Pagtatanghal sa paksa ng pagpipinta ng Panahon ng Pilak. Mga pangunahing larawan ng Panahon ng Pilak
Paksa: "Panahon ng Pilak" sa sining ng Russia.
Panimula
1. Bagong konsepto ng sining
2. Mga masining na kilusan at kinatawan ng mga kilusan
Konklusyon
Panitikan
Panimula
Sa Russia sa unang ikatlong bahagi ng huling siglo, nagkaroon ng isang malakas na espirituwal na pag-akyat na naghagis sa kabang-yaman ng kultura ng mundo ng maraming makabuluhang ideya at gawa sa mga larangan ng relihiyon at pilosopikal na pag-iisip, at lahat ng uri ng sining. Ang pagtaas ng malikhaing aktibidad ng Panahon ng Pilak ay naiimpluwensyahan ng patuloy na lumalagong pakiramdam ng mga pinakasensitibong nag-iisip at artista ng isang lumalago, pandaigdigan, hindi pa-bago-sa-kasaysayan ng krisis ng sangkatauhan ng lahat ng bagay: kultura, sining, relihiyon , ispiritwalidad, estado, tao mismo at sangkatauhan, at sa parehong oras - tensiyonado na pag-asa sa isang tiyak na isang walang uliran na pagtaas ng ispiritwalidad, kultura, ang mismong pag-iral ng tao sa isang bagay na panimula na bago, hindi mapaglabanan na nakakaakit, dakila, sa "mundo na yumayabong," ayon kay P. Filonov. Ang mga damdaming apocalyptic ng isang ganap na wakas ay bumangga sa hindi gaanong malakas na mga adhikain para sa panimula ng mga bagong rebolusyonaryong pagbabago.
Tatlong direksyon ng intelektwal at artistikong pagkamalikhain noong panahong iyon: pilosopiya ng relihiyon, simbolismo at avant-garde ang mga pangunahing haligi ng kultura ng Panahon ng Pilak.
Matapos ang malakas na pagtaas ng kulturang Ruso, na itinalaga sa agham bilang "Panahon ng Pilak," mahalagang subukang linawin ang mga pangunahing parameter at katangian nito, mula sa pananaw ng modernong pananaw ng hindi pangkaraniwang bagay na ito, upang maunawaan ang mga problema na nag-aalala sa mga tagalikha. at mga nag-iisip ng kamangha-manghang, espirituwal at artistikong mayaman na oras na iyon, upang matukoy ang mga nilikha ng kanilang mga halaga.
Marami nang ginagawa sa direksyong ito, lalo na sa usapin ng pag-aaral ng panitikan, sining, at pilosopiyang panrelihiyon. Samakatuwid, ang layunin ng gawain ay upang ibuod ang pinakamahalagang data at konklusyon ng mga modernong mananaliksik, at sa parehong oras, lumiko hangga't maaari sa orihinal na mga obra maestra ng Panahon ng Pilak. At, pagbubuod ng pagsusuri ng materyal sa panahong ito, balangkas na binabalangkas ang mga pangunahing balangkas ng umuusbong na larawan ng intelektwal at masining na pagkamalikhain.
Layunin ng gawain: upang ipakita ang mga pangunahing tagumpay sa sining ng Russia sa panahon ng "Silver Age".
1. Bagong konsepto ng sining
Ang isang bagong istilo sa sining ng Russia ay lumitaw noong dekada 80. XIX na siglo lubhang naimpluwensyahan ng French Impressionism. Ang kasagsagan nito ay minarkahan ang pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo.
Sa loob ng ilang dekada pagkatapos ng pagbaba nito (sa pagtatapos ng 10s ng ika-20 siglo, ang estilo ng Art Nouveau sa sining ng Russia, kung saan nauugnay ang Silver Age, ay nagbigay daan sa mga bagong direksyon), ang sining ng Silver Age ay napagtanto bilang pagkabulok at kawalan ng lasa.
Ngunit sa pagtatapos ng ikalawang milenyo, nagsimulang magbago ang mga pagtatantya. Ang katotohanan ay mayroong dalawang uri ng pamumulaklak ng espirituwal na kultura. Ang una ay nailalarawan sa pamamagitan ng makapangyarihang mga pagbabago at mahusay na mga nagawa. Ang mga matingkad na halimbawa nito ay ang mga klasikong Griyego noong ika-5–4 na siglo. BC. at lalo na ang European Renaissance.
Bumalik sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ang mga kinatawan ng romantikismo ay pinangarap na lumikha ng isang pinag-isang istilo na maaaring palibutan ang isang tao na may kagandahan at sa gayon ay magbabago ng buhay. Upang baguhin ang mundo sa pamamagitan ng paraan ng sining - ito ang gawaing itinakda sa harap ng mga tagalikha ng kagandahan ni Richard Wagner at ng Pre-Raphaelites. At nasa dulo na ng ika-19 na siglo. Sinabi ni Oscar Wilde na "ginagaya ng buhay ang sining kaysa sa sining ng pamumuhay." Nagkaroon ng isang malinaw na theatricalization ng pag-uugali at pang-araw-araw na buhay, ang laro ay nagsimulang matukoy hindi lamang ang karakter masining na kultura, kundi pati na rin ang pamumuhay ng mga tagalikha nito.
Ang Panahon ng Pilak sa kulturang Ruso - Hindi lamang ito ang pagpipinta at arkitektura ng modernismo, hindi lamang ang simbolistang teatro, na naglalaman ng ideya ng isang synthesis ng sining, nang ang mga artista at kompositor ay nagtrabaho sa pagtatanghal ng dula kasama ang mga direktor at aktor. , ito rin ang panitikan ng simbolismo, at lalo na ang tula, na naging bahagi na ng kasaysayan.Ang panitikan sa daigdig ay isinama sa ilalim ng pangalang “poetry of the Silver Age”. Ito ang istilo ng panahon, isang paraan ng pamumuhay.
Ang paggawa ng tula mula sa iyong buhay ay isang napakalaking gawain na itinakda ng mga bayani ng Panahon ng Pilak para sa kanilang sarili. Kaya, ang mga simbolista, una sa lahat, ay hindi nais na paghiwalayin ang manunulat mula sa tao, talambuhay na pampanitikan mula sa personal. Ang simbolismo ay hindi nais na maging isang kilusang pampanitikan lamang, ngunit nagsikap na maging isang malikhaing pamamaraan. Ito ay isang serye ng mga pagtatangka upang makahanap ng isang walang kamali-mali na tunay na pagsasanib ng buhay at pagkamalikhain, isang uri ng bato ng sining ng pilosopo.
Mayroon ding mga anino na panig sa pagsisikap na ito. Masyadong magalang na pananalita at kilos, nakakagulat na kasuotan, droga, espiritismo - sa pagpasok ng siglo, ang lahat ng ito ay nagbunga ng mga senyales ng pagiging eksklusibo at nagbunga ng isang uri ng snobbery.
Ang pampanitikan at masining na bohemia, na malinaw na naiiba ang sarili sa masa, ay naghahanap ng bagong bagay, kakaiba, at matinding karanasan. Ang magic, espiritismo at theosophy ay umaakit ng mga neo-romantic na simbolista hindi lamang bilang makulay na materyal para sa mga gawa ng sining, kundi bilang mga tunay na paraan upang palawakin ang kanilang sariling espirituwal na abot-tanaw.
Ang isang bagong henerasyon ng literatura at artistikong intelihente ay lumitaw sa Russia; kapansin-pansing naiiba siya sa henerasyon ng "sixties" hindi lamang sa kanyang mga malikhaing interes; Ang mga panlabas na pagkakaiba ay kapansin-pansin din.
Kaya, ang nag-iisang istilo na nagmula sa Russia at naging magkasingkahulugan sa konsepto ng Panahon ng Pilak ay tunay na unibersal, dahil - kahit na sa maikling panahon - sakop nito hindi lamang ang lahat ng mga lugar ng pagkamalikhain, kundi pati na rin nang direkta sa buhay ng mga tao ng palikpik. de siècle era. Ang bawat mahusay na istilo ay ganito.
Roerich (1874 –1947)
Si Nicholas Roerich ay hindi lamang isang artista, kundi isang mananalaysay din. Ang kanyang interes sa arkeolohiya ay kilala rin. Ito ay makikita sa kanyang sining. Ang artista ay lalo na interesado sa Slavic paganong sinaunang panahon at sinaunang Kristiyanismo. malapit kay Roerich espirituwal na mundo mga tao sa malayong nakaraan, at ang kanilang kakayahang tila mawala sa natural na mundo. Ang mga linya ng contour at mga lokal na spot ng kulay ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa imahe.
Bakst (1866 –1924)
Si Lev Bakst ay naging mas malapit sa European na bersyon ng Art Nouveau kaysa sa iba pang mga artista ng World of Art. Ang flexible outline, generalised interpretation ng form, laconic color at flatness ng imahe ay nagpapahiwatig ng impluwensya ng mga Western artist tulad nina Edvard Munch, Andres Zorn at iba pa sa Bakst.
Ang modelo para sa ginang na inilalarawan ni Bakst ay ang asawa ni Alexander Benois, si Anna Karlovna. "Isang naka-istilong dekadenteng ... itim at puti, tulad ng isang ermine, na may isang misteryosong ngiti a la Gioconda," isinulat ng manunulat at pilosopo na si Vasily Rozanov tungkol sa pangunahing tauhang babae.
Somov (1869 –1939)
Si Konstantin Somov ay isa sa mga pinakakilalang artista ng samahan ng St. Petersburg na "World of Art". Siya ay isang master ng katangi-tanging kulay at sopistikadong mga graphics.
Ang pagpipinta na "Harlequin and the Lady" ay ginawa ng artist sa ilang mga bersyon. Sa mga gawa noong 1910s. Madalas na inuulit ni Somov ang parehong mga pamamaraan ng komposisyon at mga epekto sa pag-iilaw. Siya ay madamdamin sining XVIII siglo - ang "gallant century". Ang kanyang mga kuwadro ay madalas na nagtatampok ng mga karakter mula sa Italian Comedy of Masks. Narito ito: isang puno sa likod ng entablado sa harapan, malapit sa mga pigura ng mga pangunahing tauhan na iluminado ng mga paputok, pagkatapos ay isang puwang sa kailaliman kung saan ang maliliit na silweta ng mga mummer at mga babae ay umaaligid. Isang eleganteng teatro ng sining para sa kapakanan ng sining.
Borisov-Musatov (1870 –1905)
Sa lahat ng mga pagpipinta ni Borisov-Musatov, ang isang romantikong panaginip ng magandang pagkakaisa, ganap na dayuhan sa modernong mundo, ay nahahanap ang pagpapahayag. Siya ay isang tunay na liriko, sensitibo sa kalikasan, nararamdaman ang pagsasanib ng tao sa kalikasan.
Ang "Reservoir" ay marahil ang pinakaperpektong gawa ng artist. Ang lahat ng mga pangunahing motif ng kanyang trabaho ay naroroon dito: ang sinaunang parke, ang "Turgenev girls", ang pangkalahatang static na komposisyon, kalmado na kulay, nadagdagan ang "tapestry" decorativeness... Ang mga larawan ng mga pangunahing tauhang babae ng "Reservoir" ay naglalarawan sa kapatid ng artist. at asawa.
Sa kanyang obra maestra, nagawa ni Borisov-Musatov na ilarawan ang isang walang hanggang estado. Ang pangkalahatang neutral na pangalan na "Reservoir" ay nagbubunga ng imahe ng isang unibersal na maayos na pagkakaisa ng natural-tao - hindi mapaghihiwalay, at ang imahe mismo ay nagiging isang tanda na nangangailangan ng tahimik na pagmumuni-muni.
3. Panitikan, musika, teatro, kumbinasyon ng sining
Ang pinaka-nagsisiwalat na imahe " panahon ng pilak"nagpakita mismo sa panitikan. Sa isang banda, ang mga gawa ng mga manunulat ay nagpapanatili ng matibay na tradisyon ng kritikal na realismo. Sa kanyang huling mga gawa ng sining, itinaas ni Tolstoy ang problema ng personal na paglaban sa mga ossified norms ng buhay ("The Living Corpse", " Padre Sergius", "After the Ball"). Ang pangunahing ideya ng pamamahayag ni Tolstoy ay ang imposibilidad ng pag-aalis ng kasamaan sa pamamagitan ng karahasan.
Sa mga taong ito nilikha ni A.P. Chekhov ang mga dulang "Three Sisters" at " Ang Cherry Orchard", na sumasalamin sa mahahalagang pagbabagong nagaganap sa lipunan.
Ang mga paksang sensitibo sa lipunan ay pinaboran din ng mga batang manunulat. Pinag-aralan ni I. A. Bunin hindi lamang ang panlabas na bahagi ng mga prosesong nagaganap sa nayon (stratification ng magsasaka, ang unti-unting pagkalanta ng maharlika), kundi pati na rin ang mga sikolohikal na kahihinatnan ng mga phenomena na ito, kung paano nila naiimpluwensyahan ang mga kaluluwa ng mga mamamayang Ruso ( "Nayon", "Sukhodol", siklo ng mga kwentong "magsasaka"). Ipinakita ni A.I. Kuprin ang hindi magandang tingnan na bahagi ng buhay ng hukbo: ang kakulangan ng mga karapatan ng mga sundalo, ang kawalan ng laman at kakulangan ng espirituwalidad ng "mga opisyal ng ginoo" ("The Duel"). Isa sa mga bagong phenomena sa panitikan ay ang repleksyon dito ng buhay at pakikibaka ng proletaryado. Ang nagpasimula ng paksang ito ay si A. M. Gorky ("Mga Kaaway", "Ina").
Sa unang dekada ng ika-20 siglo. Ang isang buong kalawakan ng mga mahuhusay na "magsasaka" na makata ay dumating sa tula ng Russia - S. A. Yesenin, N. A. Klyuev, S. A. Klychkov.
Kasabay nito, nagsimulang marinig ang isang tinig, na nagpapakita ng account nito sa mga kinatawan ng realismo ng bagong henerasyon, na nagprotesta laban sa pangunahing prinsipyo ng makatotohanang sining - ang direktang imahe ng nakapaligid na mundo. Ayon sa mga ideologist ng henerasyong ito, ang sining, bilang isang synthesis ng dalawang magkasalungat na prinsipyo - bagay at espiritu, ay may kakayahang hindi lamang "ipakita", ngunit din "pagbabago" sa umiiral na mundo, na lumilikha ng isang bagong katotohanan.
Ang mga tagapagtatag ng isang bagong direksyon sa sining, simbolistang mga makata, ay nagpahayag ng digmaan sa materyalistikong pananaw sa mundo, na nangangatwiran na ang pananampalataya at relihiyon ay ang pundasyon ng pag-iral at sining ng tao. Naniniwala sila na ang mga makata ay pinagkalooban ng kakayahang kumonekta sa transendental na mundo sa pamamagitan ng masining na mga simbolo. Sa una, ang simbolismo ay kinuha ang anyo ng pagkabulok. Ang terminong ito ay nangangahulugang isang mood ng pagkabulok, mapanglaw at kawalan ng pag-asa, at binibigkas na indibidwalismo. Ang mga tampok na ito ay katangian ng maagang tula ng K. D. Balmont, A. A. Blok, V. Ya. Bryusov. Pagkatapos ng 1909 ay dumating bagong yugto sa pagbuo ng simbolismo. Ito ay pininturahan sa mga tono ng Slavophile, nagpapakita ng paghamak sa "rasyonalistiko" na Kanluran, at inilarawan ang pagkamatay ng sibilisasyong Kanluranin, na kinakatawan, bukod sa iba pang mga bagay, ng opisyal na Russia. Kasabay nito, lumingon siya sa mga kusang tanyag na pwersa, sa paganismo ng Slavic, sinusubukang tumagos sa kalaliman ng kaluluwa ng Russia at nakikita sa buhay ng katutubong Ruso ang mga ugat ng "muling pagsilang" ng bansa. Ang mga motif na ito ay malinaw na tumunog sa mga gawa ni Blok (ang mga patula na siklo na "Sa Kulikovo Field", "Motherland") at A. Bely ("Silver Dove", "Petersburg"). Ang simbolismo ng Russia ay naging isang pandaigdigang kababalaghan. Ito ay sa kanya na ang konsepto ng "Silver Age" ay pangunahing nauugnay.
Ang mga kalaban ng Symbolists ay ang mga Acmeist (mula sa Greek na "acme" - ang pinakamataas na antas ng isang bagay, namumulaklak na kapangyarihan). Tinanggihan nila ang mga mistikong hangarin ng mga simbolista, ipinahayag ang tunay na halaga ng totoong buhay, at nanawagan para sa pagbabalik ng mga salita sa kanilang orihinal na kahulugan, na pinalaya ang mga ito mula sa mga simbolikong interpretasyon. Ang pangunahing pamantayan para sa pagtatasa ng pagkamalikhain para sa mga Acmeist (N. S. Gumilev, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam) ay hindi nagkakamali na aesthetic na lasa, kagandahan at pagpipino ng artistikong salita. kasiningan ng sining, i.e. upang makilala ang mga aesthetic na katangian nito. Nakumbinsi sila na ang "panitikan", "tula", i.e. masining na kakanyahan Ang mga likhang sining ay makikilala lamang sa pamamagitan ng morphological analysis ng mismong gawa ng sining, at hindi sa kung ano ang "repleksiyon" nito, kung sino ang lumikha nito at sa ilalim ng anong mga kundisyon, paano ito nakakaapekto sa tatanggap, kung ano ang panlipunan, kultura, atbp. .mayroon itong. ibig sabihin. Ang mga pangunahing termino sa kanilang kategoryang apparatus ay ang mga terminong materyal (kabilang dito ang lahat ng bagay kung saan gumagawa ang artist ng isang akda: ang salita, ang wika mismo sa pang-araw-araw na paggamit nito, mga kaisipan, damdamin, mga kaganapan, atbp.) at anyo (kung ano ang ibinibigay ng artist sa materyal sa malikhaing proseso). Ang gawain mismo ay tinawag na isang bagay, dahil sa pag-unawa ng mga pormalista ay hindi ito nilikha o nilikha, tulad ng pinaniniwalaan ng mga klasikal na aesthetics, ngunit ginawa gamit ang isang sistema ng mga diskarte.
Ang artistikong kultura ng Russia noong unang bahagi ng ika-20 siglo. Naimpluwensyahan din siya ng avant-gardeism, na nagmula sa Kanluran at niyakap ang lahat ng uri ng sining. Kasama sa trend na ito ang iba't ibang masining na direksyon, na nag-anunsyo ng kanilang break sa tradisyonal na mga halaga ng kultura at nagpahayag ng mga ideya ng paglikha ng isang "bagong sining". Ang mga kilalang kinatawan ng Russian avant-garde ay ang mga futurist (mula sa Latin na "futurum" - hinaharap). Ang kanilang mga tula ay nakikilala sa pamamagitan ng pagtaas ng pansin hindi sa nilalaman, ngunit sa anyo ng patula na pagtatayo. Ang mga setting ng programmatic ng mga futurist ay nakatuon sa mapanghamon na anti-aestheticism. Sa kanilang mga gawa ay gumamit sila ng bulgar na bokabularyo, propesyonal na jargon, ang wika ng mga dokumento, poster at poster. Ang mga koleksyon ng mga Futurist na tula ay may mga pamagat na katangian: "Isang Sampal sa Mukha ng Pampublikong Panlasa," "Patay na Buwan," atbp. Ang futurism ng Russia ay kinakatawan ng ilang mga grupong patula. Ang pinakatanyag na mga pangalan ay natipon ng pangkat ng St. Petersburg na "Gilea" - V. Khlebnikov, D. D. Burlyuk, V. V. Mayakovsky, A. E. Kruchenykh, V. V. Kamensky. Ang mga koleksyon ng mga tula at pampublikong talumpati ni I. Severyanin ay nagtamasa ng nakamamanghang tagumpay.
Simula ng ika-20 siglo - ito ang oras ng malikhaing pagtaas ng mga dakilang kompositor-innovator ng Russia na A. N. Scriabin, I. F. Stravinsky, S. I. Taneyev, S. V. Rachmaninov. Sa kanilang pagkamalikhain sinubukan nilang lumampas sa tradisyonal Klasikong musika, lumikha ng mga bagong musical form at imahe.
Ang mga batang direktor na sina A. A. Gorsky at M. I. Fokin, sa kaibahan sa mga aesthetics ng akademya, ay naglagay ng prinsipyo ng kaakit-akit, ayon sa kung saan hindi lamang ang koreograpo at kompositor, kundi pati na rin ang artista ay naging buong may-akda ng pagganap. Ang mga ballet ng Gorsky at Fokine ay itinanghal sa tanawin ng K. A. Korovin, A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich. Ang Russian ballet school ng "Silver Age" ay nagbigay sa mundo ng isang kalawakan ng mga makikinang na mananayaw - A. T. Pavlov, T. T. Karsavin, V. F. Nijinsky at iba pa.
Isang kapansin-pansing katangian ng kultura noong unang bahagi ng ika-20 siglo. naging mga gawa ng mga natatanging direktor ng teatro. Si K. S. Stanislavsky, ang tagapagtatag ng psychological acting school, ay naniniwala na ang hinaharap ng teatro ay nakasalalay sa malalim na sikolohikal na realismo, sa paglutas ng pinakamahalagang gawain ng pagbabagong-anyo sa pagkilos. Nagsagawa ng mga paghahanap si V. E. Meyerhold sa larangan ng theatrical convention, generalization, at paggamit ng mga elemento ng folk farce at mask theater. Mas gusto ni E. B. Vakhtangov ang nagpapahayag, kamangha-manghang, masayang pagtatanghal.
Sa simula ng ika-20 siglo. ang ugali sa koneksyon ay naging mas at mas malinaw iba't ibang uri malikhaing aktibidad. Sa ulo ng prosesong ito ay ang "World of Art," na pinag-isa hindi lamang ang mga artista, kundi pati na rin ang mga makata, pilosopo, at musikero. Noong 1908-1913. Ang S. P. Diaghilev ay inayos sa Paris, London, Roma at iba pang mga kabisera Kanlurang Europa"Russian Seasons", na ipinakita ng mga pagtatanghal ng ballet at opera, theatrical painting, musika, atbp.
Konklusyon
Ang sining sa konteksto ng "Panahon ng Pilak" ay nauunawaan bilang resulta ng inspiradong pagkamalikhain ng Diyos, at ang artist ay nauunawaan bilang isang pinili ng Diyos na konduktor ng mga espirituwal na imahe, na ipinahayag nang eksklusibo sa artistikong anyo, na ang mga aksyon ay ginagabayan ng mga puwersa ng Diyos. Ang masining na pagkamalikhain ay ipinakita alinsunod sa estetikang ito bilang isang perpektong pundasyon kung saan hindi lamang ito dapat itayo buhay ng tao at ang kultura ng hinaharap, ngunit din upang makumpleto ang proseso ng paglikha ng mundo sa pamamagitan ng mga pagsisikap ng mga artist-creator-theurgists. Sa kakanyahan nito, ang sining dito ay kumakatawan sa isang makabagong pag-unlad ng mga tradisyonal na Kristiyanong aesthetic na mga halaga sa aspeto ng paglalapit sa kanila sa katotohanan. modernong buhay at may pagtuon sa espirituwal, siyentipiko, masining na paghahanap at adhikain ng tao sa ika-20 siglo.
Ang mga simbolistang Ruso ay may malaking papel sa pagbuo ng aesthetics ng Silver Age. Ang simbolismo ay nakakuha ng isang malakas na pambansang kulay sa mga pinakamalaking Young Symbolists na sina Andrei Bely, Vyacheslav Ivanov, Alexander Blok, Ellis at iba pa. Si Vyacheslav Ivanov ay kumbinsido na ang isang panimula na bagong yugto ng artistikong pagkamalikhain ay papalapit na, kung kailan ang lahat ng mga sining ay magkakaisa sa isang uri ng artistic-religious mystery - isang uri ng sintetikong sagradong aksyon , kung saan ang parehong sinanay na aktor at lahat ng manonood ay magsasagawa ng aktibong bahagi. Ang isang tunay na artist-symbolist ng hinaharap, ayon kay Ivanov, ay dapat na malikhaing mapagtanto sa kanyang sarili ang koneksyon "sa banal na pagkakaisa," maranasan ang mito bilang isang kaganapan ng personal na karanasan at pagkatapos ay ipahayag ito sa kanyang misteryosong pagkamalikhain. Para kay Andrei Bely, ang kakanyahan at kahulugan ng sining ay may theosophical at relihiyosong mga overtones, at sa theurgy bilang pangunahing layunin ng simbolismo, nakita niya ang pagbabalik ng sining sa globo ng relihiyosong aktibidad upang baguhin ang buhay.
Ang mga kinatawan ng "World of Art" ay pinagsama ng dalawang pangunahing ideya, dalawang aesthetic trend: 1) Ang pagnanais na bumalik sa sining ng Russia ang pangunahing bagay nito, ngunit ganap na nakalimutan noong ika-19 na siglo. kalidad - kasiningan, palayain ito mula sa anumang tendentiousness (panlipunan, relihiyon, pampulitika, atbp.) at idirekta ito sa isang purong aesthetic na direksyon. Kaya naman ang slogan na l"art pour l"art, na tanyag sa mundo ng sining, ang paghahanap ng kagandahan sa lahat ng bagay, ang pagtanggi sa ideolohiya at artistikong kasanayan ng akademya at peredvizhniki, at interes sa romantikong at simbolistang uso sa sining. 2) Romanticization, poeticization, aestheticization ng pambansang pamana ng Russia, interes sa katutubong sining, kung saan ang mga pangunahing kalahok ng asosasyon ay tumanggap ng palayaw na "retrospective dreamers" sa mga artistikong bilog. Ito ay totoo lalo na para sa K.A. Somov at A.N. Si Benois, na naghangad na buhayin at ipagpatuloy sa sining ang buhay ng mga nakaraang siglo sa kakanyahan nito - kagandahan at "kahanga-hangang misteryo". At si Roerich, nang walang impluwensya ng European esotericism, na tanyag sa oras na iyon sa Russia, ay ibinaling ang kanyang espirituwal na tingin sa Silangan at sa mahiwagang sinaunang karunungan nito ay natagpuan ang hindi niya nakita sa European na lupa. Sa kanilang mga teksto, binigyang-pansin ng mga Roerich ang Kagandahan, Sining, Kultura bilang pinakamahalaga at kinakailangang mga phenomena sa landas ng espirituwal na pag-unlad.
Ang mga mag-aaral ng Miriskus ay lumikha ng isang solidong bersyon ng Ruso ng aesthetically sharpened na kilusan ng pagliko ng siglo, na nilinang ang mataas na artistikong panlasa, gravited patungo sa poetics ng neo-romanticism o simbolismo, patungo sa decorativeness at aesthetic melodiousness ng linya, at sa Russia natanggap ang pangalanan ang "modernong" istilo. Ang mga kalahok sa kilusan mismo (Benois, Somov, Dobuzhinsky, Bakst, Lanceray, Ostroumova-Lebedeva, Golovin, Bilibin) ay hindi mahusay na mga artista, hindi lumikha ng mga artistikong obra maestra o natitirang mga gawa, ngunit nagsulat ng ilang mga kilalang aesthetic na pahina sa kasaysayan ng Russian. sining, aktwal na nagpapakita sa mundo na ang ating sining ay hindi alien sa diwa ng nationally oriented aestheticism.
Panitikan
1. Arnoldov A.I. Kabihasnan ng darating na siglo. – M.: “Grail”, 2007. – 328 p.
2. Akhiezer A.S. Sociocultural dynamics ng sining sa Russia // Polis. – 2001. – No. 5. 27-32s.
3. Gromov M.N. Walang hanggang mga halaga ng kulturang Ruso // Mga Tanong ng Pilosopiya. – 2004. – No. 1. 41-53s.
4. Gurevich P.S. Kulturolohiya. – M.: Gardariki, 2000. – 280 p.
5. Emelyanov B.V., Novikov A.I. Pilosopiyang Ruso ng Panahon ng Pilak: Isang kurso ng mga lektura. – Ekaterinburg, 2005. – 320 p.
6. Ionin L.G. Sosyolohiya ng kultura: ang landas tungo sa bagong milenyo. – M.: “Logos”, 2000. – 432 p.
7. Kondakov I.V. Kultura ng Russia: isang maikling balangkas ng kasaysayan at teorya: Isang aklat-aralin para sa mga mag-aaral sa unibersidad. – M.: Book House “University”, 2005. – 360 s.
8. Kononenko B.I., Boldyreva M.G. Kulturolohiya: Teksbuk. – M.: “Schhit-M”, 2006. – 292 p.
9. Krichevskaya Yu.R. Modernismo sa panitikang Ruso: ang panahon ng Panahon ng Pilak (textbook). – M.: IntelTech LLP, 2004. – 398 p.
10. Mamontov S.P. Mga batayan ng pag-aaral sa kultura. – M.: Olimp, 2001. – 436 p.
11. Morozov N.A. Ang mga paraan ng Russia: modernisasyon ng mga kulturang hindi European. – M.: Varna, 2001. – 328 p.
12. Rapatskaya L.A. Sining ng Panahon ng Pilak. – M.: ZAO Publishing House EKSMO-Press, 2003. – 912 s.
13. Sarychev V.A. Estetika ng modernismo ng Russia. – Voronezh, 1991. –244 p.
Rapatskaya L.A. Sining ng Panahon ng Pilak. – M.: ZAO Publishing House EKSMO-Press, 2003. – 638 p.
Sarychev V.A. Estetika ng modernismo ng Russia. – Voronezh, 1991. –189 p.
Sarychev V.A. Estetika ng modernismo ng Russia. – Voronezh, 1991. –172 p.
"Panahon ng Pilak" ng tula ng Russia. //Comp. V. Dorozhkina, T. Kurnosova. – Tambov: Publishing House ng Minsk Institute of Scientific Research, 2004. –75 p.
Panahon ng Pilak sa kulturang sining ng Russia
Ang Panahon ng Pilak sa kasaysayan ng sining ng Russia ay isang panahon ng pinakamataas na pagtaas, na, marahil, ay maihahambing sa pagtaas ng sining ng Pransya sa panahon ng impresyonismo. Ang isang bagong istilo sa sining ng Russia ay lumitaw noong dekada 80. XIX na siglo lubhang naimpluwensyahan ng French Impressionism. Ang kasagsagan nito ay minarkahan ang pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. At sa pagtatapos ng 10s. Sa ikadalawampu siglo, ang estilo ng Art Nouveau sa sining ng Russia, kung saan nauugnay ang Panahon ng Pilak, ay nagbibigay daan sa mga bagong direksyon.
Sa loob ng ilang dekada pagkaraan ng pagbaba nito, ang sining ng Silver Age ay itinuturing na dekadente at walang lasa. Ngunit sa pagtatapos ng ikalawang milenyo, nagsimulang magbago ang mga pagtatantya. Ang katotohanan ay mayroong dalawang uri ng pamumulaklak ng espirituwal na kultura. Ang una ay nailalarawan sa pamamagitan ng makapangyarihang mga pagbabago at mahusay na mga nagawa. Ang mga matingkad na halimbawa nito ay ang mga klasikong Griyego noong ika-5–4 na siglo. BC. at lalo na ang European Renaissance. Ang ginintuang edad ng kulturang Ruso ay ang ika-19 na siglo: A.S. Pushkin, N.V. Gogol, A.A. Ivanov, P.I. Tchaikovsky, L.N. Tolstoy, F.M. Dostoevsky at marami pang iba. Ang pangalawang uri ay nakikilala sa pamamagitan ng biyaya at pagiging sopistikado ng mga halagang nilikha nito, hindi nito gusto ang masyadong maliwanag na liwanag at nauugnay sa buwan, na, naman, ay tradisyonal na kinikilala sa pilak at pagkababae (kumpara sa panlalaking sikat ng araw at ginto). Ang sining ng Panahon ng Pilak ay malinaw na kabilang sa pangalawang uri.
Ang Panahon ng Pilak sa kulturang Ruso ay isang malawak na konsepto. Ito ay hindi lamang ang pagpipinta at arkitektura ng modernismo, hindi lamang ang simbolistang teatro, na naglalaman ng ideya ng isang synthesis ng sining, nang ang mga artista at kompositor ay nagtrabaho sa pagtatanghal ng isang dula kasama ang mga direktor at aktor, ito rin ang panitikan ng simbolismo, at lalo na ang mga tula, na pumasok sa kasaysayan ng panitikan sa mundo sa ilalim ng pangalang " tula ng Panahon ng Pilak." At bukod sa lahat, ito ang istilo ng panahon, ito ay isang paraan ng pamumuhay.
Bumalik sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ang mga kinatawan ng romantikismo ay pinangarap na lumikha ng isang pinag-isang istilo na maaaring palibutan ang isang tao na may kagandahan at sa gayon ay magbabago ng buhay. Upang baguhin ang mundo sa pamamagitan ng paraan ng sining - ito ang gawaing itinakda sa harap ng mga tagalikha ng kagandahan ni Richard Wagner at ng Pre-Raphaelites. At nasa dulo na ng ika-19 na siglo. Sinabi ni Oscar Wilde na "ginagaya ng buhay ang sining kaysa sa sining ng pamumuhay." Nagkaroon ng isang malinaw na theatricalization ng pag-uugali at buhay, ang laro ay nagsimulang matukoy hindi lamang ang likas na katangian ng artistikong kultura, kundi pati na rin ang pamumuhay ng mga tagalikha nito.
Ang paggawa ng tula mula sa iyong buhay ay isang napakalaking gawain na itinakda ng mga bayani ng Panahon ng Pilak para sa kanilang sarili. Ipinaliwanag ito ng makata na si Vladislav Khodasevich sa ganitong paraan: "Ang mga Simbolo, una sa lahat, ay hindi nais na paghiwalayin ang manunulat mula sa tao, ang talambuhay ng panitikan mula sa personal. Ang simbolismo ay hindi nais na maging isang paaralan lamang ng sining, isang kilusang pampanitikan. Sa lahat ng oras siya ay nagsusumikap na maging isang malikhaing pamamaraan sa buhay, at ito ang kanyang pinakamalalim, marahil imposible, katotohanan; at sa patuloy na pagsusumikap na ito, mahalagang naganap ang kanyang buong kasaysayan. Ito ay isang serye ng mga pagtatangka, kung minsan ay tunay na kabayanihan, upang makahanap ng isang hindi nagkakamali na tunay na pagsasanib ng buhay at pagkamalikhain, isang uri ng pilosopiko na bato ng sining.
Mayroon ding mga anino na panig sa pagsisikap na ito. Masyadong magalang na pananalita at kilos, nakakagulat na kasuotan, droga, espiritismo - sa pagpasok ng siglo, ang lahat ng ito ay mga senyales ng pagiging napili at nagbunga ng isang uri ng snobbery.
Ang pampanitikan at masining na bohemia, na malinaw na naiiba ang sarili sa masa, ay naghahanap ng bagong bagay, kakaiba, at matinding karanasan. Ang isa sa mga paraan upang madaig ang pang-araw-araw na buhay ay ang okultismo sa mga pinaka-magkakaibang pagpapakita nito. Ang magic, espiritismo at theosophy ay umaakit ng mga neo-romantic na simbolista hindi lamang bilang makulay na materyal para sa mga gawa ng sining, kundi bilang mga tunay na paraan upang palawakin ang kanilang sariling espirituwal na abot-tanaw. Ang pag-master ng mahiwagang kaalaman, naniniwala sila, sa huli ay ginagawang diyos ang isang tao, at ang landas na ito ay ganap na indibidwal para sa lahat.
Ang isang bagong henerasyon ng literatura at artistikong intelihente ay lumitaw sa Russia; kapansin-pansing naiiba siya sa henerasyon ng "sixties" hindi lamang sa kanyang mga malikhaing interes; Ang mga panlabas na pagkakaiba ay kapansin-pansin din. Ang Miriskusniks, Goluborozovs, Symbolists, Acmeists ay nagbigay ng seryosong atensyon sa costume at sa pangkalahatan hitsura. Ang kalakaran na ito ay tinatawag na Russian dandyism; tipikal ito para sa mga taong malinaw ang oryentasyong Kanluranin.
"Imposibleng isipin si K.A. Somov, isang kinikilalang master ng magagaling na mga eksena," isinulat ni Yu.B. Demidenko, "na maingat at buong pagmamahal na muling nilikha sa kanyang mga pagpipinta "ang diwa ng kaakit-akit at mahangin na maliliit na bagay," na nakasuot ng mapurol na lumang- fashioned frock coat o isang dark work blouse. Nakasuot siya ng mga espesyal na gupit na frock coat at napaka-eleganteng kurbata." M. Vrubel at V. Borisov-Musatov, L. Bakst, S. Diaghilev at iba pang mga artista sa mundo ay nakasuot ng hindi gaanong eleganteng. Napakaraming ebidensya nito. Ngunit si Mikhail Kuzmin ay nararapat na itinuturing na hari ng St. Petersburg aesthetes ng Silver Age. Ang puting bato ay hindi nahuli; maraming mga empleyado ng mga tanggapan ng editoryal ng mga magasin na "Golden Fleece" at "Libra" ay mayroon ding karapatan na tawaging Russian dandies.
Ang theatricalization ng buhay ay maayos na dumaloy sa isang karnabal. Sa kaibahan sa pro-Western aesthetic bohemia, ang mga tagasunod ng pambansang ideya ay nakadamit sa nayon, at mas madalas sa pseudo-village, outfits. Mga overcoat, silk shirt, morocco boots, bast shoes, atbp. Ginamit ito ni Yesenin, Klyuev, Chaliapin, Gorky nang may kasiyahan. Ang parehong mga Kanluranin at Slavophile sa simula ng siglo ay pantay na madaling kapitan sa pagnanais na ipahayag ang kanilang mga aesthetic na prinsipyo sa pag-uugali at sa gayon ay tulay ang agwat sa pagitan ng buhay at sining.
Ang Panahon ng Pilak sa Russia ay nagbunga ng isang patas na bilang ng lahat ng uri ng mga lupon at mga pagpupulong para sa mga piling tao. Ang mga tagapagtatag ng Mundo ng Sining ay nagsimula sa kanilang paglalakbay sa pamamagitan ng pag-oorganisa ng isang bilog sa edukasyon sa sarili; tinawag nila ang kanilang sarili na mga autodidact. Sa mga unang pagpupulong, ginawa ang mga ulat sa mga paksang may kaugnayan sa pagbuo ng sining biswal.
Ang pinakatanyag at sa parehong oras ay napaka misteryosong pagpupulong sa St. Petersburg sa simula ng siglo ay Miyerkules
Vyacheslav Ivanov - sa maalamat na tore. Isa sa pinakamalalim na nag-iisip ng simbolismong Ruso, si Vyach. Ivanov, ay mahilig sa pilosopiya ni F. Nietzsche at isang malalim na eksperto sa sinaunang kultura; lalo siyang interesado sa mga misteryo ng Dionysian (ang kanyang pangunahing gawain sa paksang ito, "Dionysus at Pre-Dyonysianism," ay huli na nai-publish noong 1923). Ang apartment ni Ivanov, na matatagpuan sa tuktok na palapag ng isang sulok na gusali sa Tavricheskaya Street, na tinatanaw ng isang tore, ay naging isang lugar ng pagtitipon para sa masining at pampanitikan na piling tao ng Simbolismo. K. Somov, M. Dobuzhinsky, A. Blok, Z. Gippius, F. Sologub, Vs. Meyerhold, S. Sudeikin madalas bumisita dito. Maraming alingawngaw ang pumalibot sa Ivanov's Tower. Ito ay mapagkakatiwalaan na kilala na ang mga laro ng Dionysian ay ginanap doon na may mga libations at pagbibihis ng mga sinaunang damit. Ang mga espirituwal na seance ay ginanap dito, ang mga impromptu na pagtatanghal ay itinanghal, ngunit ang pangunahing bagay ay ang mga ulat at talakayan sa iba't ibang pilosopikal, relihiyon, at aesthetic na mga isyu. Ipinangaral ni Vyach.Ivanov at ng kanyang mga taong katulad ang pag-iisip ang darating na paghahayag ng Banal na Espiritu; ipinapalagay na ang isang bagong relihiyon ay malapit nang bumangon - ang ikatlong tipan (ang una - ang Lumang Tipan - mula sa Diyos Ama; ang pangalawa - ang Bagong Tipan - mula sa Diyos na Anak; ang pangatlo - mula sa Banal na Espiritu). Naturally, kinondena ng Simbahang Ortodokso ang gayong mga ideya.
Mayroong mga lupon at lipunan ng ganitong uri sa, marahil, lahat mga sentrong pangkultura Imperyong Ruso; medyo mamaya sila ay naging isang mahalagang bahagi ng buhay ng Russian emigration.
Ang isa pang tanda ng theatricalization ng buhay sa Silver Age ay ang paglitaw ng maraming literary at artistic cabarets. Sa St. Petersburg, ang pinakasikat na mga sinehan ng cabaret ay ang "Stray Dog" at "Comedians' Halt," at sa Moscow, "The Bat."
Inayos noong 1908 ni Nikita Baliev, ang teatro ng cabaret na "The Bat" ay naging lalong sikat noong 1915, nang tumira ito sa basement ng sikat na skyscraper - ang Nirnzee house sa Bolshoy Gnezdnikovsky Lane. Ang pintor na si Sergei Sudeikin ay nagpinta ng foyer, at ang kurtina ay ginawa ayon sa kanyang sketch. Ang cabaret theater na ito ay direktang lumago mula sa masasayang skits ng Moscow Art Theater, kung saan sinimulan ni Nikita Baliev ang kanyang karera sa pag-arte. Repertoire" paniki"binubuo ng mga theatrical miniatures, operettas at medyo seryosong performances. Ang ngumunguya sa mga mesa ay tuluyang napalitan ng mga manonood sa mga hanay ng mga upuan. Ang artistikong mundo ng Moscow ay nagpahinga at nagsaya dito. Noong 1920, lumipat si Baliev kasama ang pinakamagandang bahagi ng tropa.
Kaya, ang nag-iisang istilo na nagmula sa Russia at naging magkasingkahulugan sa konsepto ng Panahon ng Pilak ay tunay na unibersal, dahil - kahit na sa maikling panahon - sakop nito hindi lamang ang lahat ng mga lugar ng pagkamalikhain, kundi pati na rin nang direkta sa buhay ng mga tao ng palikpik. de siècle era. Ang bawat mahusay na istilo ay ganito.
Vrubel
1856 –1910
Ang "The Six-Winged Seraph" ay isa sa mga huling gawa ni Vrubel. Isinulat niya ito sa ospital, sa isang mahirap na estado ng pag-iisip. Sa kanyang pinakabagong mga pagpipinta, lumayo si Vrubel sa pagiging totoo sa paglalarawan ng mga pigura at espasyo. Bumubuo siya ng isang ganap na espesyal na mosaic ng mga stroke, katangian lamang sa kanya, na pinahuhusay ang decorativeness ng plastic solution. May pakiramdam ng panginginig ng boses ng espirituwal na liwanag na tumatagos sa buong larawan.
Ang "The Six-Winged Seraphim" ay tila inspirasyon ng sikat na tula na "The Prophet" ni A.S. Pushkin. Ang larawan ay nakikita sa isang par ng "Ang Demonyo" at humahantong sa mga huli - "Ulo ng Propeta" at "Pangitain ni Propeta Ezekiel."
Serov
1865 –1911
Sa mga mag-aaral ng World of Arts, si Valentin Serov ang pinakamalapit sa makatotohanang tradisyon. Marahil siya ang pinakamahalaga sa mga pintor ng larawan ng Russia noong Panahon ng Pilak. Gumawa siya ng mga portrait painting kung saan ang karakter ay kinakatawan sa aktibong pakikipag-ugnayan sa kapaligiran ng pamumuhay.
Ang isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa sa huling panahon, ang larawan ni Prinsesa Olga Konstantinovna Orlova, ay tumutugma sa prinsipyong ito. Lahat dito ay binuo sa mahusay na proporsyon at contrasts, dinala, gayunpaman, sa isang tiyak na pagkakatugma. Kaya, ang ulo at katawan ng taong inilalarawan ay ginawa sa isang napaka-3-dimensional na paraan, at ang mga binti ay binibigyan ng halos patag na silweta. Ang tatsulok kung saan ang pigura ay nakasulat ay nakasalalay sa isang matinding anggulo; ang mga picture frame ay agresibong nakatutok sa ulo ng modelo. Gayunpaman, ang kalmado, ganap na kumpiyansa na pagpapahayag ng mukha, na naka-frame ng isang malaking sumbrero, ay tila huminto sa biglaang paggalaw ng mga bagay ng mayamang interior. Tila, si Serov ay may medyo ironic na saloobin sa taong inilalarawan.
![]() |
![]() |
![]() |
![]() |
![]() |
|
![]() |
![]() |
Roerich
1874 –1947
Si Nicholas Roerich ay hindi lamang isang artista, kundi isang mananalaysay din. Ang kanyang interes sa arkeolohiya ay kilala rin. Ito ay makikita sa kanyang sining. Ang artista ay lalo na interesado sa Slavic paganong sinaunang panahon at sinaunang Kristiyanismo. Si Roerich ay malapit sa espirituwal na mundo ng mga tao sa malayong nakaraan at ang kanilang kakayahang tila malusaw sa natural na mundo.
Ang pagpipinta na "Alexander Nevsky strikes Jarl Birger" ay isang napaka-matagumpay na stylization ng isang sinaunang miniature. Ang mga linya ng contour at mga lokal na spot ng kulay ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa imahe.
Bakst
1866 –1924
Si Lev Bakst ay naging mas malapit sa European na bersyon ng Art Nouveau kaysa sa iba pang mga artista ng World of Art. Ito ay malinaw na nakikita sa kanyang obra na "Dinner". Ang flexible outline, generalised interpretation ng form, laconic color at flatness ng imahe ay nagpapahiwatig ng impluwensya ng mga Western artist tulad nina Edvard Munch, Andres Zorn at iba pa sa Bakst.
![](https://i2.wp.com/art.1september.ru/2003/16/no16_26.gif)
Borisov-Musatov
1870 –1905
Sa lahat ng mga pagpipinta ni Borisov-Musatov, ang isang romantikong panaginip ng magandang pagkakaisa, ganap na dayuhan sa modernong mundo, ay nahahanap ang pagpapahayag. Siya ay isang tunay na liriko, sensitibo sa kalikasan, nararamdaman ang pagsasanib ng tao sa kalikasan.
Ang "Reservoir" ay marahil ang pinakaperpektong gawa ng artist. Ang lahat ng mga pangunahing motif ng kanyang trabaho ay naroroon dito: ang sinaunang parke, ang "Turgenev girls", ang pangkalahatang static na komposisyon, kalmado na kulay, nadagdagan ang "tapestry" decorativeness... Ang mga larawan ng mga pangunahing tauhang babae ng "Reservoir" ay naglalarawan sa kapatid ng artist. at asawa.
Sa kanyang obra maestra, nagawa ni Borisov-Musatov na ilarawan ang isang walang hanggang estado. Ang pangkalahatang neutral na pangalan na "Reservoir" ay nagbubunga ng imahe ng isang unibersal na magkatugma na natural-human na pagkakaisa - indivisibility, at ang imahe mismo ay nagiging isang tanda na nangangailangan ng tahimik na pagmumuni-muni.
Panimula
Pagliko ng ika-19-20 siglo. - isang espesyal, panahon ng pagbabago para sa Russia. Ang pag-unlad ng ekonomiya at mga krisis, ang nawalang digmaang pandaigdig noong 1904-05. at mga rebolusyon noong 1905-07, ang unang digmaang pandaigdig noong 1914-18. at, bilang resulta, ang mga rebolusyon noong Pebrero at Oktubre 1917, na nagpabagsak sa monarkiya at pagkatapos ay ang kapangyarihan ng burgesya. Nagkaroon ng lumalagong pakiramdam sa lipunan ng hindi maiiwasang krisis sa lipunan at ang pangangailangan para sa pagbabago sa mga halaga. Ang populistang ideolohiya ay bumagsak. Nagsimula ang paghahanap para sa mga bagong ideolohikal na konsepto ng pag-unlad ng lipunan.
Ang espirituwal na buhay ng Russia ay sumasalamin sa mga kontradiksyon sa lipunan ng panahon at mga kontradiksyon ng kaisipang panlipunan ng Russia. Ang isang pakiramdam ng sakuna ng oras at ang pagkakumpleto ng kultura ay lumitaw sa lipunan. Sa batayan na ito, lumitaw ang mga apocalyptic motif sa panitikan at sining. Gayunpaman, ang Russia ay nakakaranas noon ng isang panahon ng mabunga at dinamikong pag-unlad ng kultura. Ito ay isang panahon ng espirituwal na muling pagsilang at pagpapanibago. Tinawag ng pilosopo na si N.A. Berdyaev ang panahong ito sa kasaysayan ng kulturang Ruso na "Panahon ng Pilak".
Ang mga pintor ng pagliko ng siglo ay nailalarawan sa iba't ibang paraan ng pagpapahayag kaysa sa mga Itinerant, iba pang anyo artistic creativity-in mga larawang magkasalungat, masalimuot at hindi direktang nagpapakita ng modernidad, nang walang paglalarawan o pagsasalaysay. Masakit na hinahanap ng mga artista ang pagkakasundo at kagandahan sa isang mundo na sa panimula ay dayuhan sa parehong pagkakatugma at kagandahan. Kaya naman marami ang nakakita sa kanilang misyon sa paglinang ng pakiramdam ng kagandahan. Ito ang panahon ng "mga bisperas", naghihintay ng mga pagbabago sa pampublikong buhay nagbunga ng maraming kilusan, asosasyon, pagpapangkat, sagupaan ng iba't ibang pananaw sa mundo at panlasa.
Ang Panahon ng Pilak ay nakakuha ng isang malawak na interpretasyon at nagsimulang gamitin upang makilala ang tiyak mga prosesong pangkultura na naganap sa Russia sa ipinahiwatig na panahon. Pagkatapos ng lahat, ang parehong mga ideya, motibo, mood fed, kasama ng pagkamalikhain sa panitikan, musical at theatrical, fine arts, sabay-sabay na umaalingawngaw sa paghahanap para sa relihiyon at pilosopiko ng Russia. Kasabay nito, ang Panahon ng Pilak ay hindi lamang sumasalamin sa mga umiiral na makasaysayang kondisyon sa pamamagitan ng pilosopikal at masining na paraan, ngunit, na hinuhubog sa batayan ng isang bagong pananaw sa mundo, ito mismo ay lumikha ng isang bagong istilo ng pag-iisip, at sa isang kahulugan, isang bagong lipunan, na nagpapahintulot sa amin na tukuyin ito bilang isang kultura.
Pinagmulan at konsepto ng simbolismo
Ang sinaunang salitang Griyego para sa "simbolo" ay orihinal na tumutukoy sa isang barya na hinati sa dalawa. Dalawang tao na bawat isa ay may kalahati ng barya na ito ay maaaring makilala ang isa't isa kapag sila ay nagkita sa pamamagitan ng pagdaragdag ng parehong bahagi nang magkasama. Gayunpaman, sa paglipas ng panahon, ang simbolo ay naging isa sa pinakamasalimuot, malawak, at malalim na konsepto ng kultura ng sining at pilosopiya sa mundo. Ang paksa ng simbolismo ay hindi maaaring ilagay sa loob ng balangkas ng isang partikular na paaralan, direksyon, estilo, paraan... ito ay, sa halip, isang pangkalahatang diachronic na cross-section ng pag-unlad ng buong mundo artistikong kultura mula sa sinaunang panahon hanggang sa kasalukuyan.
Ang mga pangunahing prinsipyo ng simbolismo ay ganap na naubos ng konsepto ng "simbolo". Ang isang simbolo ay, una sa lahat, isang unibersal na konsepto, isang unibersal na imahe, isang tanda, ang bilang ng mga kahulugan, ang mga kahulugan nito ay walang hanggan, tulad ng sansinukob mismo. Sa sining, ang simbolismo ay ang pagtatangka ng isang tao na may limitadong paraan ng katwiran upang ipahayag ang hindi maipahayag, ang transendental, upang intuitive na madama ang kailaliman na lampas sa nakikitang mundo. Ang mga tagalikha, mga artista ng simbolismo, ay itinuturing na mga tagapamagitan sa pagitan ng tunay at supersensible, kahit saan ay mga palatandaan ng pagkakaisa ng mundo, na hinuhulaan ang mga palatandaan ng hinaharap, kapwa sa mga modernong phenomena at sa mga kaganapan ng malayong nakaraan. Samakatuwid, ang simboliko ay, sa ilang paraan, isang kasingkahulugan para sa sagrado.
Bilang isang kilusan, ang simbolismo sa sining biswal ay nabuo kasabay ng simbolismo sa panitikan noong 60-70s. Ika-19 na siglo, sa panahon ng pagkabulok. gayunpaman, katangian ng karakter ang simbolismo ay nagpapakita ng kanilang sarili nang mas maaga: ang lahat ng iconograpiya at pagpipinta ng Middle Ages ay may malalim na simbolikong katangian.
Ang mga pangunahing motif ng simbolismo sa pinong sining ay walang hanggang mga tema: kamatayan, pag-ibig, pagdurusa.
Ang simbolismo ng Russia ay may sariling espesyal orihinal na karakter, ay isang natatanging milestone sa kasaysayan ng kultura ng mundo. Ang paglitaw ng simbolismo sa Russia sa pagtatapos ng ika-19 na siglo ay pangunahing nauugnay sa mga aktibidad ng tinatawag na senior symbolist poets at publicists D. Merezhkovsky at Z. Grippius; bahagyang Valery Bryusov. Ang simbolismo nina Merezhkovsky at Grippius ay, una sa lahat, simbolismong Kristiyano, relihiyoso at mystical, ang pag-unawa sa simbolismo bilang isang gawa ng kaalaman sa Diyos.
Ang pinakamaliwanag na mga nauna sa simbolismo ng Russia ay maaaring matawag na F.M. Dostoevsky at pilosopo S.M. Solovyova. Ang huli ay isa ring makata, at sa kanyang patula na interpretasyon ng doktrina ni Sophia the Wisdom of God, tinukoy niya ang mga tampok ng pag-unlad ng pangunahing direksyon ng simbolismong pampanitikan ng Russia mula sa Grippius at Blok. Ang terminong "simbolismo", hindi tulad ng mga nauna nito, nilagpasan nila Pranses, traced back sa isang Greek source. Sa init ng kontrobersya, binanggit pa ni Blok na ang simbolismong Ruso, sa pamamagitan lamang ng pagkakataon, ay nagdala ng parehong pangalang Griyego bilang kilusang Pranses.
Ang Paggawa ng isang Artist ng Panahon ng Pilak
Noong 80s ng ika-19 na siglo, sa panahon ng espirituwal na pagwawalang-kilos, nagsimula ang pagbuo ng isang bagong uri ng artista. Lumitaw ang mga namamana na intelektwal, na nagmula sa mga pamilyang propesor o creative circle.
Ang artista ay hindi na itinuturing bilang isang manggagawa; siya ay naging master ng mga pag-iisip. Siya ay isang napakatalino na edukadong tao. Natatanging katangian Ang artist ng Silver Age ay naging malikhaing unibersalismo. Ang pananabik para sa unibersalismo ay hindi muling binubuhay ang lumang romantikong ideya ng isang synthesis ng sining. Nag-aalok ang Panahon ng Pilak ng maraming mga pagpipilian para sa pagpapatupad nito: sa Art Nouveau, sa mga aktibidad ng World of Art...
Gayunpaman, ang unibersalismo ay hindi lamang tungkol sa pag-master ng mga kaugnay na specialty. Ipinakita nito ang sarili sa pagnanais ng artist na gawin ang pagkamalikhain sa kabila ng makitid na mga hangganan ng propesyonal ng kanyang agarang espesyalidad. Una sa lahat, ang paksa ng patuloy na libangan ng mga artista ng Silver Age ay pilosopiya. Ang ibig nating sabihin ay hindi lamang ang pagkakaroon ng kritisismo sa sining, pilosopiko-aesthetic at pilosopikal na mga gawa sa karamihan ng mga modernista, kundi pati na rin ang pilosopiko-konseptong katangian ng nilalaman ng kanilang mga artistikong gawa, bilang isang resulta kung saan dapat nating i-classify ang mga ito bilang mga philosophically minded artists. .
Ang artist, "huhubog" sa katotohanan ng darating na siglo, ay lumilikha bagong mito. Ang paglayo sa kaganapan, hindi siya lumilikha ng isang paglalarawan ng kung ano ang inilalarawan, ngunit ang simbolikong paghahatid nito, isang katumbas na patula. Ang fiction ay nagiging isang uri ng alamat tungkol sa buhay, isang paraan ng pag-unawa sa mga nakatagong pundasyon at batas nito.
Kaya, ang mythopoetic worldview, ang patula-emosyonal na karanasan ng mundo, na higit na naaayon sa diwa ng panahon, kaysa sa reflexive-discursive development nito, ay bumalik sa kultura. Ang mythologised worldview at dialectically connected thinking na may mga simbolo ay nagpasigla ng interes sa tradisyonal katutubong sining, libre mula sa direktang empirical na pagpaparami ng nakapaligid na katotohanan. Ang mga lumang kultura ay naaakit ng mitolohikal na konsepto ng mundo, ang holistic at maayos na pang-unawa nito. Gayunpaman, ang neomythologism ay pangunahing naiiba sa mitolohiya bilang isang anyo ng walang muwang na pag-iisip ng patula noong sinaunang panahon.
Kaya, ang karanasan ng mga archaic na panahon sa kultura at para sa artist ay superimposed sa mga pagtatangka kontemporaryong sining tumagos sa pinakamalalim na recess ng panloob na mundo ng isang tao. Salamat sa isang espesyal na pakiramdam at espesyal na kamalayan sa kasalukuyan, nabuo ang artist ng Silver Age.
Mga panahon ng kasaysayan ng simbolismo ng Russia sa Panahon ng Pilak. Kronolohiya ng pag-unlad
Ang simbolismo sa Russia ay lumitaw sa tatlong yugto ng panahon:
Ang una ay sumasaklaw sa kalagitnaan ng 1880s hanggang 1900s. - ang oras ng paglitaw at pag-unlad ng mga simbolistang ugali sa gawain ng mga kalahok ng lupon ng Abramtsevo at mga artista ng Moscow, ang asosasyong "World of Art";
Ang ikalawang yugto ay limitado sa 1900-14. - ang kasagsagan ng simbolistang kilusan sa panitikan, teatro at plastik na sining, nang si Vrubel, Borisov-Musatov, ang mga masters ng "World of Art" at ang kabataan ng "Blue Rose" ay lumilikha, at noong ang mga prinsipyo ng simbolismo ay natatanging ipinatupad sa mga gawa ng unang bahagi ng Russian avant-garde;
Ang pangatlo ay konektado sa panahon ng Unang Digmaang Pandaigdig at ang rebolusyon na nagsimula sa Russia (1914-1920) - mahalaga sa mga problema at tagumpay nito.
Ang mga gospel canvases ng V.G. ay kumikilos bilang "proto-symbolism". Perova, N.N. Ge, relihiyoso at makasaysayang mga pagpipinta ng mga yumaong akademiko na si V.P. Vereshchagin, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky at iba pa. Noong 1880-90s. ang hilig na ito na ihatid ang "panloob na katotohanan" at ang buhay, emosyonal na karanasan ng may-akda ay makikita ang pag-unlad nito sa mga relihiyosong gawa ni M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsova, I.E. Repina.
Noong 1880s, sa kasagsagan ng tagumpay ng Wanderers, lumitaw ang mga sinaunang simbolistang gawa ni M. A. Vrubel. Ang dualismo ay tumagos sa kanyang gawain; sabay-sabay nitong ipinakita ang pagsamba sa natural na pilosopiya ni Goethe at ang dualismo nina Kant, Schopenhauer at Nietzsche. Halos sabay-sabay, pininturahan ng pintor ang mga santo at ang Demonyo, ang sagisag ng pakikipaglaban sa Diyos. Ang may-akda ng napakahusay at abstract na mga pattern, siya ay nabighani ng microcosm ng mga halaman at pattern. Noong 1880s. sumali sa simbolistang paghahanap ni I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovin, V.E. Borisov-Musatov, K.A Somov, A.N. Benoit, L.S. Bakst et al.
Ang pagsusuri ng simbolismo ng Russia ay naganap noong 1896-97. sa "Exhibition of Experiments (Sketches) of Artistic Creativity", kung saan nakibahagi sina Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov. Ang mismong ideya ng naturang eksibisyon ay katangian ng simbolismo kasama ang kulto ng hindi kumpleto.
Noong 1890s. Ang pangarap ng pag-iisa ng mga manunulat at artista ay panandaliang natanto sa tanggapan ng editoryal ng magazine na "World of Art": ang mga tula at prosa ni Merezhkovsky, Balmont, Sologub ay nai-publish sa mga disenyo ng Benois, Bakst, Lanceray. Marami sa kanilang mga vignette, ending, at screensaver ay kinikilalang mga obra maestra ng simbolistang graphics.
1890s nagbigay ng malawak na hanay ng mga paghahanap sa mga tuntunin ng simbolismo, umuusbong, ay magiging pare-pareho at tanyag sa susunod na dalawang dekada ng pag-unlad ng kilusang ito.
Ang simbolismo ng Russia sa pinong sining, tulad ng nangyari sa Kanluran, ay hindi nagbigay ng isang solong estilistang stream (isang maliit na pagbubukod ay ang grupo ng "Nabids" at mga kalahok sa eksibisyon ng "Blue Rose").
Mga tampok ng pagpipinta ng genre sa pagliko ng ika-19-20 siglo.
Sa krisis ng populistang kilusan noong dekada 90. Marami sa mga artista ng Peredvizhniki ang nakaranas ng malikhaing pagbaba. Ang mga kumplikadong proseso ng buhay ay tumutukoy sa iba't ibang anyo ng buhay na masining sa mga taong ito.
Ang isang malawak, libreng estilo ng pagpipinta ay ang resulta ng ebolusyon sa pagbuo ng mga visual na paraan sa lahat ng mga genre sa pagsisimula ng siglo. Sa paghahanap ng "kagandahan at pagkakaisa," sinusubukan ng mga artista ang kanilang sarili nang lubos iba't ibang pamamaraan at mga uri ng sining - mula sa monumental na pagpipinta at theatrical na dekorasyon hanggang sa disenyo ng libro at sining ng dekorasyon.
Sa pagpasok ng siglo, lumitaw ang isang istilo na nakaapekto sa lahat ng plastic na sining, na tinatawag na Art Nouveau. Ang kababalaghan na ito ay hindi maliwanag, sa modernidad mayroon ding dekadenteng pagpapanggap, pagpapanggap, na idinisenyo pangunahin para sa mga burges na panlasa, ngunit mayroon ding pagnanais para sa pagkakaisa ng istilo, sikat sa sarili nito. Sa pagpipinta, ang Art Nouveau ay nagpakita ng sarili sa pamamagitan ng simbolismo ng mga imahe at isang predilection para sa mga alegorya.
Noong dekada 90 umuunlad pagpipinta ng genre. Ang tema ng magsasaka ay inihayag sa isang bagong paraan. Ang split sa rural na komunidad ay binibigyang diin at akusatoryong inilalarawan ni Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) sa pelikulang "On the World" (1893).
Naipakita ni Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) ang kawalan ng pag-asa ng pagkakaroon sa mahirap, nakakapagod na trabaho sa pelikulang "The Laundresses" (1901). Nakamit niya ito sa malaking lawak salamat sa mga bagong pagtuklas ng larawan at mga bagong naunawaang posibilidad ng kulay at liwanag.
Ang hindi pagkakapare-pareho, "subtext", isang matagumpay na natagpuang nagpapahayag na detalye ay ginagawang mas trahedya ang larawan ni Sergei Vasilyevich Ivanov (1864-1910).
Pagmamay-ari ni Ivanov ang isa sa mga gawa na nakatuon sa rebolusyon ng 1905 - "Pagpapatupad".
Ang impresyonistikong pamamaraan ng "partial composition", na parang isang random na snatched frame, ay napanatili din dito. Ang Ivanov ay nailalarawan sa pamamagitan ng matalim na liwanag at mga kaibahan ng anino, isang nagpapahayag na balangkas ng mga bagay, at isang kilalang flatness ng imahe. Lapidary ang wika niya.
Noong dekada 90 ika-19 na siglo Kasama sa sining ang isang artista na ginagawang pangunahing karakter ng kanyang mga gawa ang manggagawa. Noong 1894 Lumilitaw ang isang larawan ng N.A. Kasatkina (1859-1930) "Miner", noong 1895 - "Mga Minero ng Coal. Magbago".
Si Andrei Petrovich Ryabushkin (1861-1904) ay higit na gumagana sa kasaysayan at pang-araw-araw na buhay kaysa sa puro makasaysayang genre. "Mga babaeng Ruso noong ika-17 siglo sa simbahan" (1899),
"Tren ng kasal sa Moscow. ika-17 siglo" (1901) at iba pa - ito ang mga pang-araw-araw na eksena mula sa buhay ng Moscow noong ika-17 siglo. Ang Ryabushkin ay naaakit sa siglong ito, kasama ang gingerbread na kagandahan, polychrome, at mga pattern nito. Ang stylization ni Ryabushkin ay makikita sa flatness ng imahe, sa espesyal na istraktura ng plastic at linear na ritmo, sa scheme ng kulay batay sa maliliwanag na pangunahing kulay, at sa pangkalahatang pandekorasyon na solusyon.
Si Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) ay binibigyang pansin din ang tanawin sa kanyang mga makasaysayang komposisyon.
Ang kanyang paboritong paksa ay ang ika-17 siglo, ngunit hindi araw-araw na mga eksena, ngunit ang arkitektura ng Moscow. "Moscow sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Sa madaling araw sa Pintuan ng Pagkabuhay na Mag-uli" (1900).
Ang isang bagong uri ng pagpipinta, kung saan ang mga katutubong artistikong tradisyon ay pinagkadalubhasaan sa isang ganap na espesyal na paraan at isinalin sa wika ng modernong sining, ay nilikha ni Philip Andreevich Malyavin (1869-1940). Ang kanyang mga larawan ng "kababaihan" at "mga babae" ay may tiyak simbolikong kahulugan- malusog na lupa ng Rus'. Ang mga kuwadro ay palaging nagpapahayag. "Tawanan" (1899), "Whirlwind" (1906)
Ang pagpipinta ay sweeping, sketchy na may textured brushstroke. Pinagsama ni Malyavin ang nagpapahayag na decorativeism na may makatotohanang katapatan sa kalikasan sa kanyang pagpipinta.
Sa paksa Sinaunang Rus', tulad ng isang bilang ng mga masters bago sa kanya, si Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862-1942) ay nagpinta, ngunit ang imahe ng Rus' ay lumilitaw sa mga pagpipinta bilang isang uri ng perpekto, halos enchanted na mundo, na naaayon sa kalikasan. Ang matinding pakiramdam ng kalikasan, kasiyahan sa mundo, sa bawat puno at talim ng damo ay malinaw na ipinahayag sa isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Nesterov - "Vision to the Youth Bartholomew" (1889-1890), "The Bride of Christ" ( 1887). Si Nesterov ay gumawa ng maraming monumental na pagpipinta sa relihiyon. Ang mga kuwadro na gawa ay palaging nakatuon sa sinaunang tema ng Russia. Sa mga kuwadro na gawa sa dingding ni Nesterov mayroong maraming tunay na sinusunod na mga palatandaan, lalo na sa tanawin, mga tampok na larawan - sa paglalarawan ng mga santo. Sa pagnanais ng artist para sa isang patag na interpretasyon ng komposisyon ng kagandahan, dekorasyon, at pinong sopistikado ng mga plastik na ritmo, ang walang alinlangan na impluwensya ng Art Nouveau ay kitang-kita. Sa Nesterov, ang landscape ay gumaganap ng isa sa mga pangunahing tungkulin.
Ang genre ng landscape ay nabuo sa isang bagong paraan sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Sa pagpasok ng siglo, maraming mga artista ang kailangang magsabi ng bagong salita.
Nasa unang bahagi ng mga tanawin ng Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939), nalutas na ang mga problema sa larawan - upang magpinta ng kulay abo sa puti, itim sa puti, kulay abo sa kulay abo. Para sa isang napakatalino na colorist, ang mundo ay lumilitaw na isang "riot of colors." Pinag-aralan niya ang parehong portrait at still life, ngunit ang paborito niyang genre ay landscape. Dinala niya ang malakas na makatotohanang mga tradisyon ng kanyang mga guro sa sining - ito ay isang iba't ibang mga pananaw sa mundo, siya ay naglalagay ng iba't ibang mga gawain. Nagsimula siyang magpinta ng en plein air nang maaga. "Sa bangka"
"Taglamig sa Lapland." Ang kanyang French landscape ay medyo impresyonistikong pagsulat, na may pinakamataas na kultura ng etude. "Paris. Boulevard des Capucines" (1906), "Paris sa gabi. Italian Boulevard" (1908). Ang Korovin ay nagpapanatili ng parehong mga tampok ng impressionistic sketch, painterly maestro, at kamangha-manghang kasiningan sa lahat ng iba pang genre, pangunahin sa portrait at still life, ngunit gayundin sa mga panel na pampalamuti, inilapat na sining, at theatrical scenery. "Portrait of Chaliapin" (1911), "Fish, Wine and Fruit" (1916).
Ang isa sa pinakamahalagang artista at isang innovator ng pagpipinta ng Russia sa pagliko ng siglo ay si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911). Ang kanyang "Girl with Peaches" (1887) at "Girl Illuminated by the Sun" (1888) ay isang buong yugto sa pagpipinta ng Russia. Si Serov ay pinalaki sa mga natatanging pigura ng kulturang musikal ng Russia - ang kanyang ama ay isang sikat na kompositor, at ang kanyang ina ay isang sikat na pianista, nag-aral siya kasama sina Repin at Chistyakov, at pinag-aralan ang pinakamahusay na mga koleksyon ng museo sa Europa. Ang mga nabanggit na larawan ay ipininta sa Abramtsevo at pumasok sa sining na may sariling maliwanag at mala-tula na pananaw sa mundo. Sa mga larawan ni Serov mayroong mga prinsipyo ng plein air painting. Kaya, inilalarawan ng artista ang mga tao na naaayon sa mundo, na puno ng paggalang at panloob na paggalaw. Ang mga kulay ay ibinibigay sa kumplikadong pakikipag-ugnayan sa bawat isa. Si Serov ay lumayo mula sa kritikal na realismo ng kanyang guro na si Repin patungo sa "poetic realism" (ang termino ng D.V. Sarabyanov). Hindi tulad ng mga impresyonista, si Serov ay hindi kailanman natutunaw sa kapaligirang ito upang siya ay mag-dematerialize; ang kanyang komposisyon ay hindi nawawala ang katatagan, masa at palaging nasa balanse.
Si Serov ay madalas na nagpinta ng mga kinatawan ng artistikong intelihente: mga manunulat, aktor at pintor (portrait ng Korovin 1891, Levitan 1892, Orlova (1910-1911), Ermolova 1905.
Isa-isa niyang binibigyang-kahulugan ang lahat, ngunit lahat sila ay may liwanag ng pagiging eksklusibo at inspirasyon ng intelektwal malikhaing buhay. Lumilikha si Serov ng isang simbolikong imahe na naghahatid ng kahulugan ng isang buong panahon.
"Pedro 1" (1907).
Dito pinamamahalaan ni Serov na ilarawan ang mabilis na paggalaw ng hari at ang mga courtier na walang katotohanan na nagmamadali sa kanya. Hinahangaan ng artista ang pagka-orihinal ng kanyang bayani.
Portrait, landscape, buhay pa rin, araw-araw, makasaysayang pagpipinta: langis, gouache, tempera, uling - mahirap makahanap ng pagpipinta at mga graphic na genre kung saan hindi gumana si Serov, at mga materyales na hindi niya ginamit.
Ang isang espesyal na tema sa gawain ni Serov ay ang magsasaka. Sa kanyang genre ng magsasaka mayroong isang pakiramdam ng kagandahan at pagkakaisa ng buhay ng magsasaka, paghanga sa malusog na kagandahan ng mga taong Ruso. "Sa nayon. Babae na may kabayo", pastel (1898)
Ang kanyang mga landscape sa taglamig na may kulay-pilak-perlas na hanay ng mga kulay "Sa Taglamig" ay lalo na kaakit-akit.
Si Serov ay patuloy na naghahanap ng mga bagong anyo ng artistikong pagsasalin ng katotohanan. Ang mga ideyang inspirasyon ng Art Nouveau tungkol sa pagiging patag at pagtaas ng dekorasyon ay makikita hindi lamang sa mga makasaysayang komposisyon, kundi pati na rin sa kanyang larawan ng mananayaw na si Ida Rubinstein.
Mahalaga na sa pagtatapos ng kanyang buhay, si Serov ay bumaling sa sinaunang mundo. "Ang Panggagahasa ng Europa" (1910). Ang artist ay multifaceted sa kanyang ebolusyon mula sa impressionistic authenticity ng mga portrait at landscape ng 80-90s. tungo sa modernidad sa mga motif ng kasaysayan at komposisyon mula sa sinaunang mitolohiya.
Malikhaing landas Si Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) ay mas direkta, kahit na sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang kumplikado. Simula sa St. Petersburg University, kung saan nagtapos siya sa Faculty of Law, hanggang sa Academy of Arts. Si Vrubel ay may istilo ng pagsulat na puno ng misteryo at halos demonyo. Ang estilo na ito ay hindi maaaring malito sa sinumang iba pa. Siya ay naglilok ng isang anyo, tulad ng isang mosaic, mula sa matutulis na "faceted" na mga piraso ng iba't ibang kulay, na parang kumikinang mula sa loob ("Girl against the background of a Persian carpet" 1886, "Fortune Teller" 1895)
Ang mga kumbinasyon ng kulay ay hindi sumasalamin sa katotohanan ng mga relasyon sa kulay, ngunit may simbolikong kahulugan. Ang kalikasan ay walang kapangyarihan sa Vrubel. Alam niya ito, ganap na pinagkadalubhasaan, ngunit lumilikha ng kanyang sariling pantasiya na mundo, na may kaunting pagkakahawig sa katotohanan. Sa ganitong diwa, si Vrubel ay kontrabida sa mga impresyonista, dahil hindi siya nagsusumikap na makakuha ng direktang impresyon ng katotohanan. Nahilig siya sa mga paksang pampanitikan, na binibigyang kahulugan niya nang abstract, sinusubukang lumikha ng walang hanggang mga imahe ng napakalaking espirituwal na kapangyarihan ("Tamara's Dance", "Huwag umiyak bata, huwag umiyak nang walang kabuluhan", "Tamara sa kabaong", atbp. ). Noong 1890, nilikha niya ang kanyang "Nakaupo na Demonyo" - isang gawain na mahalagang walang plot, ngunit ang imahe ay walang hanggan. Larawan ng Demonyo - sentral na imahe ng buong gawain ni Vrubel, ang kanyang pangunahing tema. "The Flying Demon" 1899, "The Defeated Demon" 1902.
Ang demonyo ni Vrubel ay isang naghihirap na nilalang. Ang pagdurusa ay nangingibabaw sa kasamaan, at ito ay isang tampok ng pambansang-Russian na interpretasyon ng imahe. Nakita ng mga kontemporaryo sa kanyang "Mga Demonyo" ang isang simbolo ng kapalaran ng isang intelektwal - isang romantikong, sinusubukang mapanghimagsik na lumabas sa isang katotohanang walang pagkakasundo sa hindi tunay na mundo ng mga pangarap. Ang trahedyang ito ng pananaw sa mundo ni Vrubel ay tumutukoy sa kanya katangian ng portrait: espirituwal na hindi pagkakasundo, pagkasira sa kanyang mga larawan sa sarili, pagiging maingat, halos takot, ngunit din maringal na lakas, monumentalidad - sa larawan ni S. Mamontov (1894), pagkalito at pagkabalisa - sa imahe ng fairy tale ng "The Swan Princess" ( 1900)
Si Vrubel mismo ang bumalangkas ng kanyang gawain - "upang gisingin ang kaluluwa na may maringal na mga imahe mula sa mga bagay na pang-araw-araw na buhay." M.A. Vrubel "Self-portrait" 1904.
Ang nabanggit na Savva Mamontov ay gumanap ng napakahalagang papel sa buhay ni Vrubel. "Larawan ni Savva Mamontov" 1897
Sa Abramtsevo, gumawa siya ng maraming monumental at easel na pagpipinta; bumaling siya sa alamat: mga engkanto, epiko, ang resulta nito ay ang mga panel na "Mikula Selyanovich", "Bogatyrs". Sinubukan ng artista ang kanyang sarili sa mga keramika, interesado siya sa paganong Rus' at Greece, sa Gitnang Silangan at India - lahat ng mga kultura ng sangkatauhan, ang mga artistikong pamamaraan na sinisikap niyang maunawaan. At sa bawat oras na binago niya ang mga impresyon na napupulot niya nang malalim simbolikong larawan, na sumasalamin sa lahat ng pagka-orihinal ng kanyang pananaw sa mundo.
Nilikha ni Vrubel ang kanyang pinaka-mature na mga pagpipinta at mga graphic na gawa sa pagpasok ng siglo - sa genre ng landscape, portrait, paglalarawan ng libro. Sa organisasyon at pandekorasyon-planar na interpretasyon ng canvas o sheet, sa kumbinasyon ng tunay at hindi kapani-paniwala, sa pangako sa ornamental, rhythmically kumplikadong mga solusyon sa kanyang mga gawa sa panahong ito, ang mga tampok ng Art Nouveau ay lalong igiit ang kanilang sarili.
Tulad ng Korovin, si Vrubel ay nagtrabaho nang husto sa teatro. Ang mga gawa kung saan isinulat niya ang tanawin ("The Snow Maiden", "Sadko", atbp.) ay nagbigay ng pagkakataon na "makipag-usap" sa mga alamat ng Russia, mga engkanto, at mga alamat.
Ang gawa ni Vrubel ay mas malinaw na sumasalamin sa mga kontradiksyon at masakit na paghagis ng panahon ng paglipat.
Ang direktang exponent ng pictorial symbolism ay si Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Isa siya sa mga unang retrospectiveist sa fine arts ng border Russia. Ang kanyang mga gawa ay isang elegiac na kalungkutan para sa mga lumang walang laman na "mga pugad ng maharlika" at ang namamatay na "mga halamanan ng cherry", ayon sa magagandang babae, espiritwal, halos hindi makalupa, nakasuot ng ilang walang hanggang kasuotan na walang panlabas na palatandaan ng lugar at oras.
Ang kanyang easel ay gumagana kahit na kahawig pandekorasyon na mga panel, at mga tapiserya. Ang espasyo ay nalutas sa isang labis na maginoo, patag na paraan ("Tapestry"), ang mga figure ay halos ethereal, tulad ng, halimbawa, ang mga batang babae sa pagpipinta na "Reservoir" 1902, tempera.
Lubog sa panaginip na pag-iisip, malalim na pagmumuni-muni. Ang kupas, maputlang kulay-abo na mga lilim ng kulay ay nagpapaganda ng pangkalahatang impresyon ng marupok, hindi makalupa na kagandahan.
Ang nangungunang artist ng World of Art ay si Konstantin Andreevich Somov (1869-1939).
Nakatanggap siya ng mahusay na edukasyon. Maagang dumating sa kanya ang pagiging malikhain, ngunit ang isang tiyak na duality ay maliwanag sa kanya - isang pakikibaka sa pagitan ng isang malakas na makatotohanang instinct at isang masakit na emosyonal na pang-unawa sa mundo. pagpipinta simbolismo pilak edad
Si Somov, tulad ng pagkakakilala natin sa kanya, ay lumitaw sa larawan ni Martynova "Lady in Blue", 1897-1900, sa portrait painting na "Echo of Past Time", 1903, kung saan siya ay lumikha ng isang patula na paglalarawan ng marupok, anemic na kagandahan ng babae ng isang dekadenteng modelo, tumatangging ihatid ang tunay na pang-araw-araw na mga palatandaan ng modernong panahon. Binihisan niya ang mga modelo sa mga sinaunang costume, na nagbibigay sa kanilang hitsura ng mga tampok ng lihim na pagdurusa, kalungkutan at panaginip, masakit na pagkasira.
Si Somov ay nagmamay-ari ng isang serye ng mga graphic na larawan ng kanyang mga kontemporaryo - ang intelektwal na piling tao, kung saan gumagamit siya ng isang pangkalahatang pamamaraan - sa isang puting background - sa isang tiyak na walang hanggang globo - gumuhit siya ng isang mukha, ang pagkakatulad kung saan nakamit hindi sa pamamagitan ng naturalization, ngunit sa pamamagitan ng matapang na paglalahat at isang tiyak na pagpili ng mga detalye ng katangian. Ang kawalan ng mga palatandaan ng oras ay lumilikha ng impresyon ng staticity, frozenness, lamig, at halos trahedya na kalungkutan.
Ang artist ay nailalarawan sa pamamagitan ng historicism, ito ay isang pagtakas mula sa katotohanan. Hindi ang nakaraan, ngunit ang pagtatanghal nito, ang pananabik para sa hindi maibabalik - ito ang pangunahing motibo. "Liham" 1896, "Mga Kumpidensyal" 1897.
Ang iba pang mga gawa ni Somov ay mga pastoral at magagaling na pagdiriwang, puno ng mapang-uyam na kabalintunaan, espirituwal na kahungkagan, maging ang kawalan ng pag-asa. Ang mga eksena sa pag-ibig ay laging may bahid ng erotismo.
Si Somov ay nagtrabaho nang husto bilang isang graphic artist. Ang mga aklat na idinisenyo niya ay parang isang organismo na may sariling ritmiko at estilistang pagkakaisa.
Ang pinuno ng ideolohiya ng "World of Art" ay si Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - isang hindi pangkaraniwang maraming nalalaman na talento. Pintor, pintor ng easel at ilustrador, artista sa teatro, direktor, may-akda ng mga libretto ng ballet, teorista ng sining at mananalaysay, pigura ng musika. Bilang isang artista, siya ay katulad ni Somov sa kanyang mga istilong tendensya at pagkahilig sa nakaraan. Pinagsama ng mga landscape ng Versailles ng Benoit ang makasaysayang muling pagtatayo noong ika-17 siglo at ang mga modernong impresyon ng artist, ang kanyang pang-unawa sa pagkaklasikong Pranses at pag-ukit ng Pranses. Samakatuwid ang malinaw na komposisyon, malinaw na spatiality, kadakilaan at malamig na kalubhaan ng mga ritmo, ang kaibahan sa pagitan ng kadakilaan ng mga monumento ng sining at ang liit ng mga pigura ng tao, na mga tauhan lamang sa kanila. "The Last Walks of Louis 14" 1896 - 1898 - ang unang serye ng Versailles, at sa pangalawang serye, isang tiyak na kabalintunaan ang tunog, na may bahid ng halos trahedya na mga tala. "The King's Walk" 1906.
Nakikita ni Benoit ang kalikasan sa nauugnay na koneksyon sa kasaysayan. Sa isang serye ng mga pagpipinta mula sa nakaraan ng Russia, na kinomisyon ng Knebel publishing house, sa mga eksena ng marangal at buhay ng may-ari ng lupa noong ika-18 siglo. Gumawa si Benoit ng isang matalik na imahe ng panahong ito, kahit na medyo theatrical.
"Parada sa ilalim ni Paul 1" 1907
Benoit - ang ilustrador - ay isang buong pahina sa kasaysayan ng libro. Ang eroplano ng pahina ay hindi isang katapusan para sa kanya. Ang mga ilustrasyon ay medyo kumpleto na independiyenteng mga gawa, hindi gaanong "sining ng aklat" bilang "sining sa aklat."
Bilang isang artista sa teatro, idinisenyo ni Benoi ang mga pagtatanghal ng Russian Seasons. Ang gawa ni Benoit - isang kritiko ng sining at mananalaysay ng sining - ay isang buong yugto sa kasaysayan ng kasaysayan ng sining.
Gayundin sa core ng "World of Art" ay si Lev Samuilovich Bakst (1866-1924), na naging sikat bilang isang artista sa teatro. Sa kanyang unang mga eksibisyon, ipinakita niya ang isang bilang ng mga kuwadro na gawa at mga graphic na larawan, kung saan ang kalikasan, na ipinakita sa isang stream ng mga buhay na estado, ay binago sa isang uri ng perpektong ideya ng isang kontemporaryong tao. Ito ang mga larawan ng Benois, Bely, Somov, Rozanov, Grippius, Diaghilev.
Ang mga graphics ni Bakst ay walang mga motif ng ika-18 siglo. At mga tema ng estate. Siya gravitates patungo sa antiquity, at patungo sa Greek archaic, interpreted symbolically. Ang pagpipinta na "Ancient Horror", tempera, 1908, ay nagtamasa ng partikular na tagumpay.
Di-nagtagal, ganap na inilaan ni Bakst ang kanyang sarili sa gawaing teatro at set ng disenyo, at ang kanyang mga set at costume para sa mga ballet ng Diaghilev enterprise, na gumanap nang may pambihirang kinang, birtuoso, masining, ay nagdala sa kanya ng katanyagan sa mundo.
Lalo na masasabi ng isa ang tungkol kay Nicholas Konstantinovich Roerich. Sa pagkakaroon ng mahusay na edukasyon, maaga siyang nakakuha ng awtoridad ng isang siyentipiko. Siya ay naakit ng paganong Slavic at Scandinavian antiquity, Ancient Rus'. Naobserbahan ang mga istilong tendensya at theatrical decorativeness. "The Messenger", 1897, "The Elders Converge", 1898, "The Sinister Ones", 1901.
Si Roerich ay pinaka malapit na nauugnay sa pilosopiya at aesthetics ng simbolismo ng Russia, ngunit ang kanyang sining ay hindi umaangkop sa balangkas ng umiiral na mga uso, dahil alinsunod sa pananaw sa mundo ng artist, tinutugunan nito, na parang, ang lahat ng sangkatauhan na may panawagan para sa isang mapagkaibigang unyon ng lahat ng mga tao. Kaya ang espesyal na kalidad ng epiko ng kanyang mga kuwadro na gawa.
Pagkatapos ng 1905, ang mood ng pantheistic mistisismo ay lumago sa gawa ni Roerich. Ang mga makasaysayang tema ay nagbibigay daan sa mga alamat ng relihiyon. "Labanang Makalangit", 1912.
Ang icon ng Russia ay may malaking impluwensya kay Roerich. "Ang Labanan ng Kerzhenets", 1911.
Ang isa sa mga likas na artista ay si Boris Mikhailovich Kustodiev (1878 - 1927), isang mag-aaral ng Repin. Nailalarawan din ito sa pamamagitan ng stylization, ngunit ito ang stylization ng sikat na sikat na print. Samakatuwid ang maliwanag na maligaya na "Fairs", "Maslenitsa",
"Balagan", kaya't ang kanyang mga pintura ng burges, buhay mangangalakal, ay naghatid ng bahagyang kabalintunaan, ngunit hindi hinahangaan ang mga mapupulang pisngi, kalahating tulog na mga dilag sa likod ng samovar at may mga platito sa kanilang matambok na mga daliri.
"Asawa ng Merchant" 1915,
"Asawa ng mangangalakal sa tsaa" 1918.
Ang sining ng mga pre-rebolusyonaryong taon sa Russia ay minarkahan ng pambihirang kumplikado at magkasalungat na katangian ng mga masining na pakikipagsapalaran, kaya't ang mga sunud-sunod na grupo ay may kani-kanilang mga alituntunin sa program at estilistang simpatiya.
Ang isang napakatalino na saksi sa sigla ng mga pambansang tradisyon at ang mahusay na sinaunang pagpipinta ng Russia ay ang gawa ni Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878-1939), isang artist-thinker na kalaunan ay naging pinakakilalang master ng sining ng panahon ng Sobyet. Sa sikat na pagpipinta na "Bathing the Red Horse" mula 1912, ang artist ay gumamit ng isang visual na metapora. Tulad ng wastong nabanggit, ang isang binata sa isang maliwanag na pulang kabayo ay nagbubunga ng mga asosasyon sa sikat na imahe ng St. George na Tagumpay, at ang pangkalahatang silweta, maindayog, compact na komposisyon, ang saturation ng magkakaibang mga spot ng kulay na tumutunog nang buong lakas, ang flatness sa ang interpretasyon ng mga form ay naaalala ang sinaunang icon ng Russia. Ang mga gawa ng master ay nakatuon sa mga tradisyon ng sining ng Russia; dinadala nila ang master sa totoong nasyonalidad.
Artistic associations at artistic colonies sa pagpipinta
1900-maaga 1910 ay ang kasagsagan ng mga eksibisyon ng sining: mga eksibisyon ng mga lipunan ng World of Art, ang Moscow Partnership, ang Youth Union, at ang Spring Exhibitions ng Academy of Arts; disposable - "Scarlet Rose", "Blue Rose", "Stefanos", "Wreath", Salonov S.K. Nakuha ni Makorovsky, V.A. Izdebsky, at ng Golden Fleece Salons ang ebolusyon ng pagpipinta ng Russia mula sa impresyonismo at simbolismo hanggang sa neo-primitivism, cubo-futurism, abstract expressionism, at "analytical art."
Museo ng Sinaunang Ruso.
Ang simula ng siglo sa pandekorasyon at inilapat na sining ay minarkahan ng maliwanag na simbolistang makasagisag na disenyo ng kumplikadong mga gusali ni S.V. Malyutin sa pangalan ni M.K. Tenisheva Talashkino malapit sa Smolensk. Palaging maraming bisita sa estate, kabilang ang mga artista na si A.N. Benois, I.E. Repin, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, Sculptor Trubetskoy at marami pang iba. Dumating dito ang artist na si N.K. Roerich, na nagpinta ng pagpipinta sa Church of the Holy Spirit, hindi kalayuan sa estate. Ang artist na si S. Malyutin ay nanirahan dito, na nagdisenyo at pinalamutian ang kahoy na bahay na "Teremok". Sinamahan ng mga artista, istoryador, at arkeologo, naglakbay si Tenisheva sa mga lungsod at nayon ng Russia, nangongolekta ng mga bagay ng pandekorasyon at inilapat na sining: mga tela, burda na tuwalya, puntas, scarves, damit, palayok, atbp. Ito ang simula ng natatanging Museum of Russian Antiquity, na binuksan sa Smolensk noong 1998.
"Abramtsevo art circle".
Maraming mga kagiliw-giliw na pangalan ng kulturang Ruso ang nauugnay sa ari-arian ng Abramtsevo: manunulat S.A. Aksakov, N.V Gogol, I.S. Turgenev. Noong 1870, ang ari-arian ay binili ni S.I. Si Mamontov ay isang masigasig na eksperto sa sining. Siya ang naging tagapagtatag ng malikhaing asosasyon, na bumaba sa kasaysayan sa ilalim ng pangalang "Abramtsevo Art Circle". Natipon ni Mamontov sa paligid niya ang mga natitirang artista tulad ng I.E. Repin, V.M. Vasnetsov, V.D. Polenov, M.N. Nesterov, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, V.A. Serov at iba pa. Bawat isa sa kanila ay pumunta sa Abramtsevo upang manatili at mag-ambag sa buhay ng "artistic colony".
Association "World of Art" at ang kahalagahan nito sa pag-unlad ng kulturang Ruso.
Ang grupo kung saan bumangon ang isang malakas at maimpluwensyang kilusang pangkultura at aesthetic, na nagkakaisa sa paligid ng magazine na "World of Art", ay bumangon sa St. Petersburg noong unang bahagi ng 1890s. na may mapagpakumbabang layunin ng pag-aaral sa sarili. Sa maikling panahon naghanda siya para sa isang malawak mga gawaing panlipunan at nagsimulang maimpluwensyahan ang kasalukuyang buhay sining. Sa pag-unlad ng buhay panlipunan ng bilog, ang papel ng S.P. ay lalong makabuluhan. Diaghilev. Ang pangunahing ideya na gumabay sa kanya ay lumago mula sa kanyang malalim na paniniwala sa pandaigdigang kahalagahan ng sining ng Russia. Itinakda niya ang kanyang sarili ang layunin ng pag-isahin ang pinakamahusay na mga artistang Ruso, tulungan silang makapasok sa buhay na artistikong European at, sa kanyang mga salita, "pagdakila sining ng Russia sa kanluran". Inilaan ni Diaghilev ang lahat ng kanyang mga aktibidad sa gawaing ito. Ang kanyang pangkat ng St. Petersburg, na kinabibilangan nina Somov, Bakst, Benois at Lanceray, ay pumasok sa isang malapit na alyansa sa Vrubel, Levitan, Serov, Korovin, Nesterov, Ryabushinsky at iba pang mga pintor ng Moscow. Ang malawak na asosasyong ito, na hindi masusukat ang laki ng orihinal na pangkat ng Diaghilev, ay nagsilbing batayan kung saan nagawang ayusin ni Diaghilev ang isang art magazine, na naging sentro ng ideolohikal ng sining ng Russia noong mga unang taon ng ika-20 siglo.
Ang magazine, na tinatawag na "World of Art", ay nai-publish sa loob ng 6 na taon (1899-1904) sa ilalim ng editorship ng Diaghilev, taun-taon na nag-aayos mga eksibisyon ng sining sa ilalim ng parehong pangalan. Ang pangunahing core ng mga eksibisyong ito ay palaging nanatiling mga gawa ng mga pintor at graphic artist ng St. Petersburg Diaghilev group. Sa gitna nila nabuo ang kilusang masining na "World of Art".
Ang kasaysayan ng "World of Art" ay may dalawang magkahiwalay, bagama't magkakaugnay, na mga aspeto:
Sa isang banda, ito ang kasaysayan ng malikhaing direksyon na binuo sa pangkat ng mga artista ng St. Petersburg, na pinamumunuan nina Benois at Somov;
Sa kabilang banda, ito ang kasaysayan ng isang masalimuot na kilusang pangkultura at aesthetic, na nagdala sa orbit nito ng isang bilang ng mga pangunahing Russian masters, na ang gawain ay binuo nang independiyente sa pangkat ng St. at biswal na wika.
Nakuha ng kilusang ito hindi lamang ang pagpipinta at mga graphic, kundi pati na rin ang ilang magkakaugnay na larangan ng kultura, at naimpluwensyahan ang arkitektura ng Russia, iskultura, tula, ballet at teatro ng opera, pati na rin ang kritisismo sa sining at ang agham ng sining. Ang gawaing pang-edukasyon ng "World of Art" sa loob ng anim na taon ng pagkakaroon nito ay itinuro sa dalawang pangunahing channel: ang magazine, una, ay sumasakop sa kasalukuyang estado ng fine art sa Russia at sa ilang mga bansa sa Kanlurang Europa at, pangalawa, sistematikong , sistematikong ibinunyag sa mga mambabasa na nakalimutan o ang hindi maintindihan na mga halaga ng pambansang artistikong kultura ng nakaraan. Ang karagdagang mga aktibidad ng magazine na binuo, mas mahalaga ang mga tema ng sinaunang Ruso na nakuha dito. Ang "mundo ng sining" ay umunlad mula sa modernismo hanggang sa retrospectivism. Sa kurso ng ebolusyon na ito, ang mga kalahok ng magazine ay gumawa ng maraming mahahalagang makasaysayang at artistikong pagtuklas: ito ay "World of Art" na naglatag ng mga pundasyon para sa isang sistematikong pag-aaral ng kulturang sining ng Russia noong ika-18 siglo. , hanggang ngayon ay kalahating nakalimutan, o kahit na misinterpret. Slava D.G. Sina Levitsky at V.L. Si Borovikovsky, pati na rin ang mga kahanga-hangang arkitekto ng Russian Baroque at Classicism, ay nagsimula sa mga gawa ng Diaghilev, Benois, Grabar at iba pa.
Sila ang una sa agham ng Russia na bumaling sa pamana ng mga romantikong Ruso at sentimentalista, at muling sinuri ng mga mananaliksik ang gawain ng O.A. Kiprensky, A.G. Venetsianov, F. Tolstoy.
Ang parehong mga kritiko ay may karangalan na radikal na baguhin ang itinatag na mga maling kuru-kuro tungkol sa sinaunang arkitektura ng St. Petersburg. Ang artistikong kahalagahan nito ay lubos na na-overestimated. Ang mga artikulo ni Benoit, na humanga sa kagandahan ng lumang Petersburg, ay isang tunay na paghahayag para sa mga mambabasa noong panahong iyon.
Sa asosasyong "World of Art", ang mga graphic na libro ng Ruso ng modernong panahon, pati na rin ang kulturang teatro ng Russia, ay muling nabuhay at nabuo.
Ang magazine ay sistematikong suportado ang pagbuo ng pandekorasyon at inilapat na sining at artistikong sining.
Sa wakas, sa "The World of Art" na nagsimula ang isang bagong yugto sa kasaysayan ng kritisismo sa sining ng Russia at kritisismo sa sining. Ang mga tagumpay na nakamit ng World of Art sa mga usaping pang-organisasyon ay nagbigay ng lakas sa mga artistang Ruso na lumikha ng mga bagong grupo ng eksibisyon at malikhaing asosasyon.
"Blue Rose".
Sa pagliko ng siglo, ang sining ay sumiklab sa ideya ng ganap na kalayaan, pagsasarili. Ang mga tagapagtatag ng pakikibaka para sa kadalisayan at intrinsic na halaga ng sining ay ang Symbolist na makata at artista ng grupong "World of Art". Ang sining ay naging mas malakas sa pagiging tiyak nito, umaasa sa mga panloob na kakayahan.
Ang unang pangkat kung saan nagsimula ang countdown ng mga bagong direksyon sa pagpipinta ng Russia noong unang bahagi ng ika-20 siglo ay ang "Blue Rose". Sa ilalim ng pangalang ito, noong 1907, isang eksibisyon ang binuksan sa Moscow, kung saan kinuha ni A. Arapov, N. Krymov, P. Kuznetsov, V. at N. Milioti, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, P. bahagi. Utkin at iba pa, 16 na artista sa kabuuan.
Ang Vernissage 1907 ay hindi isang sorpresa. Kahit na sa mga unang eksibisyon ng World of Art, lumitaw ang mga unang gawa ng ilang hinaharap na "Goluborozovites". Noong 1904, ang eksibisyon ng "Scarlet Rose" ay inayos sa Saratov, na siyang direktang hinalinhan ng "Blue Rose". Ang mga residente ng Saratov - V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov, P. Utkin - ay nakibahagi dito; inanyayahan ang mga batang artista mula sa ibang mga lungsod na Saryan, Sapunov, Sudeikin, Arapov, Vrubel. Ang huli ay gumanap ng isang makabuluhang, kagila-gilalas na papel sa gawain ng lahat ng mga Goluborozovite. Ang eksibisyon na "Blue Rose", na inayos gamit ang mga pondo mula sa patron at publisher ng "The Golden Fleece", amateur artist na si N. Ryabushinsky, ay binuksan noong Marso 18, 1907 sa Moscow, sa bahay ng tagagawa ng porselana na si M. Kuznetsov. Sa buong istraktura nito, naiiba ito sa mga ordinaryong eksibisyon, na kumakatawan sa isang tiyak na misteryosong mundo: "alinman sa isang salon, o isang kapilya" na may mga dimmed na ilaw at translucent na mga kurtina. Ngunit ang pangunahing sorpresa ay ang mga gawa mismo. Ang mga bulwagan, pinalamutian ng pilak-kulay-abo at malambot na asul na tela, may mga kuwadro na gawa at graphic na gawa ng labing-apat na artista - P. Kuznetsov, P. Utkin, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, N. Krymov, A. Arapov, A. Fonvizina, N. at V. Milioti, N. Feofilaktov, V. Drittenpreis, I. Knabe at N. Ryabushinsky. Ang mga gawang eskultura nina A. Matveev at P. Bromirsky ay matatagpuan din dito. Ang musika ng mga kompositor ng Russia ay nilalaro, ginanap ng pinakamahusay na mga musikero, at binasa ang mga tula nina A. Bely at V. Bryusov.
Ang pangalan ng eksibisyon at asosasyon, pati na rin ang estilo ng mga gawa ng mga kalahok, ay malapit na nauugnay sa aesthetics ng simbolismo. Ang asul na kulay - ang kulay ng langit, tubig, walang katapusang espasyo - ay tila nagpapakilala sa mala-tula na panaginip at katotohanan, mapanglaw at pag-asa. Ang "Blue Rose" ay isang eksibisyon ng grupo na pinagsama ng isang solong aesthetic na programa. Salamat sa hitsura nito, ang mga nakaraang artistikong asosasyon, kabilang ang World of Art, ay nawala ang kanilang dating kahalagahan. Ang pagpapatuloy ng mga inisyatiba ng "World of Art", "Blue Rose", sa parehong oras, ay sumalungat sa mundo ng estilo ng sining at panitikan at ipinakilala ang isang bagay na panimula na bago sa artistikong kamalayan ng panahon. Ito ang unang hakbang ng sining ng Russia sa kabila ng ika-19 na siglo. Ang pagiging natatangi ng "Blue Rose" ay nakasalalay sa katotohanan na ang mga artista nito ay nakapagpahayag ng plastik na hindi nasasalat na mga kategorya - mga emosyon, mood, espirituwal na karanasan. Ang pagkakaroon ng ginawang neo-primitivism bilang mahalagang bahagi, ang Blue Rose ay ang nangunguna sa Russian avant-garde. Ang kanyang mga ideya ay kinuha at binuo sa kanilang sariling paraan sa mga gawa ni N. Goncharova, M. Larionov, K. Malevich.
Ang mga Goluborozovite ay nauugnay sa Moscow Symbolist poets, kasama ang Symbolist composers Scriabin at Menter. Kung ihahambing ang mga ito sa mga simbolistang makata, hindi maaaring hindi mapansin ng isa ang isang makabuluhang pagkakaiba. Ang mga makata ay lumikha ng kanilang sariling teorya ng simbolismo; lahat ng mga makata na sumulat tungkol sa simbolismo noong 1890-1900 ay malinaw na nagpapahayag sa kanilang mga teorya ng ideya ng kahulugan ng imahe, ang kakulangan ng panlabas na pagpapahayag. panloob na estado kaluluwa, tungkol sa hindi maipaliwanag ng pinakamataas na espirituwalidad.
"Ang mga simbolistang pintor ay hindi bumuo ng kanilang sariling teorya. Vrubel sa kanyang maagang simbolismo noong 1890s. marami ang kinuha mula sa romantikong konsepto ng pagkamalikhain. Si Borisov-Musatov ay nagsalita at nagsulat ng higit pa tungkol sa musika at pagkakaisa kaysa sa simbolo. Si Goluborozovites Kuznetsov, Utkin, ang magkapatid na Milioti at iba pa, walang alinlangang naisip simbolikong kahulugan masining na imahe, ngunit, na may mga bihirang eksepsiyon, ay hindi nagpahayag ng kanilang mga saloobin sa salita. Ang lahat ng mga masters ay, una sa lahat, mga praktikal na pintor, na pinamamahalaang lumikha ng isang tiyak masining na sistema».
Ang asosasyon ng Blue Rose ay tumigil na umiral noong 1910.
Konklusyon
Kaya, ang simbolistang pagpipinta ay isang paraan ng paghahatid ng karanasang pangkultura at pinagmumulan ng pag-unlad ng malikhaing pag-iisip at spatial na imahinasyon.
Ang simbolismo ng Russia, sa kaibahan sa simbolismo ng Kanlurang Europa, na pangunahing binuo bilang isang pampanitikan at artistikong paaralan, mula sa pinakadulo sandali ng pagsisimula nito ay hinahangad na lumampas sa mga hangganan ng sining mismo at maging isang malawak na kilusang pangkultura, isang tiyak na pananaw sa mundo, na may layunin. ng kaligtasan at pagbabago ng sangkatauhan. Naniniwala ang mga simbolistang Ruso na ang isang tunay na artista, bilang isang theurgist, ay tinatawag na lumikha hindi lamang ng mga masining na anyo ng buhay. Ang simbolismo ng Russia ay isa sa mga tipikal na pagpapakita ng pagkamalikhain sa buhay.
Mga kaakit-akit na sistema ng simbolismong Ruso, na binuo sa plastik at mga pundasyong pampanitikan, ay bumuo ng isang orihinal na pambansang paaralan, na sumasakop sa isang mahalagang lugar sa pan-European na simbolismo sa larangan ng plastik na sining.
Ang teorya at kasanayan ng simbolismong Ruso ay batay sa musikalidad, dahil ang musika ang pinakaperpektong anyo ng sining, kasama ang lahat ng iba pang anyo ng sining, at direktang nagpapahayag ng transendental na mundo. Paghahanap at pagpapalawak musikal na paraan ang pagpapahayag sa pagpipinta, ang mismong kilusan patungo sa paglikha ng gayong mga pagpipinta, ay tinawag upang ibalik ang nawalang integridad, ang pagkakaisa ng sansinukob.
Kaya, sa pagpipinta ng simbolismo ng Russia, ang mga pangunahing teoretikal na prinsipyo ng simbolismo ay natanto, lalo na, ang problema ng paglikha ng buhay, theurgy, synthesis, atbp.
Listahan ng ginamit na panitikan
1. M.A. Voskresenskaya "Symbolism bilang isang worldview ng Silver Age" Moscow "Logos", 2005;
2. I. Golitsyna "Kasaysayan ng pagpipinta ng Russia. Ang pagliko ng ika-19 - ika-20 siglo" Moscow "White City", 2007;
3. T.V. Ilyin “Kasaysayan ng Sining. Domestic art" Moscow " graduate School", 2000;
Mga periodical:
4. “50 Russian artist. Mga Obra maestra ng pagpipinta ng Russia" Isyu Blg. 5, Moscow, De Agostini LLC, 2010;
5. “50 Russian artist. Mga obra maestra ng pagpipinta ng Russia" Isyu Blg. 11, Moscow, De Agostini LLC, 2010;
6. Вibliotekar.ru
8. Rutracker.org
Mga katulad na dokumento
Espirituwal at masining na pinagmulan ng Panahon ng Pilak. Ang pagtaas ng kultura ng Silver Age. Ang pagka-orihinal ng pagpipinta ng Russia huli XIX- simula ng ika-20 siglo. Artistic associations at ang kanilang papel sa pagbuo ng pagpipinta. Kultura ng lalawigan at maliliit na bayan.
course work, idinagdag noong 01/19/2007
Ang tindi ng Panahon ng Pilak sa malikhaing nilalaman, ang paghahanap para sa mga bagong anyo ng pagpapahayag. Ang pangunahing artistikong paggalaw ng "Silver Age". Ang paglitaw ng simbolismo, acmeism, futurism sa panitikan, cubism at abstractionism sa pagpipinta, simbolismo sa musika.
abstract, idinagdag noong 03/18/2010
Ang Panahon ng Pilak bilang pagpapakita ng espiritwal at artistikong renaissance, na minarkahan ang pagtaas ng kulturang Ruso sa pagtatapos ng ika-19-20 siglo. Ang konsepto ng isang verbal series. Pagsusuri at kahulugan ng simbolismo sa panitikan, musika at pagpipinta. Mga tampok ng simbolikong teatro.
pagtatanghal, idinagdag noong 03/27/2015
Silhouette ng "Panahon ng Pilak". Ang mga pangunahing tampok at pagkakaiba-iba ng artistikong buhay ng panahon ng "Silver Age": simbolismo, acmeism, futurism. Ang kahalagahan ng Panahon ng Pilak para sa kulturang Ruso. Makasaysayang mga tampok ng pag-unlad ng kultura sa pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo.
abstract, idinagdag 12/25/2007
Konsepto at mga natatanging katangian agos ng simbolismo sa larangan ng pagpipinta. Mga natitirang kinatawan ng simbolismong Ruso at dayuhan, pagtatasa ng kanilang mga malikhaing tagumpay. Pagsusuri ng mga sikat na gawa ng simbolismo, ang kanilang mga tema at kahalagahan sa kultura ng mundo.
pagtatanghal, idinagdag 02/28/2017
Isang pagbabago sa kasaysayan ng sining ng Russia sa simula ng ika-18 siglo. Mga tagumpay sa portrait na genre. Mga larawang nilikha ni Rokotov, Nikitin, Levitsky, Borovikovsky at iba pang mga may-akda noong panahong iyon. Interes sa pang-araw-araw na genre at mga landscape. Mga tampok ng Russian mga pintura noong ika-19 na siglo siglo.
pagtatanghal, idinagdag noong 11/29/2011
Isang pag-aaral ng malikhaing pamana ng artist na si Andrei Rublev. Pagsusuri ng kontribusyon ng icon na pintor na si Dionysius sa pagbuo ng pagpipinta ng Russia. Pag-aaral ng kanyang masining na pamamaraan. Ang paglitaw ng paaralan ng pagpipinta ng Stroganov. Ang lugar ng sekular na pagpipinta sa pagpipinta ng Russia noong ika-16 na siglo.
pagtatanghal, idinagdag noong 09/18/2014
Ang gawain ng mga mag-aaral ni Venetsianov sa kasaysayan ng sining ng Russia. Romantisismo sa pagpipinta ng Russia. Pag-unlad sa portrait painting ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. M. Vorobiev at ang kanyang paaralan. Mga gawa ni Ivanov ng akademikong panahon. Laganap na ilustrasyon.
abstract, idinagdag 07/28/2009
Mga uso sa pag-unlad ng pagpipinta ng Russia, ang kahusayan ng mga artist sa linear na pananaw. Ang pagkalat ng mga diskarte sa pagpipinta ng langis, ang paglitaw ng mga bagong genre. Ang espesyal na lugar ng portraiture, ang pagbuo ng makatotohanang direksyon sa pagpipinta ng Russia noong ika-18 siglo.
pagtatanghal, idinagdag noong 11/30/2011
kasaysayan ng Russia pagpipinta ng tanawin. Buhay at gawain ni V. Polenov. Mga tula ng patriarchal Moscow sa mga pagpipinta ng artist. Realismo at ang diwa ng panlipunan-kritikal na kabalintunaan, sikolohikal na drama sa makasaysayang pagpipinta I. Repin. Portrait painting ng artist.
Panimula
Pagliko ng ika-19-20 siglo. - isang espesyal, panahon ng pagbabago para sa Russia. Ang pag-unlad ng ekonomiya at mga krisis, ang nawalang digmaang pandaigdig noong 1904-05. at mga rebolusyon noong 1905-07, ang unang digmaang pandaigdig noong 1914-18. at, bilang resulta, ang mga rebolusyon noong Pebrero at Oktubre 1917, na nagpabagsak sa monarkiya at pagkatapos ay ang kapangyarihan ng burgesya. Nagkaroon ng lumalagong pakiramdam sa lipunan ng hindi maiiwasang krisis sa lipunan at ang pangangailangan para sa pagbabago sa mga halaga. Ang populistang ideolohiya ay bumagsak. Nagsimula ang paghahanap para sa mga bagong ideolohikal na konsepto ng pag-unlad ng lipunan.
Ang espirituwal na buhay ng Russia ay sumasalamin sa mga kontradiksyon sa lipunan ng panahon at mga kontradiksyon ng kaisipang panlipunan ng Russia. Ang isang pakiramdam ng sakuna ng oras at ang pagkakumpleto ng kultura ay lumitaw sa lipunan. Sa batayan na ito, lumitaw ang mga apocalyptic motif sa panitikan at sining. Gayunpaman, ang Russia ay nakakaranas noon ng isang panahon ng mabunga at dinamikong pag-unlad ng kultura. Ito ay isang panahon ng espirituwal na muling pagsilang at pagpapanibago. Tinawag ng pilosopo na si N.A. Berdyaev ang panahong ito sa kasaysayan ng kulturang Ruso na "Panahon ng Pilak".
Ang mga pintor ng turn of the century ay nailalarawan sa pamamagitan ng iba't ibang paraan ng pagpapahayag kaysa sa mga Wanderers, iba pang anyo ng artistikong pagkamalikhain - sa mga larawang magkasalungat, kumplikado at hindi direktang sumasalamin sa modernidad, nang walang paglalarawan at pagsasalaysay. Masakit na hinahanap ng mga artista ang pagkakasundo at kagandahan sa isang mundo na sa panimula ay dayuhan sa parehong pagkakatugma at kagandahan. Kaya naman marami ang nakakita sa kanilang misyon sa paglinang ng pakiramdam ng kagandahan. Ang oras na ito ng "mga bisperas", ang mga inaasahan ng mga pagbabago sa pampublikong buhay, ay nagbunga ng maraming paggalaw, asosasyon, pagpapangkat, isang pag-aaway ng iba't ibang pananaw sa mundo at panlasa.
Ang Panahon ng Pilak ay nakakuha ng isang malawak na interpretasyon at nagsimulang gamitin upang makilala ang ilang mga proseso ng kultura na naganap sa Russia sa panahong iyon. Pagkatapos ng lahat, ang parehong mga ideya, motibo, mood ay pinalusog, kasama ang pagkamalikhain sa panitikan, pati na rin ang musikal, teatro, at visual na sining, na sabay-sabay na umaalingawngaw sa mga paghahanap sa relihiyon at pilosopiko ng Russia. Kasabay nito, ang Panahon ng Pilak ay hindi lamang sumasalamin sa mga umiiral na makasaysayang kondisyon sa pamamagitan ng pilosopikal at masining na paraan, ngunit, na hinuhubog sa batayan ng isang bagong pananaw sa mundo, ito mismo ay lumikha ng isang bagong istilo ng pag-iisip, at sa isang kahulugan, isang bagong lipunan, na nagpapahintulot sa amin na tukuyin ito bilang isang kultura.
Pinagmulan at konsepto ng simbolismo
Ang sinaunang salitang Griyego para sa "simbolo" ay orihinal na tumutukoy sa isang barya na hinati sa dalawa. Dalawang tao na bawat isa ay may kalahati ng barya na ito ay maaaring makilala ang isa't isa kapag sila ay nagkita sa pamamagitan ng pagdaragdag ng parehong bahagi nang magkasama. Gayunpaman, sa paglipas ng panahon, ang simbolo ay naging isa sa pinakamasalimuot, malawak, at malalim na konsepto ng kultura ng sining at pilosopiya sa mundo. Ang paksa ng simbolismo ay hindi maaaring ilagay sa loob ng balangkas ng isang partikular na paaralan, direksyon, estilo, paraan... ito ay, sa halip, isang pangkalahatang diachronic na cross-section ng pag-unlad ng buong mundo artistikong kultura mula sa sinaunang panahon hanggang sa kasalukuyan.
Ang mga pangunahing prinsipyo ng simbolismo ay ganap na naubos ng konsepto ng "simbolo". Ang isang simbolo ay, una sa lahat, isang unibersal na konsepto, isang unibersal na imahe, isang tanda, ang bilang ng mga kahulugan, ang mga kahulugan nito ay walang hanggan, tulad ng sansinukob mismo. Sa sining, ang simbolismo ay ang pagtatangka ng isang tao na may limitadong paraan ng katwiran upang ipahayag ang hindi maipahayag, ang transendental, upang intuitive na madama ang kailaliman na lampas sa nakikitang mundo. Ang mga tagalikha, mga artista ng simbolismo, ay itinuturing na mga tagapamagitan sa pagitan ng tunay at supersensible, kahit saan ay mga palatandaan ng pagkakaisa ng mundo, na hinuhulaan ang mga palatandaan ng hinaharap, kapwa sa mga modernong phenomena at sa mga kaganapan ng malayong nakaraan. Samakatuwid, ang simboliko ay, sa ilang paraan, isang kasingkahulugan para sa sagrado.
Bilang isang kilusan, ang simbolismo sa sining biswal ay nabuo kasabay ng simbolismo sa panitikan noong 60-70s. Ika-19 na siglo, sa panahon ng pagkabulok. Gayunpaman, ang mga katangian ng simbolismo ay lumilitaw nang mas maaga: lahat ng iconography at pagpipinta ng Middle Ages ay may malalim na simbolikong katangian.
Ang mga pangunahing motif ng simbolismo sa pinong sining ay walang hanggang mga tema: kamatayan, pag-ibig, pagdurusa.
Ang simbolismo ng Russia ay may sariling espesyal, orihinal na katangian at isang natatanging milestone sa kasaysayan ng kultura ng mundo. Ang paglitaw ng simbolismo sa Russia sa pagtatapos ng ika-19 na siglo ay pangunahing nauugnay sa mga aktibidad ng tinatawag na senior symbolist poets at publicists D. Merezhkovsky at Z. Grippius; bahagyang Valery Bryusov. Ang simbolismo nina Merezhkovsky at Grippius ay, una sa lahat, simbolismong Kristiyano, relihiyoso at mystical, ang pag-unawa sa simbolismo bilang isang gawa ng kaalaman sa Diyos.
Ang pinakamaliwanag na mga nauna sa simbolismo ng Russia ay maaaring matawag na F.M. Dostoevsky at pilosopo S.M. Solovyova. Ang huli ay isa ring makata, at sa kanyang patula na interpretasyon ng doktrina ni Sophia the Wisdom of God, tinukoy niya ang mga tampok ng pag-unlad ng pangunahing direksyon ng simbolismong pampanitikan ng Russia mula sa Grippius at Blok. Hindi tulad ng kanilang mga nauna, sila, na lumalampas sa wikang Pranses, ay nagtunton sa terminong "simbolismo" sa isang pinagmulang Griyego. Sa init ng kontrobersya, binanggit pa ni Blok na ang simbolismong Ruso, sa pamamagitan lamang ng pagkakataon, ay nagdala ng parehong pangalang Griyego bilang kilusang Pranses.
Ang Paggawa ng isang Artist ng Panahon ng Pilak
Noong 80s ng ika-19 na siglo, sa panahon ng espirituwal na pagwawalang-kilos, nagsimula ang pagbuo ng isang bagong uri ng artista. Lumitaw ang mga namamana na intelektwal, na nagmula sa mga pamilyang propesor o creative circle.
Ang artista ay hindi na itinuturing bilang isang manggagawa; siya ay naging master ng mga pag-iisip. Siya ay isang napakatalino na edukadong tao. Isang natatanging katangian ng Silver Age artist ay ang malikhaing unibersalismo. Ang pananabik para sa unibersalismo ay hindi muling binubuhay ang lumang romantikong ideya ng isang synthesis ng sining. Nag-aalok ang Panahon ng Pilak ng maraming mga pagpipilian para sa pagpapatupad nito: sa Art Nouveau, sa mga aktibidad ng World of Art...
Gayunpaman, ang unibersalismo ay hindi lamang tungkol sa pag-master ng mga kaugnay na specialty. Ipinakita nito ang sarili sa pagnanais ng artist na gawin ang pagkamalikhain sa kabila ng makitid na mga hangganan ng propesyonal ng kanyang agarang espesyalidad. Una sa lahat, ang paksa ng patuloy na libangan ng mga artista ng Silver Age ay pilosopiya. Ang ibig nating sabihin ay hindi lamang ang pagkakaroon ng kritisismo sa sining, pilosopiko-aesthetic at pilosopikal na mga gawa sa karamihan ng mga modernista, kundi pati na rin ang pilosopiko-konseptong katangian ng nilalaman ng kanilang mga artistikong gawa, bilang isang resulta kung saan dapat nating i-classify ang mga ito bilang mga philosophically minded artists. .
Ang artist, "huhubog" sa katotohanan ng darating na siglo, ay lumilikha ng isang bagong alamat. Ang paglayo sa kaganapan, hindi siya lumilikha ng isang paglalarawan ng kung ano ang inilalarawan, ngunit ang simbolikong paghahatid nito, isang katumbas na patula. Ang fiction ay nagiging isang uri ng alamat tungkol sa buhay, isang paraan ng pag-unawa sa mga nakatagong pundasyon at batas nito.
Kaya, ang mythopoetic worldview, ang patula-emosyonal na karanasan ng mundo, na higit na naaayon sa diwa ng panahon, kaysa sa reflexive-discursive development nito, ay bumalik sa kultura. Ang mitolohiyang pananaw sa mundo at diyalektikong konektadong pag-iisip na may mga simbolo ay nagpasigla ng interes sa tradisyunal na katutubong sining, na walang direktang empirikal na pagpaparami ng nakapaligid na katotohanan. Ang mga lumang kultura ay naaakit ng mitolohikal na konsepto ng mundo, ang holistic at maayos na pang-unawa nito. Gayunpaman, ang neomythologism ay pangunahing naiiba sa mitolohiya bilang isang anyo ng walang muwang na pag-iisip ng patula noong sinaunang panahon.
Kaya, ang karanasan ng mga archaic na panahon sa kultura at para sa artist ay superimposed sa mga pagtatangka ng modernong sining na tumagos sa pinakamalalim na recesses ng panloob na mundo ng tao. Salamat sa isang espesyal na pakiramdam at espesyal na kamalayan sa kasalukuyan, nabuo ang artist ng Silver Age.
Mga panahon ng kasaysayan ng simbolismo ng Russia sa Panahon ng Pilak. Kronolohiya ng pag-unlad
Ang simbolismo sa Russia ay lumitaw sa tatlong yugto ng panahon:
Ang una ay sumasaklaw sa kalagitnaan ng 1880s hanggang 1900s. - ang oras ng paglitaw at pag-unlad ng mga simbolistang ugali sa gawain ng mga kalahok ng lupon ng Abramtsevo at mga artista ng Moscow, ang asosasyong "World of Art";
Ang ikalawang yugto ay limitado sa 1900-14. - ang kasagsagan ng simbolistang kilusan sa panitikan, teatro at plastik na sining, nang si Vrubel, Borisov-Musatov, ang mga masters ng "World of Art" at ang kabataan ng "Blue Rose" ay lumilikha, at noong ang mga prinsipyo ng simbolismo ay natatanging ipinatupad sa mga gawa ng unang bahagi ng Russian avant-garde;
Ang pangatlo ay konektado sa panahon ng Unang Digmaang Pandaigdig at ang rebolusyon na nagsimula sa Russia (1914-1920) - mahalaga sa mga problema at tagumpay nito.
Ang mga gospel canvases ng V.G. ay kumikilos bilang "proto-symbolism". Perova, N.N. Ge, relihiyoso at makasaysayang mga pagpipinta ng mga yumaong akademiko na si V.P. Vereshchagin, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky at iba pa. Noong 1880-90s. ang hilig na ito na ihatid ang "panloob na katotohanan" at ang buhay, emosyonal na karanasan ng may-akda ay makikita ang pag-unlad nito sa mga relihiyosong gawa ni M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsova, I.E. Repina.
Noong 1880s, sa kasagsagan ng tagumpay ng Wanderers, lumitaw ang mga sinaunang simbolistang gawa ni M. A. Vrubel. Ang dualismo ay tumagos sa kanyang gawain; sabay-sabay nitong ipinakita ang pagsamba sa natural na pilosopiya ni Goethe at ang dualismo nina Kant, Schopenhauer at Nietzsche. Halos sabay-sabay, pininturahan ng pintor ang mga santo at ang Demonyo, ang sagisag ng pakikipaglaban sa Diyos. Ang may-akda ng napakahusay at abstract na mga pattern, siya ay nabighani ng microcosm ng mga halaman at pattern. Noong 1880s. sumali sa simbolistang paghahanap ni I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovin, V.E. Borisov-Musatov, K.A Somov, A.N. Benoit, L.S. Bakst et al.
Ang pagsusuri ng simbolismo ng Russia ay naganap noong 1896-97. sa "Exhibition of Experiments (Sketches) of Artistic Creativity", kung saan nakibahagi sina Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov. Ang mismong ideya ng naturang eksibisyon ay katangian ng simbolismo kasama ang kulto ng hindi kumpleto.
Noong 1890s. Ang pangarap ng pag-iisa ng mga manunulat at artista ay panandaliang natanto sa tanggapan ng editoryal ng magazine na "World of Art": ang mga tula at prosa ni Merezhkovsky, Balmont, Sologub ay nai-publish sa mga disenyo ng Benois, Bakst, Lanceray. Marami sa kanilang mga vignette, ending, at screensaver ay kinikilalang mga obra maestra ng simbolistang graphics.
E gg. nagbigay ng malawak na hanay ng mga paghahanap sa mga tuntunin ng simbolismo, umuusbong, ay magiging pare-pareho at tanyag sa susunod na dalawang dekada ng pag-unlad ng kilusang ito.
Ang simbolismo ng Russia sa pinong sining, tulad ng nangyari sa Kanluran, ay hindi nagbigay ng isang solong estilistang stream (isang maliit na pagbubukod ay ang grupo ng "Nabids" at mga kalahok sa eksibisyon ng "Blue Rose").
Mga tampok ng pagpipinta ng genre sa pagliko ng ika-19-20 siglo.
Sa krisis ng populistang kilusan noong dekada 90. Marami sa mga artista ng Peredvizhniki ang nakaranas ng malikhaing pagbaba. Ang mga kumplikadong proseso ng buhay ay tumutukoy sa iba't ibang anyo ng buhay na masining sa mga taong ito.
Ang isang malawak, libreng estilo ng pagpipinta ay ang resulta ng ebolusyon sa pagbuo ng mga visual na paraan sa lahat ng mga genre sa pagsisimula ng siglo. Sa paghahanap ng "kagandahan at pagkakaisa," sinusubukan ng mga artista ang kanilang sarili sa iba't ibang mga diskarte at uri ng sining - mula sa monumental na pagpipinta at theatrical na dekorasyon hanggang sa disenyo ng libro at mga sining ng dekorasyon.
Sa pagpasok ng siglo, lumitaw ang isang istilo na nakaapekto sa lahat ng plastic na sining, na tinatawag na Art Nouveau. Ang kababalaghan na ito ay hindi maliwanag, sa modernidad mayroon ding dekadenteng pagpapanggap, pagpapanggap, na idinisenyo pangunahin para sa mga burges na panlasa, ngunit mayroon ding pagnanais para sa pagkakaisa ng istilo, sikat sa sarili nito. Sa pagpipinta, ang Art Nouveau ay nagpakita ng sarili sa pamamagitan ng simbolismo ng mga imahe at isang predilection para sa mga alegorya.
Noong dekada 90 umuunlad ang genre painting. Ang tema ng magsasaka ay inihayag sa isang bagong paraan. Ang split sa rural na komunidad ay binibigyang diin at akusatoryong inilalarawan ni Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) sa pelikulang "On the World" (1893).
Naipakita ni Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) ang kawalan ng pag-asa ng pagkakaroon sa mahirap, nakakapagod na trabaho sa pelikulang "The Laundresses" (1901). Nakamit niya ito sa malaking lawak salamat sa mga bagong pagtuklas ng larawan at mga bagong naunawaang posibilidad ng kulay at liwanag.
Ang hindi pagkakapare-pareho, "subtext", isang matagumpay na natagpuang nagpapahayag na detalye ay ginagawang mas trahedya ang larawan ni Sergei Vasilyevich Ivanov (1864-1910).
Pagmamay-ari ni Ivanov ang isa sa mga gawa na nakatuon sa rebolusyon ng 1905 - "Pagpapatupad".
Ang impresyonistikong pamamaraan ng "partial composition", na parang isang random na snatched frame, ay napanatili din dito. Ang Ivanov ay nailalarawan sa pamamagitan ng matalim na liwanag at mga kaibahan ng anino, isang nagpapahayag na balangkas ng mga bagay, at isang kilalang flatness ng imahe. Lapidary ang wika niya.
Noong dekada 90 ika-19 na siglo Kasama sa sining ang isang artista na ginagawang pangunahing karakter ng kanyang mga gawa ang manggagawa. Noong 1894 Lumilitaw ang isang larawan ng N.A. Kasatkina (1859-1930) "Miner", noong 1895 - "Mga Minero ng Coal. Magbago".
Si Andrei Petrovich Ryabushkin (1861-1904) ay gumagana sa makasaysayang genre kaysa sa puro makasaysayang genre. "Mga babaeng Ruso noong ika-17 siglo sa simbahan" (1899),
"Tren ng kasal sa Moscow. ika-17 siglo" (1901) at iba pa - ito ang mga pang-araw-araw na eksena mula sa buhay ng Moscow noong ika-17 siglo. Ang Ryabushkin ay naaakit sa siglong ito, kasama ang gingerbread na kagandahan, polychrome, at mga pattern nito. Ang stylization ni Ryabushkin ay makikita sa flatness ng imahe, sa espesyal na istraktura ng plastic at linear na ritmo, sa scheme ng kulay batay sa maliliwanag na pangunahing kulay, at sa pangkalahatang pandekorasyon na solusyon.
Si Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) ay binibigyang pansin din ang tanawin sa kanyang mga makasaysayang komposisyon.
Ang kanyang paboritong paksa ay ang ika-17 siglo, ngunit hindi araw-araw na mga eksena, ngunit ang arkitektura ng Moscow. "Moscow sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Sa madaling araw sa Pintuan ng Pagkabuhay na Mag-uli" (1900).
Ang isang bagong uri ng pagpipinta, kung saan ang mga katutubong artistikong tradisyon ay pinagkadalubhasaan sa isang ganap na espesyal na paraan at isinalin sa wika ng modernong sining, ay nilikha ni Philip Andreevich Malyavin (1869-1940). Ang kanyang mga larawan ng "kababaihan" at "mga babae" ay may isang tiyak na simbolikong kahulugan - malusog na lupa ng Rus'. Ang mga kuwadro ay palaging nagpapahayag. "Tawanan" (1899), "Whirlwind" (1906)
Ang pagpipinta ay sweeping, sketchy na may textured brushstroke. Pinagsama ni Malyavin ang nagpapahayag na decorativeism na may makatotohanang katapatan sa kalikasan sa kanyang pagpipinta.
Ang tema ng Sinaunang Rus ', tulad ng isang bilang ng mga masters bago sa kanya, ay hinarap ni Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862-1942), ngunit ang imahe ng Rus' ay lumilitaw sa mga kuwadro na gawa bilang isang uri ng perpekto, halos enchanted na mundo, na naaayon sa kalikasan. Ang matinding pakiramdam ng kalikasan, kasiyahan sa mundo, sa bawat puno at talim ng damo ay malinaw na ipinahayag sa isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Nesterov - "Vision to the Youth Bartholomew" (1889-1890), "The Bride of Christ" ( 1887). Si Nesterov ay gumawa ng maraming monumental na pagpipinta sa relihiyon. Ang mga kuwadro na gawa ay palaging nakatuon sa sinaunang tema ng Russia. Sa mga kuwadro na gawa sa dingding ni Nesterov mayroong maraming tunay na sinusunod na mga palatandaan, lalo na sa tanawin, mga tampok na larawan - sa paglalarawan ng mga santo. Sa pagnanais ng artist para sa isang patag na interpretasyon ng komposisyon ng kagandahan, dekorasyon, at pinong sopistikado ng mga plastik na ritmo, ang walang alinlangan na impluwensya ng Art Nouveau ay kitang-kita. Sa Nesterov, ang landscape ay gumaganap ng isa sa mga pangunahing tungkulin.
Ang genre ng landscape ay nabuo sa isang bagong paraan sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Sa pagpasok ng siglo, maraming mga artista ang kailangang magsabi ng bagong salita.
Nasa unang bahagi ng mga tanawin ng Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939), nalutas na ang mga problema sa larawan - upang magpinta ng kulay abo sa puti, itim sa puti, kulay abo sa kulay abo. Para sa isang napakatalino na colorist, ang mundo ay lumilitaw na isang "riot of colors." Pinag-aralan niya ang parehong portrait at still life, ngunit ang paborito niyang genre ay landscape. Dinala niya ang malakas na makatotohanang mga tradisyon ng kanyang mga guro sa sining - ito ay isang iba't ibang mga pananaw sa mundo, siya ay naglalagay ng iba't ibang mga gawain. Nagsimula siyang magpinta ng en plein air nang maaga. "Sa bangka"
"Taglamig sa Lapland." Ang kanyang French landscape ay medyo impresyonistikong pagsulat, na may pinakamataas na kultura ng etude. "Paris. Boulevard des Capucines" (1906), "Paris sa gabi. Italian Boulevard" (1908). Ang Korovin ay nagpapanatili ng parehong mga tampok ng impressionistic sketch, painterly maestro, at kamangha-manghang kasiningan sa lahat ng iba pang genre, pangunahin sa portrait at still life, ngunit gayundin sa mga panel na pampalamuti, inilapat na sining, at theatrical scenery. "Portrait of Chaliapin" (1911), "Fish, Wine and Fruit" (1916).
Ang isa sa pinakamahalagang artista at isang innovator ng pagpipinta ng Russia sa pagliko ng siglo ay si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911). Ang kanyang "Girl with Peaches" (1887) at "Girl Illuminated by the Sun" (1888) ay isang buong yugto sa pagpipinta ng Russia. Si Serov ay pinalaki sa mga natatanging pigura ng kulturang musikal ng Russia - ang kanyang ama ay isang sikat na kompositor, at ang kanyang ina ay isang sikat na pianista, nag-aral siya kasama sina Repin at Chistyakov, at pinag-aralan ang pinakamahusay na mga koleksyon ng museo sa Europa. Ang mga nabanggit na larawan ay ipininta sa Abramtsevo at pumasok sa sining na may sariling maliwanag at mala-tula na pananaw sa mundo. Sa mga larawan ni Serov mayroong mga prinsipyo ng plein air painting. Kaya, inilalarawan ng artista ang mga tao na naaayon sa mundo, na puno ng paggalang at panloob na paggalaw. Ang mga kulay ay ibinibigay sa kumplikadong pakikipag-ugnayan sa bawat isa. Si Serov ay lumayo mula sa kritikal na realismo ng kanyang guro na si Repin patungo sa "poetic realism" (ang termino ng D.V. Sarabyanov). Hindi tulad ng mga impresyonista, si Serov ay hindi kailanman natutunaw sa kapaligirang ito upang siya ay mag-dematerialize; ang kanyang komposisyon ay hindi nawawala ang katatagan, masa at palaging nasa balanse.
Si Serov ay madalas na nagpinta ng mga kinatawan ng artistikong intelihente: mga manunulat, aktor at pintor (portrait ng Korovin 1891, Levitan 1892, Orlova (1910-1911), Ermolova 1905.
Isa-isa niyang binibigyang kahulugan ang lahat, ngunit lahat sila ay may liwanag ng pagiging eksklusibo ng intelektwal at inspiradong malikhaing buhay. Lumilikha si Serov ng isang simbolikong imahe na naghahatid ng kahulugan ng isang buong panahon.
"Pedro 1" (1907).
Dito pinamamahalaan ni Serov na ilarawan ang mabilis na paggalaw ng hari at ang mga courtier na walang katotohanan na nagmamadali sa kanya. Hinahangaan ng artista ang pagka-orihinal ng kanyang bayani.
Portrait, landscape, buhay pa rin, araw-araw, makasaysayang pagpipinta: langis, gouache, tempera, uling - mahirap makahanap ng pagpipinta at mga graphic na genre kung saan hindi gumana si Serov, at mga materyales na hindi niya ginamit.
Ang isang espesyal na tema sa gawain ni Serov ay ang magsasaka. Sa kanyang genre ng magsasaka mayroong isang pakiramdam ng kagandahan at pagkakaisa ng buhay ng magsasaka, paghanga sa malusog na kagandahan ng mga taong Ruso. "Sa nayon. Babae na may kabayo", pastel (1898)
Ang kanyang mga landscape sa taglamig na may kulay-pilak-perlas na hanay ng mga kulay "Sa Taglamig" ay lalo na kaakit-akit.
Si Serov ay patuloy na naghahanap ng mga bagong anyo ng artistikong pagsasalin ng katotohanan. Ang mga ideyang inspirasyon ng Art Nouveau tungkol sa pagiging patag at pagtaas ng dekorasyon ay makikita hindi lamang sa mga makasaysayang komposisyon, kundi pati na rin sa kanyang larawan ng mananayaw na si Ida Rubinstein.
Mahalaga na sa pagtatapos ng kanyang buhay, si Serov ay bumaling sa sinaunang mundo. "Ang Panggagahasa ng Europa" (1910). Ang artist ay multifaceted sa kanyang ebolusyon mula sa impressionistic authenticity ng mga portrait at landscape ng 80-90s. tungo sa modernidad sa mga motif ng kasaysayan at komposisyon mula sa sinaunang mitolohiya.
Ang malikhaing landas ni Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) ay mas direkta, kahit na sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang kumplikado. Simula sa St. Petersburg University, kung saan nagtapos siya sa Faculty of Law, hanggang sa Academy of Arts. Si Vrubel ay may istilo ng pagsulat na puno ng misteryo at halos demonyo. Ang estilo na ito ay hindi maaaring malito sa sinumang iba pa. Siya ay naglilok ng isang anyo, tulad ng isang mosaic, mula sa matutulis na "faceted" na mga piraso ng iba't ibang kulay, na parang kumikinang mula sa loob ("Girl against the background of a Persian carpet" 1886, "Fortune Teller" 1895)
Ang mga kumbinasyon ng kulay ay hindi sumasalamin sa katotohanan ng mga relasyon sa kulay, ngunit may simbolikong kahulugan. Ang kalikasan ay walang kapangyarihan sa Vrubel. Alam niya ito, ganap na pinagkadalubhasaan, ngunit lumilikha ng kanyang sariling pantasiya na mundo, na may kaunting pagkakahawig sa katotohanan. Sa ganitong diwa, si Vrubel ay kontrabida sa mga impresyonista, dahil hindi siya nagsusumikap na makakuha ng direktang impresyon ng katotohanan. Nahilig siya sa mga paksang pampanitikan, na binibigyang kahulugan niya nang abstract, sinusubukang lumikha ng walang hanggang mga imahe ng napakalaking espirituwal na kapangyarihan ("Tamara's Dance", "Huwag umiyak bata, huwag umiyak nang walang kabuluhan", "Tamara sa kabaong", atbp. ). Noong 1890, nilikha niya ang kanyang "Nakaupo na Demonyo" - isang gawain na mahalagang walang plot, ngunit ang imahe ay walang hanggan. Ang imahe ng Demon ay ang sentral na imahe ng buong gawain ni Vrubel, ang pangunahing tema nito. "The Flying Demon" 1899, "The Defeated Demon" 1902.
Ang demonyo ni Vrubel ay isang naghihirap na nilalang. Ang pagdurusa ay nangingibabaw sa kasamaan, at ito ay isang tampok ng pambansang-Russian na interpretasyon ng imahe. Nakita ng mga kontemporaryo sa kanyang "Mga Demonyo" ang isang simbolo ng kapalaran ng isang intelektwal - isang romantikong, sinusubukang mapanghimagsik na lumabas sa isang katotohanang walang pagkakasundo sa hindi tunay na mundo ng mga pangarap. Ang trahedyang ito ng worldview ni Vrubel ay tumutukoy sa kanyang mga katangian ng portrait: mental discord, breakdown sa kanyang self-portraits, pag-iingat, halos takot, ngunit din maringal na lakas, monumentality - sa portrait ni S. Mamontov (1894), pagkalito at pagkabalisa - sa engkanto -kwentong larawan ng "The Swan Princess" (1900)
Si Vrubel mismo ang bumalangkas ng kanyang gawain - "upang gisingin ang kaluluwa na may maringal na mga imahe mula sa mga bagay na pang-araw-araw na buhay." M.A. Vrubel "Self-portrait" 1904.
Ang nabanggit na Savva Mamontov ay gumanap ng napakahalagang papel sa buhay ni Vrubel. "Larawan ni Savva Mamontov" 1897
Sa Abramtsevo, gumawa siya ng maraming monumental at easel na pagpipinta; bumaling siya sa alamat: mga engkanto, epiko, ang resulta nito ay ang mga panel na "Mikula Selyanovich", "Bogatyrs". Sinubukan ng artista ang kanyang sarili sa mga keramika, interesado siya sa paganong Rus' at Greece, sa Gitnang Silangan at India - lahat ng mga kultura ng sangkatauhan, ang mga artistikong pamamaraan na sinisikap niyang maunawaan. At sa bawat oras na binago niya ang mga impression na nakuha niya sa malalim na simbolikong mga imahe, na sumasalamin sa lahat ng orihinalidad ng kanyang pananaw sa mundo.
Nilikha ni Vrubel ang kanyang pinaka-mature na mga painting at mga graphic na gawa sa pagpasok ng siglo - sa genre ng landscape, portrait, at paglalarawan ng libro. Sa organisasyon at pandekorasyon-planar na interpretasyon ng canvas o sheet, sa kumbinasyon ng tunay at hindi kapani-paniwala, sa pangako sa ornamental, rhythmically kumplikadong mga solusyon sa kanyang mga gawa sa panahong ito, ang mga tampok ng Art Nouveau ay lalong igiit ang kanilang sarili.
Tulad ng Korovin, si Vrubel ay nagtrabaho nang husto sa teatro. Ang mga gawa kung saan isinulat niya ang tanawin ("The Snow Maiden", "Sadko", atbp.) ay nagbigay ng pagkakataon na "makipag-usap" sa mga alamat ng Russia, mga engkanto, at mga alamat.
Ang gawa ni Vrubel ay mas malinaw na sumasalamin sa mga kontradiksyon at masakit na paghagis ng panahon ng paglipat.
Ang direktang exponent ng pictorial symbolism ay si Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Isa siya sa mga unang retrospectiveist sa fine arts ng border Russia. Ang kanyang mga gawa ay isang elegiac na kalungkutan para sa mga lumang walang laman na "mga pugad ng maharlika" at namamatay na "mga halamanan ng seresa", para sa magagandang kababaihan, espiritwal, halos hindi makalupa, nakadamit sa ilang uri ng walang hanggang mga kasuutan na hindi nagtataglay ng mga panlabas na palatandaan ng lugar at oras.
Ang kanyang mga gawa sa easel ay hindi kahit na kahawig ng mga pandekorasyon na panel, ngunit mga tapiserya. Ang espasyo ay nalutas sa isang labis na maginoo, patag na paraan ("Tapestry"), ang mga figure ay halos ethereal, tulad ng, halimbawa, ang mga batang babae sa pagpipinta na "Reservoir" 1902, tempera.
Lubog sa panaginip na pag-iisip, malalim na pagmumuni-muni. Ang kupas, maputlang kulay-abo na mga lilim ng kulay ay nagpapaganda ng pangkalahatang impresyon ng marupok, hindi makalupa na kagandahan.
Ang nangungunang artist ng World of Art ay si Konstantin Andreevich Somov (1869-1939).
Nakatanggap siya ng mahusay na edukasyon. Maagang dumating sa kanya ang pagiging malikhain, ngunit ang isang tiyak na duality ay maliwanag sa kanya - isang pakikibaka sa pagitan ng isang malakas na makatotohanang instinct at isang masakit na emosyonal na pang-unawa sa mundo. pagpipinta simbolismo pilak edad
Si Somov, tulad ng pagkakakilala natin sa kanya, ay lumitaw sa larawan ni Martynova "Lady in Blue", 1897-1900, sa portrait painting na "Echo of Past Time", 1903, kung saan siya ay lumikha ng isang patula na paglalarawan ng marupok, anemic na kagandahan ng babae ng isang dekadenteng modelo, tumatangging ihatid ang tunay na pang-araw-araw na mga palatandaan ng modernong panahon. Binihisan niya ang mga modelo sa mga sinaunang costume, na nagbibigay sa kanilang hitsura ng mga tampok ng lihim na pagdurusa, kalungkutan at panaginip, masakit na pagkasira.
Si Somov ay nagmamay-ari ng isang serye ng mga graphic na larawan ng kanyang mga kontemporaryo - ang intelektwal na piling tao, kung saan gumagamit siya ng isang pangkalahatang pamamaraan - sa isang puting background - sa isang tiyak na walang hanggang globo - gumuhit siya ng isang mukha, ang pagkakatulad kung saan nakamit hindi sa pamamagitan ng naturalization, ngunit sa pamamagitan ng matapang na paglalahat at isang tiyak na pagpili ng mga detalye ng katangian. Ang kawalan ng mga palatandaan ng oras ay lumilikha ng impresyon ng staticity, frozenness, lamig, at halos trahedya na kalungkutan.
Ang artist ay nailalarawan sa pamamagitan ng historicism, ito ay isang pagtakas mula sa katotohanan. Hindi ang nakaraan, ngunit ang pagtatanghal nito, ang pananabik para sa hindi maibabalik - ito ang pangunahing motibo. "Liham" 1896, "Mga Kumpidensyal" 1897.
Ang iba pang mga gawa ni Somov ay mga pastoral at magagaling na pagdiriwang, puno ng mapang-uyam na kabalintunaan, espirituwal na kahungkagan, maging ang kawalan ng pag-asa. Ang mga eksena sa pag-ibig ay laging may bahid ng erotismo.
Si Somov ay nagtrabaho nang husto bilang isang graphic artist. Ang mga aklat na idinisenyo niya ay parang isang organismo na may sariling ritmiko at estilistang pagkakaisa.
Ang pinuno ng ideolohiya ng "World of Art" ay si Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - isang hindi pangkaraniwang maraming nalalaman na talento. Pintor, pintor ng easel at ilustrador, artista sa teatro, direktor, may-akda ng mga libretto ng ballet, teorista ng sining at mananalaysay, pigura ng musika. Bilang isang artista, siya ay katulad ni Somov sa kanyang mga istilong tendensya at pagkahilig sa nakaraan. Pinagsama ng mga landscape ng Versailles ng Benoit ang makasaysayang muling pagtatayo noong ika-17 siglo at ang mga modernong impresyon ng artist, ang kanyang pang-unawa sa pagkaklasikong Pranses at pag-ukit ng Pranses. Samakatuwid ang malinaw na komposisyon, malinaw na spatiality, kadakilaan at malamig na kalubhaan ng mga ritmo, ang kaibahan sa pagitan ng kadakilaan ng mga monumento ng sining at ang liit ng mga pigura ng tao, na mga tauhan lamang sa kanila. "The Last Walks of Louis 14" 1896 - 1898 - ang unang serye ng Versailles, at sa pangalawang serye, isang tiyak na kabalintunaan ang tunog, na may bahid ng halos trahedya na mga tala. "The King's Walk" 1906.
Nakikita ni Benoit ang kalikasan sa nauugnay na koneksyon sa kasaysayan. Sa isang serye ng mga pagpipinta mula sa nakaraan ng Russia, na kinomisyon ng Knebel publishing house, sa mga eksena ng marangal at buhay ng may-ari ng lupa noong ika-18 siglo. Gumawa si Benoit ng isang matalik na imahe ng panahong ito, kahit na medyo theatrical.
"Parada sa ilalim ni Paul 1" 1907
Benoit - ang ilustrador - ay isang buong pahina sa kasaysayan ng libro. Ang eroplano ng pahina ay hindi isang katapusan para sa kanya. Ang mga ilustrasyon ay medyo kumpleto na independiyenteng mga gawa, hindi gaanong "sining ng aklat" bilang "sining sa aklat."
Bilang isang artista sa teatro, idinisenyo ni Benoi ang mga pagtatanghal ng Russian Seasons. Ang gawa ni Benoit - isang kritiko ng sining at mananalaysay ng sining - ay isang buong yugto sa kasaysayan ng kasaysayan ng sining.
Gayundin sa core ng "World of Art" ay si Lev Samuilovich Bakst (1866-1924), na naging sikat bilang isang artista sa teatro. Sa kanyang unang mga eksibisyon, ipinakita niya ang isang bilang ng mga kuwadro na gawa at mga graphic na larawan, kung saan ang kalikasan, na ipinakita sa isang stream ng mga buhay na estado, ay binago sa isang uri ng perpektong ideya ng isang kontemporaryong tao. Ito ang mga larawan ng Benois, Bely, Somov, Rozanov, Grippius, Diaghilev.
Ang mga graphics ni Bakst ay walang mga motif ng ika-18 siglo. At mga tema ng estate. Siya gravitates patungo sa antiquity, at patungo sa Greek archaic, interpreted symbolically. Ang pagpipinta na "Ancient Horror", tempera, 1908, ay nagtamasa ng partikular na tagumpay.
Di-nagtagal, ganap na inilaan ni Bakst ang kanyang sarili sa gawaing teatro at set ng disenyo, at ang kanyang mga set at costume para sa mga ballet ng Diaghilev enterprise, na gumanap nang may pambihirang kinang, birtuoso, masining, ay nagdala sa kanya ng katanyagan sa mundo.
Lalo na masasabi ng isa ang tungkol kay Nicholas Konstantinovich Roerich. Sa pagkakaroon ng mahusay na edukasyon, maaga siyang nakakuha ng awtoridad ng isang siyentipiko. Siya ay naakit ng paganong Slavic at Scandinavian antiquity, Ancient Rus'. Naobserbahan ang mga istilong tendensya at theatrical decorativeness. "The Messenger", 1897, "The Elders Converge", 1898, "The Sinister Ones", 1901.
Si Roerich ay pinaka malapit na nauugnay sa pilosopiya at aesthetics ng simbolismo ng Russia, ngunit ang kanyang sining ay hindi umaangkop sa balangkas ng umiiral na mga uso, dahil alinsunod sa pananaw sa mundo ng artist, tinutugunan nito, na parang, ang lahat ng sangkatauhan na may panawagan para sa isang mapagkaibigang unyon ng lahat ng mga tao. Kaya ang espesyal na kalidad ng epiko ng kanyang mga kuwadro na gawa.
Pagkatapos ng 1905, ang mood ng pantheistic mistisismo ay lumago sa gawa ni Roerich. Ang mga makasaysayang tema ay nagbibigay daan sa mga alamat ng relihiyon. "Labanang Makalangit", 1912.
Ang icon ng Russia ay may malaking impluwensya kay Roerich. "Ang Labanan ng Kerzhenets", 1911.
Ang isa sa mga likas na artista ay si Boris Mikhailovich Kustodiev (1878 - 1927), isang mag-aaral ng Repin. Nailalarawan din ito sa pamamagitan ng stylization, ngunit ito ang stylization ng sikat na sikat na print. Samakatuwid ang maliwanag na maligaya na "Fairs", "Maslenitsa",
"Balagan", kaya't ang kanyang mga pintura ng burges, buhay mangangalakal, ay naghatid ng bahagyang kabalintunaan, ngunit hindi hinahangaan ang mga mapupulang pisngi, kalahating tulog na mga dilag sa likod ng samovar at may mga platito sa kanilang matambok na mga daliri.
"Asawa ng Merchant" 1915,
"Asawa ng mangangalakal sa tsaa" 1918.
Ang sining ng mga pre-rebolusyonaryong taon sa Russia ay minarkahan ng pambihirang kumplikado at magkasalungat na katangian ng mga masining na pakikipagsapalaran, kaya't ang mga sunud-sunod na grupo ay may kani-kanilang mga alituntunin sa program at estilistang simpatiya.
Ang isang napakatalino na saksi sa sigla ng mga pambansang tradisyon at ang mahusay na sinaunang pagpipinta ng Russia ay ang gawa ni Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878-1939), isang artist-thinker na kalaunan ay naging pinakakilalang master ng sining ng panahon ng Sobyet. Sa sikat na pagpipinta na "Bathing the Red Horse" mula 1912, ang artist ay gumamit ng isang visual na metapora. Tulad ng wastong nabanggit, ang isang binata sa isang maliwanag na pulang kabayo ay nagbubunga ng mga asosasyon sa sikat na imahe ng St. George na Tagumpay, at ang pangkalahatang silweta, maindayog, compact na komposisyon, ang saturation ng magkakaibang mga spot ng kulay na tumutunog nang buong lakas, ang flatness sa ang interpretasyon ng mga form ay naaalala ang sinaunang icon ng Russia. Ang mga gawa ng master ay nakatuon sa mga tradisyon ng sining ng Russia; dinadala nila ang master sa totoong nasyonalidad.
Artistic associations at artistic colonies sa pagpipinta
Simula 1910 ay ang kasagsagan ng mga eksibisyon ng sining: mga eksibisyon ng mga lipunan ng World of Art, ang Moscow Partnership, ang Youth Union, at ang Spring Exhibitions ng Academy of Arts; disposable - "Scarlet Rose", "Blue Rose", "Stefanos", "Wreath", Salonov S.K. Nakuha ni Makorovsky, V.A. Izdebsky, at ng Golden Fleece Salons ang ebolusyon ng pagpipinta ng Russia mula sa impresyonismo at simbolismo hanggang sa neo-primitivism, cubo-futurism, abstract expressionism, at "analytical art."
Museo ng Sinaunang Ruso.
Ang simula ng siglo sa pandekorasyon at inilapat na sining ay minarkahan ng maliwanag na simbolistang makasagisag na disenyo ng kumplikadong mga gusali ni S.V. Malyutin sa pangalan ni M.K. Tenisheva Talashkino malapit sa Smolensk. Palaging maraming bisita sa estate, kabilang ang mga artista na si A.N. Benois, I.E. Repin, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, Sculptor Trubetskoy at marami pang iba. Dumating dito ang artist na si N.K. Roerich, na nagpinta ng pagpipinta sa Church of the Holy Spirit, hindi kalayuan sa estate. Ang artist na si S. Malyutin ay nanirahan dito, na nagdisenyo at pinalamutian ang kahoy na bahay na "Teremok". Sinamahan ng mga artista, istoryador, at arkeologo, naglakbay si Tenisheva sa mga lungsod at nayon ng Russia, nangongolekta ng mga bagay ng pandekorasyon at inilapat na sining: mga tela, burda na tuwalya, puntas, scarves, damit, palayok, atbp. Ito ang simula ng natatanging Museum of Russian Antiquity, na binuksan sa Smolensk noong 1998.
"Abramtsevo art circle".
Maraming mga kagiliw-giliw na pangalan ng kulturang Ruso ang nauugnay sa ari-arian ng Abramtsevo: manunulat S.A. Aksakov, N.V Gogol, I.S. Turgenev. Noong 1870, ang ari-arian ay binili ni S.I. Si Mamontov ay isang masigasig na eksperto sa sining. Siya ang naging tagapagtatag ng malikhaing asosasyon, na bumaba sa kasaysayan sa ilalim ng pangalang "Abramtsevo Art Circle". Natipon ni Mamontov sa paligid niya ang mga natitirang artista tulad ng I.E. Repin, V.M. Vasnetsov, V.D. Polenov, M.N. Nesterov, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, V.A. Serov at iba pa. Bawat isa sa kanila ay pumunta sa Abramtsevo upang manatili at mag-ambag sa buhay ng "artistic colony".
Association "World of Art" at ang kahalagahan nito sa pag-unlad ng kulturang Ruso.
Ang grupo kung saan bumangon ang isang malakas at maimpluwensyang kilusang pangkultura at aesthetic, na nagkakaisa sa paligid ng magazine na "World of Art", ay bumangon sa St. Petersburg noong unang bahagi ng 1890s. na may mapagpakumbabang layunin ng pag-aaral sa sarili. Sa maikling panahon ay inihanda niya ang kanyang sarili para sa malawak na mga pampublikong aktibidad at nagsimulang maimpluwensyahan ang kasalukuyang buhay ng sining. Sa pag-unlad ng buhay panlipunan ng bilog, ang papel ng S.P. ay lalong makabuluhan. Diaghilev. Ang pangunahing ideya na gumabay sa kanya ay lumago mula sa kanyang malalim na paniniwala sa pandaigdigang kahalagahan ng sining ng Russia. Itinakda niya sa kanyang sarili ang layunin ng pag-isahin ang pinakamahusay na mga artistang Ruso, tulungan silang pumasok sa artistikong buhay sa Europa at, sa kanyang mga salita, "pagluwalhati sa sining ng Russia sa Kanluran." Inilaan ni Diaghilev ang lahat ng kanyang mga aktibidad sa gawaing ito. Ang kanyang pangkat ng St. Petersburg, na kinabibilangan nina Somov, Bakst, Benois at Lanceray, ay pumasok sa isang malapit na alyansa sa Vrubel, Levitan, Serov, Korovin, Nesterov, Ryabushinsky at iba pang mga pintor ng Moscow. Ang malawak na asosasyong ito, na hindi masusukat ang laki ng orihinal na pangkat ng Diaghilev, ay nagsilbing batayan kung saan nagawang ayusin ni Diaghilev ang isang art magazine, na naging sentro ng ideolohikal ng sining ng Russia noong mga unang taon ng ika-20 siglo.
Ang magazine, na tinatawag na "World of Art", ay nai-publish sa loob ng 6 na taon (1899-1904) sa ilalim ng editorship ng Diaghilev, taun-taon na nag-aayos ng mga eksibisyon ng sining sa ilalim ng parehong pangalan. Ang pangunahing core ng mga eksibisyong ito ay palaging nanatiling mga gawa ng mga pintor at graphic artist ng St. Petersburg Diaghilev group. Sa gitna nila nabuo ang kilusang masining na "World of Art".
Ang kasaysayan ng "World of Art" ay may dalawang magkahiwalay, bagama't magkakaugnay, na mga aspeto:
sa isang banda, ito ang kasaysayan ng malikhaing direksyon na binuo sa pangkat ng mga artista ng St. Petersburg, na pinamumunuan nina Benois at Somov;
sa kabilang banda, ito ang kasaysayan ng isang masalimuot na kilusang pangkultura-aesthetic na humatak sa orbit nito ng isang bilang ng mga pangunahing master ng Russia, na ang gawain ay binuo nang independiyente sa pangkat ng St. biswal na wika.
Nakuha ng kilusang ito hindi lamang ang pagpipinta at mga graphic, kundi pati na rin ang ilang magkakaugnay na larangan ng kultura, at naimpluwensyahan ang arkitektura ng Russia, iskultura, tula, ballet at teatro ng opera, pati na rin ang kritisismo sa sining at ang agham ng sining. Ang gawaing pang-edukasyon ng "World of Art" sa loob ng anim na taon ng pagkakaroon nito ay itinuro sa dalawang pangunahing channel: ang magazine, una, ay sumasakop sa kasalukuyang estado ng fine art sa Russia at sa ilang mga bansa sa Kanlurang Europa at, pangalawa, sistematikong , sistematikong ibinunyag sa mga mambabasa na nakalimutan o ang hindi maintindihan na mga halaga ng pambansang artistikong kultura ng nakaraan. Ang karagdagang mga aktibidad ng magazine na binuo, mas mahalaga ang mga tema ng sinaunang Ruso na nakuha dito. Ang "mundo ng sining" ay umunlad mula sa modernismo hanggang sa retrospectivism. Sa kurso ng ebolusyon na ito, ang mga kalahok ng magazine ay gumawa ng maraming mahahalagang makasaysayang at artistikong pagtuklas: ito ay "World of Art" na naglatag ng mga pundasyon para sa isang sistematikong pag-aaral ng kulturang sining ng Russia noong ika-18 siglo. , hanggang ngayon ay kalahating nakalimutan, o kahit na misinterpret. Slava D.G. Sina Levitsky at V.L. Si Borovikovsky, pati na rin ang mga kahanga-hangang arkitekto ng Russian Baroque at Classicism, ay nagsimula sa mga gawa ng Diaghilev, Benois, Grabar at iba pa.
Sila ang una sa agham ng Russia na bumaling sa pamana ng mga romantikong Ruso at sentimentalista, at muling sinuri ng mga mananaliksik ang gawain ng O.A. Kiprensky, A.G. Venetsianov, F. Tolstoy.
Ang parehong mga kritiko ay may karangalan na radikal na baguhin ang itinatag na mga maling kuru-kuro tungkol sa sinaunang arkitektura ng St. Petersburg. Ang artistikong kahalagahan nito ay lubos na na-overestimated. Ang mga artikulo ni Benoit, na humanga sa kagandahan ng lumang Petersburg, ay isang tunay na paghahayag para sa mga mambabasa noong panahong iyon.
Sa asosasyong "World of Art", ang mga graphic na libro ng Ruso ng modernong panahon, pati na rin ang kulturang teatro ng Russia, ay muling nabuhay at nabuo.
Ang magazine ay sistematikong suportado ang pagbuo ng pandekorasyon at inilapat na sining at artistikong sining.
Sa wakas, sa "The World of Art" na nagsimula ang isang bagong yugto sa kasaysayan ng kritisismo sa sining ng Russia at kritisismo sa sining. Ang mga tagumpay na nakamit ng World of Art sa mga usaping pang-organisasyon ay nagbigay ng lakas sa mga artistang Ruso na lumikha ng mga bagong grupo ng eksibisyon at malikhaing asosasyon.
"Blue Rose".
Sa pagliko ng siglo, ang sining ay sumiklab sa ideya ng ganap na kalayaan, pagsasarili. Ang mga tagapagtatag ng pakikibaka para sa kadalisayan at intrinsic na halaga ng sining ay ang Symbolist na makata at artista ng grupong "World of Art". Ang sining ay naging mas malakas sa pagiging tiyak nito, umaasa sa mga panloob na kakayahan.
Ang unang pangkat kung saan nagsimula ang countdown ng mga bagong direksyon sa pagpipinta ng Russia noong unang bahagi ng ika-20 siglo ay ang "Blue Rose". Sa ilalim ng pangalang ito, noong 1907, isang eksibisyon ang binuksan sa Moscow, kung saan kinuha ni A. Arapov, N. Krymov, P. Kuznetsov, V. at N. Milioti, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, P. bahagi. Utkin at iba pa, 16 na artista sa kabuuan.
Ang Vernissage 1907 ay hindi isang sorpresa. Kahit na sa mga unang eksibisyon ng World of Art, lumitaw ang mga unang gawa ng ilang hinaharap na "Goluborozovites". Noong 1904, ang eksibisyon ng "Scarlet Rose" ay inayos sa Saratov, na siyang direktang hinalinhan ng "Blue Rose". Ang mga residente ng Saratov - V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov, P. Utkin - ay nakibahagi dito; inanyayahan ang mga batang artista mula sa ibang mga lungsod na Saryan, Sapunov, Sudeikin, Arapov, Vrubel. Ang huli ay gumanap ng isang makabuluhang, kagila-gilalas na papel sa gawain ng lahat ng mga Goluborozovite. Ang eksibisyon na "Blue Rose", na inayos gamit ang mga pondo mula sa patron at publisher ng "The Golden Fleece", amateur artist na si N. Ryabushinsky, ay binuksan noong Marso 18, 1907 sa Moscow, sa bahay ng tagagawa ng porselana na si M. Kuznetsov. Sa buong istraktura nito, naiiba ito sa mga ordinaryong eksibisyon, na kumakatawan sa isang tiyak na misteryosong mundo: "alinman sa isang salon, o isang kapilya" na may mga dimmed na ilaw at translucent na mga kurtina. Ngunit ang pangunahing sorpresa ay ang mga gawa mismo. Ang mga bulwagan, pinalamutian ng pilak-kulay-abo at malambot na asul na tela, may mga kuwadro na gawa at graphic na gawa ng labing-apat na artista - P. Kuznetsov, P. Utkin, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, N. Krymov, A. Arapov, A. Fonvizina, N. at V. Milioti, N. Feofilaktov, V. Drittenpreis, I. Knabe at N. Ryabushinsky. Ang mga gawang eskultura nina A. Matveev at P. Bromirsky ay matatagpuan din dito. Ang musika ng mga kompositor ng Russia ay nilalaro, ginanap ng pinakamahusay na mga musikero, at binasa ang mga tula nina A. Bely at V. Bryusov.
Ang pangalan ng eksibisyon at asosasyon, pati na rin ang estilo ng mga gawa ng mga kalahok, ay malapit na nauugnay sa aesthetics ng simbolismo. Ang asul na kulay - ang kulay ng langit, tubig, walang katapusang espasyo - ay tila nagpapakilala sa mala-tula na panaginip at katotohanan, mapanglaw at pag-asa. Ang "Blue Rose" ay isang eksibisyon ng grupo na pinagsama ng isang solong aesthetic na programa. Salamat sa hitsura nito, ang mga nakaraang artistikong asosasyon, kabilang ang World of Art, ay nawala ang kanilang dating kahalagahan. Ang pagpapatuloy ng mga inisyatiba ng "World of Art", "Blue Rose", sa parehong oras, ay sumalungat sa mundo ng estilo ng sining at panitikan at ipinakilala ang isang bagay na panimula na bago sa artistikong kamalayan ng panahon. Ito ang unang hakbang ng sining ng Russia sa kabila ng ika-19 na siglo. Ang pagiging natatangi ng "Blue Rose" ay nakasalalay sa katotohanan na ang mga artista nito ay nakapagpahayag ng plastik na hindi nasasalat na mga kategorya - mga emosyon, mood, espirituwal na karanasan. Ang pagkakaroon ng ginawang neo-primitivism bilang mahalagang bahagi, ang Blue Rose ay ang nangunguna sa Russian avant-garde. Ang kanyang mga ideya ay kinuha at binuo sa kanilang sariling paraan sa mga gawa ni N. Goncharova, M. Larionov, K. Malevich.
Ang mga Goluborozovite ay nauugnay sa Moscow Symbolist poets, kasama ang Symbolist composers Scriabin at Menter. Kung ihahambing ang mga ito sa mga simbolistang makata, hindi maaaring hindi mapansin ng isa ang isang makabuluhang pagkakaiba. Ang mga makata ay lumikha ng kanilang sariling teorya ng simbolismo; ang lahat ng mga makata na sumulat tungkol sa simbolismo noong 1890-1900 ay malinaw na nagpapahayag sa kanilang mga teorya ng ideya ng kahulugan ng imahe, ang kakulangan ng panlabas na pagpapahayag sa panloob na estado ng kaluluwa, at ang hindi maipaliwanag ng mas mataas na espirituwalidad.
"Ang mga simbolistang pintor ay hindi bumuo ng kanilang sariling teorya. Vrubel sa kanyang maagang simbolismo noong 1890s. marami ang kinuha mula sa romantikong konsepto ng pagkamalikhain. Si Borisov-Musatov ay nagsalita at nagsulat ng higit pa tungkol sa musika at pagkakaisa kaysa sa simbolo. Ang mga Goluborozovites Kuznetsov, Utkin, ang mga kapatid na Milioti at iba pa ay walang alinlangan na nag-isip tungkol sa simbolikong kahulugan ng masining na imahe, ngunit, na may mga bihirang pagbubukod, ay hindi nagpahayag ng kanilang mga saloobin sa salita. Ang lahat ng mga master ay, una sa lahat, mga praktikal na pintor, na nagawang lumikha ng isang tiyak na sistema ng sining sa pamamagitan ng kanilang pagkamalikhain.
Ang asosasyon ng Blue Rose ay tumigil na umiral noong 1910.
Konklusyon
Kaya, ang simbolistang pagpipinta ay isang paraan ng paghahatid ng karanasang pangkultura at pinagmumulan ng pag-unlad ng malikhaing pag-iisip at spatial na imahinasyon.
Ang simbolismo ng Russia, sa kaibahan sa simbolismo ng Kanlurang Europa, na pangunahing binuo bilang isang pampanitikan at artistikong paaralan, mula sa pinakadulo sandali ng pagsisimula nito ay hinahangad na lumampas sa mga hangganan ng sining mismo at maging isang malawak na kilusang pangkultura, isang tiyak na pananaw sa mundo, na may layunin. ng kaligtasan at pagbabago ng sangkatauhan. Naniniwala ang mga simbolistang Ruso na ang isang tunay na artista, bilang isang theurgist, ay tinatawag na lumikha hindi lamang ng mga masining na anyo ng buhay. Ang simbolismo ng Russia ay isa sa mga tipikal na pagpapakita ng pagkamalikhain sa buhay.
Ang mga pictorial system ng simbolismong Ruso, na itinayo sa mga plastik at panitikan na pundasyon, ay bumuo ng isang orihinal na pambansang paaralan, na sumasakop sa isang mahalagang lugar sa pan-European na simbolismo sa larangan ng plastik na sining.
Ang teorya at kasanayan ng simbolismong Ruso ay batay sa musikalidad, dahil ang musika ang pinakaperpektong anyo ng sining, kasama ang lahat ng iba pang anyo ng sining, at direktang nagpapahayag ng transendental na mundo. Ang paghahanap at pagpapalawak ng musikal na paraan ng pagpapahayag sa pagpipinta, ang mismong kilusan patungo sa paglikha ng gayong mga pagpipinta, ay tinawag upang ibalik ang nawalang integridad, ang pagkakaisa ng sansinukob.
Kaya, sa pagpipinta ng simbolismo ng Russia, ang mga pangunahing teoretikal na prinsipyo ng simbolismo ay natanto, lalo na, ang problema ng paglikha ng buhay, theurgy, synthesis, atbp.
Listahan ng ginamit na panitikan
M.A. Voskresenskaya "Symbolism bilang isang worldview ng Silver Age" Moscow "Logos", 2005;
2.I. Golitsyn "Kasaysayan ng pagpipinta ng Russia. Ang pagliko ng ika-19 - ika-20 siglo" Moscow "White City", 2007;
T.V. Ilyin “Kasaysayan ng Sining. Domestic Art" Moscow "Higher School", 2000;
Mga periodical:
.“50 Russian artist. Mga Obra maestra ng pagpipinta ng Russia" Isyu Blg. 5, Moscow, De Agostini LLC, 2010;
5. “50 Russian artist. Mga obra maestra ng pagpipinta ng Russia" Isyu Blg. 11, Moscow, De Agostini LLC, 2010;
Вibliotekar.ru
Nagtuturo
Kailangan mo ng tulong sa pag-aaral ng isang paksa?
Ang aming mga espesyalista ay magpapayo o magbibigay ng mga serbisyo sa pagtuturo sa mga paksang interesado ka.
Isumite ang iyong aplikasyon na nagpapahiwatig ng paksa ngayon upang malaman ang tungkol sa posibilidad ng pagkuha ng konsultasyon.
Sa pagpipinta, nagpatuloy ang "Edad ng Pilak" hanggang sa paglipat mula sa Russia ng isang kalawakan ng mga natitirang kinatawan ng abstract na sining (Larionov, Goncharova, Kandinsky, Malevich, Tatlin, atbp.).
Sa mahirap na panahon na ito para sa bansa, para sa mga pintor ng pagliko ng siglo, ang iba pang mga pamamaraan ng pagpapahayag, iba pang anyo ng artistikong pagkamalikhain ay naging katangian - sa mga imahe na magkasalungat, kumplikado at sumasalamin sa modernidad nang walang paglalarawan o pagsasalaysay. Masakit na hinahanap ng mga artista ang pagkakasundo at kagandahan sa isang mundo na sa panimula ay dayuhan sa parehong pagkakatugma at kagandahan. Kaya naman marami ang nakakita sa kanilang misyon sa paglinang ng pakiramdam ng kagandahan. Ang oras na ito ng "mga bisperas", ang mga inaasahan ng mga pagbabago sa pampublikong buhay, ay nagbunga ng maraming paggalaw, asosasyon, pagpapangkat, isang pag-aaway ng iba't ibang pananaw sa mundo at panlasa. Ngunit nagbigay din ito ng unibersalismo ng isang buong henerasyon ng mga artista na lumitaw pagkatapos ng "klasikal" na Peredvizhniki. Sapat na pangalanan lamang ang mga pangalan ng V.A. Serov at M.A. Vrubel.
Pagkatapos ng 1915, ang Moscow ay naging kabisera ng makabagong sining. Mula 1916 hanggang 1921, sa Moscow nabuo ang mga uso sa avant-garde sa pagpipinta. Ang asosasyong "Jack of Diamonds" (Konchalovsky, Kuprin, Falk, Udaltsova, Lentulov, Larionov, Mashkov, atbp.), Na tumanggi sa akademiko at makatotohanang sining, at ang bilog na "Supremus" (Malevich, Rozanova, Klyuv, Popova) ay nakakakuha. lakas. Sa Moscow at St. Petersburg, lumilitaw ang mga bagong direksyon, lupon at lipunan paminsan-minsan, lumilitaw ang mga bagong pangalan, konsepto at diskarte:
Ang pag-alis mula sa realismo patungo sa "poetic realism" sa mga gawa ni V. A. Serov. Isa sa pinakamahalagang artista, isang innovator ng pagpipinta ng Russia sa pagsisimula ng siglo, ayon kay G.Yu. Sternin, lumitaw si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911). Ang kanyang "Girl with Peaches" (portrait of Vera Mamontova) at "Girl Illuminated by the Sun" (portrait of Masha Simanovich) ay isang buong yugto sa Russian painting. Si Serov ay pinalaki sa mga natatanging pigura ng kulturang musikal ng Russia (ang kanyang ama ay isang sikat na kompositor, ang kanyang ina ay isang pianista), nag-aral kasama sina Repin at Chistyakov, pinag-aralan ang pinakamahusay na mga koleksyon ng museo sa Europa, at sa pagbalik mula sa ibang bansa ay sumali sa bilog na Abramtsevo.
Ang mga imahe nina Vera Mamontova at Masha Simanovich ay napuno ng isang pakiramdam ng kagalakan ng buhay, isang maliwanag na pakiramdam ng pagiging, at isang maliwanag, matagumpay na kabataan. Ito ay nakamit sa pamamagitan ng "light" impressionistic painting, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng "prinsipyo ng randomness", sculpting ang form na may isang dynamic, libreng brushstroke, na lumilikha ng impresyon ng isang kumplikadong light-air na kapaligiran. Ngunit hindi tulad ng mga impresyonista, hindi kailanman natutunaw ni Serov ang isang bagay sa kapaligirang ito upang ito ay mag-dematerialize, ang kanyang komposisyon ay hindi kailanman nawawalan ng katatagan, ang masa ay palaging nasa balanse. At ang pinakamahalaga, hindi nito nawawala ang mga integral na pangkalahatang katangian ng modelo.
Si Serov ay mabilis na naging isa sa mga pinakamahusay na pintor ng portrait sa Russia, tuso na pinatalas ang pinaka-katangiang mga tampok ng modelo at nakamit ang sukdulang liwanag ng kapaligiran ng liwanag-hangin at kulay.
Sa direksyon ng impresyonismo ni K.A. Korovina. Si Korovin, sa ilalim ng impluwensya ng impresyonismo, ay nakabuo ng isang libreng pandekorasyon na istilo. Makukulay na nakamamanghang theatrical scenery. Nasa unang bahagi ng mga tanawin ng Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939), nalutas na ang mga problema sa larawan - upang magpinta ng kulay abo sa puti, itim sa puti, kulay abo sa kulay abo. Ang "Konseptwal" na tanawin (ang termino ni M.M. Allenov), tulad ng kay Savrasov o Levitanov, ay hindi interesado sa kanya.
Para sa makikinang na colorist na si Korovin, lumilitaw ang mundo bilang isang "riot of colors." Mapagbigay na likas na matalino, pinag-aralan ni Korovin ang parehong mga portrait at still life, ngunit hindi mali na sabihin na ang landscape ay nanatiling paborito niyang genre. Dinala niya sa sining ang malakas na makatotohanang tradisyon ng kanyang mga guro mula sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture - Savrasov at Polenov, ngunit mayroon siyang ibang pananaw sa mundo, nagtatakda siya ng iba't ibang mga gawain. Ang mapagbigay na artistikong talento ni Korovin ay maliwanag na ipinakita sa theatrical at decorative painting. Bilang pintor ng teatro, nagtrabaho siya sa Abramtsevo Theater (at marahil si Mamontov ang unang nagpahalaga sa kanya bilang isang artista sa teatro), para sa Moscow Art Theater, para sa Moscow Private Russian Opera, kung saan nagsimula ang kanyang panghabambuhay na pakikipagkaibigan kay Chaliapin, para sa Diaghilev enterprise.
Itinaas ni Korovin ang theatrical scenery at ang kahalagahan ng artist sa teatro sa isang bagong antas, gumawa siya ng isang buong rebolusyon sa pag-unawa sa papel ng artist sa teatro at nagkaroon ng malaking impluwensya sa kanyang mga kontemporaryo sa kanyang makulay, "kamangha-manghang" tanawin, na nagpapakita ng pinakadiwa ng isang musikal na pagtatanghal.
Sa direksyon ng post-impressionism ni V.E. Borisova-Musatova. Nasa unang bahagi ng plein air sketches-paintings ng Borisov-Musatov ay mayroong isang pakiramdam ng kapana-panabik, hindi maipaliwanag na misteryo ("Window"). Ang pangunahing motif kung saan ang isang "iba't ibang mundo", na nakatago sa ilalim ng manipis na kulay, ay nagbubukas para sa artist ay "mga marangal na pugad," nabubulok na mga sinaunang estates (karaniwan siyang nagtatrabaho sa Sleptsovka at Zubrilovka estates sa lalawigan ng Saratov). Ang makinis, "musika" na ritmo ng mga pagpipinta ay paulit-ulit na nagpaparami ng mga paboritong tema ni Borisov-Musatov: ito ang mga sulok ng parke at mga babaeng figure (kapatid na babae at asawa ng artista), na tila mga imahe. mga kaluluwa ng tao pagala-gala sa kabilang mundong larangan ng pagtulog. Sa karamihan ng kanyang mga gawa, ginusto ng master ang watercolor, tempera o pastel sa langis, na nakakamit ng isang espesyal, "natutunaw" na liwanag ng brushstroke.
Mula sa pagpipinta hanggang sa pagpipinta ("Tapestry", "Pond", "Ghosts") ang pakiramdam ng "ibang mundo" ay lumalaki; sa "Requiem", na isinulat sa memorya ng namatay na kapatid na babae, nakikita na natin ang isang buong multi-figured na sakramento, kung saan ang namatay ay sinamahan ng kanyang "astral doubles". Kasabay nito, ang master ay lumilikha ng malinis, desyerto na mga landscape, puno ng pinakamahusay na liriko ("Hazel Bush", "Autumn Song"). Siya gravitates patungo sa isang malaki, monumental na estilo ng wall painting, ngunit ang lahat ng mga plano ng ganitong uri (halimbawa, isang cycle ng sketch sa tema ng mga season, 1904-1905) ay hindi kailanman natanto sa arkitektura.
Ang mapangarapin na pag-uugali ng artista ("Nabubuhay ako sa isang mundo ng mga panaginip at mga pantasya sa gitna ng mga birch groves, nakatulog sa mahimbing na pagtulog ng mga hamog ng taglagas," sumulat siya kay A.N. Benoit noong 1905 mula sa Tarusa) ay hindi nag-aalis sa kanyang gawain ng isang pakiramdam ng pagiging makasaysayan. . Ang mga tula ng buhay ng ari-arian ay puno sa kanya (tulad ng sa panitikan noong panahong iyon - sa mga gawa ni A.P. Chekhov, I.A. Bunin, A. Bely, atbp.) Na may premonisyon ng papalapit na nakamamatay, sakuna na mga milestone. Ang maagang pagkamatay ng master ay nagpalakas ng pang-unawa sa kanyang mga imahe bilang isang liriko na requiem na nakatuon sa lumang Russia. Si Borisov-Musatov ay ang agarang hinalinhan ng mga artista ng Blue Rose, na nagkakaisa, lalo na, sa pamamagitan ng malalim na paggalang sa kanyang pamana.
Sa direksyon ng "pictorial symbolism" ni M.A. Vrubel. Ang pananabik ng artist para sa monumental na sining, na lampas sa saklaw ng easel painting, ay tumindi sa paglipas ng mga taon; Ang isang malakas na pagsabog ng pananabik na ito ay ang mga higanteng panel na "Mikula Selyaninovich" at "Princess Dreams". Gayunpaman, ito ay pagpipinta ng easel, kahit na kinuha nito ang karakter ng mga panel, na nanatiling pangunahing channel ng kanyang paghahanap. Ang makulay na karangyaan ng gayong mga pagpipinta tulad ng "Babae laban sa background ng isang Persian na karpet", "Venice", "Spain" ay hindi nakakubli sa pagkabalisa na nakatago sa likod ng panlabas na ningning. Minsan ang nakanganga na madilim na kaguluhan ay nababalot ng mga elemento ng alamat: sa mga kuwadro na "Pan", "The Swan Princess", "Towards Night", ang mga tema ng mitolohiya ay hindi mapaghihiwalay sa tula. katutubong kalikasan. Ang liriko na paghahayag ng tanawin, na parang bumabalot sa manonood ng makulay nitong ulap, ay lalong kahanga-hanga sa "Lilac." Ang mga larawan ni Vrubel ng K.D. ay mas analytical at kinakabahan. at M.I. Artsybushev, pati na rin ang S.I. Mamontova.
Nilikha ni Vrubel ang kanyang pinaka-mature na mga painting at mga graphic na gawa sa pagpasok ng siglo - sa genre ng landscape, portrait, at paglalarawan ng libro. Sa organisasyon at pandekorasyon-planar na interpretasyon ng canvas o sheet, sa kumbinasyon ng tunay at hindi kapani-paniwala, sa pangako sa ornamental, rhythmically kumplikadong mga solusyon sa kanyang mga gawa sa panahong ito, ang mga tampok ng Art Nouveau ay lalong igiit ang kanilang sarili.
Mas malinaw na sinasalamin ni Vrubel ang mga kontradiksyon at masakit na paghagis ng panahon ng paglipat. Sa araw ng libing ni Vrubel, sinabi ni Benois: "Ang buhay ni Vrubel, na ngayon ay mapupunta sa kasaysayan, ay isang kahanga-hangang kalunus-lunos na simponya, iyon ay, ang ganap na anyo ng artistikong pag-iral. Ang mga susunod na henerasyon... ay magbabalik-tanaw sa huling sampung taon ng ika-19 na siglo bilang ang "panahon ng Vrubel"... Doon ipinahayag ng ating panahon ang sarili nito sa pinakamaganda at pinakamalungkot na paraan na kaya nitong gawin. ”
Pansinin ng mga kritiko ng sining na ang pagpipinta ng genre ay umuunlad noong dekada 90, ngunit medyo naiiba ito. Kaya, ang tema ng magsasaka ay inihayag sa isang bagong paraan. Ang split sa rural community ay binibigyang-diin at akusatoryong inilalarawan ni Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) sa pelikulang "On the World." Si Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) ay naipakita ang kawalan ng pag-asa ng pagkakaroon sa mahirap, nakakapagod na trabaho sa pelikulang "Washerwomen". Nakamit niya ito sa malaking lawak salamat sa mga bagong pagtuklas ng larawan at mga bagong naunawaang posibilidad ng kulay at liwanag. Ang kakulangan ng kasunduan at ang matagumpay na natagpuang nagpapahayag na detalye ay ginagawang mas trahedya ang pagpipinta ni Sergei Vasilyevich Ivanov (1864-1910) "Sa Daan". Ang pagkamatay ng isang migrante." Ang mga baras na lumalabas, na parang itinaas sa isang hiyawan, ay nagsasadula ng aksyon nang higit pa kaysa sa patay na lalaking inilalarawan sa harapan o sa babaeng umaangal sa itaas niya. Pagmamay-ari ni Ivanov ang isa sa mga gawa na nakatuon sa rebolusyon ng 1905 - "Pagpapatupad". Ang impresyonistikong pamamaraan ng "bahagyang komposisyon", na parang isang random na inagaw na frame, ay napanatili dito: isang linya lamang ng mga bahay, isang linya ng mga sundalo, isang grupo ng mga demonstrador ang nakabalangkas, at sa harapan, sa isang naliliwanagan ng araw na parisukat, ay ang pigura ng isang patay na tao at isang aso na tumatakbo mula sa putok ng baril. Ang Ivanov ay nailalarawan sa pamamagitan ng matalim na liwanag at mga kaibahan ng anino, isang nagpapahayag na balangkas ng mga bagay, at isang kilalang flatness ng imahe. Lapidary ang wika niya.
Noong 90s ng siglo XIX. Kasama sa sining ang isang artista na ginagawang pangunahing karakter ng kanyang mga gawa ang manggagawa. Noong 1894, lumitaw ang isang pagpipinta ni N.A. Kasatkina (1859-1930) "Miner", noong 1895 - "Mga Minero ng Coal. Magbago".
Sa pagliko ng siglo, ang isang bahagyang naiibang landas ng pag-unlad kaysa sa Surikov ay nakabalangkas sa makasaysayang tema. Halimbawa, gumagana si Andrei Petrovich Ryabushkin sa makasaysayang genre kaysa sa puro makasaysayang genre. "Mga babaeng Ruso noong ika-17 siglo sa simbahan", "Train sa kasal sa Moscow. siglo XVII", "Pupunta sila. (Ang mga tao ng Moscow sa panahon ng pagpasok ng isang dayuhang embahada sa Moscow sa pagtatapos ng ika-17 siglo)", "Moscow street ng ika-17 siglo sa isang holiday" at iba pa - ito ang mga pang-araw-araw na eksena mula sa buhay ng Moscow sa ika-17 siglo. Ang Ryabushkin ay lalo na naaakit sa siglong ito, kasama ang gingerbread na kagandahan, polychrome, at mga pattern nito. Ang artista ay aesthetically hinahangaan ang nakalipas na mundo ng ika-17 siglo.
Si Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) ay binibigyang pansin ang tanawin sa kanyang mga makasaysayang komposisyon. Ang kanyang paboritong paksa ay ang ika-17 siglo, ngunit hindi araw-araw na mga eksena, ngunit ang arkitektura ng Moscow. “Kalye sa Kitai-Gorod. Simula ng ika-17 siglo." Pagpipinta "Moscow sa pagtatapos ng ika-17 siglo. At Dawn at the Resurrection Gate, "maaaring naging inspirasyon ng pagpapakilala sa opera ni Mussorgsky na "Kovanshchina," kung saan kamakailan ay natapos ni Vasnetsov ang mga sketch ng tanawin.
Ang isang bagong uri ng pagpipinta, kung saan ang mga katutubong artistikong tradisyon ay pinagkadalubhasaan sa isang ganap na espesyal na paraan at isinalin sa wika ng modernong sining, ay nilikha ni Philip Andreevich Malyavin (1869-1940), na sa kanyang kabataan ay nag-aral ng pagpipinta ng icon sa Athos Monastery , at pagkatapos ay nag-aral sa Academy of Arts kasama si Repin. Ang kanyang mga larawan ng "kababaihan" at "mga babae" ay may isang tiyak na simbolikong kahulugan - malusog na lupa ng Rus'. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay palaging nagpapahayag, at kahit na ang mga ito, bilang isang panuntunan, ay gumagana ng easel, nakakatanggap sila ng isang monumental at pandekorasyon na interpretasyon sa ilalim ng brush ng artist. Ang "Laughter", "Whirlwind" ay isang makatotohanang paglalarawan ng mga babaeng magsasaka na tumatawa nang malakas o walang kontrol na nagmamadali sa isang bilog na sayaw. Pinagsama ni Malyavin ang nagpapahayag na decorativeism na may makatotohanang katapatan sa kalikasan sa kanyang pagpipinta.
Ang tema ng Sinaunang Rus ', tulad ng isang bilang ng mga masters bago sa kanya, ay hinarap ni Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862-1942), ngunit ang imahe ng Rus' ay lumilitaw sa mga pagpipinta ng artist bilang isang uri ng perpekto, halos enchanted na mundo, sa pagkakaisa sa kalikasan, ngunit nawala magpakailanman tulad ng maalamat na lungsod ng Kitezh . Ang matinding pakiramdam ng kalikasan, kasiyahan sa mundo, sa bawat puno at talim ng damo, ay partikular na malinaw na ipinahayag sa isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Nesterov ng pre-rebolusyonaryong panahon - "Vision to the Youth Bartholomew." Bago bumaling sa imahe ni Sergius ng Radonezh, si Nesterov ay nagpahayag na ng interes sa tema ng Ancient Rus 'na may mga gawa tulad ng "The Bride of Christ", "The Hermit", na lumilikha ng mga imahe ng mataas na espirituwalidad at tahimik na pagmumuni-muni. Inilaan niya ang ilang higit pang mga gawa kay Sergius ng Radonezh mismo: "Ang Kabataan ni St. Sergius", ang triptych "Mga Gawa ni St. Sergius", "Sergius ng Radonezh".
Sa pagnanais ng artist para sa isang patag na interpretasyon ng komposisyon, kagandahan, dekorasyon, at pinong sopistikado ng mga plastik na ritmo, ang walang alinlangan na impluwensya ng Art Nouveau ay kitang-kita.
Ang isang napakahalagang lugar sa pagbuo ng abstract na pagpipinta ay kabilang sa makikinang na Russian artist, makata at art theorist na si V.V. Kandinsky (1866-1944). Noong 1910 nilikha niya ang unang abstract na gawa at nagsulat ng isang treatise na pinamagatang "On the Spiritual in Art" (na inilathala noong 1912 sa German, ang mga fragment ng Russian version ay binasa ni N.I. Kulbin noong Disyembre 1911 sa All-Russian Congress of Artists sa St. . Petersburg). Ang pagkakaroon ng isulong ang espirituwal na nilalaman nito bilang pangunahing pundasyon ng sining, naniniwala si Kandinsky na ang pinakaloob na kahulugan ay maaaring ganap na maipahayag sa mga komposisyon na inayos batay sa ritmo, ang psychophysical na epekto ng kulay, mga kaibahan ng dynamics at statics.
Pinag-grupo ng artist ang mga abstract painting sa tatlong cycle: "Mga Impression", "Improvisation" at "Compositions". Ritmo, emosyonal na tunog ng kulay, enerhiya ng mga linya at mga spot mga komposisyong may larawan ay nilayon upang ipahayag ang makapangyarihang liriko na mga sensasyon, katulad ng mga damdaming nagising ng musika, tula, at mga tanawin ng magagandang tanawin. Ang carrier ng mga panloob na karanasan sa mga di-layunin na komposisyon ng Kandinsky ay naging coloristic at compositional orchestration, na isinagawa sa pamamagitan ng pictorial na paraan - kulay, tuldok, linya, lugar, eroplano, magkakaibang banggaan ng mga makukulay na spot. Ang isa pang lumikha ng modernong sining ay si K.S. Malevich (1878-1935). Sa kanya nagsisimula ang panahon ng Suprematism (mula sa Latin na supremus - pinakamataas, huli), o ang sining ng geometric abstraction. Mula sa isang malaking pamilyang Polish, pumunta siya sa Moscow noong 1905 upang mag-aral ng pagpipinta at pag-sculpting. Matapos ang pagsiklab ng Unang Digmaang Pandaigdig, nagsagawa siya ng isang bilang ng mga propaganda patriotikong tanyag na mga kopya na may mga teksto ni V. V. Mayakovsky para sa publishing house na "Modern Lubok". Noong tagsibol ng 1915, lumitaw ang mga unang pagpipinta ng abstract geometric na istilo, na sa lalong madaling panahon natanggap ang pangalang "Suprematism". Ibinigay ni Malevich ang pangalan na "Suprematism" sa imbentong direksyon - mga regular na geometric na figure, pininturahan ng mga purong lokal na kulay at nahuhulog sa isang uri ng "puting kailaliman" kung saan naghahari ang mga batas ng dinamika at estatika. Ang terminong kanyang nilikha ay bumalik sa salitang Latin na "suprem", na nabuo ang salitang "suprematia" sa katutubong wika ng artist, Polish, na isinalin ay nangangahulugang "supremacy", "supremacy", "dominance". Sa unang yugto ng pagkakaroon ng bagong artistikong sistema, si Malevich, sa salitang ito, ay naghangad na ayusin ang primacy, ang pangingibabaw ng kulay sa lahat ng iba pang bahagi ng pagpipinta. Noong 1915, ipinakita ni Malevich ang 39 na "hindi layunin" na mga gawa sa Petrograd, kabilang ang "Black Square". Noong 1931 lumikha siya ng mga sketch ng mga kuwadro na gawa ng Red Theater sa Leningrad, na ang interior ay pinalamutian ayon sa kanyang disenyo. Noong 1932-33 pinamunuan ang eksperimentong laboratoryo sa Russian Museum. Ang gawain ni Malevich sa huling panahon ng kanyang buhay ay nakahilig sa makatotohanang paaralan ng pagpipinta ng Russia.
Ang rebolusyon ng 1917 ay nagpilit sa mga pintor na ilipat ang mga makabagong eksperimento mula sa nakakulong na espasyo ng mga pagawaan patungo sa mga bukas na espasyo ng mga lansangan ng lungsod. Napalaya mula sa pagkaalipin sa pamamagitan ng balangkas at mga bagay, ang mga pintor ay nagmadali upang matuklasan ang panloob na mga batas ng sining. Ang bagong istilo ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga geometric abstraction mula sa pinakasimpleng mga figure (parisukat, parihaba, bilog, tatsulok).
Abstractionism (mula sa Lat – paghihiwalay) – isang direksyon na unang nagpahayag ng sarili sa sining. Nang maglaon ay kumalat ito sa halos lahat ng uri ng sining. Ang Russian artist na si Wassily Kandinsky (1866 - 1944) ay itinuturing na tagapagtatag ng abstract art. Noong 1913, isang independiyenteng kilusan ang lumitaw sa loob ng abstract art - Suprematism (mula sa Latin na disdainful), na nauugnay sa pangalan ni K. Malevich.
Karamihan sa mga kinatawan ng abstract art ay nahilig sa matinding subjectivism, maging ang relihiyosong mistisismo. Ang paghihiwalay ng abstract na sining mula sa pambansang tradisyon ay humantong sa pagtanggi sa cognitive at educational function ng sining at ang panlipunang oryentasyon nito. Noong Disyembre 1911, sa isang ulat sa All-Russian Congress of Artists, hindi lamang itinanggi ni V. Kandinsky ang koneksyon sa pagitan ng sining at buhay, ngunit tinawag din ang panlipunang nilalaman sa sining na "nakakalason na tinapay." Sa halip na "sosyalidad," tinawag niya ang paggawa ng "psychic reality" na paksa ng sining. Ang kalakaran na ito ay isinama sa mga aktibidad nito ng pangkat na "Abstraction - Creativity", na lumitaw noong 1929 - 1930. sa Paris sa pamumuno ni M. Seyfor. Sa pahina ng magazine na "Circle and Square" - ang teoretikal na organ ng mga abstractionist ng Pransya - ang abstraction, ang di-objectivity ng sining, ay na-absolute. Bukod dito, iginiit ni M. Seyfor na lumikha ng isang bagong sining - walang pag-andar, walang mga hangganan, walang tinubuang-bayan. Ang mga gawa ng mga abstractionist ay hindi konektado sa katotohanan; sila ay isang paghalu-halo ng mga may kulay na mga spot at geometric na mga numero. K. Malevich, halimbawa, sa pangkalahatan ay sinubukang itaas ang pagpipinta sa dalawang kulay - itim at puti, pagpipinta ng mga itim na parisukat sa isang puting background; kalaunan ay nag-eksperimento lamang siya ng puting kulay - sa pamamagitan ng pagpipinta ng puti sa puti, ipinagtanggol ng artist ang ideya ng "dalisay na pakiramdam." Ang mga tagapagtatag at tagasunod ng hindi makatotohanang sining ay nag-iwan ng maraming teorya, at hindi nila maipaliwanag kung bakit dapat makita ng manonood ang "kanyang panaginip", "isang metamorphosis ng kanyang sarili", "pinalaya ang kanyang sarili mula sa anyo ng kalikasan", atbp. .sa isang tumpok ng mga larawang hindi layunin.
Ang abstractionism ay batay sa paghihiwalay ng sining mula sa layunin na katotohanan. Ang mga kinatawan ng trend na ito ay gumamit ng konsepto ng "abstraction" hindi sa pag-unawa sa malalim na komprehensibong kaalaman sa layunin na katotohanan sa pamamagitan ng generalization, ngunit sa mga tuntunin ng kumpletong paghihiwalay mula sa bagay. Sa halip na layunin na katotohanan, ipinakilala ng mga abstractionist ang subjective na mundo ng isang tao - ang artist. Binubuo nila ang mundo ng kanilang sariling mga karanasan at damdamin - ang kanilang "Ako".
Kubismo – isang avant-garde na kilusan sa sining, pangunahin sa pagpipinta, na nagmula sa simula ng ika-20 siglo at nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng mariin na geometrized na kumbensyonal na mga anyo, ang pagnanais na "hatiin" ang mga tunay na bagay sa stereometric primitives.
Cubofuturism – lokal na kalakaran sa Russian avant-garde (sa pagpipinta at tula) sa simula ng ika-20 siglo. Sa visual arts, ang cubo-futurism ay umusbong sa batayan ng muling pag-iisip ng mga pictorial finds ng cubism, futurism, at Russian neo-primitivism. Ang mga pangunahing gawa ay nilikha sa panahon ng 1911 - 1915. Ang pinaka-katangian na mga pagpipinta ng Cubo-Futurism ay nagmula sa brush ng K. Malevich, at pininturahan din ni Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Ekster. Ang mga unang cubo-futurist na gawa ni Malevich ay ipinakita sa sikat na 1913 na eksibisyon na "Target", kung saan nag-debut din ang rayism ni Larionov. Sa hitsura, ang mga gawang cubo-futurist ay umaalingawngaw sa mga komposisyon ng F. Léger na nilikha sa parehong oras at mga semi-layunin na komposisyon na binubuo ng mga cylindrical, cone-, flask-, hugis-shell na guwang na volumetric na kulay na mga anyo, kadalasang may metal na kinang. Nasa unang katulad na mga gawa ng Malevich, ang isang pagkahilig patungo sa isang paglipat mula sa natural na ritmo hanggang sa purong mekanikal na ritmo ng mundo ng makina ay kapansin-pansin ("The Carpenter", 1912, "The Grinder", 1912, "Portrait of Klyun", 1913) . Ang mga Cubo-Futurist ay pinaka-ganap na kinatawan sa "Unang Futurist Exhibition "Tram B" (Pebrero 1915, Petrograd) at bahagyang sa "Last Futurist Exhibition of Paintings "0.10"" (Disyembre 1915 - Enero 1916, Petrograd), kung saan Malevich sa unang pagkakataon ay humanga ang publiko sa kanyang bagong imbensyon - Suprematism. Ang mga cubo-futurist na artist ay aktibong nakipagtulungan sa mga futurist na makata mula sa grupong Gileya na A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, E. Guro. Ito ay hindi nagkataon na ang kanilang mga gawa ay tinawag ding "abstruse realism," na binibigyang-diin ang pagiging hindi makatwiran at kahangalan ng kanilang mga huling komposisyon. Samantala, itinuring ni Malevich na ang alogism ng mga gawang Cubo-Futurist ay isang partikular na tampok na katangiang Ruso na nagpapakilala sa kanila mula sa Western Cubists at Futurists. Ipinaliwanag ang kahulugan ng kanyang eksperimental, labis na hindi makatwiran na pagpipinta na "The Cow and the Violin" (1913), isinulat ni Malevich: "Ang lohika ay palaging naglalagay ng hadlang sa mga bagong hindi malay na paggalaw, at upang palayain ang ating sarili mula sa mga pagkiling, ang agos ng illohikal ay ilagay sa harap.” Ang hindi makatwirang mga gawa ng mga Cubo-Futurist ay aktwal na bumuo ng mga estetika ng walang katotohanan, na kalaunan sa Kanlurang Europa ay naging batayan ng mga paggalaw tulad ng Dadaismo at surrealismo. Sa pakikipagtulungan sa sikat na direktor na si Tairov, aktibong sinubukan ng Cubo-Futurist na ipatupad ang konsepto ng "synthetic theater". Sa Russia mismo, ang pagpipinta ay naging isang transisyonal na yugto mula sa artistikong paghahanap ng unang dekada ng ika-20 siglo. sa mga pangunahing uso ng Russian avant-garde gaya ng Suprematism at Constructivism.
Expressionism (mula sa French expression - expression) - direksyon sa sining. Ang unang pagpapakita ng expressionism ay matatagpuan sa mga artistikong eksperimento ng mga artista sa Russia at Kanlurang Europa sa simula ng ika-20 siglo. Ang mga hinaharap na expressionist ay nagkakaisa sa paligid ng mga maimpluwensyang magazine ng sining sa mga natatanging lipunan. Ganito ang mga unang asosasyon ng "Mga Lungsod" (E. Heckel, E. Kirchner, M. Pechstein), "Blue Rider" (W. Kandinsky, F. Marc, A. Macke), "Storm" (O. Kokoschka) lumitaw. Ang mga expressionist ay nagsisikap na lutasin ang problema ng kahulugan ng pag-iral, ang paghahanap para sa pagkakaisa ng tao, ang mga sanhi ng kalungkutan, at iba pa. At ang anumang apela sa mga kumplikadong pilosopikal na tanong ay nagtatapos sa pagpapakita ng imposibilidad ng modernong tao na palayain ang kanyang sarili mula sa panloob na kawalan ng pagkakaisa, ang kanyang sariling di-kasakdalan, at iba pa. Ang mga expressionist ay kumbinsido na ang mundo ay hindi na umiiral sa labas ng sariling "Ako". Ang espirituwal at moral na kalungkutan ay ang kapalaran ng isang tao na diumano'y nakamamatay na napapahamak sa mga panloob na krisis kung saan walang paraan.
Avant-garde – ( Pranses avantgardisme mula sa avant - advanced at garde - detachment) ay isang pangkalahatang pangalan para sa mga pang-eksperimentong paggalaw, paaralan, konsepto, ideya, at pagkamalikhain ng mga indibidwal na artist ng ika-20 siglo, na nagsusumikap sa layunin ng paglikha ng isang ganap na bagong sining na walang koneksyon sa luma . Ang pagkakapareho ng Russian avant-garde ay isang radikal na pagtanggi sa pamana ng kultura, isang kumpletong pagtanggi sa pagpapatuloy sa masining na pagkamalikhain at isang kumbinasyon ng mga mapanirang at malikhaing prinsipyo: ang diwa ng nihilismo at rebolusyonaryong agresyon na may malikhaing enerhiya na naglalayong lumikha ng panimulang bagong bagay sa sining at sa iba pang larangan ng buhay. Sa iba't ibang yugto, ang mga makabagong phenomena na ito sa sining ng Russia ay itinalaga ng mga terminong "modernismo", "bagong sining", "futurism", "cubo-futurism", "kaliwang sining", atbp.
Ang kultura at makasaysayang balangkas ng Russian avant-garde ay minarkahan ng pagkumpleto ng nauna at ang paglitaw ng isang bagong direksyon: ang pagbuo nito ay tumutugma sa pagtatapos ng panahon ng "huling Mahusay na Estilo" - ang estilo ng Art Nouveau ( sa France - Art Nouveau, sa Germany - Art Nouveau, sa Austria - Secession, atbp. ), pagkumpleto - kasama ang pagtatatag sa ating bansa ng "tanging tamang konsepto ng sining" - sosyalistang realismo.
Rayonismo –(rayonismus, mula sa French rayon - ray) - isang art school sa Russian art noong 1910s, na nauugnay sa mga pangalan nina Mikhail Larionov at Natalia Goncharova. Noong 1913, sa "Target" na eksibisyon, ang Rayonism ay ipinakita sa pangkalahatang publiko bilang isang bagong direksyon sa modernong pagpipinta. Sa parehong taon, isang manifesto ang nai-publish na naghahayag ng mga prinsipyo ng Rayonism: ang layunin ng pagpipinta ay upang ihatid ang ikaapat na dimensyon, kung saan naghahari ang iba pang mga pictorial na batas at pamamaraan. Hindi dapat ilarawan ng artist ang mga bagay mismo ( nakikitang mga anyo), at ang mga sinag ng kulay na makikita mula sa kanila (panloob na kakanyahan); ihatid sa canvas ang mga impression na nagmumula sa pagpupulong sa espasyo ng intersecting light at energy ray ng iba't ibang bagay. Ayon kay Larionov, "ang pang-unawa ng hindi ang bagay mismo, ngunit ang kabuuan ng mga sinag mula dito, ay mas malapit sa kalikasan sa simbolikong eroplano ng larawan kaysa sa bagay mismo...". Bilang karagdagan, ang gayong imahe ay mas malapit hangga't maaari sa kung paano "lumalabas sa mata" ang mga bagay. Gayunpaman, ang artist ay hindi lamang dapat magparami ng mga sinag sa larawan sa isang magulong paraan, ngunit gamitin ang mga ito upang lumikha ng isang form alinsunod sa kanyang sariling aesthetic view. Samakatuwid, ang mga kuwadro na gawa ng mga raymen ay alinman sa mga imahe na may matalas na mga contour na na-refracte sa mga beam ng pahilig na mga linya, o abstract na mga kumbinasyon ng mga beam ng maraming kulay na mga sinag at nagliliwanag na mga anyo.
Fauvism (mula sa French les fauves - ligaw (hayop))- lokal na direksyon sa pagpipinta nang maaga. XX siglo Lumitaw pagkatapos ng eksibisyon na "Autumn Salon", na ginanap noong 1905. Ang mga may-akda ng mga kuwadro na ipinakita sa eksibisyong ito ay sina Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, Andre Derain, Albert Marquet, Kees van Dongen, Georges Rouault at ilang iba pang pintor. Napansin ng mga kritiko na ang rebulto sa klasikal na istilo ng Renaissance, na napunta sa parehong silid ng mga pintura ng lahat ng mga artistang ito, ay mukhang napakawalang muwang, tulad ng "Donatello na napapalibutan ng mga ligaw na hayop." Ang pangalang "wild" ay kinuha ni Matisse, natigil ito, at sa lalong madaling panahon ang mga pintor ng Ruso at Aleman na mga tagasunod ng bagong istilo ay nagsimulang tumawag sa kanilang sarili na "Fauves."
Ang mga Fauvist artist ay hindi nakilala ang anumang mga batas na nauna nang itinatag ng European painting: ang aplikasyon ng liwanag at lilim, pananaw, paglambot o pampalapot ng kulay, pati na rin ang pagguhit bilang pangunahing batayan para sa buong istraktura ng larawan. Si Henri Matisse, na naglalarawan sa mga pangunahing prinsipyo ng bagong direksyon, ay nagbigay-diin sa pagbabalik ng Fauvism sa maganda, dalisay na mga kulay: dilaw, pula, asul, ang mga nakakapukaw ng damdamin ng tao hanggang sa kalaliman. Ang istilong Fauvist ay pangunahing nailalarawan sa pamamagitan ng isang pabago-bago, kusang pag-brushstroke, emosyonal na lakas sa masining na pagpapahayag, at isang kumbinasyon ng pinaka kumplikadong mga hugis sa halip simpleng mga balangkas, piercing kadalisayan ng maliwanag na kulay.
Ang isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng Fauvism sa Russia ay si Marc Chagall; nagdala siya ng espesyal na lasa at ugali sa istilong ito. Kahit na ang gawain ng mga Impresyonista, kung saan nagkaroon ng napakaraming kontrobersya kamakailan, ay tila, laban sa backdrop ng Fauvism, ay medyo makatotohanan, tradisyonal na sining. Iniisip at inilarawan ng mga Fauvist innovator ang mundo ayon sa gusto nila. At dahil ang bawat isa sa mga artistang ito ay may malakas na personalidad, ang mga mundong nilikha nila ay ganap na indibidwal.
" |