Raffaello Santi. Rafael - pinturas y frescos
Arte de Raphael Santi
Conclusión
Bibliografía
Introducción
La creatividad de Rafael Santi en su totalidad está relacionada con la cultura espiritual del Renacimiento, donde se plasmaron los ideales del humanismo y la belleza. Rafael, como gran maestro, es de interés para los críticos de arte y los historiadores del arte; se dedica una extensa literatura de investigación a su época. Quizás todo esto se deba no solo al reconocimiento general de sus grandiosos logros en pintura, gráficos, arquitectura, sino también a la estructura clara, tranquila e ideal de todo el arte de Raphael. Es difícil para mí, siendo una persona sin experiencia (más precisamente, solo un estudiante) en un ámbito tan delicado como las bellas artes, hablar de las hermosas siluetas creadas por Raphael y, además, incluso para mí, pero evaluarlas.
Por eso, leí una colección de artículos bajo el título general "Rafael y su tiempo", donde los científicos plantean los problemas (y las formas de resolverlos) de la obra del gran artista. El consejo editorial de la colección señala en el artículo introductorio que el número de preguntas sobre la obra de Rafael es incomparablemente mayor. Los más importantes de ellos se consideran en trabajos de investigacion colocado en el libro. El propósito de la creación de la colección fue “estudiar su obra en el contexto de las búsquedas artísticas, la filosofía, la estética, la literatura, la música del Renacimiento”, lo que “nos permite revelar más plenamente tanto la significación de Rafael para su tiempo, como la importancia del tiempo para la formación y mejora de artista brillante". (p. 5) Probablemente sea difícil hablar sobre los grandes, porque creo que las palabras no son capaces de expresar todos los sentimientos que transmiten las pinturas, los trazos en las obras de maestros, pintores talentosos.
Pido disculpas por un motivo tan poco claro para escribir la prueba, pero en este momento Me interesan igualmente Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Este año, al igual que en el pasado, se vieron muchos documentales y películas de divulgación científica sobre la vida y obra de Miguel Ángel, un poco antes, Leonardo da Vinci llamó la atención de la televisión de masas. En una palabra, puedo nombrar las etapas del trabajo de Raphael como una brecha en la educación (para mí personalmente). Además, emocionalmente, percibo más fácilmente el trabajo de este maestro en particular. Lamentablemente, ni una sola obra de la colección "Rafael y su tiempo" refleja el tema del legado de la era de Rafael, que desembocó en el curso del Prerrafaelismo. Me parece que las obras de representantes de la estética de Rafael en el arte son tan hermosas, exquisitamente aristocráticas y, en mi opinión, algo imitativas. Por cierto, en la palabra "imitación" no se puede ver sólo el lado negativo de "la probable ausencia de rasgos individuales". Presumiblemente, el propio Rafael le escribió a Baldassar Castiglione que en la búsqueda de un solo espécimen que encarnara el sueño del ideal, uno tiene que "ver muchas bellezas ...", "pero debido a la falta de ... mujer hermosa Utilizo alguna idea ... que me viene a la mente ". (pág. 10). En estas palabras, veo una explicación del intento mismo de imitar la belleza: el deseo de reproducir la belleza, que a veces se encuentra, da lugar no solo a la copia, sino también a la multiplicación del número de admiradores de la belleza. La comprensión de la belleza se nutre de la imitación. “El arte de Raphael se destaca por su rara habilidad para una amplia generalización artística. Su talento natural gravitó imperiosamente hacia la síntesis ". Como V.N. Grashchenkov, el propio Rafael "vio la tarea de su propio arte" no en "la imitación de los antiguos", sino en la "introducción creativa a sus ideales artísticos". (pág. 10).
Sobre lo que no sabía antes y la impresión de los materiales que leí prueba... Sobre el genio de Raphael Santi, cuya "alguna idea" es platónica en su fuente original. “Pero lo entiende de manera más concreta y sensual, tangiblemente, como un cierto ideal visible, que lo guía como modelo. Este ideal de perfección artística cambió notablemente con el desarrollo de su obra, adquiriendo un carácter cada vez más pleno y significativo ”,“ haciendo ... la evolución de la intimidad a la monumentalidad ”(p. 10) en términos de un mundo armonioso.
Arte de Raphael Santi
“Comenzó en Urbino de niño, probablemente en el taller de su padre, un poco artista, un poco joyero, luego estudió en el estudio de Timoteo Vitti. Luego estaba Perugia. La crucifixión ha sobrevivido desde esos primeros tiempos. Aquí Rafael es solo un estudiante leal de Perugino. Copia el estilo del maestro, tanto su manera que, como el famoso crítico de arte soviético B.R. Vipper, difícilmente podrías haber adivinado que este no era Perugino, si no fuera por la firma de Raphael ". (A. Varshavsky).
Desde 1500, Raphael trabajó en el taller de Perugino. Por supuesto, la influencia de este maestro en Rafael fue decisiva. En su Urbino natal, se formó el estilo del joven Rafael, todo el período inicial de creatividad tuvo lugar en los tranquilos pueblos de montaña de Umbría. Fue al principio camino creativo Rafael fue influenciado por sus maestros provinciales, luego llega al taller de Perugino. V.N. Grashchenkov dice que en los métodos de composición, la "historia" se acercó fácilmente a la estructura representativa de la imagen del altar. A su vez, la "historia" es un tipo de composición de múltiples figuras. “Los artistas del Renacimiento se familiarizaron con los relieves antiguos, lo que condujo al desarrollo de principios estructurales y rítmicos de un nuevo estilo clásico. Rafael perfeccionó esta tendencia hacia la ampliación monumental de las formas, hacia la sencillez y claridad del conjunto ". El científico escribe que el carácter arquitectónico de la pintura de Rafael fue consecuencia de la tradición representativa, que heredó del arte de su Urbino natal. De las obras de Piero della Francesca, que vivió en la ciudad durante mucho tiempo. Esta herencia de Urbino fue reelaborada por Rafael, se sintió más profunda y fructífera. Siguiendo los ejemplos de los florentinos, Rafael dominó la plasticidad del cuerpo humano y la expresión de un sentimiento humano vivo. Urbino fue uno de los centros de arte en los años 60-70. Siglo XV. Por invitación del gobernante de la ciudad, trabajaron allí maestros de Italia e incluso artistas de otros países. Las obras de los maestros, sus pinturas y la idea arquitectónica encarnada, influyeron decisivamente en la formación de los ideales de Bramante, oriundo de la vecindad de Urbino. Probablemente toda esta diversidad tuvo la misma influencia en Rafael. Era el espíritu del verdadero clasicismo. Habiéndose conocido en Roma muchos años después, Raphael y Bramante encontraron con bastante facilidad puntos en común en sus puntos de vista, precisamente por la fuente de sus ideales, que era la vida artística de Urbino. Se sabe que la obra de Piero della Francesca influyó en la nueva dirección de la pintura de Umbría con su “síntesis prometedora de forma y color” (R. Longhi). Rafael también lo percibió a través de sus maestros de Umbría. The Betrothal of Mary es una pieza independiente y poderosa.
"Los esponsales de María" escrito en 1504 (Milán, Brera). Todas las figuras “forman una agrupación espacial-rítmica muy integral y hermosa. El espacio libre de la plaza desierta sirve como una pausa entre las figuras, cuyo movimiento de luz se transmite por suave, lineas onduladas y formas tranquilas y esbeltas de la rotonda del templo, cuya cúpula repite la terminación semicircular de todo el cuadro. E incluso en el color, aunque sin la transparencia y la ligereza de Piero della Francesca, Rafael logró encontrar la armonía adecuada. Sus colores densos y puros —rojo, azul, verde, ocre— combinan bien en un ligero amarillento del tono general, que suaviza la excesiva sequedad del patrón y el color áspero con su calidez ".
Esta es una cita literal de la descripción de la pintura dada por Grashchenkov. Adjunto solo una reproducción en blanco y negro, por lo tanto, usaré la redacción exacta de un especialista. Es muy importante para mí que muchas evaluaciones de los propios científicos, investigadores del trabajo de Raphael, se conserven en el control, por lo que daré una cita que describe otro trabajo temprano del artista: "Madonna Conestabile" (San Petersburgo, Hermitage). “… Escrito por él muy probablemente a finales de 1502 - principios de 1503. Tristes recuerdos de una madre que murió temprano, encantadoras imágenes de lugares nativos se han fusionado aquí en una sola imagen armoniosa, en una pura melodía suave de un sentimiento poético ingenuo pero sincero. Las líneas redondeadas delinean suavemente las figuras de la Madre de Dios y el bebé. Los contornos del paisaje primaveral resuenan en sintonía con ellos. El encuadre redondo de la imagen aparece como una terminación natural del juego rítmico de líneas. La imagen frágil y juvenil de María, el estado de ánimo de la pensativa tranquila, se combina bien con el paisaje desértico: con una superficie de espejo del lago, con laderas de colinas ligeramente verdes, con árboles delgados todavía desprovistos de follaje, con la frescura de picos nevados que brillan en la distancia.
... Sin embargo, este pequeño cuadro todavía está ejecutado al temple, con una sutileza de escritura casi en miniatura y una interpretación simplificada de las figuras y el paisaje ". Destacable es la historia que acompaña a la aparición del cuadro en el Hermitage, que se narra en un artículo de T.K. "Cuadros de Rafael en el Hermitage" de Kustodiev. El título de la obra de Rafael es "Madonna del Libro", que fue ejecutada por encargo de Alfani di Diamante. A pesar de algunas dudas al respecto, es obvio que este cuadro en particular se menciona entre la propiedad de los propietarios en 1660. Es este cuadro el que se da en los inventarios de 1665, después de la muerte de Marcello Alfani. Después de que la familia Alfani recibió el título de Condes de della Staffa en el siglo XVIII, la familia, a través del matrimonio, se unió a la familia Conestabile. De ahí la familia de Conestabile della Staffa. La pintura se mantuvo en la familia durante siglos, hasta que en 1869 el Conde Scipio Conestabile, debido a dificultades económicas, se vio obligado a vender la colección de arte. Entre ellos estaba la famosa "Madonna" de Raphael. Cabe mencionar que Kustodieva señala en el artículo que Raphael también creó el marco inicial para su pequeña obra maestra, y la moldura de estuco ornamental se hizo en el mismo tablero que sirvió de base para la pintura. A través del Conde Stroganov, así como del Director del Hermitage A.S. Gedeonov, "Madonna del Libro" fue comprada por mucho dinero y presentada por Alejandro II a su esposa Maria Alexandrovna. Kustodieva escribe: “En relación con el desarrollo de un tipo de imagen de media figura de María al final del período de Umbría, es posible fechar con precisión la Virgen de Conestabile. ... Creemos que el más convincente ... 1504, el final del período de Umbría, antes del otoño de este año, Raphael se mudó a Florencia. La base de esta datación es el análisis estilístico de las primeras obras del maestro. Estos incluyen la "Virgen de Simón" y la "Virgen de Soli", que por lo general se remontan a 1500-1501. En ambos cuadros, María se posiciona frontalmente, el bebé se coloca de manera que su cuerpo esté contra el fondo de la figura de la madre, sin ir más allá de su manto. Las posturas de Cristo son muy similares. La figura de María ocupa casi por completo el primer plano, dejando solo un espacio mínimo para el paisaje a derecha e izquierda. La comparación de estas obras con Madonna Conestabile muestra que la pintura del Hermitage es el siguiente paso en el desarrollo de tales composiciones. ... Por lo tanto, los personajes están unidos no solo externamente, sino que también están dotados de un estado de ánimo de reflexión concentrada. ... "La Virgen de Conestabile" suele estar junto a la "Virgen de Terranuova", que es reconocida por todos los investigadores como una de las primeras pinturas creadas por el maestro en Florencia. Su origen "florentino" está probado por la indudable influencia de Leonardo da Vinci ". (TK Kustodieva "Las obras de Rafael en el Hermitage"). V.N. Grashchenkov señala que la pintura "Madonna Conestabile" solo sentó las bases para la creación de aquellas pinturas donde, como artista, Raphael va mucho más allá, combinando "la antigua gracia de Umbría" con "plasticidad puramente florentina". Sus "Madonnas" "están perdiendo su antigua fragilidad y contemplación orante" y se vuelven "más terrenales y humanas", "más complejas para transmitir los matices de un sentimiento vivo". Cuatro años después en Florencia (1504-1508), ya estudia de forma independiente todo lo que este superior escuela de Arte Italia podría darle. "Aprendió mucho de Leonardo y del joven Miguel Ángel, se acercó a Fra Bartolomeo ... Por primera vez entró en contacto seriamente con las obras de plástico antiguo". (pág.12). Florencia era en ese momento la "cuna del Renacimiento italiano". Esta ciudad se mantuvo fiel a los ideales republicanos y humanistas. ¿Y vale la pena hablar de lo generoso con los talentos de Florencia? Miguel Ángel, Leonardo ... Los nombres por sí solos ciertamente no son suficientes para comprender toda la grandeza del talento de estos maestros, pero siempre que conozca lo poco que se cuenta en los medios de comunicación, puede imaginar los méritos tanto de Miguel Ángel como de Leonardo. A. Varshavsky escribe: “Rafael pasa cuatro años en Florencia. Leonardo (más precisamente, sobre las creaciones de Leonardo, el estudio fue, por así decirlo, correspondencia) aprende a representar el movimiento de las figuras. Miguel Ángel tiene plasticidad, la capacidad de transmitir una sensación de dinamismo con tranquilidad ". (pág.128). Las pinturas de esos años son ampliamente conocidas: "Madonna en el prado" (1505 o 1506), "Madonna con el jilguero" (c. 1506) y "Jardinero encantador" (1507). Estas pinturas se distinguen, según Grashchenkov, por "una agrupación de figuras más compacta" y "una mayor idealidad del paisaje". El investigador señala el préstamo de este tipo de composición de Rafael a Leonardo. "Después de la monotonía de las técnicas artísticas de Perugino, Raphael con particular agudeza debería haberse dado cuenta de toda la riqueza infinita del arte maduro de Leonardo cuando lo conoció por primera vez en Florencia". (Rafael y su tiempo, p. 24). Como señala Grashchenkov, Rafael "abandonó el refinamiento psicológico de Leonardo, ajeno a él, en nombre de una expresión más simple y clara, ... más accesible de la belleza de la maternidad". (ibídem.). Según los expertos, a Rafael no le atrajo la composición de la llamada "entrevista sagrada", "donde se representaba a la Madre de Dios en el trono, rodeada de santos y ángeles". Por lo tanto, se sintió atraído por una interpretación diferente de la imagen de la Virgen. "Son esas numerosas, más a menudo ... imágenes a medias ... donde ella (la Madre de Dios) se presenta abrazando tiernamente a un niño que le responde con su cariño". (ibídem.). Grashchenkov llama a esto "una reencarnación profundamente humana de la iconografía antigua" y sugiere que fue en los relieves del altar de Padua de Donatello donde se pudo recoger la idea. "Madonna Tempi" Rafael. El investigador escribe que esta imagen es "la expresión más ardiente y humanamente directa del amor de madre". (ibídem.). Las “Madonnas” de Rafael “viven en armonía con sus sentimientos, en armonía con la naturaleza, con las personas. ... Estas "Madonnas" fueron llamadas para servir a los pensamientos religiosos, como una vez ... iconos. Pero en su apariencia no hay nada que suscite el pensamiento de las ideas ascéticas del cristianismo. Este es un cristianismo feliz ... ”. (ibíd., pág. 24).
Cabe señalar que Rafael no se detuvo en los resultados obtenidos y "se esforzó por una plasticidad más intensa en la construcción del grupo". A pesar del tamaño modesto de las pinturas, el alcance monumental y el drama interior de las imágenes nos obligan a admitir que el maestro "con una emotividad sin precedentes para él es capaz de transmitir el poder protector del abrazo de una madre ardiente". (ibídem.). Sin embargo, Rafael evita la "rigidez trágica" que "priva al cuerpo de la libertad de movimiento", manera tan característica de Miguel Ángel.
Los científicos enfatizan el hecho de que “la fantasía de Rafael es visitada por otra imagen de la Virgen, solemne y triste, como si se diera cuenta del sacrificio que debe traer a la gente. Siempre piensa en esa composición como una imagen de María de pie con un bebé en brazos ". (ibídem.). Anterior "Madonna Sixtina" El trabajo se puede llamar ciertas etapas de la búsqueda. medios expresivos... Revisé las reproducciones de algunas de las Madonnas, pero, al no ser un especialista, casi no noté ningún rasgo inherente al cambio estilístico. Por supuesto, cada trabajo es valioso en sí mismo y me gusta esta característica en el trabajo de cualquier maestro. Cualquier pintura es una obra maestra. A pesar de la posesión más libre de conocimientos sobre las etapas de la obra de Raphael, mi actitud hacia los grandes pintores, escultores, arquitectos siempre se mantendrá en el nivel "¡NO DISCUTIDO!" y puedes hacer lo que quieras conmigo. Si me lo permiten, diré lo que considero cierto para mí: las obras de Rafael, no solo pintorescas, sino todas, todo, son muy reconocibles "enérgicamente". Y si, en este mismo nivel, se produce simpatía entre el espectador y el autor de la imagen (el significado de la técnica artística puede considerarse progresivo o desactualizado), esto no arruinará mi placer personalmente. Solo el que no hace nada no se equivoca. Y es muy fácil discutir y hablar sobre un artista talentoso que vivió durante tanto tiempo de su obra, comparándolo constantemente con las obras de no menos talentosos…. Me preocupan las opiniones evaluativas, artículos que permitan a uno u otro "experto" escribir y publicar. Cuando un artista es criticado por un artista, es (para mí) un evento comprensible. Un conocedor puede amar, todos los demás están mejor si no fingen ser críticos de arte. Si no te gusta, no mires. De acuerdo, una imagen no puede responder a una evaluación injusta y no puede responder a un elogio. Y esta imagen ("La Madonna Sixtina") es tan perfecta en su decisión compositiva que el espectador parece estar presente en el sacramento representado en ella. Ahora, permítanme algunas citas sobre la "Madonna Sixtina", del artículo "Sobre el arte de Rafael":
“Con el deseo de presentar la aparición de la Madre de Dios como un milagro visible, Rafael presenta audazmente el motivo naturalista de la cortina abierta. Por lo general, un telón de este tipo es abierto por ángeles ... Pero en el cuadro de Rafael, el telón se abre por sí mismo, tirado por una fuerza desconocida. También hay una sombra de sobrenaturalidad en la facilidad con la que María, agarrada a su pesado hijo, camina, apenas tocando la superficie de la nube con los pies descalzos. En su creación inmortal, Raphael combinó los rasgos de la más alta idealidad religiosa con la más alta humanidad, presentando a la reina del cielo con un hijo triste en sus brazos - orgulloso, inalcanzable, afligido - descendiendo hacia las personas ".
“Es fácil ver que no hay ni tierra ni cielo en la imagen. No hay paisaje familiar ni decoración arquitectónica en las profundidades ".
"Toda la estructura rítmica del cuadro es tal que inevitablemente, una y otra vez, atrae nuestra atención hacia su centro, hacia el lugar donde la Virgen se eleva por encima de todo".
"Diferentes generaciones, Gente diferente vieron en la "Madonna Sixtina" los suyos. Algunos lo vieron como una expresión de solo una idea religiosa. Otros interpretaron el cuadro desde el punto de vista del contenido moral y filosófico escondido en él. Otros apreciaron en ella la excelencia artística. Pero, aparentemente, estos tres aspectos son inseparables entre sí ". (todas las citas del artículo de V.N. Grashchenkov).
A. Varshavsky en su artículo "La Madonna Sixtina" cita a Vasari: “Él (Rafael) actuó para los monjes negros (monasterio) de St. Placa de Sixto (imagen) del altar mayor, con la aparición de Nuestra Señora de St. Sixto y St. Bárbara; una creación única y peculiar ”. En 1425 “el antiguo convento pasó a manos de los monjes benedictinos de la congregación de St. Justina en Padua. ... Ahora está directamente subordinado al Papa, está exento de impuestos e impuestos, el abad del monasterio recibe el derecho a usar una mitra. El Papa Julio II, ... unió el monasterio de Monte Cassino con esta congregación (...). Monasterio de St. Sixta se encontró en la poderosa congregación de Monte Cassino, cuyo abad ahora llevaba el título Jefes del Superior de la Orden Benedictina, Canciller y Gran Capellán del Imperio Romano (...). Estos benedictinos son los mismos "monjes negros" que informó Vasari ". (ibídem.).
En 1508, por recomendación de Donato Bramante, Rafael fue invitado a Roma en representación de Julio II. Bramante era en ese momento el arquitecto principal del Vaticano y, como saben, era miembro del círculo de los cercanos al Papa. “Él (Rafael) se instaló en la Ciudad Eterna, probablemente a fines de 1508, quizás un poco antes, no sin la ayuda, quizás, del arquitecto papal Bramante, que llegó al poder en esos años. Sin embargo, su aparición en Roma, Raphael, sin duda, se debió principalmente a sí mismo: su pasión incontenible por la mejora, por todo lo nuevo, por el trabajo a gran escala ". (A. Varshavsky).
Los científicos no señalan una relación directa entre Raphael y Bramante (dada la ayuda que este último brinda a Raphael, es natural asumirlo), pero tampoco niegan tal posibilidad. Más bien, eran buenos conocidos o amigos. Según I.A. Bartenev en el artículo “Rafael y la arquitectura”: “Rafael fue invitado a Roma para trabajar en la pintura del Palacio del Vaticano. Este trabajo llevó mucho tiempo. En 1509, el artista recibió el puesto permanente de "pintor apostólico" bajo el Papa Julia II, quien le confió la pintura "stanz". Durante estos años trabaja en paralelo con Bramante, quien tiene una gran influencia en él. Sin duda, Rafael comprendió mucho en arquitectura. Durante este período, Bramante desarrolla un proyecto y comienza la construcción de la Catedral de St. Petra: el edificio central de la época. No cabe duda de que Bramante inicia a Rafael en el transcurso de su obra, que fue de gran importancia para la etapa posterior de construcción. Se convirtió en mentor y mecenas del joven maestro. Trabajando en el Palacio del Vaticano, Rafael centró su atención principal en pintar las cuatro salas de las cámaras papales. Los frescos del "stanz" del Vaticano están perfectamente conectados con el interior, son inseparables de la arquitectura. Este es uno de los ejemplos más llamativos y convincentes de la verdadera síntesis de las artes del Renacimiento ". Según Grashchenkov, los frescos del Vaticano de Rafael, junto con la Última Cena de Leonardo y el techo Sixtina de Miguel Ángel, son el pináculo de la pintura monumental del Renacimiento. "... la principal atracción del Vaticano, además Capilla Sixtina sin duda, hay estrofas (estrofa - sala) - tres salas abovedadas no muy grandes en el segundo piso de una parte antigua del palacio, construida a mediados del siglo XV ”. (Varsovia). Primero, se pintó la mitad de las tres "estrofas" - "Stanza della Senyatura" (segnatura - en italiano para "firma", aquí se firmaron los documentos papales) (1508-1511) y luego, durante seis años (1511-1517) ) consecutivamente "Stanza d'Eliodoro" y "Stanza del Incendio". “Sin embargo, los frescos de la tercera estrofa fueron terminados en su mayoría, sin mucho éxito, por sus estudiantes (de Rafael): el maestro estaba ocupado con otras órdenes. Pero los murales de las dos primeras estrofas se convirtieron no solo en el orgullo y la gloria de Rafael, sino también en el orgullo y la gloria de todo el arte del Renacimiento, de todo el arte mundial ". (A. Varshavsky). En general, la pintura "Estrofa del Inchendio" comenzó según algunas fuentes en 1514 y continuó hasta 1517. El maestro dedicó mucho tiempo a la construcción y creación de alfombras para decorar la Capilla Sixtina. El estilo monumental de Rafael se desarrolló y cambió y, al llegar a un clímax, comenzó a desvanecerse. “La historia de la creación de los frescos del Vaticano por el maestro es como una historia concisa y concentrada de todo el arte clásico Alto Renacimiento "(" Sobre el arte de Rafael ", p. 33). Los investigadores creen que cada ciclo se basó en un programa literario que los asesores científicos propusieron a Raphael. Por supuesto, él mismo podía elegir. Se cree que no existía una regulación estricta del trabajo. El interés genuino de los científicos se debe al hecho "como idea abstracta y didáctica de la armoniosa unidad de religión, ciencia, arte y derecho ... Rafael tradujo al lenguaje de la pintura ...". (ibídem.). La estructura de los frescos, según Grashchenkov, está predeterminada por la naturaleza de la habitación y "los extremos semicirculares de las paredes de cada" estrofa "sirvieron como leitmotiv rítmico inicial en la construcción". A su vez, se señaló que "la unidad arquitectónica y rítmica de todas las partes de la pintura se complementa con la consistencia de su sistema colorista". Hay mucho oro en la pintura combinado con colores azul y blanco. Los fondos están pintados en forma de mosaico de oro o se da un adorno de oro a lo largo del campo azul. Este oro se combina con abundantes tonos amarillos en los frescos de las paredes ("Disputa"). La arquitectura gris claro de la "Escuela de Atenas" también brilla un poco. Todas estas combinaciones de colores dan lugar a "la unidad colorida de todo el conjunto y ese estado de ánimo de una armonía feliz y libre del ser, que prepara directamente una percepción más profunda de los frescos individuales". A pesar de la división, las partes forman una completa independencia artística. Al igual que la pintura de caballete. Los científicos enfatizan que no hay nada forzado ni congelado en la composición de Raphael. “Cada figura ... conserva su verdadera naturalidad inherente. Su conexión con otras figuras no se debe al espiritualismo impersonal de la idea ascética general, como en el arte medieval, sino a la conciencia libre de la verdad suprema de esos ideales, cuya creencia los unía ”(“ Disputa ”). En la "Escuela de Atenas" Rafael, a través de la pintura, reconcilia y une a Platón y Aristóteles. I A. Smirnova, en su artículo "Stanza della Senyatura", señala que los frescos "Dispute" y "La escuela de Atenas" "encarnan de manera más plena la imagen del universo armoniosamente bello de Rafael. Su solución espacial crea una sensación de "apertura" de este mundo para nosotros, amplía el espacio del salón, impartiéndole el majestuoso equilibrio de las céntricas habitaciones, llenándolo de luz y aire ". El artículo aborda las cuestiones de carácter programático de la "Stanza della Senyatura" y tras analizar los datos, Smirnova resume: "... la hipótesis de que la" Stanza della Senyatura "fue pensada por Julio II para el tribunal supremo papal aún no ha ha sido refutado ". Y además: “... ni este propósito, ni el tema de la justicia y su origen divino agotan el programa de las pinturas de Rafael en toda su complejidad y riqueza de significados. Además, no agotan el majestuoso, diverso y bello mundo de ideas e imágenes, inspirado en el concepto humanista de perfección, armonía y razón, que aparece ante nosotros en las paredes de la Stanza della Senyatura de Rafael ". En los símbolos representados en los frescos, el significado y la esencia de las épocas que vive la humanidad a lo largo de todo el espacio histórico. Son frescos, portadores de símbolos de ideas e ideas de la humanidad. Según Varshavsky: “Una de ... las mayores creaciones en la historia de la humanidad son los murales de la Stanza della Senyatura, con su famosa Disputa, Escuela de Atenas, Parnassus y un fresco dedicado a la justicia, así como muchas otras composiciones individuales y figuras alegóricas ... La profundidad de las generalizaciones, la intensidad del pincel colorido, la nitidez de los contrastes, la dinámica de las imágenes dramáticas, un don compositivo poco común, todo ello testimonia la enorme y creciente habilidad del artista ... tanto en diseño como en ejecución ". (Artículo "Madonna Sixtina", A. Varshavsky).
En Stanza della Senyatura, el estilo de Raphael se caracteriza por ser "elegante y grandioso", pero ya en Stanza d'Eliodoro, es reemplazado por uno monumental y más dramático. "Las figuras han perdido su gracia y ligereza".
Vale la pena señalar que el mundo "representado en los frescos de la Stanza della Senyatura era atemporal". Los frescos de la Stanza d'Eliodoro "representan escenas específicas de la historia de la iglesia". La calma anterior también desaparece en la construcción arquitectónica de los frescos: el espacio se expande rápidamente. No hay aire azul en el cielo. "Las decoraciones arquitectónicas están llenas de densas filas de columnas y pilares, que sobresalen de sus cabezas con pesados arcos". Ahora "lo real y lo ideal forman aquí una fusión más compleja y expresiva". Uno de los motivos plásticos que Raphael aplicó a diversas tareas es una composición circular. Por supuesto, hay muchas de estas técnicas favoritas. Pero, al cambiar y pasar de un trabajo a otro, son fácilmente reconocibles. Posteriormente fueron utilizados por otros maestros. RHODE ISLAND. Chlodovsky escribe: “Al contemplar los frescos de Rafael, no solo podemos ver cuál era el ideal más elevado de la cultura del Renacimiento italiano, sino también comprender más o menos claramente cómo se desarrolló históricamente este ideal. ... Rafael combinó la autorreflexión del arte del Renacimiento italiano con el historicismo renacentista. Las historias de Stanza della Senyatura representan ideales que históricamente preceden al ideal de los frescos de Rafael y están presentes en este ideal ". Resumiendo parte de la presentación del material en la pintura de frescos, hay que decir que para Rafael no eran en absoluto decoraciones para el placer de los ojos: el artista apreciaba la estricta proporcionalidad de todas las partes del todo, "cada la figura debe tener su propio propósito ".
Dado que los frescos "stanz" son pinturas monumentales, que están estrechamente relacionadas con la arquitectura, no sería superfluo mencionar las creaciones arquitectónicas de Rafael. En el artículo de I.A. "Rafael y la arquitectura" de Bartenev encontramos mucha información valiosa. Por ejemplo, los estudiosos escriben que Rafael "con sus creaciones arquitectónicas tuvo una gran influencia en obras similares de sus estudiantes y en todo el desarrollo posterior de la arquitectura italiana". El maestro trabajó directamente en el diseño y construcción de estructuras, también escribió algún tipo de proyectos directamente sobre los lienzos de las pinturas y, además, realizó pinturas al fresco de orden ornamental y decorativo. En general, "combinar en una persona varios profesiones artísticas"Para la Italia de los siglos XV-XVI. Es la norma. La continuidad en la transferencia de la profesión y la propia habilidad de generación en generación fue muy generalizada. Además, la época se distinguió por la formación constante en diferentes profesiones. “En la Italia de la época en cuestión, no había esencialmente dos profesiones“ adyacentes ”: pintor monumental y pintor de pintura, del mismo modo que los escultores monumentales y los maestros plásticos no existían por separado. Los artistas también trabajaron en la pintura de edificios (si tomamos pintura), y también crearon obras de caballete. ... En las pinturas de caballete de los maestros renacentistas había rasgos de monumentalidad, y al mismo tiempo, las pinturas murales tenían todos los signos del realismo ... La pintura se unificó, lo que facilitó su perfeccionamiento y al mismo tiempo facilitó el contacto de los artistas con la arquitectura, su solución de tareas para la decoración, para la pintura de estructuras "(IA Bartenev" Rafael y la arquitectura "). Como ya se mencionó, desde 1508, Rafael ha estado realizando trabajos para decorar el Vaticano y los conocimientos / habilidades adquiridos en Urbino y especialmente en Florencia se desarrollaron y consolidaron por el impacto en el joven artista de la antigüedad romana. “Se sabe que los arquitectos del Renacimiento italiano desde tiempos remotos cultivaron tipo de templo con cúpula céntrica que contrastaban con la basílica gótica tradicional. Este era su ideal, e hicieron esfuerzos persistentes para afirmar este ideal. Este proceso se remonta a las obras de Brunellesco y alcanza su apogeo en las obras de Bramante, en el famoso Tempietto, de hecho, su primer edificio romano (1502), y, finalmente, en el grandioso proyecto de la Catedral de San . Peter ". (ibídem.). Ya en 1481, en su fresco "Entrega de las llaves" de la Capilla Sixtina, Perugino representa un templo giratorio en el centro. Y después de veinte años, Raphael vuelve al mismo tema. Pero “la arquitectura del templo rotundal de Rafael es más recogida que la composición similar de Perugino ... es más coherente, y las proporciones y la silueta se distinguen por una perfección y una gracia asombrosas. La gracia, una especie de especial refinamiento y sofisticación de las formas, al tiempo que conserva plenamente la sensación de monumentalidad, son las cualidades características de Raphael como arquitecto ". (ibídem.). Hay que decir que los frescos representan perfectamente la arquitectura "con la participación de una serie de motivos". El trasfondo arquitectónico de la "Escuela de Atenas" reproduce con mucha precisión el interior de la Catedral de St. Peter. En Bartenev está escrito: “... se puede suponer que todo el personal de la“ Escuela ateniense ”fue corregido por Bramante. ... La majestuosa arquitectura representada aquí, los poderosos cimientos - los pilones del templo, decorados con un orden - pilastras toscanas, las bóvedas artesonadas ampliamente "abiertas" sobre ellas, sistemas de navegación, nichos con estatuas, relieves - todo esto está pintado en el más alto grado profesionalmente, en excelentes proporciones y da testimonio de la fluidez en los medios arquitectónicos. La naturaleza de la arquitectura ... encarna las características que caracterizaron la arquitectura del Alto Renacimiento ... "(" Rafael y la Arquitectura "). Después de la muerte de Bramante (1514), Rafael supervisa la construcción de la Catedral de St. Peter. Fra Giocondo da Verona, que tenía más experiencia en la construcción y podía resolver algunos problemas técnicos, fue contratado para ayudarlo. En el verano de 1515, Rafael fue nombrado arquitecto jefe de la catedral, y desempeñará estas funciones durante otros 5 años, hasta su muerte en 1520. Bramante desarrolló un proyecto para una iglesia central con cúpula, simétrica a lo largo de dos ejes. El alto clero quería algo diferente, por lo que se hicieron enmiendas "hacia el desarrollo integral de la entrada, parte occidental". Según los investigadores, Rafael tuvo que resolver la difícil tarea de reelaborar el plan de la catedral. Quizás no necesitaba tales innovaciones, pero el clero, después de la muerte del "autor principal", obligó al maestro a comenzar a procesar. Rafael no tuvo tiempo de agregar la "parte de la entrada occidental de varias naves" al núcleo principal de la composición de Bramante. Pronto muere. Bartenev escribe: "Si se hubiera implementado, la fachada principal se habría empujado con fuerza hacia adelante, mientras que la parte abovedada, en consecuencia, se habría retirado visualmente al fondo". El artista en Roma se dedicó al "estudio de los monumentos antiguos". Después de la muerte de Fra Giocondo en 1515, Raphael fue nombrado "principal guardián de las antigüedades romanas". Participó en las excavaciones de la "Casa Dorada" de Nerón y los baños de Trajano. Se encontraron pinturas ornamentales decorativas. Estas pinturas adornaban habitaciones subterráneas: grutas (por lo tanto, estos adornos se llamaban grotesco ). Aprovechando los hallazgos, Raphael utiliza audazmente grotescos en la logia de San Domaso. Como escribe Bartenev: “… no estamos hablando de copiar ciertos temas, sino de un enfoque libre y creativo, de una disposición libre de motivos dibujados individualmente de un orden arquitectónico geométrico, anticuado, pictórico, vegetal, con la inclusión de imágenes de animales , etc.… temas ”. Además, Raphael usa grotescos en la logia de Villa Madama y varios otros monumentos del siglo XVI. Los investigadores de la obra de Rafael creen que se le puede llamar "el fundador del arte ornamental y decorativo del Alto Renacimiento". Los murales del patio de San Domaso se llaman Loggia de Rafael.
Los edificios de Rafael incluyen: la iglesia de Sant Eligio degli Orefici (para el taller de los joyeros de Roma), en forma de cruz griega de igual punta; la capilla funeraria de la familia Agostino Chigi, de planta cuadrada, con una pequeña cúpula plana; palazzo Vidoni: estructura de dos niveles, con un primer piso rústico macizo y un pórtico ligero del segundo nivel con columnas pareadas de tres cuartos de orden toscano; palazzo de Brescia en Roma - con un orden en forma de pilastras; Palazzo Pandolfini (basado en dibujos de Raphael) es un edificio de dos pisos, que, contiguo al jardín, no tiene el patio cerrado habitual. Como escribe Bartenev: “La composición desarrollada por Bramante y Raphael marcó el surgimiento de un nuevo sistema de soluciones de fachada para palazzo italiano ... El orden ... se ha establecido como tema principal solución de fachada. ... Este edificio (Palazzo Pandolfini) ... fue un ejemplo de una mansión-palacio de la ciudad ... ". Fachadas como en Palazzo Pandolfini, Palazzo Farnese (su autor Antonio Sangalo el Joven) se desarrollarán en los siglos XVI y XVII. y más tarde, y no solo en Italia.
Cabe señalar que “... en la logia de Villa Madama, los medios ornamentales escultóricos y pictóricos introducidos por el artista, esos motivos de lo grotesco ... alcanzaron ... plena expresión y formaron ... un pronunciado sistema plástico. …. El ingenio compositivo inusual, la diversidad, la gracia y la sofisticación del dibujo siguen siendo incomparables ... ejemplos clásicos ”. (Bartenev).
“La arquitectura del Renacimiento italiano ... se distingue por su complejidad y ... desarrollo contradictorio. Rafael se encontraba en el punto más alto de este proceso, pero la principal línea de movimiento en la arquitectura no pasó por su obra. Al mismo tiempo, este último es uno de los fenómenos más llamativos de la arquitectura de Italia durante la era del Cinquecento. Y la originalidad de su individualidad artística en la arquitectura radica en el hecho de que fue principalmente un artista y, sobre todo, un artista ”. ... (I.A. Bartenev).
Cabe decir lo modestos que son los datos biográficos sobre Raphael. ENFERMEDAD VENÉREA. Dazhin escribe en el artículo "El cerco romano de Rafael":
“Poco se sabe de la vida personal de Rafael, de sus relaciones con amigos, asistentes, compañeros y clientes, muchas más leyendas asociadas a él”.
Vasari, autor de un número considerable de biografías de artistas, voluntaria o accidentalmente dio alimento a las leyendas sobre Rafael. Los científicos creen que, a pesar del fondo de información más rico, las obras de Vasari contienen mucha programática y patetismo. Sin embargo, hay que prestar especial atención a los extensos pasajes de Vasari sobre Rafael, porque lo poco que tenemos de él es precioso.
"En la biografía de Vasari, Raphael aparece como un organizador activo, un artista en una búsqueda incansable, una persona que aprende cosas nuevas con una curiosidad inagotable, inspirándose en la gran herencia de la antigüedad". ("El entorno romano de Rafael").
V.N. Grashchenkov escribe en su artículo "Sobre el arte de Rafael" que habla de la naturaleza de Rafael como "suave y femenina", "dotada de sensibilidad sensible y fácilmente susceptible a las influencias externas". No cabe duda, de un vistazo a los murales de las "estrofas" vaticanas, que fue la sensibilidad lo que ayudó al artista a alcanzar esa altura en las artes plásticas, tan difícil de conseguir.
Las soluciones compositivas de Raphael son increíbles, perfectas. Los expertos atribuyen esta singularidad a su carácter arquitectónico, tan cercano a la pintura monumental. Todo esto es especialmente cierto en el período romano. Incluso en Florencia, donde Rafael dominó la habilidad de la composición y la capacidad de transmitir la expresión plástica, se preparó para lo que no podía saber, lo que le esperaba en Roma, donde comenzó a trabajar ya desde finales de 1508. De un artista provincial - autor de pequeñas pinturas gráciles y encantadora "Madonna" - inmediatamente se convirtió en un maestro, a veces eclipsando a aquellos de quienes había estudiado recientemente.
En cuanto a las influencias externas sobre Rafael, su tendencia a imitar se puede atribuir solo al período de su juventud, ya que más tarde se aclara la posición. amo maduro, formulado por Giovanni Francesco Pico della Mirandola de la siguiente manera: “Todos los buenos escritores deben ser imitados, y no uno solo, y en aquellas cosas donde han alcanzado la máxima perfección, y para que su propio talento interior no se pervierta, sino, en al contrario, el hilo conductor de la historia iba de acuerdo con las inclinaciones del espíritu y la forma de hablar del hablante ". Aplicado a las artes visuales, esto es bastante consistente con el trabajo de Raphael: no copió uno ni muchos, pero en base a su conocimiento de sus obras, desarrolló su propio estilo. Según Pico, como Rafael, los autores son diversos y cada uno, a su manera, es excelente. "Con esta comprensión de la imitación, donde se tiene en cuenta la inclinación del espíritu humano y se reconoce la variedad de formas de expresión como natural e inevitable, la idea inherente a la mente del maestro se convierte en un principio individualizador del estilo artístico" (O. Kudryavtsev "Búsquedas estéticas de los humanistas del círculo de Rafael").
Como escribe L.M. Bragin en su obra “Ideas estéticas en el humanismo italiano de la segunda mitad Xv - el principio Xvi v. " , el ideal humanista está encarnado por Rafael sobre la base del estilo clásico del Alto Renacimiento, una etapa sintetizadora del arte renacentista de Italia. Esta etapa fue preparada no solo por la espontaneidad del desarrollo del arte en sí, sino también por la madurez del humanismo, la madurez de los conceptos éticos y estéticos. Aquí es necesario mencionar los procesos que contribuyeron al surgimiento de la cultura de esta época. Bragina escribe: “... la teoría estética del Renacimiento generalizó la estética antigua y, a menudo, a través de su prisma, dominó la experiencia del arte nuevo, basado en la herencia de maestros antiguos. Por otro lado, el arte del Renacimiento no solo percibió principios a través de los elevados ejemplos del arte antiguo, que reelaboró de acuerdo con sus tareas, sino que también absorbió el pensamiento teórico del humanismo con sus nuevas actitudes de conciencia y orientación hacia nueva manera percepción de la herencia ancestral ". Partiendo de esta posición, "podemos hablar de una especie de relación tipológica entre las ideas sobre el hombre, el bien, la belleza, plasmadas en la obra de Rafael, y las correspondientes ideas del pensamiento estético del Alto Renacimiento".
Entonces, estamos hablando de aquellas ideas (conceptos) que se pueden distinguir al considerar el período de desarrollo de la estética renacentista desde la segunda mitad del siglo XV-principios del XVI. En los 50 - 80 años. Siglo XV “la mayor aportación al pensamiento estético del humanismo la hicieron León Batista Alberti, Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola. Años 90 Puede considerarse como la siguiente etapa en el desarrollo de la estética renacentista, marcada no tanto por la aparición de nuevos conceptos como por la tendencia a sintetizar los principales resultados y conclusiones a los que condujeron las diferentes líneas de evolución del pensamiento estético del período anterior. ... Cada uno de los grandes artistas expresó una comprensión especial de los problemas éticos y estéticos de la época, teñida por la originalidad de su personalidad y enriqueció los ideales de la cultura renacentista con descubrimientos creativos. La interrelación de los procesos que tuvieron lugar en la estética humanística y el arte del Alto Renacimiento, la proximidad interior de las búsquedas nos permiten percibir los logros teóricos del pensamiento artístico del Renacimiento no como un trasfondo para comprender la obra de Rafael, sino como esa espiritualidad. entorno para la formación y desarrollo de su arte, con el que se vinculó orgánicamente ”(L.M. Bragina, ibid.).
El puesto más importante e interesante para mí son las opiniones de Mario Equicola (1470-1525), quien sirvió en las cortes de los gobernantes de Ferrara y Mantua. Su tratado Sobre la naturaleza del amor, según los científicos, se convirtió en un ejemplo de tema humanista en temas de “filosofía del amor”, una enciclopedia ética y estética, donde este tema, aunque descansaba sobre un fundamento neoplatónico, adquirió un carácter secular. Orientación (LM Bragina, allí mismo). Según Bragina, a principios del siglo XVI, los rasgos característicos del pensamiento estético del humanismo fueron "la creciente superación del enfoque metafísico de la interpretación del amor y la belleza", tal conclusión se puede sacar a partir de los trabajos de Cattani, Equikola. Este último, según los científicos, popularizó la estética neoplatónica y el desarrollo de ciertos clichés que influyeron en la formación de gustos y mentalidades de la intelectualidad artística. Al mismo tiempo, no se puede dejar de notar que la popularización del concepto neoplatónico del amor condujo a una comprensión simplificada del sistema del neoplatonismo. Como escribe Bragina, la posición filosófica de los humanistas está marcada por el eclecticismo y solo las conclusiones finales del autor se corresponden con el concepto neoplatónico. De hecho, el mismo razonamiento del autor muchas veces lo contradice, resultan mucho más “humanizados” que “divinos”. (ibídem.).
Las ideas humanistas influyeron tanto en artistas como en clientes, dando forma a su ideología. En este momento, la creatividad de Raphael tomó forma y floreció. (ibídem.). DE. Kudryavtsev se refiere a M. Dvořák, quien dice que Rafael rechaza "los esquemas de trama dados y las tendencias naturalistas características del trabajo de los maestros del Quattrocento, que comenzaron la formación del pintor". "Rafael en la" Escuela de Atenas "y en sus obras posteriores distribuye figuras y masas mucho más autopista". (M. Dvorak "Historia del arte italiano en el Renacimiento"). Para Raphael, como escribe Kudryavtsev, la perfección estética es el principal objetivo del arte. De ahí el "equilibrio arquitectónico", y las muy "libres decisiones compositivas", e incluso la "tipificación ideal de personajes". La gracia y la belleza en las obras del artista son el resultado de una síntesis, a la que Raphael atribuyó una importancia primordial.
Partiendo de la ideología del humanismo, se puede imaginar que los cercanos a Rafael - Baldassare Castiglione, Pico, Bembo y otros teóricos del arte del Alto Renacimiento “heredaron un interés por los problemas de la belleza, en busca de ella, viendo el tema de su actividad ”. ( DE. Kudryavtsev "Búsquedas estéticas de los humanistas del círculo de Rafael") ... Kudryavtsev señala que los conceptos de "gracia", "gracia" son especialmente comunes cuando se aplican a la obra de Rafael. Y que se interpreten, a veces, contradictorios: Castiglione y las obras de Rafael son inexplicablemente cercanas en la comprensión / representación de la "gracia". El artículo cita un artículo de E. Williamson:
"... la creatividad de ambos se basa en el concepto de gracia, que comparten por igual y que de la misma forma y en la misma medida no es inherente a ningún otro escritor o artista" (E. Williamson "El concepto de gracia en las obras de Rafael y Castiglione "). La comprensión medieval de la gracia sigue viviendo en la cultura del Renacimiento, sometiéndose a un replanteamiento. Como escribe Kudryavtsev: “la gracia es gracia, o atractivo, que tiene una naturaleza fértil. …. La gracia es, ante todo, agrado y atractivo, y puede ser otorgada por cualquier naturaleza capaz de creatividad. Y tal también lo posee el hombre, este ... "dios terrenal", "maestro universal", ilimitado en sus potencias hasta el punto de que puede crear su propia naturaleza ". Esto significa que solo un individuo es capaz de hacer una elección razonable de camino a la hora de resolver problemas, el autor del artículo señala que “el pensamiento artístico del Renacimiento, habiendo llegado a darse cuenta de la importancia del factor subjetivo (basado en el Renacimiento concepto del hombre como criatura activa e independiente en sus acciones), no se opone sin embargo a la realidad objetiva, sino que, por el contrario, encuentra la sutil interconexión inextricable de estos principios ". (ibídem.). Además, Castiglione tiene la idea de que la deliberación y el esfuerzo pueden apartar legítimamente al espectador de una obra de arte, porque el arte en sí no se puede representar en el arte. Digamos, técnicas de "sobresalir". En cualquier caso, así es como lo entiendo. Y dado que la percepción subjetiva y la transmisión de la imagen en la época del Alto Renacimiento se interpretan como absolutas, la gracia se convierte en la belleza interior de la imagen, una constante íntima y desconocida, desprovista de medida ordinaria. Castiglione escribe: "A menudo, en la pintura, solo hay una línea no entrenada, un trazo de pincel, trazada fácilmente, por lo que parece que la mano, independientemente de la habilidad o de algún arte, va a su objetivo de acuerdo con la intención del artista, muestra claramente la perfección del maestro ... "... Según Kudryavtsev, "En relación a Raphael ... podemos hablar de una unión mutuamente enriquecedora de arte y pensamiento humanista". De hecho, si tenemos en cuenta una cualidad como la susceptibilidad a las influencias externas, veremos que Raphael (siguiendo la lógica de los acontecimientos) con su obra fue capaz de determinar las aspiraciones estéticas en su sociedad contemporánea. Además, podría influir en el lenguaje artístico y la forma de escribir. Bellas Artes... ¿De dónde viene la lógica? Aquí tengo una opinión que considero mía o de alguien a quien agradezco especialmente. Creo que la observación y, en ocasiones, la imitación, es la principal forma de acumular información / conocimiento sobre un tema. Sin un estudio minucioso de los logros de otras personas, descubrimientos que ya se han hecho, una persona es capaz de inventar la rueda y considerarse un pionero. Por supuesto, es simplemente imposible estar a tiempo en todas partes, pero llegar a tiempo de muchas maneras es una tarea que se puede resolver. Para mí, el tema de la imitación no es un problema si se trata de encontrar mi propio estilo.
Me parece que tiene un interés considerable “es un documento ampliamente conocido en la literatura sobre la historia del arte y la estética como el mensaje de Rafael al conde Baldassare Castiglione. Es creíble que fue escrito en nombre de Rafael, dirigido a Castiglione como respuesta a una carta que no se conservó, que estaba dedicada a una discusión sobre los méritos artísticos del fresco "Triunfo de Galatea", creado por Rafael en 1513. Data de 1514, ya que en abril de este año Raphael fue nombrado arquitecto jefe de St. Peter, como se menciona en la carta ". Por supuesto, no puedo discutir sobre lo que me parece más realista en las versiones presentadas por los científicos: si el artista lo escribió él mismo, si Castiglione se dirigió a sí mismo este documento en nombre de Raphael, compilado este documento por Pico ... De una forma u otra, la similitud de las opiniones de estas personas sobre una serie de cuestiones es obvia después del análisis de los científicos (en este caso, estoy hablando del trabajo de OF Kudryavtsev). Para mí, el texto del mensaje en sí es muy importante, que citaré en su totalidad:
“Y les diré que para pintar una belleza, necesito ver muchas bellezas; siempre que Su Excelencia esté conmigo para tomar la mejor decisión. Pero en vista de la falta de buenos jueces y mujeres hermosas, utilizo alguna idea que me viene a la mente. Si tiene alguna perfección artística en sí misma, no lo sé, pero me esfuerzo mucho para lograrlo ".
A esto se suma:
“Me gustaría encontrar hermosas formas de edificios antiguos, pero no sé si este será el vuelo de Ícaro. Aunque Vitruvio me arrojó mucha luz sobre esto, pero no tanto como para que fuera suficiente ".
¿Por qué la carta me parece tan importante e interesante? Porque contiene esos puntos de vista que encuentro en consonancia con el mío. Y aunque la autoría del documento no es indiscutible, refleja el método creativo de Raphael, que es conocido por todos no tanto (y no solo) teóricamente. Por supuesto, la carta también refleja las búsquedas estéticas del artista. Refleja las posiciones inherentes al humanismo: la imitación, como rivalidad con los antiguos y la percepción, como el desarrollo de tradiciones antiguas.
Ahora me gustaría mencionar la conexión entre Rafael y la escultura, a pesar de que los investigadores señalan que hay pocas obras sobre el escultor Rafael. Después de leer el artículo de M. Ya. Libman "Rafael y la escultura", saqué mis propias conclusiones. Mi conocimiento no me permite hablar de ninguna manera sobre el conjunto de la capilla Chigi en la iglesia romana de Santa Maria del Popolo, donde el artista "actúa como coautor e inspiración del escultor" Lorenzetto. Pero no se pueden ignorar obras que, según Shirman, "nunca recibieron la atención que merecen". Shearman observa la naturaleza pintoresca de las estatuas. Las estatuas de Jonás y Elías, realizadas por Lorenzetto, "fueron claramente diseñadas para colocarse en nichos definidos en relación con el altar y la entrada". De los materiales del artículo se desprende que Rafael estaba buscando un marmolista para trabajar en la capilla Chigi. “Lorenzetto fue un escultor de tamaño mediano. Uno no lo habría recordado si no hubiera incorporado las ideas escultóricas de Raphael en el material ". Se podría decir que tuvo la suerte de transmitir las opiniones de Raphael sobre el plástico. Gracias a estos trabajos, podemos ver una imagen clara del trabajo de Raphael. Liebman señala que Rafael estaba muy interesado en la escultura, porque varias de sus obras presentan imágenes de estatuas y relieves que no existen en la realidad. El artículo aborda la cuestión de quién fue el inspirador ideológico para la creación de las estatuas: el propio Rafael o Lorenzetto (se sabe que la estatua de Elijah se completó después de la muerte del artista). Se abordan las cuestiones de la influencia de la obra de Rafael en los escultores de la época (Andrea y Jacopo Sansovino). Para mí, lo principal es que las estatuas existen y, gracias a esto, uno puede imaginarse a Rafael como escultor. El hecho de la presencia en los círculos creativos de Miguel Ángel, el genio de los plásticos, que no pudo eclipsar ni siquiera a Rafael, parece completamente natural. Esto explica, si no todo, mucho. En general, es extraño hablar de quién es más significativo en pintura, escultura ... La conclusión correcta, creo, es la que se da en el artículo de Liebman: “Si todavía hubiera escultores en el taller de Raphael, además de Lorenzetto, quizás entonces se formaría una escuela de escultores. Rafaelesk ". A pesar de la versatilidad de su talento, Raphael (creo que no se trata solo de él de lo que se puede hablar así) simplemente no tuvo tiempo para utilizar por igual todas las facetas de su talento. Sobre todo si se tiene en cuenta el triste hecho de que el artista viviera tan poco (Rafael murió a los 37 años, en abril de 1520, de fiebre, lo que de ninguna manera indica verdadera razón enfermedad y muerte), hizo mucho.
Entre los logros de Rafael, se puede atribuir con seguridad la influencia de su trabajo en el desarrollo de muchos tipos de artes aplicadas. “Esto se manifestó de manera especialmente vívida y directa en el tejido de tapices, y aunque varios artistas italianos ya habían participado en la creación de cartón para alfombras de pared antes de Rafael, fue el cartón de Rafael el que estaba destinado a determinar el desarrollo posterior de este tan importante rama de las artes aplicadas ”(N.Yu. Biryukova“ Rafael y el desarrollo del tejido de tapices Europa Oriental»).
Esta forma de arte estaba floreciendo en Francia, Flandes. Como señala Biryukova, “la composición de tapices ... todavía estaba dentro del marco de las tradiciones del arte medieval. ... Casi no había construcción en perspectiva, las figuras interpretadas llanamente ocupaban todo el espacio de la alfombra de la pared, el color se distinguía por un gran laconismo, ya que la gama cromática no solía superar las dos docenas de tonos. La desviación de estos principios compositivos se debió a la aparición de una serie de tapices para los Hechos de los Apóstoles, encargados a Rafael por el Papa León X en 1513 y terminados a fines de 1516. Los tapices realizados en estas tablas estaban destinados a decorar el parte inferior de los muros de la Capilla Sixtina ". Esta serie constaba de diez tapices. Rafael presentó figuras tridimensionales, ubicadas no en todo el plano de la alfombra, sino colocadas sobre el fondo de paisajes con espacio. El estilo de los tapices es monumental, la ropa de los personajes son túnicas (a veces los héroes están semidesnudos). “Sobre los tapices flamencos del siglo XV. las tramas más sublimes estaban cubiertas de muchos detalles cotidianos. ... las figuras ... estaban representadas con magníficos trajes de su época, equipados con muchos detalles "(Biryukova). Cardboards, creado por Raphael, "dirigió ... de una manera diferente ... el desarrollo de las características compositivas y estilísticas de la alfombra de pared tejida" (Biryukova). Por supuesto, Raphael influyó no solo en las características de composición de las alfombras, sino también en el marco: los bordes. El maestro introdujo motivos grotescos en los bordes verticales de las alfombras, que se alternaron con figuras alegóricas. “Muy pronto la cenefa de flores estilizadas, característica de los tapices de las dos primeras décadas del siglo XVI, fue sustituida por una cenefa compuesta por motivos grotescos y figuras alegóricas” (Biryukova). Del artículo se desprende que los cartones de Raphael acercaron el tejido de tapices a la pintura. Así, el arte aplicado ya no es solo un oficio, sino arte alto... De acuerdo, cuando Rafael, Rubens, Keck Van Aalst, Vermeen pintan alfombras para alfombras, es difícil subestimar tales trabajos. Esto también se evidencia en las obras de los ceramistas, artistas que pasaron de la pintura ornamental de figuras individuales de personas y animales a pinturas narrativas de múltiples figuras. En la pintura de mayólica italiana, el estilo renacentista tomó forma claramente. En el artículo de O.E. Mikhailova “El uso de composiciones de obras de Rafael y su escuela en la pintura de mayólica italiana” afirma que después de 1525 “Rafael y su escuela se apoderaron de la imaginación artística de los ceramistas”. Se mencionan los nombres de maestros, como Marcantonio Raimondi, Agostino Veneziano, Marco da Ravenna ... Mikhailova, en el artículo, señala que la reproducción de láminas grabadas en pintura de mayólica no siempre fue posible exactamente. Muchos ceramistas trabajaron en la composición de Rafael y aquí solo se puede agregar una cosa: “Ni un solo artista del Renacimiento, ni siquiera de una época posterior, pudo pasar por alto las obras de este genio. Y los maestros ceramistas, utilizando gráficos impresos italianos que reproducían dibujos, pinturas y frescos de Rafael, no solo elevaron la mayólica italiana a un nivel artístico sin precedentes, sino que también reflejaron vívidamente el Renacimiento y el espíritu de su tiempo en esta forma de arte aplicado. . "
Conclusión
No se puede contar todo sobre Raphael. Me parece extraño que los autores de obras sobre la vida y obra del artista sean tan, en mi opinión, unánimes en sus valoraciones camino de la vida: "Rafael era un artista feliz", "El brillante genio de Rafael no estaba inclinado a la profundidad psicológica", "En Roma, Rafael encontró mecenas fuertes y poderosos". En una palabra, al leer estos extractos de artículos, tengo la extraña sensación de que los propios científicos a menudo se contradicen. Explicará. En el artículo de V.D. Dazhina “Rafael y su séquito”, leí: “Exteriormente sociable y abierto, Raphael rara vez era franco con nadie y mentalmente cercano. Tenía un amplio círculo de conocidos, pero pocos amigos de verdad ". ¿No significa esto que sacar conclusiones sobre el artista y su vida es una manifestación de imprudencia? ¿Puede haber MUCHOS amigos verdaderos? Al comunicarse con los sabios humanistas del Renacimiento, ¿era el mismo Rafael tan fácilmente predecible para los extraños? Como escribe A. Varshavsky: “... Rafael era sin duda una persona bien educada, una persona que pensaba profunda y poderosamente. Y si fuera necesario nombrar el rasgo más importante, definitorio y más importante del gran pintor, probablemente debería decirse esto: una asombrosa habilidad para generalizar, una asombrosa habilidad y habilidad para mostrar estas generalizaciones en el lenguaje del arte ". Esta afirmación se puede atribuir a Raphael el creador y, lo que también es cierto, a Raphael la personalidad. “A pesar de la fragilidad exterior, era un hombre muy valiente, Raphael. No hay que olvidar que en el año de su traslado a Roma apenas tenía veinticinco años. Una vez que ha tomado una decisión, no se desviará del camino elegido, y uno simplemente debe preguntarse qué tan rápido se fortalece su genio ”(Varshavsky). Durante su estancia en Roma, ¡hizo tanto! "... pintó parcialmente las estrofas del Vaticano, supervisó la pintura en la Villa Farnesina y las Logias del Vaticano, creó alfombras para alfombras encargadas por León X, llevó a cabo numerosas órdenes de individuos y comunidades religiosas ..." (Dazhina). Se dedicó a la protección y el censo de los monumentos romanos antiguos. Gracias a su arduo trabajo y talento, Raphael provocó la unificación bajo la dirección general del grupo. artistas talentosos... Naturalmente, no hizo esto a propósito: ¿el maestro ocupado tuvo tiempo para auto-engrandecerse? ¡Y su taller ha crecido enormemente, porque es tan natural tocar conocimiento y talento! Tales asociaciones, según las declaraciones de los investigadores, ya no surgieron. La comunicación con Raphael formó otros talentos, los reveló. La muerte del artista no es la mejor manera Influyó en la creatividad de algunos de sus alumnos. Por supuesto, solo hablo de unos pocos, porque Francesco Penni (Fattore) conservó en su arte la poesía y la gracia característica de Rafael. Giovanni da Udine adoptó y desarrolló no solo el pensamiento de Rafael, sino que también llevó a la creación de la vida el don de escribir ornamentos y graciosos grotescos. Según los científicos, llevó su amor por Raphael durante toda su vida e incluso fue enterrado junto a él, en el Panteón. Hay muchos ejemplos de este tipo. “La educación humanística, la versatilidad de los intereses creativos, la pasión por la arquitectura y la arqueología antiguas acercaron a Rafael y Peruzzi. También fue común su participación en la decoración de fiestas y representaciones teatrales ”(Dazhina).
Quizás no pude entender algo importante sobre Rafael, pero leyendo algo como esto: “Incluso Vasari contribuyó a esta oposición (Rafael - Miguel Ángel), viendo en los fracasos de Miguel Ángel con la tumba de Julio II y sacándolo de Roma durante la época de León X, consecuencia de las intrigas del círculo de Bramante y Rafael ”, la pregunta no me abandona: ¿se sabe con certeza? En general, la oposición de dos colosales creadores de esa época, ¿es posible? También me entristece una clasificación como “Tiziano - recibió el título de conde; Rafael es un confidente papal ". Y además de esta clasificación: “Con el estilo de vida, el comportamiento social y la naturaleza de la creatividad, Raphael encarnó los rasgos de un nuevo tipo social de artista: el organizador, el jefe de grandes cuadros, el estilo de vida de un cortesano con un brillo secular, capacidad de maniobra y adaptación a los gustos del cliente. Es cierto, en la época de Rafael, todas estas cualidades estaban tomando forma ... ”(Dazhin). ¿Y esto puede considerarse una especie de valoración? ¿Cómo, entonces, debemos tratar la frase: “El nuevo Papa fue consumista con el talento de Rafael, sobrecargando al artista con todo tipo de obras ... Tal derroche de energía tan caótica llevó a la devastación gradual, la pasividad creativa, dio lugar a una cierta desprendimiento del artista de sus creaciones, la frialdad que testimonia el estilo de crisis de Rafael a finales de la década de 1510. Sólo en el retrato el artista se sentía libre y creaba sin importar el capricho de nadie ”(Dazhina). Me parece correcto que tal dependencia era inevitable para Raphael, porque sus circunstancias / condiciones, es decir, su vida, lo obligaron a vivir en la corte y trabajar no solo de forma independiente, sino también bajo órdenes. Los investigadores escriben que al artista no le gustaba la corte papal debido a la intriga, la hipocresía y la envidia. Conocía bien al bufón papal, al ingenioso fray Mariano y al ilustrado cardenal Sanseverino. De acuerdo, en la corte, la concentración de personas educadas e ilustradas, en ese momento, podría haber sido mayor, y por lo tanto Raphael se vio obligado a "adaptarse" a algunas por el bien de la comunicación con otras. Sin conocimiento y gente capacitada, no solo artistas (y no tantos), es muy difícil llegar a lo que es tan valioso en Raphael: la capacidad de generalizar objetivamente. Nadie puede garantizar que, lejos de la corte papal, el genio de Rafael hubiera alcanzado las alturas a las que nos conducen sus creaciones.
En conclusión, probablemente debería escribir sobre las impresiones que me dejaron las obras del artista. Me gustaría llamar para un uso razonable de cualquier información sobre una persona o evento en particular. Debe recordarse que muchas personas, habiendo escuchado, en cualquier lugar, información incorrecta sobre alguien / algo, puede que nunca conozcan la verdad y razonen sobre el tema, a veces de manera injusta y cruel.
“La obra de Rafael Santi pertenece a esos fenómenos de la cultura europea que no solo son avivados con la fama mundial, sino que también adquirieron un significado especial, las máximas pautas en la vida espiritual de la humanidad. Durante cinco siglos, su arte ha sido percibido como una de las muestras de perfección estética ”(Comité Editorial de la colección“ Rafael y su tiempo ”).
Lista de literatura usada
1. Rafael y su tiempo. Resp. editor L.S. Cicolini. Moscú: Nauka, 1986.
2. El destino de las obras maestras. A. Varshavsky. Moscú: 1984.
Cuadro de Raphael Santi
La era del Renacimiento es la época del mayor auge artístico, cuando muchos pintores, escultores y arquitectos maravillosos trabajaron en Italia.
La obra de Raphael Santi pertenece a esos fenómenos de la cultura europea, que no solo se avivan con la fama mundial, sino que también adquieren un significado especial: las pautas más altas en la vida espiritual de la humanidad. Durante cinco siglos, su arte ha sido percibido como una de las muestras de excelencia estética.
El genio de Rafael se reveló en pintura, gráficos, arquitectura. Las obras de Rafael son la expresión más completa y vívida de la línea clásica, el comienzo clásico en el arte del Alto Renacimiento. Rafael creó una "imagen universal" de una persona hermosa, perfecta física y espiritualmente, encarnaba la idea de la belleza armoniosa de la vida.
La pintura de Rafael reflejaba el estilo, la estética y la cosmovisión de la época del Alto Renacimiento. Rafael nació para expresar los ideales del Renacimiento, el sueño de maravillosa persona y un mundo maravilloso.
Rafael (más precisamente, Rafaello Santi) nació el 6 de abril de 1483 en la ciudad de Urbino. Recibió sus primeras lecciones de pintura de su padre, Giovanni Santi. Cuando Raphael tenía 11 años, Giovanni Santi murió y el niño quedó huérfano (lo perdió 3 años antes de la muerte de su padre). Al parecer, durante los siguientes 5-6 años, estudió pintura con Evangelista di Pianndimeleto y Timoteo Viti, maestros provinciales menores.
El ambiente espiritual que rodeó a Rafael desde la infancia fue extremadamente beneficioso. El padre de Rafael fue el pintor de la corte y poeta del duque de Urbino Federigo da Montefeltro. Maestro de talento modesto, pero hombre culto, inculcó en su hijo el amor por el arte.
Las primeras obras de Rafael que conocemos se realizaron alrededor de 1500-1502, cuando tenía 17-19 años. Se trata de composiciones en miniatura “Three Graces”, “A Knight's Dream”. 2,3 Estas cosas ingenuas, todavía tímidas como pupilas están marcadas poesía sutil y sinceridad de sentimiento. Desde los primeros pasos de la creatividad, el talento de Raphael se revela en toda su originalidad, el suyo tema de arte
En 1502, aparece la primera Raphael Madonna - "Madonna Sulli" 4
Poco a poco, Rafael desarrolla su propio estilo y crea las primeras obras maestras: "Los esponsales de la Virgen María con José" (1504), "La coronación de María" (alrededor de 1504) para el altar de Oddi. 5,6
Además de los grandes retablos, pinta pequeños cuadros: "Madonna Conestabile" (1502-1504), "San Jorge matando al dragón" (alrededor de 1504-1505) y retratos - "Retrato de Pietro Bembo" (1504-1506) 7,8,9 ... El tema de la Virgen está especialmente cerca del talento lírico de Rafael, y no es casualidad que se convierta en uno de los principales de su arte. Las composiciones que representan a la Virgen y el Niño le dieron a Rafael una gran fama y popularidad. Las frágiles, mansas y soñadoras Madonnas del período de Umbría fueron reemplazadas por imágenes más terrenales y de pura sangre, su mundo interior se volvió más complejo, rico en matices emocionales. Rafael creó un nuevo tipo de imagen de la Virgen y el Niño: monumental, estricta y lírica al mismo tiempo, lo que le dio a este tema un significado sin precedentes.
Florencia
A finales de 1504 se trasladó a Florencia. Allí conoció a Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Bartolomeo della Porta y muchos otros maestros florentinos. Estudia a fondo la técnica pictórica de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel. Un dibujo de Rafael de la pintura perdida de Leonardo da Vinci "Leda y el cisne" y un dibujo de "St. Mateo ”Miguel Ángel. "... las técnicas que vio en las obras de Leonardo y Miguel Ángel lo hicieron trabajar aún más duro para obtener beneficios sin precedentes de ellas para su arte y sus modales". 10
"Retrato de una dama con un unicornio" (1505-1506, Roma, Galería Borghese) figuraba en el catálogo del museo del siglo XVIII como "Santa Catalina";
de hecho: las manos de la mujer estaban dobladas de manera diferente, sus hombros estaban cubiertos con un manto, aquí había una rueda rota y una rama de palma, los emblemas del martirio del santo. Durante la restauración en 1935 bajo rayos X, resultó que estos elementos se atribuyeron con la otra mano, y cuando se quitó la capa superior, la pintura apareció en su forma original y mundana. La Sagrada Familia con el Cordero (Madrid, Prado), fechada en 1507, es una encarnación casi completa de los bocetos de Leonardo y, finalmente, la Sagrada Familia (ahora en la Antigua Pinacoteca de Mónaco), realizada en 1507-1508 para Domenico Canigiani, yerno de Lorenzo Nazi. 11,12
Como el unicornio y el collar del cuadro anterior, la decoración del Retrato de Maddalena Doni (1506, Florencia) simboliza la castidad. una imagen característica de rostros. En "Retrato de una dama con un unicornio" (Roma, Galería Borghese), "Retratos de los esposos Doni" (Florencia, Galería Pitti), "Embarazada" (Florencia, Galería Pitti) y, finalmente, "Dumb" (Urbino, Galería Nacional de las Marcas) Sanzio trabaja en poses, da a los rostros una expresión digna, severa, tranquila, a veces un poco triste, pinta los trajes con cuidado. 13. 14
Madonnas florentinas
En Florencia, Rafael creó unas 20 Madonnas. Aunque las tramas son estándar: la Virgen sostiene al Bebé en sus brazos o él juega junto a Juan el Bautista, todas las Madonas son individuales y se distinguen por un encanto maternal especial (aparentemente, la muerte prematura de su madre dejó una profunda huella en Alma de Rafael).
La creciente fama de Rafael llevó a un aumento en los pedidos de Madonnas, creó la "Madonna Granduc" (1505), "Madonna con claveles" (alrededor de 1506), "Madonna bajo el dosel" (1506-1508). A las mejores obras de este período incluyen "Madonna Terranuova" (1504-1505), "Madonna con el jilguero" (1506), "Madonna y el niño con Juan el Bautista (" El jardinero hermoso ")" (1507-1508). 15,16
Vaticano
En la segunda mitad de 1508, Rafael se traslada a Roma (donde pasará el resto de su vida) y se convierte en el artista oficial de la corte papal. Se le encargó pintar la Stanza della Senyatura con frescos. Para esta estrofa, Rafael escribe frescos que reflejan cuatro tipos de actividad intelectual humana: teología, jurisprudencia, poesía y filosofía: "Disputa" (1508-1509), "Sabiduría, moderación y fuerza" (1511) y el más destacado "Parnaso". (1509-1510) y la "Escuela de Atenas" (1510-1511). 17-20
Parnassus representa a Apolo con nueve musas, rodeado de dieciocho famosos poetas antiguos griegos, romanos e italianos. “Entonces, en la pared que da al Belvedere, donde están Parnassus y el manantial de Helikon, pintó en la cima y laderas de la montaña un bosque de laureles a la sombra, en cuyo verde se puede sentir el temblor de las hojas, balanceándose bajo la suave brisa del viento, en el aire, un sinfín de cupidos desnudos, con la expresión más encantadora en sus rostros, arrancar ramas de laurel, trenzándolos en guirnaldas, esparcidas por ellos por toda la colina, donde todo se aviva con un aliento verdaderamente divino, tanto la belleza de las figuras como la nobleza del cuadro en sí, mirando que cualquiera que lo examine detenidamente, se pregunte cómo un El genio humano pudo, a pesar de todas las imperfecciones de la pintura simple, lograr que, gracias a la perfección del dibujo, la imagen pictórica parezca estar viva ”.
"La escuela de Atenas" es una composición de múltiples figuras (unos 50 caracteres) brillantemente ejecutada, que representa a los filósofos antiguos, muchos de los cuales Rafael dio los rasgos de sus contemporáneos, por ejemplo, Platón está pintado a la imagen de Leonardo da Vinci, Heráclito en la imagen de Miguel Ángel, y de pie en el borde derecho, Ptolomeo es muy similar al autor del fresco. “Representa a los sabios de todo el mundo discutiendo entre sí en todos los sentidos ... Entre ellos está Diógenes con su cuenco, reclinado en los escalones, una figura - muy deliberada en su desapego y digna de elogio por la belleza y por tan adecuado ropa para ella ... La belleza de los astrólogos y geómetras antes mencionados, que dibujan todo tipo de figuras y signos en tablas con un compás, es verdaderamente inexpresable.
En la Estrofa de Eliodoro, se crearon "La expulsión de Eliodoro del templo" (1511-1512), "Misa en Bolsene" (1512), "Atila bajo los muros de Roma" (1513-1514), pero los más exitosos fue el fresco "La liberación del apóstol Pedro del calabozo" (1513-1514) 21 ... “El artista no mostró menos arte y talento en la escena donde St. Peter, liberado de sus cadenas, sale de la cárcel acompañado de un ángel ... Y como esta historia está representada por Rafael sobre la ventana, toda la pared resulta más oscura, ya que la luz ciega al espectador que mira el fresco. La luz natural que cae de la ventana discute con tanto éxito con las fuentes de luz nocturna representadas que parece como si realmente vieras en el fondo de la oscuridad de la noche tanto la llama humeante de una antorcha como el resplandor de un ángel, transmitido de manera tan intensa. con tanta naturalidad y veracidad que nunca dirás que esto es solo pintura; tal es la capacidad de persuasión con la que el artista encarnó la idea más difícil. De hecho, uno puede discernir en la propia armadura las sombras que caen y los reflejos, y el calor humeante de la llama, que se destacan sobre el fondo de una sombra tan profunda que realmente se puede considerar a Rafael como el maestro de todos los demás artistas. que en la imagen de la noche logró tal semejanza que la pintura nunca antes había logrado. "
En 1513-1516, Rafael, por orden del Papa, se dedicó a la fabricación de cartón con escenas de la Biblia para diez tapices, que estaban destinados a la Capilla Sixtina. El cartón más exitoso "Captura maravillosa" (en total, siete cartones han llegado hasta nuestro tiempo). 22
Madonnas romanas
En Roma, Rafael escribió sobre diez Madonnas. Destacan por su majestad "Madonna Alba" (1510), "Madonna Foligno" (1512), "Madonna con el pez" (1512-1514), "Madonna en la silla" (hacia 1513-1514).
La creación más perfecta de Rafael fue la famosa "Madonna Sixtina" (1512-1513 )23 ... Esta pintura fue encargada por el Papa. La Madonna Sixtina es verdaderamente sinfónica. El entretejido y encuentro de las líneas y masas de este lienzo asombran con su ritmo y armonía internos. Pero lo más fenomenal en este gran lienzo es la misteriosa habilidad del pintor para traer todas las líneas, todas las formas, todos los colores en una correspondencia tan maravillosa que solo sirven a uno, el principal deseo del artista: hacernos mirar, mirar sin descanso. Los ojos tristes de Mary ".
V 1515-1516 años, junto con sus alumnos, creó cartones para alfombras destinadas a la decoración en Días festivos Capilla Sixtina.
La última pieza es " Transformación"(1518-1520) - realizado con una participación significativa de los estudiantes y fue completado por ellos después de la muerte del maestro. 24
Características de la creatividad de Raphael.
En la obra de Rafael Santi, golpea ante todo la inagotable imaginación creativa del artista, de la talla que con tanta perfección no encontramos con nadie más. El índice de pinturas y dibujos individuales de Rafael contiene 1225 números; en toda esta masa de sus obras no se encuentra nada superfluo, todo respira con sencillez y claridad, y aquí, como en un espejo, el mundo entero se refleja en su diversidad. Incluso sus Madonnas son extremadamente diferentes: de una idea artística- imágenes de una madre joven con un hijo - Raphael logró extraer tantas imágenes perfectas en las que ella puede aparecer, Otro rasgo distintivo creatividad de Rafael: una combinación en una maravillosa armonía de todos los dones espirituales. Rafael no tiene nada predominante, todo se combina en un equilibrio extraordinario, en una belleza perfecta. La profundidad y el poder de la idea, la simetría relajada y la integridad de las composiciones, la maravillosa distribución de luces y sombras, la veracidad de la vida y el carácter, el encanto del color, la comprensión del cuerpo desnudo y las cortinas: todo se combina armoniosamente en su trabajo. Este idealismo versátil y armonioso del artista del Renacimiento, habiendo absorbido casi todas las tendencias, en su poder creativo no las obedeció, sino que creó su propio original, lo vistió de formas perfectas, fusionando la piedad cristiana de la Edad Media y la amplitud de la mirada del hombre nuevo con el realismo y la plasticidad del mundo grecorromano. De la gran multitud de sus discípulos, pocos superaron la mera imitación. Giulio Romano, quien participó significativamente en la obra de Rafael y se graduó de "Transfiguración", fue el mejor alumno de Rafael.
Rafael Santi (italiano Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo; 26 o 28 de marzo, o 6 de abril de 1483, Urbino - 6 de abril de 1520, Roma) - el gran pintor, artista gráfico y arquitecto italiano, representante de la escuela de Umbría.
Rafael perdió a sus padres temprano. La madre, Margie Charla, murió en 1491 y el padre, Giovanni Santi, murió en 1494.
Su padre fue artista y poeta en la corte del duque de Urbinsky, y Rafael recibió su primera experiencia como artista en el taller de su padre. La obra más antigua es el fresco "La Virgen y el Niño", que aún se conserva en la casa-museo.
Entre las primeras obras se encuentran el "Estandarte con la Imagen de la Santísima Trinidad" (hacia 1499-1500) y el retablo "La Coronación de San. Nicolás de Tolentino ”(1500-1501) para la Iglesia de Sant'Agostino en Citta di Castello.
En 1501, Raphael llegó al taller de Pietro Perugino en Perugia, por lo que los primeros trabajos se realizaron en el estilo Perugino.
En este momento, a menudo deja Perugia para su casa en Urbino, en Citta di Castello, junto con Pinturicchio visita Siena, realiza una serie de obras por encargo de Citta di Castello y Perugia.
En 1502, aparece el primer Raphael Madonna - "Madonna Sulli", Madonna Raphael escribirá toda su vida.
Las primeras pinturas no religiosas fueron El sueño del caballero y Las tres gracias (ambas alrededor de 1504).
Poco a poco, Rafael desarrolla su propio estilo y crea las primeras obras maestras: "Los esponsales de la Virgen María con José" (1504), "La coronación de María" (alrededor de 1504) para el altar de Oddi.
Además de los grandes retablos, pinta pequeños cuadros: "Madonna Conestabile" (1502-1504), "San Jorge matando al dragón" (alrededor de 1504-1505) y retratos - "Retrato de Pietro Bembo" (1504-1506).
En 1504 en Urbino conoció a Baldassar Castiglione.
A finales de 1504 se trasladó a Florencia. Allí conoció a Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Bartolomeo della Porta y muchos otros maestros florentinos. Estudia a fondo la técnica pictórica de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel. Un dibujo de Rafael de la pintura perdida de Leonardo da Vinci "Leda y el cisne" y un dibujo de "St. Mateo ”Miguel Ángel. "... las técnicas que vio en las obras de Leonardo y Miguel Ángel lo hicieron trabajar aún más duro para obtener beneficios sin precedentes de ellas para su arte y sus modales".
El primer pedido en Florencia proviene de Agnolo Doni para retratos de él y su esposa, el último fue pintado por Rafael bajo la obvia impresión de La Gioconda. Fue para Agnolo Doni que Michelangelo Buonarroti creó la Madonna Doni tondo en este momento.
Rafael pinta los lienzos del altar "Madonna entronizada con Juan el Bautista y Nicolás de Bari" (alrededor de 1505), "Entierro" (1507) y retratos - "La Dama del Unicornio" (alrededor de 1506-1507).
En 1507 conoció a Bramante.
La popularidad de Rafael crece constantemente, recibe muchos pedidos de imágenes de santos: “La Sagrada Familia con St. Isabel y Juan el Bautista "(alrededor de 1506-1507). "La Sagrada Familia (Virgen con un José imberbe)" (1505-1507), "St. Catalina de Alejandría "(alrededor de 1507-1508).
En Florencia, Rafael creó unas 20 Madonnas. Aunque las tramas son estándar: la Virgen sostiene al Bebé en sus brazos o él juega junto a Juan el Bautista, todas las Madonas son individuales y se distinguen por un encanto maternal especial (aparentemente, la muerte prematura de su madre dejó una profunda huella en Alma de Rafael).
La creciente fama de Rafael llevó a un aumento en los pedidos de Madonnas, creó la "Madonna Granduc" (1505), "Madonna con claveles" (alrededor de 1506), "Madonna bajo el dosel" (1506-1508). Las mejores obras de este período incluyen Madonna of Terranuova (1504-1505), Madonna with the Goldfinch (1506), Madonna and Child with John the Baptist (El hermoso jardinero) (1507-1508).
En la segunda mitad de 1508, Rafael se traslada a Roma (allí pasará el resto de su vida) y se convierte, con la ayuda de Bramante, en el artista oficial de la corte papal. Se le encargó pintar la Stanza della Senyatura con frescos. Para esta estrofa, Rafael escribe frescos que reflejan cuatro tipos de actividad intelectual humana: teología, jurisprudencia, poesía y filosofía: "Disputa" (1508-1509), "Sabiduría, moderación y fuerza" (1511) y el más destacado "Parnaso". (1509-1510) y la "Escuela de Atenas" (1510-1511).
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RAPHAEL SANTI- (Raffaello Santi) (1483-1520) Pintor y arquitecto italiano. Representante del Alto Renacimiento. Con claridad clásica y espiritualidad sublime, encarnó los ideales reafirmantes de la vida del Renacimiento. Obras tempranas (Madonna Conestabile ... Grande diccionario enciclopédico
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Rafael Santi- (Raffaello Santi) 1483, Urbino 1520, Roma. Pintor y arquitecto italiano. Hijo del artista Giovanni Santi. Según Vasari, estudió con Perugino; no hay evidencia documental de esto. Primero mencionado como maestro independiente ... Arte europeo: Pintura. Escultura. Gráficos: Enciclopedia
Rafael Santi- ver Santi ... Diccionario enciclopédico de F.A. Brockhaus e I.A. Efron
Rafael Santi- (1483-1520), italiano. pintor y arquitecto. Desde 1515 supervisó la construcción de la Catedral de St. Pedro en Roma, presidió todos los hallazgos. escultura antigua e inscripciones. En un final claro y armonioso. composición inherente a las obras ... ... Diccionario de antigüedad
Rafael Santi- Raffaello Santi (1483-1520), italiano. pintor y arquitecto. Uno de los grandes maestros del Alto Renacimiento, con un clásico. claridad y sublimidad. con la espiritualidad encarnaba sus ideales de afirmación de la vida. Obras tempranas (Madonna ... ... Diccionario biográfico
Libros
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- Raphael Santi. Su vida y actividad artística, Semyon Moiseevich Briliant. Estos bocetos biográficos se publicaron hace unos cien años en la serie Life of Remarkable People de FF Pavlenkov (1839-1900). Escrito en un género nuevo para esa época ...
Creó su primera Virgen pictórica a la edad de 17 años, y su pintura más famosa, también la imagen de la Madre de Dios y el Niño, la gran "Madonna Sixtina", se conserva en la Galería de Dresde.
El discipulado
De personas como Rafael Santi, dicen: vivió una corta, pero muy vida brillante... Sí, irse a los 37 significa privar al mundo de muchas, muchas más de sus obras maestras. Por ejemplo, Miguel Ángel continuó creando hasta su muerte en una vejez extrema. A los ojos tristes de Rafael, en el "Autorretrato" replicado, es como si se adivinara el trágicamente inminente fin de su existencia terrena.
Los padres de Raphael tampoco eran hígados largos. El padre murió cuando el niño tenía solo 11 años (pero él, el artista, logró transmitir los conocimientos básicos al heredero), y la madre del futuro genio del Renacimiento sobrevivió a su esposo durante 7 años.
Ahora nada lo retenía en su Urbino natal. Y Rafaello se convierte en uno de los alumnos del Maestro Perugino en Perugia. Allí se familiariza con otro talento de la escuela de Umbría: Pinturicchio, los artistas realizan varios trabajos juntos.
Las primeras obras maestras
En 1504 (el pintor tenía solo 21 años) nació la obra maestra "Tres Gracias". Santi se aleja poco a poco de imitar al maestro y adquiere un estilo propio. La miniatura "Madonna de Conestabile" también pertenece al mismo período. Esta es una de las dos pinturas del maestro que se conservan en Rusia (en la colección del Hermitage). El segundo es "Madonna con un Joseph imberbe" (otro nombre es "La Sagrada Familia").
El conocimiento de los "pilares" del Renacimiento - Michelangelo Buonarotti y Leonardo da Vinci - enriqueció enormemente el "bagaje" del pintor novato. Ocurrió en la entonces casi "capital del arte italiano" Florencia. La influencia de Leonardo se siente en el retrato de "La dama del unicornio". Es asombroso ver a un animal diminuto de un cuerno (la mirada está más familiarizada con los hermosos caballos cinematográficos de melena blanca con un cuerno en la frente) sentado tranquilamente en el regazo de una niña rubia (es una niña, según leyenda, los unicornios se volvieron mansos solo entre las vírgenes). El período florentino estuvo marcado por la creación de dos docenas de Madonnas. Probablemente, el tema del amor maternal estaba muy cerca de Raphael; después de todo, perdió tan bien temprano.
Las mejores obras de Rafael
Una de las obras más famosas de Raphael Santi fue creada en Roma, donde el pintor se mudó en 1508. El fresco "Escuela de Atenas" (que adorna el Palacio Apostólico Vaticano) es una composición muy compleja (más de 50 héroes están representados en el lienzo). En el centro están los sabios Platón y Aristóteles, el primero proclama la primacía de lo espiritual (levantando la mano hacia el cielo), el segundo - un adherente de lo terrenal (señala el piso). En los rostros de algunos personajes se adivinan los rasgos de los amigos del autor (Platón da Vinci, Heráclito-Miguel Ángel), y él mismo aparece en la imagen de Ptolomeo.
Entre la docena de Roman Raphael Madonnas - la más conmovedora y famosa de todas las imágenes existentes de Nuestra Señora "Madonna Sixtina". “Un pedazo de cielo, un puente de nubes, y Madonna desciende hacia ti y hacia mí. Abrazó a su hijo con tanto cariño, protegiéndolo de los enemigos ... ”. La figura principal del lienzo, por supuesto, es María. Ella, con un niño inusualmente serio, es recibida por Santa Bárbara y el Papa Sixto II con el nombre "encriptado" en su mano derecha (mire más de cerca, tiene 6 dedos). Abajo, un par de ángeles regordetes flemáticos admiraban a la madre y al niño. Es imposible apartarse de sus ojos ansiosos.
Amor de toda la vida
Disfrazado el personaje principal La "Madonna Sixtina" puede ser reconocida como el amor de la vida de la gran creadora italiana: pasó a la historia con el sobrenombre de "Fornarina". La traducción literal de la palabra es "panadero". La belleza Margherita Lute realmente creció en la familia de un panadero. Como modelo y amante de Rafaello, la niña permaneció durante muchos años, hasta la muerte del artista.
Ella hermosas características se puede admirar el "Retrato de una mujer joven" (también llamado "Fornarina"), fechado en 1519. Tras la muerte del maestro (ocurrido un año después), uno de los alumnos más famosos de Raphael, Giulio Romano, pintó sobre una mujer sobre lienzo un brazalete con el nombre del autor. Otra imagen famosa de la musa es "Donna Velato" ("La dama bajo el velo"). Al ver a Margherita, de 17 años, Raphael se enamoró de ella sin memoria y se la compró a su padre. Muchos bohemios de esa época eran homosexuales (el Renacimiento se caracterizó generalmente por un triunfo desenfrenado de la carne), pero Santi fue una excepción.
Dos versiones de la muerte
Una de las leyendas sobre su muerte dice que la muerte se apoderó del artista en la cama de Fornarina. El mismo chisme malvado dice: la niña no fue fiel a su amante. Y después de su partida anticipada, habiendo recibido una fortuna considerable, ella continuó hablando de su naturaleza viciosa y se convirtió en una de las famosas cortesanas de Roma.
Pero los admiradores del talento del pintor se adhieren a una versión diferente: una fiebre lo llevó a la tumba. Y el amor de la pareja Rafael-Fornarin podría ser la envidia de muchos. Después de la muerte de su cónyuge soltero, tomó la tonsura y sobrevivió brevemente al maestro, considerándose su viuda.
El talento de Rafaello fue multifacético. Se mostró como arquitecto, como poeta. Y uno de sus dibujos fue subastado por Sotheby's a finales de 2012 por un precio récord de 29.721.250 libras esterlinas.
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