao, ngunit pinapayagan ang manonood na pagnilayan ang mga tunay na resulta ng paglipas ng oras sa loob ng isang tao.
Flaminia Carloni
Si Flaminia Carloni ay isang 37-taong-gulang na artistang Italyano, anak ng isang diplomat. Mayroon siyang tatlong anak. Siya ay nanirahan sa Roma sa loob ng labindalawang taon, at sa loob ng tatlong taon sa England at France. Nakatanggap siya ng degree sa art history mula sa BD School of Art. Pagkatapos ay nakatanggap siya ng diploma bilang isang art restorer. Bago mahanap ang kanyang pagtawag at italaga ang kanyang sarili nang buo sa pagpipinta, nagtrabaho siya bilang isang mamamahayag, colorist, designer, at artista.
Ang hilig ni Flaminia sa pagpipinta ay lumitaw sa pagkabata. Ang kanyang pangunahing daluyan ay langis dahil mahilig siyang "coiffer la pate" at paglaruan din ang materyal. Nakilala niya ang isang katulad na pamamaraan sa mga gawa ng artist na si Pascal Torua. Ang Flaminia ay inspirasyon ng mga mahuhusay na master ng pagpipinta tulad nina Balthus, Hopper, at François Legrand, pati na rin ang iba't ibang artistikong paggalaw: street art, Chinese realism, surrealism at Renaissance realism. Ang kanyang paboritong artista ay si Caravaggio. Ang kanyang pangarap ay matuklasan ang therapeutic power ng sining.
Denis Chernov
Si Denis Chernov ay isang mahuhusay na Ukrainian artist, ipinanganak noong 1978 sa Sambir, rehiyon ng Lviv, Ukraine. Matapos makapagtapos mula sa Kharkov Art School noong 1998, nanatili siya sa Kharkov, kung saan siya kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho. Nag-aral din siya sa Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphic Arts, nagtapos noong 2004.
Siya ay regular na nakikilahok sa mga eksibisyon ng sining, sa sa sandaling ito higit sa animnapu sa kanila ang naganap, kapwa sa Ukraine at sa ibang bansa. Karamihan sa mga gawa ni Denis Chernov ay nakatago sa mga pribadong koleksyon sa Ukraine, Russia, Italy, England, Spain, Greece, France, USA, Canada at Japan. Ang ilan sa mga gawa ay naibenta sa Christie's.
Gumagana si Denis sa isang malawak na hanay ng mga graphic at mga diskarte sa pagpipinta. Ang mga guhit na lapis ay isa sa kanyang pinakapaboritong pamamaraan ng pagpipinta; ang listahan ng mga tema sa kanyang mga guhit na lapis ay magkakaiba din; nagpinta siya ng mga landscape, portrait, hubad, komposisyon ng genre, mga ilustrasyon ng libro, pampanitikan at historikal na mga rekonstruksyon at pantasya.
Matagal na kaming nagpaplano na gumawa ng isang rating ng mga pinakamahal na gawa sa papel ng mga artista sa orbit ng sining ng Russia. Ang pinakamagandang motibo para sa amin ay isang bagong rekord para sa mga graphic na Ruso - 2.098 milyong pounds para sa pagguhit ni Kazimir Malevich noong Hunyo 2
Kapag nag-publish ng aming mga rating, talagang gusto naming magdagdag ng iba't ibang uri ng mga disclaimer upang maiwasan ang mga posibleng tanong. Kaya, ang unang prinsipyo: orihinal na graphics lamang. Pangalawa: ginagamit namin ang mga resulta ng mga bukas na auction para sa mga gawa ng mga artist na kasama sa orbit ng Russian art, ayon sa database ng website (marahil ang mga benta ng gallery ay nasa mas mataas na presyo). Pangatlo: Siyempre, nakakatukso na ilagay sa Housatonic ang $3.7 milyon ni Arshile Gorky. Siya mismo, tulad ng kilala, ay nagsumikap sa lahat ng posibleng paraan upang ituring na isang artistang Ruso, nang hindi nahihiyang mula sa mistisipikasyon, kumuha siya ng isang pseudonym bilang parangal kay Maxim Gorky, atbp.; noong 2009, ang mga gawa ni Gorka ay ipinakita ng Russian Museum at Tretyakov Gallery sa eksibisyon na "American Artists from the Russian Empire", isinama namin siya sa database ng mga resulta ng auction ng AI, ngunit hindi patas ang pagsisimula ng rating ng Russian graphics kasama niya. sa pormal na batayan. Ikaapat: isang sheet - isang resulta. Para sa rating na ito pinili namin ang mga gawa lamang na binubuo ng isang sheet ng papel; ang isang pormal na diskarte ay magpipilit sa amin na isaalang-alang ang tatlong higit pang mga item, na ang bawat isa ay ibinebenta bilang isang solong lote: 122 orihinal na mga guhit ng tinta para sa "The Book of the Marquise" ni Konstantin Somov, dalawang folder na may 58 na mga guhit at gouaches para sa " The Brothers Karamazov" ni F. M. Dostoevsky ni Boris Grigoriev at bahagi ng koleksyon ng Yakov Peremen. Ikalima: isang may-akda - isang gawa. Kung pormal nating kinuha ang nangungunang 10 sa pamamagitan ng presyo (hindi kasama ang mga resulta ni Gorka at mga gawang lote), magkakaroon ng limang sheet ng Kandinsky, tatlo ng Chagall, at isa bawat isa sa Malevich at Serebryakova. Nakakatamad. Ikaanim: sinusuri natin ang panahon mula 2001 hanggang sa kasalukuyan. Ikapito: ang rating ng presyo ay pinagsama-sama sa dolyar, ang mga resulta sa iba pang mga pera ay na-convert sa mga dolyar sa halaga ng palitan sa araw ng pangangalakal. Ikawalo: ang lahat ng mga resulta ay ibinigay na isinasaalang-alang ang komisyon ng nagbebenta.
Ang pagguhit ni Kazimir Malevich na "Head of a Peasant," na isang preparatory sketch para sa nawalang pagpipinta na "Peasant Funeral" noong 1911, ay inaasahan na naging nangungunang lot ng Russian auction sa Sotheby's noong Hunyo 2, 2014 sa London. Ang mga gawa ni Malevich ay lilitaw sa merkado ng sining na napakabihirang; Ang "Head of a Peasant" ay ang unang obra na inilagay para sa auction mula noong ibenta ang "Suprematist Composition" sa halagang $60 milyon sa Sotheby's noong 2008, at isa sa mga huling makabuluhang gawa ng artist nang pribado. mga koleksyon. Ang sketch na ito ay isa sa 70 mga gawa na ipinakita ng artist sa Berlin noong 1927, at pagkatapos ay umalis sa Germany upang iligtas sila mula sa pagbabawal at artipisyal na pagkalimot na hindi maiiwasang maghintay sa kanila sa Russia. Dumating ang gawain sa auction ni Sotheby mula sa isang malakas na pribadong koleksyon ng Aleman ng Russian avant-garde. Halos lahat ng mga lote sa koleksyon na ito ay lumampas sa kanilang tantiya, ngunit ang pagguhit ni Malevich ay lampas lamang sa kompetisyon. Ibinigay nila ito ng tatlong beses ang pagtatantya - 2.098 milyong pounds. Ito ang pinakamahal na graphic na gawa ng isang Russian artist.
![](https://i0.wp.com/artinvestment.ru/utils/imgresize3.php?img=/content/download/news_2014/20140611_graph02.jpg)
Kasama sa listahan ng mga pinakamahal na graphic na gawa ni Wassily Kandinsky ang hanggang 18 orihinal na mga guhit na nagkakahalaga ng higit sa isang milyong dolyar. Ang kanyang mga watercolor ay hindi mas mababa sa kanyang mga kuwadro na gawa sa kanilang abstract na mensahe. Tandaan natin na mula sa graphic na gawa ni Kandinsky - "The First Abstract Watercolor" noong 1910 - na ang kasaysayan ng modernong abstract art ay karaniwang binibilang. Ayon sa alamat, isang araw, si Kandinsky, na nakaupo sa kalahating kadiliman ng kanyang studio sa Munich at tinitingnan ang kanyang matalinghagang gawa, ay hindi matukoy ang anuman dito maliban sa mga batik na may kulay at mga hugis. At pagkatapos ay napagtanto niya na kailangan niyang iwanan ang objectivity at subukang makuha ang "mga paggalaw ng kaluluwa" sa pamamagitan ng kulay. Ang resulta ay isang gawaing walang anumang koneksyon sa labas ng mundo - "First Abstract Watercolor" (Paris, Center Georges Pompidou).
Ang mga canvases ng Kandinsky ay bihira sa merkado at napakamahal, ngunit ang mga graphics ay ganap na magkasya sa anumang koleksyon at magiging disente dito. Maaari mong bayaran ang circulation graphics para sa ilang libong dolyar. Ngunit para sa isang orihinal na pagguhit, na, halimbawa, ay isang sketch para sa isang sikat na pagpipinta, kailangan mong magbayad ng maraming beses nang higit pa. Ang pinakamahal na watercolor hanggang ngayon, ang "Untitled" mula 1922, ay naibenta noong 2008 art boom sa halagang $2.9 milyon.
![](https://i1.wp.com/artinvestment.ru/utils/imgresize3.php?img=/content/download/news_2014/20140611_graph03.jpg)
Si Marc Chagall ay isang hindi pangkaraniwang produktibong artista para sa kanyang panahon. Ngayon sina Damien Hirst at Jeff Koons ay tinutulungan ng isang hukbo ng mga katulong, at si Mark Zakharovich ay nag-iisang lumikha ng libu-libong orihinal na mga graphic na gawa sa loob ng 97 taon ng kanyang buhay, hindi pa banggitin ang mga gawang maramihang ginawa. Kasama sa aming database ng mga resulta ng auction ng Chagall ang higit sa 2,000 orihinal na mga gawa sa papel. Ang artist na ito ay patuloy na tumataas sa presyo, at ang mga prospect ng pamumuhunan para sa pagbili ng kanyang mga gawa ay halata - ang pangunahing bagay ay ang pagiging tunay ng gawa ay nakumpirma ng Chagall Committee. Kung hindi, ang gawain ay halos masunog (ito mismo ang nagbabanta sa Chagall Committee sa may-ari, na kamakailan ay nagpadala ng isang pagpipinta sa Paris para sa pagsusuri na naging pekeng). Kaya't ang pagpili ay dapat gawin lamang pabor sa walang pasubali na tunay na mga graphics. Ang presyo nito ay maaaring umabot sa 2.16 milyong dolyar - ito ay kung magkano ang kanilang binayaran noong Mayo 2013 para sa pagguhit na "Riders" (papel sa karton, gouache, pastel, kulay na mga lapis).
![](https://i2.wp.com/artinvestment.ru/utils/imgresize3.php?img=/content/download/news_2014/20140611_graph04.jpg)
Ang pastel na "Reclining Nude" ay hindi lamang ang pinakamahal na graphic na gawa ni Zinaida Serebryakova, kundi pati na rin ang kanyang pinakamahal na trabaho sa pangkalahatan. Ang tema ng hubad na katawan ng babae ay isa sa mga pangunahing sa trabaho ng artist. Ang mga hubo't hubad ni Serebryakova ay nagbago mula sa mga larawan ng mga naliligo at mga dilag na Ruso sa isang paliguan sa panahon ng pagkamalikhain ng Russia hanggang sa pag-reclining ng mga hubo't hubad na higit pa sa diwa ng sining ng Europa noong panahon ng Paris. Sa pagtingin sa maganda, sensual, idealized na mga hubad ni Serebryakova, mahirap isipin kung gaano kalunos-lunos ang kapalaran ng artista - namatay ang kanyang asawa sa typhus, na iniwan siyang may apat na anak sa kanyang mga bisig; Kinailangan kong mamuhay mula sa kamay hanggang sa bibig at, sa huli, lumipat sa Paris (tulad ng nangyari, magpakailanman), iniiwan ang mga bata sa Russia (dalawa lamang ang kalaunan ay dinala sa France, ang dalawa pa ay kailangang paghiwalayin para sa higit pa. higit sa 30 taon).
Nilinang ni Zinaida Serebryakova ang perpekto, walang hanggan, klasikal na kagandahan sa kanyang mga gawa. Sa ilang mga paraan, ang pastel ay naghahatid ng liwanag at kahanginan nito kahit na mas mahusay. mga imahe ng babae, kung saan halos palaging mayroong isang bagay mula sa artist mismo at sa kanyang mga anak (ang anak na babae na si Katya ay isa sa kanyang mga paboritong modelo).
Ang isang medyo malaking pastel, Reclining Nude, ay binili sa panahon ng art boom noong Hunyo 2008 sa halagang £1.07 milyon ($2.11 milyon). Wala nang ibang trabaho mula noon ang nakatalo sa record na ito. Kapansin-pansin, sa nangungunang 10 mga benta sa auction ng Zinaida Serebryakova mayroon lamang mga hubad, at tatlo sa mga gawa ay mga pastel lamang.
![](https://i0.wp.com/artinvestment.ru/utils/imgresize3.php?img=/content/download/news_2014/20140611_graph05.jpg)
Sa auction ng Sotheby's London noong Nobyembre 27, 2012, na nakatuon sa mga pagpipinta at graphics ng mga artistang Ruso, ang nangungunang lote ay hindi isang pagpipinta, ngunit isang pagguhit ng lapis sa papel - "Portrait of Vsevolod Meyerhold" ni Yuri Annenkov. Walong kalahok ang nagtalo para sa trabaho sa bulwagan at sa mga telepono. Bilang resulta, ang pagguhit, na tinatayang nasa 30–50 thousand pounds, ay nagkakahalaga ng bagong may-ari ng ilang dosenang beses na mas mataas kaysa sa tantiya. Ang resulta ng 1.05 milyong pounds ($1.68 milyon) sa magdamag ay ginawa ang "Portrait of Vsevolod Meyerhold" na pinakamahal na graphic ng may-akda at kinuha ang ikatlong lugar sa listahan ng pinakamataas na presyo ng auction para sa mga gawa ni Annenkov sa pangkalahatan.
Bakit napakalakas ng interes sa larawan? Si Annenkov ay isang napakatalino na pintor ng portrait na nag-iwan ng mga larawan ng pinakamahusay na mga pigura ng panahon - mga makata, manunulat, direktor. Bilang karagdagan, siya ay napakatalino sa mga graphics: pinagsama ng kanyang istilo ang mga diskarte ng klasikal na pagguhit na may mga elemento ng avant-garde ng cubism, futurism, expressionism... Nagtagumpay siya bilang isang artista sa teatro at pelikula, bilang isang ilustrador ng libro. Ang atensyon ng publiko ay tiyak na naakit ng personalidad ng modelo sa portrait - ang sikat na direktor na si Vsevolod Meyerhold. Buweno, higit sa lahat, ang pagguhit na ito ay nagmula sa koleksyon ng kompositor na si Boris Tyomkin, isang katutubong ng Kremenchug, na lumipat sa USA at naging isang sikat na Amerikanong kompositor, apat na beses na nagwagi ng Oscar para sa mga gawang musikal sa sinehan.
![](https://i0.wp.com/artinvestment.ru/utils/imgresize3.php?img=/content/download/news_2014/20140611_graph06.jpg)
Isa sa mga pangunahing artist ng World of Art association, si Lev (Leon) Bakst, siyempre, ay dapat na nasa aming listahan ng pinakamatagumpay na komersyal na mga graphic artist. Ang kanyang sopistikadong mga gawa sa teatro - mga disenyo ng kasuutan para sa pinakamahusay na mga mananayaw ng panahon, na itinakda para sa mga produksyon - ay nagbibigay sa amin ngayon ng ideya kung ano ang isang marangyang panoorin ng Diaghilev's Russian Seasons.
Ang pinakamahal na graphic na gawa ni Bakst, "The Yellow Sultana," ay nilikha noong taon nang unang naglibot ang ballet ni Diaghilev sa Estados Unidos. Sa oras na iyon ay malawak na ang Bakst sikat na artista, ang nakikilalang istilo ng kanyang gawa sa teatro ay naging isang tatak, at ang kanyang impluwensya ay nararamdaman sa fashion, panloob na disenyo at alahas. Ang sensual na hubad na "Yellow Sultana", na lumaki mula sa kanyang mga theatrical sketch, ay nagdulot ng matinding labanan sa pagitan ng dalawang telepono sa auction ni Christie noong Mayo 28, 2012. Bilang resulta, umabot sila sa bilang na 937,250 pounds ( 1 467 810 dolyar) na isinasaalang-alang ang komisyon, sa kabila ng katotohanan na ang pagtatantya ay 350-450 libong pounds.
![](https://i0.wp.com/artinvestment.ru/utils/imgresize3.php?img=/content/download/news_2014/20140611_graph07.jpg)
Ang mundo ng mga marangal na pugad ay unti-unting nawawala sa limot, mahamog na mga parke ng manor at magagandang dalaga na naglalakad sa mga eskinita ay lumilitaw sa mga gawa ni Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Tinatawag ng ilan ang kanyang estilo na "elehiya sa pagpipinta"; ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng panaginip, tahimik na mapanglaw, at kalungkutan para sa isang nakalipas na panahon. Para kay Borisov-Musatov, ang mga marangal na ari-arian ay ang mundo ng kasalukuyan, ngunit may kakaiba sa kanyang pagmuni-muni sa mundong ito; ang mga parke, veranda at lawa na ito ay tila pinangarap ng artista. Parang nagkaroon siya ng presentiment na hindi na magtatagal ang mundong ito at siya na mismo ay wala na (isang malubhang sakit ang nag-alis ng artista sa edad na 35).
Mas gusto ni Viktor Borisov-Musatov ang pastel at watercolor sa pagpipinta ng langis; binigyan nila siya ng kinakailangang liwanag ng brushwork at haze. Ang hitsura ng kanyang pastel na "The Last Day" sa auction ng Russia sa Sotheby's noong 2006 ay isang kaganapan, dahil ang mga pangunahing gawa ng Borisov-Musatov ay nasa mga museo, at halos isang dosenang mga gawa lamang ang inaalok sa mga bukas na auction sa mga nakaraang taon. Ang pastel na "The Last Day" ay nagmula sa koleksyon ni V. Napravnik, ang anak ng Russian conductor at composer na si Eduard Napravnik. Ang pastel na ito ay inilalarawan sa "Portrait of Maria Georgievna Napravnik" ni Zinaida Serebryakova, na ngayon ay nakaimbak sa Chuvash Art Museum. Sa monograp na "Borisov-Musatov" (1916), binanggit ni N. N. Wrangel ang "The Last Day" sa listahan ng mga gawa ng artist. Kaya, tulad ng inaasahan, ang walang alinlangan na tunay na item ay umabot sa isang record na presyo para sa artist na 702,400 pounds, o $1,314,760.
![](https://i1.wp.com/artinvestment.ru/utils/imgresize3.php?img=/content/download/news_2014/20140611_graph08.jpg)
Si Alexander Deineka ay isang napakatalino na graphic artist, sa mga unang yugto ng kanyang malikhaing landas Ang mga graphics ay nakaakit sa kanya ng higit pa kaysa sa pagpipinta, pangunahin dahil sa kanilang potensyal na propaganda. Ang artista ay nagtrabaho nang husto bilang isang ilustrador ng libro at magazine at lumikha ng mga poster. Nang maglaon, ang "gawain ng magazine-poster" na ito ay nagpapagod sa kanya, nagsimula siyang magtrabaho nang higit pa sa pagpipinta, sa monumental na sining, ngunit ang nakuha na mga kasanayan ng isang draftsman ay naging kapaki-pakinabang - halimbawa, kapag lumilikha ng mga sketch ng paghahanda para sa mga pagpipinta. "Babaeng nagtali ng laso sa kanyang ulo" - isang sketch para sa pagpipinta na "Bather" (1951, koleksyon ng Tretyakov Gallery). Ang pinakamahal na gawaing ito ni Deineka hanggang sa kasalukuyan ay nagmula sa huling panahon ng pagkamalikhain, nang ang istilo ng artista mula sa mga avant-garde na paghahanap noong 1920s–30s ay malakas nang umunlad patungo sa sosyalistang realismo. Ngunit si Deineka ay tapat din sa sosyalistang realismo. Ang kapangyarihan at kagandahan ng isang malusog na katawan ng tao ay isa sa mga paboritong tema ni Deineka sa kanyang trabaho. Tinutukoy tayo ng "Girl Tying a Ribbon" sa kanyang mga hubo't hubad, katulad ng mga Greek goddesses - mga Soviet Venuse na nakakahanap ng kaligayahan sa trabaho at sports. Ito ay isang guhit ng aklat-aralin na Deineka, at samakatuwid ay hindi nakakagulat na ito ay naibenta sa halagang 27,500,000 rubles ($1,012,450) sa Sovcom auction.
![](https://i0.wp.com/artinvestment.ru/utils/imgresize3.php?img=/content/download/news_2014/20140611_graph09.jpg)
Si Boris Dmitrievich Grigoriev ay lumipat mula sa Russia noong 1919. Siya ay naging isa sa mga pinakatanyag na artista ng Russia sa ibang bansa, ngunit sa parehong oras ay nakalimutan siya sa kanyang tinubuang-bayan sa loob ng maraming mga dekada, at ang kanyang unang mga eksibisyon sa USSR ay naganap lamang sa huling bahagi ng 1980s. Ngunit ngayon siya ay isa sa mga pinaka-hinahangad at lubos na pinahahalagahan na mga may-akda sa merkado ng sining ng Russia; ang kanyang mga gawa, parehong mga kuwadro na gawa at mga graphic, ay ibinebenta para sa daan-daang libo at milyun-milyong dolyar. Ang artista ay napakahusay; naniniwala siya na kaya niya ang anumang paksa, anumang pagkakasunud-sunod.
Marahil ang pinakasikat ay ang kanyang mga siklo na "Lahi" at "Mga Mukha ng Russia" - napakalapit sa espiritu at naiiba lamang sa na ang una ay nilikha bago ang paglipat, at ang pangalawa ay nasa Paris. Sa mga siklo na ito, ipinakita sa amin ang isang gallery ng mga uri ("mga mukha") ng mga magsasaka ng Russia - ang mga matatandang lalaki, babae, at mga bata ay tumingin nang masama sa manonood, nakakaakit sila ng mata at sa parehong oras ay itinataboy ito. Si Grigoriev ay hindi nangangahulugang hilig na gawing perpekto o pagandahin ang mga ipininta niya; sa kabaligtaran, kung minsan ay nagdadala siya ng mga imahe sa katawa-tawa. Ang isa sa mga "mukha", na isinagawa sa gouache at watercolor sa papel, ay naging pinakamahal na graphic na gawa ni Boris Grigoriev: noong Nobyembre 2009, sa auction ng Sotheby ay nagbayad sila ng $986,500 para dito.
![](https://i0.wp.com/artinvestment.ru/utils/imgresize3.php?img=/content/download/news_2014/20140611_graph10.jpg)
At sa wakas, ang ikasampung may-akda sa aming listahan ng pinakamarami mamahaling gawa Russian graphics - Konstantin Somov. Ang anak ng tagapangasiwa ng mga koleksyon ng Hermitage at isang musikero, isang pag-ibig sa sining at lahat ng maganda ay nakintal sa kanya mula pagkabata. Pagkatapos mag-aral sa Academy of Arts sa ilalim ng Repin, si Somov sa lalong madaling panahon ay natagpuan ang kanyang sarili sa World of Art society, na nag-promote ang kulto ng kagandahan na malapit sa kanya. Ang pagnanais na ito para sa dekorasyon at "kagandahan" ay lalo na maliwanag sa kanyang maraming mga guhit batay sa mga larawan ng magiting na panahon, ang interes na kung saan ay naobserbahan sa gawain ng iba pang mga artista sa mundo (Lancere, Benois). Ang "Somov" na mga marquise at magiting na mga ginoo sa mga lihim na petsa, mga eksena ng mga sosyal na pagtanggap at pagbabalatkayo na may mga harlequin at mga babaeng naka-wig ay tumutukoy sa amin sa aesthetics ng Baroque at Rococo.
Ang mga presyo para sa mga gawa ni Somov sa merkado ng sining ay nagsimulang lumaki sa isang kahanga-hanga at hindi palaging naiintindihan na bilis mula noong 2006; ang ilan sa kanyang mga pagpipinta ay lumampas sa pagtatantya ng 5, o kahit na 13 beses. Ang kanyang mga painting ay nagkakahalaga ng milyun-milyong pounds. Tulad ng para sa mga graphics, narito ang pinaka pinakamahusay na resulta Somov sa ngayon ay 620,727 dolyar - ito ay isa lamang sa mga guhit ng "gallant" series na "Masquerade".
Noong Abril 22, 2010, 86 na gawa - mga painting at graphics - ng halos dalawang dosenang may-akda ang naibenta bilang isang lote No. 349 sa Sotheby's sa New York. Ang pagbebentang ito, nga pala, ay lumilikha ng kalituhan sa mga istatistika ng auction ng mga artist na ang mga gawa ay kasama sa loteng ito. Oo, ang koleksyon ay napakahalaga sa sarili nito, ito ay mahaba, kumplikado at trahedya na kwento, at, sa isang banda, mabuti na ang koleksyon ay nahulog sa parehong mga kamay. Ngunit, sa kabilang banda, kung balang araw ay magpasya ang may-ari na magbenta mga indibidwal na gawa, pagkatapos ay ayon sa karamihan ng mga may-akda, walang antas ng presyo ang umiiral. Matapos ang nakakabinging "paghahanda sa sining" na nauna sa pagbebenta ng koleksyon, maaari itong lumitaw, ngunit hindi, at sa muling pagbebenta ito ay magiging isang malaking minus.
Pansin! Lahat ng mga materyales sa site at database ng site ng mga resulta ng auction, kasama ang nakalarawan background na impormasyon tungkol sa mga gawang ibinebenta sa mga auction ay inilaan para sa eksklusibong paggamit alinsunod sa Art. 1274 ng Civil Code ng Russian Federation. Ang paggamit para sa mga layuning pangkomersyo o sa paglabag sa mga patakarang itinatag ng Civil Code ng Russian Federation ay hindi pinahihintulutan. ang site ay hindi mananagot para sa nilalaman ng mga materyales na ibinigay ng mga ikatlong partido. Sa kaso ng paglabag sa mga karapatan ng mga ikatlong partido, ang pangangasiwa ng site ay may karapatang alisin ang mga ito mula sa site at mula sa database batay sa isang kahilingan mula sa awtorisadong katawan.
Koleksyon ng mga graphic na Ruso huli XIX-XX siglo sa Sergiev Posad Museum-Reserve ay maliit sa dami, hindi gaanong sistematiko at holistic kaysa sa pictorial collection nito sa panahong ito. Ngunit mayroon itong sariling artistikong kahalagahan sa pangkalahatang museo complex.
Ang pagiging tiyak ng graphic na koleksyon ng museo (pati na rin ang koleksyon ng pagpipinta) ay ang pamamayani ng mga gawa ng mga lokal na artist at isang tiyak na thematic focus na nauugnay sa iconography ng Trinity-Sergius Lavra at ng lungsod. Ang isang espesyal na bahagi nito ay binubuo ng mga indibidwal na sheet (bihirang - mga siklo ng trabaho) mga sikat na master ng domestic fine arts - I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, K.S. Petrova-Vodkina, V.A. Favorsky, T.A. Mavrina at iba pa (mga 80 gawa).
Ang mga unang hakbang patungo sa pagbuo ng isang koleksyon ay ginawa sa pinakasimula ng mga aktibidad ng museo - noong 1920–1921: higit sa 30 mga graphic na gawa ng mga lokal na artista ang binili mula sa "Exhibition of Architectural Motifs TSL".
Ang pinakamahalagang bahagi ng koleksyon ay ang pagkuha ng mga regalo at pagbili ng mga graphic na gawa mula sa mga pribadong indibidwal. Ganito nakarating sa museo ang mga gawa ng I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, V.A. Favorsky, L.S. Baksta. Ang "Mga Pangalan" (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin, atbp.) ay "pinangalanan", ngunit kinakatawan ng mga solong gawa. May mahalagang isang "pagkatao" ng Russian graphic art sa koleksyon ng museo - T.A. Mavrin (pinapayagan ng koleksyon ng SPMZ, gamit ang halimbawa pinakamahusay na mga gawa ipakita ang kanyang trabaho sa pag-unlad - mula 1940s hanggang 1970s). Gayunpaman, para sa isang "panlalawigan" na koleksyon ng sining mula sa huling bahagi ng ika-19 at ika-20 siglo, ang mga indibidwal na gawa ng mga klasikal na artista ay lubhang mahalaga.
Ang pinakamaagang mga halimbawa ng mga naka-print na graphics sa complex ng mga gawa na aming isinasaalang-alang mula pa noong 80s ng ika-19 na siglo. Ang mga ito ay konektado sa isang "pagkatao" - iconic at makabuluhan sa kasaysayan ng Russian engraving sa panahong ito - I.I. Shishkin (1832 1898).
Alalahanin natin na ang 1870s ay isang transitional at "passing" period para sa Russian printed graphics, ang panahon ng dominasyon ng tone engraving. Ngunit kahit na sa panahong ito ay hindi masyadong malikhaing may mga tunay na birtuoso ng woodcut (V.V. Mate) at pag-ukit (I.I. Shishkin). Ang aming koleksyon ay naglalaman ng apat na ukit ng artist, na nilikha niya noong 1880s (isang panahon na lalong naging mabunga sa gawa ni Shishkin). Ito ang mga sheet ng napakatalino na pagpapatupad at kahusayan sa paghahatid ng estado ng kalikasan: "Gurzuf" (1885), "Black Forest" (1885), "Abril" (1885), "Swamp on the Warsaw Railway" (1886). Ang koleksyon ng museo ay naglalaman din ng mga guhit ng mga sikat na pintor ng Russia, tulad ng Itinerant artist na si Vladimir Egorovich Makovsky (1846-1920) at Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911). Mga larawan ni V.E. Ang mga guhit ni Makovsky ay hindi nagkakamali sa komposisyon at pagkakumpleto gaya ng kanyang langis. Ang pagiging master ng portraiture, V.E. Si Makovsky ay may talento na tumpak na ihatid hindi lamang ang panlabas na pagkakapareho ng taong inilalarawan, kundi pati na rin ang mga katangian ng kanyang mga paggalaw sa pag-iisip, na binibigyang-diin ang mga pangunahing katangian ng karakter na tumutukoy sa mga kilos, iniisip at damdamin ng isang tao. Si Valentin Serov, tulad ng anumang tunay na artista, ay nagtrabaho nang kapansin-pansin hindi lamang sa pagpipinta ng langis, ngunit mahusay na pinagkadalubhasaan ang pamamaraan ng pagguhit. Ang kanyang maraming mga gawa sa lapis at uling ay may parehong kasiglahan at katumpakan sa paghahatid ng katangian ng mga taong inilalarawan, at ang parehong pagiging perpekto ng pagpapatupad ng kanyang mga pintura ng langis.
Kasama sa koleksyon ng museo ang ilang mga gawa ng mga sikat na artistang Ruso noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ito ay, una sa lahat, isang guhit ni Mikhail Vrubel (1856–1910), ang pinakamalaking kinatawan ng simbolismo at modernismo sa sining ng Russian. Kasama ang mga sheet ng L.S. Bakst at M.A. Vrubel, ang kasagsagan ng Russian graphics sa pagliko ng ika-19–20 na siglo at ang 1910s ay kinakatawan ng gawa ng K.A. Korovin (1861–1939) – isang sketch ng 1917 scenery para sa opera ni N.A. Rimsky Korsakov "Sadko". Ang sketch na ito ay ang tanging "surviving" na halimbawa ng theatrical scenery graphics. Sa istilo, ang aming sheet ay malapit sa isang bilang ng mga theatrical na gawa ni K. Korovin mula sa huling bahagi ng 1900s hanggang 1910s. Ang mga sketch ni K. Korovin para sa "Sadko" ng 1906, 1914 ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mas kumplikado istrukturang komposisyon, kasama nila hindi lamang ang imahe ng "Mansion", kundi pati na rin ang isang bukas na terrace, sa pamamagitan ng mga span kung saan makikita ang "sea blue" na landscape. Ang aming sheet ay may tunog ng silid: ito ay kumakatawan sa loob ng isang silid na may mataas na vault, maliliit na bintana, naka-tile na kalan at mga bangko.
Kasama rin sa graphic collection ng museo ang isang maliit na guhit ni Ilya Efimovich Repin, "Portrait of the Writer Leontyev-Shcheglov." I.L. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - mahuhusay na manunulat at manunulat ng dulang Ruso
Mga graphic na sheet B.M. Kustodiev sa koleksyon ng Sergiev Posad Museum-Reserve - ito ang tatlong linocuts ng 1926 (nalagdaan, napetsahan ng may-akda), na natanggap noong 1928 mula sa isang pribadong koleksyon. Ang mga graphic ay sinakop ang isang malaking lugar sa gawa ng artist, kahit na siya ay pangunahing pintor. Noong 1920s, gumawa si Kustodiev ng maraming paglalarawan ng libro, mga poster at easel engraving (woodcut, lithography, linocut). Noong 1926 B.M. Gumawa si Kustodiev ng ilang mga komposisyon na may "Bathers" gamit ang mga diskarte ng linocut, woodcut at watercolor. Sa mga entry sa talaarawan para sa 1926 ng unang biographer na si V.V. Kustodiev. Si Voinov (graphic artist, art historian, art critic) ay patuloy na naririnig ang tema ng gawa ni Boris Mikhailovich sa mga linocut na "Bather" at "Bathers". Permanenteng modelo sa mga nakaraang taon buhay ni B.M. Si Kustodiev "para sa mga larawan, mga character sa mga kuwadro na gawa, mga pabalat, mga ukit, mga guhit" ay pinaglingkuran ng kanyang anak na babae na si Irina. Nag-pose din siya para sa kanyang ama para sa ukit na "Bather."
Sa seryeng "Bathers" B.M. Kustodiev nagtrabaho, literal, hanggang mga huling Araw ng kanyang buhay: ang huling pag-ukit ng siklo na ito ay ginawa niya noong Mayo 4, 1927 (at noong Mayo 26 namatay ang artista).
Ang gawa ng isa sa mga natitirang figure ng Russian art noong ika-20 siglo, ang klasikong wood engraving V.A. Ang Favorsky (1886–1964) ay kinakatawan sa koleksyon ng museo ng labing-anim na graphic sheet iba't ibang panahon: ito ay mga gawa ng easel, mga ilustrasyon ng libro, at mga sample ng kanyang "type graphics".
Ang pagpili ng mga sheet ay kadalasang random; hindi lahat ng mga ito ay first-class o iconic na mga gawa ng master. Noong 1919 1939 ang mga miyembro ng pamilyang ito (kabilang si Vladimir Andreevich Favorsky) ay nanirahan sa Sergiev Zagorsk, nag-ugat sa espirituwal at kultural na buhay nito, nilikha ang marami sa kanilang mga gawa dito, at ang biyenan na si V.A. Si Favorsky ay isa sa mga nag-organisa ng aming museo.
Kabilang sa mga ito ay isa sa mga pinakasikat, makabuluhang mga gawa sa panahong ito ng gawain ng master - ang easel engraving "Oktubre 1917" ng 1928. Ang woodcut na ito ay nilikha ayon sa unang order ng estado ng Council of People's Commissars para sa ika-10 anibersaryo Rebolusyong Oktubre. Pagkatapos ay inisip ni Favorsky ang seryeng "Mga Taon ng Rebolusyon", kung saan "ang mga guhit na nakaayos sa pagkakasunud-sunod ng magkakasunod ay dapat na muling likhain ang buong kasaysayan ng estado ng Sobyet sa unang 10 taon taon-taon." Ang woodcut na "Oktubre 1917" ay isang detalyadong plot-narrative at, sa parehong oras, symbolic, metaporikal na komposisyon na may maraming mga karakter at ilang mga episode, medyo organikong pinagsama-sama.
Ang huli na panahon ng pagkamalikhain ng V.A. Kasama sa Favorsky sa aming koleksyon ang mga ukit mula sa kanyang pinakamahusay, pinakasikat na mga siklo ng 1950s, kung saan ang artist ay iginawad sa Lenin Prize noong 1962 - mga guhit ng 1950 para sa "The Tale of Igor's Campaign" at para sa "Boris Godunov" noong 1955., donasyon sa museo noong 1965.
Perpektong ipinapakita nila ang "late style" ng mga woodcuts ni Favorsky, kung saan mas binibigyang pansin ang hitsura ng mga character, setting, costume, kung saan ang visual na ibig sabihin ay natural na nagbabago: ang asetisismo ng mga graphic na solusyon na may pag-highlight ng mga contour at open shading ay napalitan. sa pamamagitan ng isang tiyak na "picturesqueness". Ang epikong solemnity at epicness ng "The Lay" ay ganap na tumunog sa multi-figure na komposisyon ("Before the Battle"), kung saan kasama ni Favorsky ang mga larawan ng mga sundalong Ruso sa ilalim ng bandila ng labanan at Guslyar. Mula sa iba't ibang mga graphic cycle V.A. Favorsky ng 50s hanggang sa dramaturhiya ng A.S. Pushkin ("Boris Godunov", "Little Tragedies") sa koleksyon ng museo mayroon lamang isang ilustrasyon para sa trahedya na "Boris Godunov" - "Pimen at Gregory" 1955.
Ang koleksyon ng mga gawa ng natitirang Russian graphic artist at pintor na si Tatyana Alekseevna Mavrina sa Sergiev Posad Museum-Reserve sa dami nito, antas ng trabaho, at kanilang pagkakaiba-iba ng genre ay maihahambing lamang sa pinakamalaking koleksyon ng museo sa bansa na may mga koleksyon ng graphics ng ika-20 siglo. (Pushkin Museum, State Tretyakov Gallery, State Russian Museum). Ito ay animnapu't dalawang mga sheet na dumating sa amin noong 1977-1978 pagkatapos ng personal na eksibisyon ng may-akda ay ginanap sa museo. Apatnapu't limang obra ang ibinigay kay T.A. Regalo ni Mavrina.
Sa kronolohikal, ang koleksyon ng mga gawa ni Mavrin ay sumasaklaw sa isang malaking panahon ng malikhaing gawa ng artist (mga matinding petsa ay 1944 at 1976; na may humigit-kumulang pantay na bilang ng mga sheet na kabilang sa mga panahon ng 40s, 50s, 60s at 70s). Kinakatawan nito ang isang sapat na iba't ibang mga graphic na diskarte kung saan matagumpay na nagtrabaho si Mavrina: ito ay mga watercolor, gouaches, mga sheet na ginawa sa halo-halong media (tempera, gouache o distemper, gouache, watercolor), mga guhit na lapis, mga guhit ng tinta.
"Zagorsky cycle" T.A. Si Mavrina, malinaw na nagpapahayag ng kanyang pananaw sa mundo, mga priyoridad sa sining, ang kanyang natatanging istilo, madalas at wastong tinatawag na "Mavrinsky," ay nagsimulang magkaroon ng hugis noong 1940s. Ang "linya ng paksa" ng mga gawa ni Mavrin noong 50s ay ang "fabulously seen" ensemble ng Lavra, ang Pyatnitsky Monastery, ang lumang lungsod at ang buhay ng mga naninirahan dito - araw-araw at maligaya, na nakapaloob sa espesyal, metaporiko at patula na susi na nauugnay. na may larawan ng katutubong sining at alamat. Ang mga sheet ng 1960s–1970s ay kasing ekspresyon at libre, matapang sa disenyo, komposisyon, at kulay. Sa kanilang pampakay na komposisyon, nangingibabaw pa rin ang mga landscape ng genre, ang mismong mga pangalan na nagbibigay-diin sa epektibong pang-araw-araw na aspeto. Ang isang klasikong halimbawa ng isang "Mavrinsky portrait" sa aming koleksyon ay "Demidova", 1973. "Demidova" - magandang halimbawa organic na kumbinasyon ng dalawang genre - "portrait in a landscape": isang malaki, frontal, kalahating haba na imahe ng isang "Russian old woman" sa isang puting scarf sa backdrop ng summer village landscape, kung saan lumang tradisyon katutubong pagpipinta at tanyag na mga kopya, ang mga inskripsiyon ay ibinibigay sa mga imahe mismo.
) sa kanyang nagpapahayag, nakamamanghang mga gawa ay nagawang mapanatili ang transparency ng fog, ang liwanag ng layag, at ang makinis na pag-alog ng barko sa mga alon.
Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay humanga sa kanilang lalim, dami, kayamanan, at ang texture ay tulad na imposibleng alisin ang iyong mga mata sa kanila.
Mainit na pagiging simple ng Valentin Gubarev
Primitivist artist mula sa Minsk Valentin Gubarev hindi humahabol sa kasikatan at ginagawa lang ang gusto niya. Ang kanyang trabaho ay hindi kapani-paniwalang sikat sa ibang bansa, ngunit halos hindi alam ng kanyang mga kababayan. Noong kalagitnaan ng 90s, umibig ang Pranses sa kanyang pang-araw-araw na sketch at pumirma ng kontrata sa artist sa loob ng 16 na taon. Ang mga pagpipinta, na, tila, ay dapat na maunawaan lamang sa atin, ang mga maydala ng "katamtamang kagandahan ng hindi maunlad na sosyalismo," ay umapela sa publiko sa Europa, at nagsimula ang mga eksibisyon sa Switzerland, Germany, Great Britain at iba pang mga bansa.
Senswal na pagiging totoo ni Sergei Marshennikov
Si Sergei Marshennikov ay 41 taong gulang. Nakatira siya sa St. Petersburg at nagtatrabaho sa pinakamahusay na mga tradisyon ng klasikal na paaralang Russian ng makatotohanang portraiture. Ang mga bida sa kanyang mga canvases ay mga babaeng malambing at walang pagtatanggol sa kanilang kalahating kahubaran. Sa marami sa pinaka sikat na mga painting inilalarawan ang muse at asawa ng artista, si Natalya.
Ang Myopic World ni Philip Barlow
Sa modernong panahon ng mga larawang may mataas na resolution at ang pagtaas ng hyperrealism, ang gawa ni Philip Barlow ay agad na nakakaakit ng pansin. Gayunpaman, kailangan ng isang tiyak na pagsisikap mula sa manonood upang pilitin ang kanyang sarili na tingnan ang malabong silhouette at maliwanag na mga spot sa mga canvases ng may-akda. Ganito marahil ang nakikita ng mga taong may myopia sa mundo nang walang salamin at contact lens.
Sunny bunnies ni Laurent Parselier
Ang pagpinta ni Laurent Parcelier ay kamangha-manghang mundo, kung saan walang kalungkutan o kawalan ng pag-asa. Wala kang makikitang makulimlim at maulan na mga larawan mula sa kanya. Ang kanyang mga canvases ay naglalaman ng maraming liwanag, hangin at maliliwanag na kulay, na inilalapat ng artist na may katangian, nakikilalang mga stroke. Lumilikha ito ng pakiramdam na ang mga kuwadro ay hinabi mula sa isang libong sunbeam.
Urban dynamics sa mga gawa ni Jeremy Mann
Ang American artist na si Jeremy Mann ay nagpinta ng mga dynamic na portrait ng isang modernong metropolis sa langis sa mga wood panel. "Mga abstract na hugis, mga linya, ang kaibahan ng liwanag at madilim na mga spot - lahat ay lumilikha ng isang larawan na pumukaw sa pakiramdam na nararanasan ng isang tao sa karamihan ng tao at pagmamadalian ng lungsod, ngunit maaari ring ipahayag ang kalmado na makikita kapag pinag-iisipan ang tahimik na kagandahan," sabi ng artista.
Ang Illusory World ni Neil Simon
Sa mga painting ng British artist na si Neil Simone, walang katulad sa unang tingin. "Para sa akin, ang mundo sa paligid ko ay isang serye ng mga marupok at pabago-bagong mga hugis, anino at mga hangganan," sabi ni Simon. At sa kanyang mga pagpipinta ang lahat ay tunay na ilusyon at magkakaugnay. Ang mga hangganan ay malabo, at ang mga kuwento ay dumadaloy sa isa't isa.
Love drama ni Joseph Lorasso
Isang Italyano sa pamamagitan ng kapanganakan, ang kontemporaryong Amerikanong artista na si Joseph Lorusso ay lumipat sa mga paksang canvas na kanyang natiktikan Araw-araw na buhay ordinaryong mga tao. Ang mga yakap at halik, madamdaming pagsabog, mga sandali ng lambing at pagnanasa ay pumupuno sa kanyang mga emosyonal na larawan.
Buhay ng bansa ni Dmitry Levin
Si Dmitry Levin ay isang kinikilalang master ng landscape ng Russia, na itinatag ang kanyang sarili bilang isang mahuhusay na kinatawan ng makatotohanang paaralan ng Russia. Ang pinakamahalagang pinagmumulan ng kanyang sining ay ang kanyang attachment sa kalikasan, na mahal niya nang malumanay at madamdamin at kung saan nararamdaman niya ang kanyang sarili na bahagi.
Maliwanag na Silangan ni Valery Blokhin
"Mga painting ng graphics"
Ang graphics ay isang uri ng fine art na gumagamit ng mga linya, stroke, spot at tuldok bilang pangunahing visual na paraan.
Mga graphic na larawan. Ang kulay ay maaari ding gamitin sa mga graphics, ngunit, hindi tulad ng pagpipinta, dito ito ay gumaganap ng isang sumusuportang papel.
Mga graphic na larawan. Kapag gumuhit ng mga graphic, kadalasang gumagamit sila ng hindi hihigit sa isang kulay (maliban sa pangunahing itim), sa mga bihirang kaso - dalawa). Bilang karagdagan sa linya ng tabas, ang mga stroke at mga spot ay malawakang ginagamit sa graphic art, na kaibahan din sa puti (at sa iba pang mga kaso ay may kulay, itim, o mas madalas na naka-texture) na ibabaw ng papel - ang pangunahing batayan para sa mga graphic na gawa. Ang kumbinasyon ng parehong paraan ay maaaring lumikha ng mga tonal nuances. Ang pinakakaraniwang natatanging tampok ng mga graphics ay ang espesyal na kaugnayan ng inilalarawan na bagay sa espasyo, ang papel na ginagampanan ng karamihan sa background ng papel (sa mga salita ng Soviet graphic master V. A. Favorsky, "ang hangin ng isang puting sheet ”).
Mga graphic na larawan. Ang pinakasinaunang at tradisyunal na uri ng graphic na sining ay ang pagguhit, ang mga pinagmulan nito ay makikita sa primitive rock paintings at sa sinaunang vase painting, kung saan ang batayan ng imahe ay linya at silweta. Ang mga gawain ng pagguhit ay may maraming pagkakatulad sa pagpipinta, at ang mga hangganan sa pagitan ng mga ito ay tuluy-tuloy at higit sa lahat ay arbitrary: watercolor, gouache, pastel at tempera ay maaaring gamitin upang lumikha ng parehong mga graphic na gawa at mga gawa na painterly sa estilo at karakter.
Mga graphic na larawan. Kasama sa sining ng graphic ang parehong aktwal na pagguhit at pag-print gawa ng sining(pag-ukit, lithography, atbp.), batay sa sining ng pagguhit, ngunit may sariling visual na paraan at mga kakayahan sa pagpapahayag.
Mga graphic na larawan. Sa mga graphics, kasama ang mga nakumpletong komposisyon, full-scale sketch at sketch para sa mga gawa ng pagpipinta, eskultura, arkitektura (mga guhit ni Michelangelo, L. Bernini sa Italya, O. Rodin sa France, Rembrandt sa Holland, V. I. Bazhenov sa Russia) ay mayroon ding malayang masining na halaga. . Hindi nagtataglay ng ganoong dami ng pagkakumpleto ng mga posibilidad gaya ng pagpipinta sa paglikha ng spatial na ilusyon ng totoong mundo, ang mga graphics ay nag-iiba sa antas ng spatiality at flatness na may malaking kalayaan at flexibility; Ang mga graphic na gawa ay maaaring mailalarawan sa pamamagitan ng maingat na volumetric na konstruksyon, pagiging ganap sa pagbuo ng pinakamahusay na mga elemento ng texture at pagkakakilanlan ng istraktura ng paksa.
Ang pamana ng sining ng grapiko ay magkakaiba. Ito ay minarkahan ng mga gawa ng mga sikat na master sa mundo tulad ng Albrecht Durer (1471-1528), Francisco Goya (1746-1828), Gustave Dore (1832-1883), Japanese artist na Kitagawa Utamaro (1753-1806), Hiroshige Ando ( 1797-1858) at ang engraver at draftsman na si Hokusai Katsushika (1760-1849), na ang trabaho ay nakaimpluwensya makabuluhang impluwensiya sa sining ng Europa noong huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo.
Mula sa modernong mga masters Sa mga graphic, ang pinakasikat ay ang Dutch artist na si Maurice Escher, na isa sa mga unang naglalarawan ng mga fractals at naging sikat pagkatapos ng paglalathala ng aklat na "Grafiek en Tekeningen", kung saan siya mismo ay nagkomento sa 76 sa kanyang pinakamahusay na mga gawa.
Kaya, tiningnan namin ang mga makasaysayang ugat ng graphic art at modernong graphics.
Ang mga graphic painting ay maaaring maging isang independiyenteng seksyon ng fine art.
Ang mga graphic na pagpipinta ay nagbigay ng batayan at pag-unlad sa mga magagandang uri ng sining gaya ng .
Mga graphic na larawan. Graphic na pagguhit. Ito ay kumpletong sining. Ang mga graphics ay mahusay at mayamang kasaysayan. Mga graphic na larawan sinaunang hitsura sining. Ang mga graphic painting ay ang ating modernidad. Ang mga graphic painting ay iginagalang at minamahal.
Maraming tao ang interesado sa graphics. Kolektahin ang mga graphic na guhit. Ang mga graphics ay kawili-wili at kaakit-akit.
Ang modernong pandekorasyon na sining ay hindi rin maiisip nang walang mga graphic at graphic na larawan. Ang mga sketch, sketch, at drawing ay nagbibigay-daan sa artist na mag-isip sa isang kawili-wili at orihinal na paraan. Ang mga pagpipinta, graphics at pagguhit ay ang batayan ng pagkamalikhain ng sinumang propesyonal na master.
Ang mga graphic, pagguhit, graphic na imahe, graphic na disenyo ay maaaring gawin batay sa iba't ibang mga materyales. Mga graphic sa papel. Mga graphic sa kahoy. Mga graphic sa metal. Mga graphic sa tela. Mga graphic sa salamin. Mga graphics ng buhangin.
Ang isang mahusay na graphic na imahe ay nakakakuha at nakakaakit sa manonood na hindi mas masahol pa kaysa sa maraming kulay na langis o watercolor na mga painting.
Mga graphic na larawan. Ang mga graphics ay maganda sa kanilang sariling karapatan. Ang mga graphics ay kawili-wili. Ang mga graphics ay kaakit-akit. Ang mga graphic na guhit ng mga masters tulad ni Michelangelo ay itinuturing na hindi mabibili ng mga gawa ng pagguhit at graphic na sining.
Mga graphic na larawan. Mga modernong graphics.
Ang mga modernong graphics ay may kanilang mga masters. Maraming dalubhasa sa graphic drawing at naging kasangkot sa graphics sa buong buhay nila.
Ang mga modernong graphics ay may parehong mga tagahanga at kanilang mga connoisseurs. Ang mga graphic na guhit ay madaling binili ng maraming mga amateur at kolektor. Ang graphic na trabaho ay maaari ding maging napakamahal. Ang mga graphic painting ay hindi mura at hindi isang outcast sa sining. Ang mga graphics ng larawan ay sa iyo magandang mundo sa sining.
Mga graphic na larawan. Mga modernong graphics. Nagpapakita ang aming gallery ng malaking iba't ibang mga graphic na gawa. Mayroong mga graphic na gawa para sa bawat panlasa dito. Tingnang mabuti ang aming mga graphic na gawa. Ang graphics ay isang magandang diwata kontemporaryong sining, ngunit ang mga graphics ay maganda sa kanilang sariling karapatan. Ang isang mahusay na graphic drawing o graphic na komposisyon ay maaaring palamutihan ang anumang interior na may kahanga-hangang aura. Ang mga larawan at graphics ay kahanga-hanga!
Ang mga graphic ay nakabihag hindi lamang sa mga artista. Ang mga graphic painting ay naging muse din para sa mga masters modernong tula.
Ang mga grapiko ng taludtod ay isang espesyal na paraan ng pagtatala ng tekstong patula sa pagkakaiba nito sa prosa.
"Nagsimula siyang halikan siya, lahat ay pinahiran ng marmelada, sa kanyang buntot at mane.
at sa bintana ng Eliseevsky grocery store at sa Macintosh computer
At sinadya niyang pinalitan siya ng isa o isa pang (lanita) na floppy disk
hindi nakakalimutang halikan siya sa bawat lapis ng Kohinorov."
Sa modernong tula mayroong maraming mga termino mula sa salitang-ugat - "Mga graphic na larawan". Halimbawa: espesyal na poetic graphics, espesyal na verse graphics, specific verse graphics.
Graphic na sining. Ang mga graphics ay tumagos at tumagos sa ating buong buhay. Mahilig sila sa graphics. Hinahangaan nila ang mga graphics. Interesado sila sa graphics. Ang ilang mga tao ay may sakit sa graphics.
Ang pinakasikat at kilalang species pagguhit ng graphics. Ang sinumang artist ay nagsisimula sa mga graphic at graphic na gawa.
Graphic na sining. Papel. Lapis. Ano pa ang kailangan. Syempre creativity. Syempre inspirasyon.
"Kumuha ako ng lapis, grapayt na may titik na "T",
Nagsisimula akong gumuhit ng damdamin.
At may nanginginig na kamay sa isang puting kumot
Sinisira ko ang mga batas ng sining."
Mga graphic na larawan. Ang mga graphics ay tumagos at tumagos sa ating buong buhay. Mahilig sila sa graphics. Hinahangaan nila ang mga graphics. Interesado sila sa graphics. Maraming tao ang may sakit sa graphics.
“Itinutusok ko ang papel na may matalas na punto hanggang sa magkaroon ng mga butas.
At ang mga hampas ay hindi bumabagsak na parang ulan.
Ang elixir ay lasing mula sa kaluluwa sa pamamagitan ng kamatayan
Nagbabalik na may pagngangalit ang mga ngipin."
"Mahirap na graphics! Kapirasong papel!
Nagsisimula na ring manhid ang mga daliri ko.
Ang mongrel, na hindi naniniwala sa kanyang sariling pag-iiwan,
Biglang kayang mamatay sa kalungkutan."
Mga graphic na larawan. Pinalamutian ng mga painting at graphics ang ating buhay. Mahilig sila sa graphics. Hinahangaan nila ang mga graphics. Interesado sila sa graphics. Maraming tao ang may sakit sa graphics.
"Sakit, pagkakasala, panghihinayang, hinanakit, kawalan ng pag-asa,
Pag-asa, galit, kasalanan, pananabik...
At pag-ibig na hindi tinanggap ang katotohanan ng kalayaan,
Ang hindi pagpapatawad ay umiikot sa templo..."
Graphic na sining. Pinalamutian ng mga painting at graphics ang ating buhay. Mahilig sila sa graphics. Hinahangaan nila ang mga graphics. Interesado sila sa graphics. Nakikita ng maraming tao ang kanilang kaligayahan sa mga graphic.
"Anong nangyari? Hindi ko pa tapos ang paggawa ko.
Ang eclecticism ng mga damdamin ay naging isang daub.
Gusto kong sunugin ang pagkakaugnay ng mga linyang ito,
Buhayin ang Phoenix mula sa apoy..."
Graphic na sining. Mga modernong graphics.
Ang mga modernong graphics ay may kanilang mga masters. Maraming mga artista ang dalubhasa sa graphic drawing at naging kasangkot sa mga graphics sa buong buhay nila.
Ang mga modernong graphics ay may kanilang mga tagahanga at kanilang mga connoisseurs. Ang mga graphic na guhit ay madaling binili ng maraming mga amateur at kolektor. Ang graphic na trabaho ay maaari ding maging napakamahal. Ang mga graphic painting ay hindi mura at hindi isang outcast sa sining. Ang mga graphic na kuwadro ay ang kanilang sariling kahanga-hangang mundo sa pinong sining!
Mga larawang graphic! Mga modernong graphics! Nagpapakita ang aming gallery ng malaking iba't ibang mga graphic na gawa ng mga artist. Mayroong mga graphic na gawa para sa bawat panlasa dito. Tingnang mabuti ang aming mga graphic na gawa. Ang mga graphic na pagpipinta ay ang magandang diwata ng modernong sining, ngunit ang mga graphic ay maganda sa kanilang sarili. Ang isang mahusay na graphic drawing o graphic na komposisyon ay maaaring palamutihan ang anumang interior na may kahanga-hangang aura!
Mga larawang graphic! Ang mga larawan at graphics ay kahanga-hanga!