Mga direksyon sa pagpipinta. Pagpipinta: pagka-orihinal, pamamaraan, mga uri at genre, kahalagahan sa kasaysayan ng mga estilo Mga uri ng pagpipinta ng genre
Mula noong sinaunang panahon, ang pagpipinta ay sinamahan ng buhay ng tao. Sinasabi sa atin ng mga rock painting ang tungkol sa buhay mga primitive na tao. Ano ang pagpipinta?
Pagpinta: kahulugan at mga uri
Ang pagpipinta ay isang anyo ng sining na nagsasangkot ng paglalapat ng mga visual na larawan gamit ang mga pintura sa isang base.
SA modernong mundo Kasama rin sa ganitong uri ng sining ang paglikha ng mga imahe gamit ang mga digital na teknolohiya, at ang mga gawa ng sining mismo ay ginawa gamit ang mga pamamaraang ito.
Bilang karagdagan, ang pagpipinta ay isang mahalagang paraan ng paghahatid ng katotohanan, damdamin at estado ng kaluluwa ng isang tao. Bilang karagdagan sa mga kuwadro na inilalarawan sa canvas, kasama rin sa pagpipinta ang mga dingding at sisidlan kumplikadong hugis, kahoy, karton, papel at iba pang mga ibabaw. Ang pagpipinta ay madalas na kasama ng arkitektura.
Batay sa likas na katangian ng pagpapatupad at layunin, ang mga sumusunod na uri ng pagpipinta ay nakikilala:
- Monumental - ang pandekorasyon ay isang uri ng pagpipinta na tumutulong sa paglikha ng kapaligiran ng isang istraktura o ensemble ng arkitektura (mga kuwadro sa dingding, mga panel).
- Pandekorasyon (tanaw, kasuutan).
- Iconography.
- Miniature. Ang ganitong uri ng pagpipinta ay ginagamit upang ilarawan ang mga aklat at manuskrito.
- Panorama - pagpipinta ng isang imahe na may all-round view, na lumilikha ng ilusyon ng katotohanan.
- Diorama - paglikha ng isang hubog na imahe.
- Pagpipinta ng easel.
Ano ang easel painting? Ito ay isang imahe ng mga pagpipinta na nakikita nang hiwalay sa mundo sa kanilang paligid. Kaya't magsalita, isang pagpipinta na nilikha sa isang makina - isang easel. Para sa karamihan, ito ay mga gawa ng easel painting na ipinakita sa mga museo.
Sa artikulong ito natutunan mo ang kaunti tungkol sa pagpipinta, tungkol sa isang kahanga-hangang anyo ng pinong sining na nagpasaya sa amin sa loob ng maraming siglo.
Institusyong pang-edukasyon ng pamahalaang munisipyo karagdagang edukasyon
"Gorshechensk Children's Art School"
Pag-unlad ng pamamaraan sa paksang "Pagpinta bilang isang anyo ng sining"
Inihanda ng isang guro mula sa Municipal Educational Institution of Preschool Education "Gorshechensk Children's Art School"
Sultanov Vladimir Mubaryakovich
Konsepto ng pagpipinta
« Pagpipinta - ito ay isang masining na imahe layunin ng mundo sa isang eroplano gamit ang mga materyales na may kulay." "Pagpipinta isa sa ang pinakamahalagang species fine arts, kung saan ang mga gawain ng makasagisag na pagmuni-muni, interpretasyon at pagkilala ng mga phenomena at mga bagay ng layunin na katotohanan ay nalutas sa pamamagitan ng kulay, na patuloy na nauugnay sa pagguhit. Ang mga gawa ng pagpipinta ay nilikha gamit ang mga pintura (langis, tubig, waks, pandikit, atbp.), na inilalapat sa ibabaw ng canvas, plaster, papel, ceramic na ibabaw, atbp. Higit pa pangkalahatang konsepto makikita natin sa: "Ang pagpipinta ay nangangahulugan ng pagpipinta ng buhay, pagpipinta nang matingkad, iyon ay, ganap at nakakumbinsi na naghahatid ng katotohanan."
Mga uri ng pagpipinta
Monumental (mula sa lat.monument ay nangangahulugan ng pag-iingat ng memorya, nakapagpapaalaala) - espesyal na uri mga kuwadro na gawa sa malalaking sukat na nagpapalamuti sa mga dingding, kisame, domes, vault sa iba't ibang istrukturang arkitektura. Ang Fresco ay isa sa mga uri ng pagpipinta sa dingding gamit ang mga pintura na diluted na may malinis o dayap na tubig sa plaster. Mayroong ilang mga uri ng fresco:
alfresco - sa mamasa-masa, sariwang plaster;
"fresco a secco" - sa dry plaster;
casein-lime painting - isang pagbabago ng dry plaster fresco na lumitaw noong ika-17 siglo;
Ang sgraffito ay ang pinakakaraniwang anyo ng modernong pagpipinta ng mural, ibig sabihin, layer-by-layer na aplikasyon ng mga pintura sa plaster na may pagkakalantad at scratching ng mas mababang mga layer na naiiba sa kulay;
Ang graffiti ay isa ring makabagong imbensyon sa larangan ng pagpipinta ng mural. Ginagawa ang graffiti gamit ang mga lata ng aerosol na puno ng mga tina; ang imahe ay nilikha sa pamamagitan ng pag-spray ng mga pintura; ang dami nito ay nakakamit sa pamamagitan ng pagpapatong ng isang kulay sa isa pa.
Mosaic - isang imahe na gawa sa mga particle ng smalt na bato, homogenous o naiiba sa materyal, ceramic tile, na naayos sa isang layer ng lupa (dayap o semento).Iconography kasama ang mga canon nito ay dumating sa Rus' mula sa Byzantium, ngunit ang sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia ay naging kakaiba at itinuturing na pinakamahusay sa mundo. Sa Rus', ang isang icon ay karaniwang pininturahan ng isang buong artel, na pinamumunuan ng isang master. Karamihan sa mga pintor ng icon ay mga monghe, at madalas na hindi natin alam ang kanilang mga pangalan - hindi inilagay ng artista ang kanyang pirma sa icon dahil nakita niya ang kanyang sarili bilang isang mapagpakumbabang "instrumento" ng Diyos.
Pandekorasyon na pagpipinta umiiral sa dalawang direksyon. Ang una ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit nito para sa dekorasyon ng mga gusali at interior sa anyo ng mga makukulay na panel, na may makatotohanang mga imahe ay lumilikha ng ilusyon ng pader na gumagalaw, na biswal na pinalaki ang laki ng silid, o, sa kabaligtaran, ang mga artipisyal na pinasimple na mga form ay hindi kasama. naturalistic volume at bigyang-diin ang flatness ng pader, na nagpapahiwatig ng enclosure ng espasyo. Ang mga pattern, wreaths, garlands at iba pang mga uri ng palamuti na pinalamutian ang mga gawa ng monumental na pagpipinta ay pinagsama ang lahat ng mga elemento ng interior, na binibigyang diin ang kanilang kagandahan at pagkakapare-pareho sa arkitektura. Ang pangalawang direksyon ay nauugnay sa dekorasyon ng mga bagay na nakapaligid sa mga tao: mga gamit sa bahay: mga casket, casket, cutting board, ladle, supply, chests, atbp. Ang mga tema at anyo nito ay napapailalim sa layunin ng mga bagay at intensyon ng may-akda.Theatrical at decorative painting (scenery, costume, makeup, props, na ginawa ayon sa mga sketch ng artist) ay nag-aambag sa malalim na pagsisiwalat ng nilalaman ng dula, pelikula, video.Pagpipinta ng easel ay isang independiyenteng gawain na sumasalamin sa buong pagkakaiba-iba ng nakapaligid na mundo, na ipinahayag sa iba't ibang mga imahe (mula sa talagang umiiral na mga bagay, phenomena hanggang sa walang kabuluhang pantasya na nagpapakita ng mundo mula sa ibang punto ng view). Ang mga gawa ng easel painting ay ginaganap sa isang easel, bilang materyal na batayan gumagamit ng kahoy, karton, papel, ngunit karamihan ay canvas na nakaunat sa isang stretcher.Miniature na pagpipinta (mula sa lat.minium - ito ang pagtatalaga para sa cinnabar paint, na lubos na pinahahalagahan noong sinaunang panahon at kadalasang ginagamit sa mga ilustrasyon ng libro). Ang mga miniature ay maliit sa laki, napakakulay na mga imahe, na may pinong iginuhit na maliliit na detalye; sila ay nabuo noong Middle Ages, bago ang pag-imbento ng pag-print.Pagpipinta ng langis Ginagawa ito gamit ang mga pintura na inihanda batay sa walnut, linseed, poppy, at hemp oil, na nag-aambag sa pagkamit ng integridad, kasiglahan, biyaya, pagpapahusay ng mga optical na kakayahan sa paghahatid ng dami at espasyo, pagtaas ng pangkalahatang aesthetic na tunog ng canvas .Tempera painting Ginagawa ito gamit ang isang tempera emulsion na inihanda sa pamamagitan ng paghahalo ng isang buong itlog, protina, at yolk base, pandikit, langis, tina, fig milk, varnish, casein, at wax.Watercolor (mula sa Latin na aqua - tubig) mga pintura na ginawa mula sa pandikit ng gulay, diluted na may tubig, kaya ang pangalan ng pagpipinta.Pagpipinta ng gouache (mula sa Italian Guazzo - pintura ng tubig) - gawa na ginawa gamit ang mga pintura na binubuo ng mga pinong giniling na pigment na may water-adhesive binder (gum arabic, wheat starch, dextrin, atbp.) at isang admixture ng puti. Ang pagpipinta ng gouache ay maaaring gawin sa papel, karton, canvas, sutla, kahoy, salamin, buto).Pagpipinta ng pastel gumanap malambot na lapis walang frame (krayola), nakuha sa pamamagitan ng paghahalo ng makulay na pulbos na may malagkit (cherry glue, dextrin, gelatin, casein). Ang pagpipinta ng pastel ay nakikilala sa pamamagitan ng malambot na naka-mute na mga tono at isang makinis na ibabaw.Pagpipinta ng waks (encaustic) ay ginamit pabalik Sinaunang Ehipto. Ang bleached wax ay nagsisilbing binder sa encaustic painting. Ang mga pintura ng waks ay inilalapat sa isang tunaw na estado sa isang pinainit na base na may isang brush gamit ang isang mainit na tool na tanso, pagkatapos nito ay sinusunog (natunaw gamit ang isang brazier).
Mga genre ng pagpipinta
Genre ng mitolohiya (mula sa gr. mythos - alamat) - isang genre ng pagpipinta kung saan ang pangunahing lugar ay ibinibigay sa paglalarawan ng mga pangyayari at mga bayani na paksa ng mga mito, alamat, tradisyon, at epiko ng mga sinaunang tao. Ang huli na antique at medyebal na sining ay naging duyan ng umuusbong na mythological genre, lalo na noong panahong ang mga alamat ng Greco-Roman ay hindi na naging paniniwala at naging mga akdang pampanitikan, ang layunin nito ay ang moral na edukasyon ng mga henerasyon sa pamamagitan ng iba't ibang alegorya.Makasaysayang genre , na ang mga gawa ay nakatuon sa paglalarawan ng mga makabuluhang makasaysayang kaganapan, phenomena o makasaysayang figure. Ang batayan ng mga gawaing ito ay isang apela sa makasaysayang nakaraan, gayunpaman, ang mga kamakailang kaganapan ay maaari ding maging paksa ng paglalarawan, sa kondisyon na ang mga ito makasaysayang kahulugan kinikilala ng mga kontemporaryo.Genre ng labanan (mula sa French bataille - labanan) - isang genre ng pinong sining na nagpapakita ng mga tema ng mga digmaan, labanan, labanan, kampanya o yugto ng buhay militar. Ang genre ng labanan ay maaaring magkaroon ng alinman sa independiyenteng kahulugan o maging isang mahalagang bahagi ng isang makasaysayang o mitolohikong genre, at naglalaman din ng ilang elemento ng iba pang mga genre.Araw-araw na genre (mula sa French genre, German sitten-bild - genus, type, "genre") - ang pinakakaraniwang genre ng fine art kung saan tinutugunan ng artist ang mga tema at plot Araw-araw na buhay tao.Tanawin (mula sa French paysage, mula sa pays - lugar, bansa, tinubuang-bayan) - isang genre ng pinong sining, ang pangunahing pokus kung saan ay ang paglalarawan ng kalikasan, tanawin, dagat, panorama ng lugar, istruktura ng arkitektura, mga lansangan ng lungsod, tulay. Ang mga gawa ng genre na ito mismo ay tinatawag na landscape.Buhay pa (mula sa French naturemorte - patay na kalikasan, kalikasan) - isang genre ng pinong sining, isang hiwalay na gawa ng genre na ito, artistikong nagpapakita ng iba't ibang mga kagamitan sa bahay, mga Instrumentong pangmusika, bulaklak, prutas, laro, pagkain, walang buhay na bagay, atbp., o ang mismong produksyon, na nagsisilbing object ng imahe ng artist. Ang buhay na walang buhay ay maaaring binubuo hindi lamang ng mga bagay na walang buhay, kundi pati na rin ng mga likas na anyo. Ito naman ay nakaimpluwensya sa paglitaw ng isa pang mas tumpak na pagbabalangkas ng genre na ito. Sa German (stilleben) at sa English (stilllife) ang genre na ito ay tinatawag na - quiet life. Nangangahulugan ito na ang lahat ng mga bagay at bagay sa isang buhay na buhay ay hindi gumagalaw, at sa parehong oras sila ay isang uri ng "echo" ng kanilang may-ari, ang kanyang panloob na mundo, karakter, gawi, atbp.Larawan (mula sa French portrait - imahe) ay isang genre ng fine art, ang pangunahing layunin kung saan ay ang imahe ng isang indibidwal na tao o grupo ng mga tao. Ang pangunahing kalidad ng isang larawan ay namamalagi hindi lamang sa pagkakahawig sa orihinal, na sinisiguro, una sa lahat, sa pamamagitan ng isang tumpak na paglalarawan ng panlabas na anyo ng isang tao, kundi pati na rin sa pagbubunyag ng kanyang banayad na mental at espirituwal na bagay, na isang mapagmasid, propesyonal na artista. ay nahuhuli sa pamamagitan ng mga paggalaw ng mga kalamnan sa mukha, ang likas na katangian ng hitsura, ekspresyon ng mga mata, kilos, pustura, paraan ng pananamit, kapaligiran sa paligid. Ang lahat ng mga tampok na ito ay ginagawang posible upang lumikha ng isang maaasahang sikolohikal na larawan, na bumubuo sa batayan ng imahe.Hubad (mula sa French nu - hubad, hubad) - isang genre ng pinong sining na nakatuon sa paglalarawan ng hubad na katawan. Ang hubad na katawan ay nailarawan na sa Sinaunang Ehipto. SA Sinaunang Greece Ang tema ng kahubaran ay naging isa sa mga pangunahing tema para sa mga artista; ang kanilang layunin ay ipakita ang kagandahan, pagkakatugma ng mga anyo at linya. Para sa mga masters, ang imahe ng isang hubad na modelo ay nagiging isang aesthetic na pamantayan at ang sagisag ng isang buhay at sa parehong oras artistic ideal.Animalistic na genre (mula sa Latin na hayop - hayop) - isang genre ng pinong sining, ang pangunahing tema kung saan ay ang paglalarawan ng mga kinatawan ng mundo ng hayop.
Ang impluwensya ng kulay sa sikolohikal na estado ng isang tao
Ang pang-unawa ng kulay ay isang kumplikadong proseso na tinutukoy ng parehong pisikal at sikolohikal na stimuli, ibig sabihin. Ang pag-unlad ng pangitain ng kulay ng tao ay higit na nakasalalay sa mga pagsulong sa larangan ng agham na may kaugnayan sa pagpapasiya ng mga katangian at pattern ng emosyonal at sikolohikal na epekto ng kulay, na nagmula sa pagkilala sa elementarya na pang-unawa sa kulay hanggang sa pagkilala sa isang lubos na binuo na kahulugan ng kulay. "Ang kahulugan ng kulay, sa kaibahan sa isang simpleng sensasyon, ay nauunawaan bilang isang kumplikado, nagpapayaman sa pang-unawa ng kulay, kapag ang mga ideya, mga imahe, at mga asosasyon na nauugnay sa kulay ay lumitaw" (37). Gayunpaman, ang anumang mga nakamit sa larangan ng agham ay hindi ganap na maipaliwanag ang marami sa mga phenomena na nangyayari sa isang tao kapag nakikita ang isang partikular na kulay. Maraming mga pag-aaral ang nagpapatunay na ang kulay ay may iba't ibang kahulugan para sa isang tao sa mga tuntunin ng antas at kalikasan: ang mga relasyon sa kulay sa kapaligiran ay maaaring huminahon, o nakaka-excite, maaaring gumaling, makabawi sa anumang mga karamdaman, o maaaring humantong sa isang estado ng malalim na depresyon. at nagpapalubha ng pisikal at sikolohikal na masamang kalusugan. Sa lahat ng ito, alam ang simbolismo ng mga bulaklak, na naka-highlight sa panahon Makasaysayang pag-unlad sangkatauhan, kadalasan ang pagsasanay sa buhay ay hindi nagbibigay ng sapat na pansin sa problema ng kulay sa organisasyon ng kapaligiran, sa edukasyon at pagpapalaki ng nakababatang henerasyon. At ito ay nagiging sanhi ng pag-unlad ng maraming negatibong aspeto at maraming stereotyping ng mga indibidwal, na humahantong sa isang tiyak na katamtaman at, nang naaayon, espirituwal na kahirapan, na hindi nagpapahintulot sa bawat bata na ganap na magbukas sa isa o ibang lugar. Ang isang kapansin-pansin na halimbawa ng gayong paghatol ay ang "pagpapataw ng kulay", na isinasagawa mula sa kapanganakan at sinamahan ng buong kasunod na buhay. Kapag ang isang bata ay ipinanganak, agad niyang natagpuan ang kanyang sarili sa isang tiyak na kapaligiran ng kulay na inayos ng mga matatanda, at mabuti kung naiintindihan ng mga matatanda kung gaano kahalaga ang unang pakikipag-ugnayan ng bata sa kulay, at pagkatapos, sa kasong ito, ang "trauma ng kulay" ay hindi magaganap. . Sa ganitong kapaligiran, ang bata ay magiging komportable, dahil siya mismo ay isang maayos na nilalang, napaka-sensitibo sa anumang hindi pagkakasundo na mga pagpapakita. At ano nakababatang anak, mas mataas ang sensitivity, kahit na hindi masabi ng bata ang tungkol dito, maaari lamang niyang ipakita ito sa panlabas (sa kanyang pag-iyak, hindi mapakali na pag-uugali, pagsigaw, atbp.). Ngunit sa karamihan ng mga kaso, ang mga may sapat na gulang ay hindi nakakagawa ng isang maayos na kapaligiran ng kulay dahil sa iba't ibang mga pangyayari (kamangmangan, mahinang aesthetic na panlasa, mga ideolohikal na saloobin sa pagpapalaki ng mga bata, mababang pamantayan ng pamumuhay, atbp.) at pagkatapos ay ang bata ay nagsimulang umangkop sa kapaligiran na ito. sa paligid niya ay nilikha, sa gayon ay unti-unting nasanay sa estado ng kawalan ng pagkakaisa. Ang pakikipag-ugnayang ito ay nagpapatuloy sa isang institusyong pang-edukasyon sa preschool, kung saan ang kadahilanan ng kulay ay hindi palaging binibigyan ng sapat na pansin. Kaya, ang halo ng "pagkagumon sa kulay" ay lumalawak. Kaya naman nasa gitna at mas matanda na ang mga bata edad preschool Nang walang espesyal na pagsasanay sa mga pangunahing kaalaman ng agham ng kulay, ang isang sistema ng mga stereotype ng kulay ay bubuo nang napakalakas at ang dahilan ay hindi lamang ang kakulangan o hindi naaangkop na gabay sa pagkamalikhain ng mga bata, kundi pati na rin ang isang kapaligiran na naglalaman ng mga elemento ng malalim na kawalan ng pagkakaisa. Pagdating sa paaralan, kolehiyo, unibersidad, o trabaho, ang isang umuunlad na personalidad ay nahaharap sa parehong problema. Sa huli, ang tinedyer ay tumitigil sa pagtugon sa kulay, at sa gayon ay pinapahirapan ang kanyang pang-unawa sa mundo; sa kasong ito, ang personalidad ay nagiging "awtomatiko", dahil ang karamihan sa mga aksyon ay ginagawa dahil sa kakayahang kumita, materyal na interes, at hindi dahil sa aesthetic at espirituwal na mga pangangailangan. , na siyang may karapatan na tao. Ang isang malungkot at kung minsan ay mapanganib na kahihinatnan ay ang hindi tamang organisasyon ng kapaligiran ng kulay. Ilarawan natin nang may malinaw na mga halimbawa: kumuha tayo ng isang klase o auditorium kung saan gaganapin ang mga klase na nangangailangan ng pansin, tiyaga, at pintura, gaya ng madalas na nangyayari, isang kulay, halimbawa, maruming dilaw; pagkatapos ng 1-2 oras na trabaho sa silid na ito, ang mararamdaman ng karamihan sakit ng ulo, karamdaman, pagkapagod o pagkabalisa. Ang dahilan ay ang gayong lilim ng dilaw ay maaaring maging sanhi ng isang pakiramdam ng panganib sa ilang mga tao at samakatuwid ay pukawin ang isang tiyak na kaguluhan na nagiging emosyonal na pagpukaw na nakakasagabal sa asimilasyon ng materyal; sa iba, ang gayong lilim ay makakatulong sa pagpapaliit ng mga daluyan ng dugo, na hahantong sa iba't ibang uri ng pananakit ng ulo. Kung ang parehong silid ay pininturahan nang maliwanag kulay rosas, pagkatapos ang ilan ay makakaranas ng matinding pangangati, habang ang iba naman ay makakaranas ng infantilism at pagiging pasibo, na humahantong sa kawalan ng pansin at kawalan ng pag-iisip. Hindi naisip ng maraming tao na kapag pumunta sila sa isang klinika o ospital ay nakakaranas sila ng pagkabalisa, takot at labis na hindi komportable. At ito ay nangyayari hindi lamang dahil sa mga institusyon ng ganitong uri ang isang tao ay nasaktan. Ang isa sa mga dahilan ay ang malamig na scheme ng kulay na ginagamit upang ipinta ang mga dingding (madalas na makikita mo ang mapusyaw na asul-berde, asul o puti). pakiramdam ng takot, na pinalala ng layunin ng silid mismo. Ang mga halimbawa sa itaas ay muling kinukumpirma kung gaano kalaki ang epekto ng kulay na kapaligiran sa sikolohikal na kalagayan ng isang tao. Samakatuwid, kapag nag-aayos ng isang puwang ng kulay, dapat mong laging tandaan hindi lamang ang tungkol sa layunin ng pagganap nito, kundi pati na rin ang tungkol sa scheme ng kulay, na nag-aambag, una, sa sikolohikal na kaginhawahan ng indibidwal, at pangalawa, sa kanyang aesthetic na edukasyon. Upang mas maunawaan ang mga koneksyon at ugnayan sa pagitan ng mga kulay at mga kulay, kinakailangang isaalang-alang ang kanilang simbolikong kahulugan, mga katangian at katangian.
Simbolismo ng kulay
Ang simbolismo ng kulay sa iba't ibang panahon ng pag-unlad ng kultura at sining ay naglaro ng isa sa pinakamahalagang lugar sa pagbuo ng pananaw sa mundo ng lipunan, na nakakaimpluwensya sa pagtatasa ng ideolohikal at artistikong nilalaman ng mga gawa. Gayunpaman, makatarungang ituro na sa interpretasyon ng simbolikong kahulugan ng isang partikular na kulay sa iba't ibang panahon at sa iba't-ibang bansa walang pagkakaisa o pagkakakilanlan. Halimbawa, "sa Middle Ages, ang pula ay sabay-sabay na nakita bilang ang kulay ng kagandahan at kagalakan, at ang kulay ng galit at kahihiyan. Ang isang pulang balbas at buhok sa isang kaso ay itinuturing na isang tanda ng isang positibong bayani, habang sa iba pang mga paniniwala sa medieval ang isang pulang balbas ay isang simbolo ng pangkukulam. Ihambing natin ang ilang grupo ng iba't ibang kultura upang matukoy ang simbolikong kahulugan ng kulay. Isinasaalang-alang ng simbolismong Kristiyano ng Kanlurang Europa ang mga pangunahing kulay na: puti (pagka-diyos, kabanalan); dilaw (simbolo ng Araw); lila (kamahalan, royalty); pula (ang kulay ng sagradong dugo ni Kristo). Ang berde ay nakita bilang isang makalupang kulay, bilang isang simbolo ng pag-renew ng tagsibol; ang asul ay sumisimbolo sa kabanalan ng langit at katotohanan; ang itim ay kumilos bilang isang simbolo ng mga negatibong phenomena at pagkamakasalanan. Ang simbolismo ng kulay sa pampublikong buhay Kanlurang Europa ay may ilang pagkakaiba tungkol sa relihiyosong interpretasyon. Ang simbolismo ng kulay na ito ay naging matatag na itinatag sa heraldry ng kulay ng maraming bansa at nagkaroon pa nga ng puwersa ng batas. Kaya kulay puti(pilak, katarungan); dilaw (ginto, kayamanan); pula (lakas, demokrasya); berde (fertility, yumayabong); asul (kawalang-kasalanan, kapayapaan); asul (karunungan); lila (kalungkutan, pagkabalisa); itim (pagluluksa, kamatayan). Sa kulturang Islam, ang mga simbolo ng kulay ay parehong tiyak na metapora at isang paraan ng pagtatalaga ng kulay sa alchemy, agham at buhay. Kaya, ang pangunahing kulay sa simbolismo ng Islam ay itinuturing na puti (kabanalan at dignidad, sa isang banda, at pinagpalang pagluluksa, sa kabilang banda). Ang pangalawang pangunahing kulay ay dilaw bilang simbolo ng Araw, Ginto, Kagalakan. Ang ikatlong pangunahing kulay ay pula, na tumutukoy sa Apoy, Dugo bilang tanda ng buhay. Ang asul ay itinuturing na simbolo ng katahimikan ng Gabi at Kamatayan. Ang berde ang pangunahing kulay ng paraiso ng Muslim. Pinagsasama ng kulay na ito ang parehong makalupa at makalangit na mga prinsipyo. Ang itim ay tumutugma sa negatibong panig buhay, na may masamang budhi at masamang motibo. Sa Rus ', ang kulay na pula ay itinuturing na isang tanda ng kagandahan, at lahat ng nauugnay sa konsepto ng "maganda" ay tinawag na pula: "Red Square", "red porch", "red corner", "spring-red", " pulang dalaga”. Ang makabagong simbolismo ng kulay ay kasama sa patula na metapora ng kulay at naglalaman ng mga palatandaan ng sikolohikal na kahulugan. Sa kasalukuyan, isang pinalawak na sistema ng mga simbolo ng kulay ang nilikha: dilaw (kagalakan, paninibugho, inggit); pula (pag-ibig, pagsinta, galit); asul (infinity, melancholy, space); berde (kalikasan, kabataan); puti (kadalisayan, kawalang-kasalanan, kababaang-loob, kapayapaan); itim (kadiliman, karimlan, kamatayan) at marami pang iba. Upang mas malinaw na isaalang-alang kung paano ang ideya ng simbolikong kahulugan mga kulay sa iba't ibang kultura, bubuo kami ng isang talahanayan na nagpapakita ng mga pangunahing katangian ng isang partikular na kulay. Para sa pagsusuri, kinuha ang mga kulay na madalas na matatagpuan at nagsasapawan sa iba't ibang kultura.
- ito ay isa sa mga pangunahing uri ng pinong sining; ay isang masining na paglalarawan ng layunin ng mundo gamit ang mga kulay na pintura sa ibabaw. Ang pagpipinta ay nahahati sa: easel, monumental at pandekorasyon.
- pangunahing kinakatawan ng mga gawaing isinagawa mga pintura ng langis sa canvas (karton, kahoy na tabla o hubad). Ito ang pinakasikat na uri ng pagpipinta. Ito ang ganitong uri na karaniwang inilalapat sa terminong " pagpipinta".
ay isang pamamaraan ng pagpipinta sa mga dingding kapag nagdedekorasyon ng mga gusali at elemento ng arkitektura sa mga gusali. Lalo na karaniwan sa Europa fresco - monumental na pagpipinta sa basang plaster na may mga pinturang nalulusaw sa tubig. Ang pamamaraan ng pagguhit na ito ay kilala mula pa noong unang panahon. Nang maglaon, ginamit ang pamamaraang ito sa disenyo ng maraming simbahang Kristiyano at ang kanilang mga vault.
Pandekorasyon na pagpipinta - (mula sa salitang Latin mula sa decoro - upang palamutihan) ay isang paraan ng pagguhit at paglalapat ng mga larawan sa mga bagay at mga detalye sa loob, dingding, kasangkapan at iba pang mga bagay na pampalamuti. Tumutukoy sa pandekorasyon at inilapat na sining.
Ang mga posibilidad ng pictorial art ay lalo nang malinaw na inihayag sa pamamagitan ng easel painting mula noong ika-15 siglo, mula noong malawakang paggamit ng mga pintura ng langis. Nasa loob nito ang isang espesyal na iba't ibang nilalaman at malalim na binuo na form ay magagamit. Sa puso ng kaakit-akit masining na paraan ang mga kulay (ang mga posibilidad ng mga pintura) ay nakasalalay sa hindi mapaghihiwalay na pagkakaisa sa chiaroscuro at linya; ang kulay at chiaroscuro ay binuo at binuo sa pamamagitan ng mga diskarte sa pagpipinta na may kumpleto at ningning na hindi naa-access sa iba pang mga uri ng sining. Tinutukoy nito ang pagiging perpekto ng volumetric at spatial na pagmomodelo na likas sa makatotohanang pagpipinta, ang matingkad at tumpak na pag-render ng realidad, ang posibilidad na mapagtanto ang mga plot na ipinaglihi ng artist (at mga pamamaraan ng pagbuo ng mga komposisyon) at iba pang mga visual na pakinabang.
Ang isa pang pagkakaiba sa mga pagkakaiba sa pagitan ng mga uri ng pagpipinta ay ang pamamaraan ng pagpapatupad ayon sa mga uri ng mga pintura. Ang mga pangkalahatang palatandaan ay hindi palaging sapat upang makagawa ng pagpapasiya. Ang hangganan sa pagitan ng pagpipinta at mga graphic sa bawat indibidwal na kaso: halimbawa, ang mga gawang gawa sa mga watercolor o pastel ay maaaring kabilang sa parehong mga lugar, depende sa diskarte ng artist at sa mga gawaing itinakda niya. Bagama't ang mga guhit sa papel ay inuri bilang mga graphic, ang paggamit ng iba't ibang mga diskarte sa pagpipinta kung minsan ay lumalabo ang pagkakaiba sa pagitan ng pagpipinta at mga graphic.
Dapat itong isaalang-alang na ang semantikong terminong "pagpipinta" mismo ay isang salita sa wikang Ruso. Kinuha ito para gamitin bilang termino sa pagbuo ng pinong sining sa Russia noong panahon ng Baroque. Ang paggamit ng salitang "pagpinta" noong panahong iyon ay inilapat lamang sa isang tiyak na uri ng makatotohanang pagpipinta. Ngunit orihinal na nagmula ito sa pamamaraan ng simbahan ng pagpipinta ng mga icon, na gumagamit ng salitang "magsulat" (kaugnay sa pagsulat) dahil ang salitang ito ay pagsasalin ng kahulugan sa mga tekstong Griyego (ang mga ito ay "nawala sa pagsasalin"). Pag-unlad sa Russia ng sarili nitong paaralan ng sining at ang pamana ng kaalamang pang-akademiko sa Europa sa larangan ng sining, na binuo ang saklaw ng salitang Ruso na "pagpipinta", na isinulat ito sa terminolohiyang pang-edukasyon at wikang pampanitikan. Ngunit sa wikang Ruso ang isang kakaibang kahulugan ng pandiwa na "magsulat" ay nabuo na may kaugnayan sa pagsulat at pagguhit ng mga larawan.
Mga genre ng pagpipinta
Sa kurso ng pag-unlad ng pinong sining, maraming mga klasikal na genre ng mga pagpipinta ang nabuo, na nakakuha ng kanilang sariling mga katangian at panuntunan.
Larawan ay isang makatotohanang paglalarawan ng isang tao kung saan sinusubukan ng pintor na makamit ang pagkakahawig sa orihinal. Isa sa mga pinakasikat na genre ng pagpipinta. Ginamit ng karamihan sa mga customer ang talento ng mga artista para ipagpatuloy ang kanilang sariling imahe o, gustong makakuha ng imahe ng isang mahal sa buhay, kamag-anak, atbp. Hinahangad ng mga customer na makakuha ng larawang pagkakahawig (o pagandahin ito) na nag-iiwan ng visual na embodiment sa kasaysayan. Ang mga larawan ng iba't ibang istilo ay ang pinakasikat na bahagi ng eksibisyon ng karamihan sa mga museo ng sining at mga pribadong koleksyon. Kasama rin sa genre na ito ang isang uri ng portrait bilang sariling larawan
- isang imahe ng artist mismo, ipininta ng kanyang sarili.
Tanawin- isa sa mga sikat na genre ng pagpipinta kung saan hinahangad ng artist na ilarawan ang kalikasan, ang kagandahan o kakaiba nito. Ang iba't ibang uri ng kalikasan (ang mood ng panahon at panahon) ay may malakas na emosyonal na epekto sa sinumang manonood - ito tampok na sikolohikal tao. Ang pagnanais na makakuha ng emosyonal na impression mula sa mga landscape ay ginawa ang genre na ito na isa sa pinakasikat sa artistikong pagkamalikhain.
- ang genre na ito sa maraming paraan ay katulad ng landscape, ngunit may pangunahing katangian: ang mga kuwadro na gawa ay naglalarawan ng mga landscape na may partisipasyon ng mga bagay sa arkitektura, gusali o lungsod. Ang isang espesyal na pokus ay ang mga tanawin ng kalye ng mga lungsod na naghahatid ng kapaligiran ng isang lugar. Ang isa pang direksyon ng genre na ito ay ang paglalarawan ng kagandahan ng arkitektura ng isang partikular na gusali - nito hitsura o mga larawan ng interior nito.
- isang genre kung saan ang pangunahing paksa ng mga pagpipinta ay isang makasaysayang kaganapan o ang interpretasyon nito ng artist. Ang kawili-wili ay ang isang malaking bilang ng mga kuwadro na gawa sa isang tema ng Bibliya ay nabibilang sa genre na ito. Mula noong Middle Ages mga kuwento sa Bibliya ay itinuturing na "makasaysayang" mga kaganapan at ang pangunahing mga customer ng mga kuwadro na ito ay ang simbahan. Ang "makasaysayang" mga paksa sa Bibliya ay naroroon sa mga gawa ng karamihan sa mga artista. Ang pangalawang kapanganakan ng makasaysayang pagpipinta ay nangyayari sa panahon ng neoclassicism, kapag ang mga artista ay bumaling sa mga kilalang makasaysayang paksa, mga kaganapan mula sa unang panahon o pambansang alamat.
- sumasalamin sa mga eksena ng mga digmaan at labanan. Ang kakaiba ay hindi lamang ang pagnanais na ipakita ang isang makasaysayang kaganapan, kundi pati na rin upang ihatid sa manonood ang emosyonal na pagtaas ng tagumpay at kabayanihan. Kasunod nito, ang genre na ito ay nagiging pampulitika din, na nagpapahintulot sa artist na ihatid sa manonood ang kanyang pananaw (kanyang saloobin) sa kung ano ang nangyayari. Nakikita natin ang katulad na epekto ng pampulitikang diin at ang lakas ng talento ng artista sa gawain ni V. Vereshchagin.
ay isang genre ng pagpipinta na may mga komposisyon mula sa mga bagay na walang buhay, gamit ang mga bulaklak, produkto, at pinggan. Ang genre na ito ay isa sa pinakabago at nabuo sa Dutch school of painting. Marahil ang hitsura nito ay sanhi ng kakaiba ng paaralang Dutch. Ang pag-unlad ng ekonomiya noong ika-17 siglo sa Holland ay humantong sa isang pagnanais para sa abot-kayang luho (mga pintura) sa isang makabuluhang bilang ng populasyon. Naakit ang sitwasyong ito malaking bilang ng mga artista, na nagdudulot ng matinding kompetisyon sa kanila. Ang mga modelo at workshop (mga taong may angkop na damit) ay hindi magagamit sa mga mahihirap na artista. Kapag nagpinta ng mga ibinebentang pintura, gumamit sila ng mga improvised na paraan (mga bagay) para isulat ang mga painting. Ang sitwasyong ito sa kasaysayan ng paaralang Dutch ang dahilan ng pag-unlad ng pagpipinta ng genre.
Pagpipinta ng genre
— ang paksa ng mga pagpipinta ay mga pang-araw-araw na eksena ng pang-araw-araw na buhay o mga pista opisyal, kadalasang may partisipasyon ng mga ordinaryong tao. Tulad ng buhay pa, ito ay naging laganap sa mga Dutch artist noong ika-17 siglo. Sa panahon ng romanticism at neoclassicism, ang genre na ito ay nagkaroon ng bagong kapanganakan; ang mga kuwadro na gawa ay nagsusumikap hindi gaanong maipakita ang pang-araw-araw na buhay, ngunit upang romantiko ito, upang ipakilala ang isang tiyak na kahulugan o moralidad sa balangkas.
Marina- isang uri ng landscape na naglalarawan ng mga tanawin ng dagat, mga coastal landscape kung saan matatanaw ang dagat, pagsikat at paglubog ng araw sa dagat, mga barko o kahit na mga labanan sa dagat. Bagama't mayroong isang hiwalay na genre ng labanan, ang mga labanan sa dagat ay nabibilang pa rin sa genre na "marina". Ang pag-unlad at pagpapasikat ng genre na ito ay maaari ding maiugnay sa Dutch school noong ika-17 siglo. Siya ay sikat sa Russia salamat sa gawain ni Aivazovsky.
— isang tampok ng genre na ito ay ang paglikha ng mga makatotohanang pagpipinta na naglalarawan sa kagandahan ng mga hayop at ibon. Isa sa kawili-wiling mga tampok Ang genre na ito ay ang pagkakaroon ng mga painting na naglalarawan ng mga hindi umiiral o gawa-gawa na mga hayop. Tinatawag na mga artista na dalubhasa sa mga larawan ng mga hayop mga hayop.
Kasaysayan ng pagpipinta
Ang pangangailangan para sa makatotohanang mga imahe ay umiral mula pa noong sinaunang panahon, ngunit may ilang mga disadvantage dahil sa kakulangan ng teknolohiya, sistematikong mga paaralan at edukasyon. Sa mga sinaunang panahon, ang isa ay maaaring mas madalas na makahanap ng mga halimbawa ng inilapat at monumental na pagpipinta na may pamamaraan ng pagguhit sa plaster. Noong sinaunang panahon, higit na kahalagahan ang nakalakip sa talento ng tagapalabas; limitado ang mga artista sa teknolohiya ng paggawa ng mga pintura at ang pagkakataong makatanggap ng sistematikong edukasyon. Ngunit noong unang panahon, nabuo ang dalubhasang kaalaman at mga gawa (Vitruvius), na magiging batayan para sa isang bagong pamumulaklak ng sining ng Europa sa Renaissance. Ang pandekorasyon na pagpipinta ay nakatanggap ng makabuluhang pag-unlad sa panahon ng sinaunang Griyego at Romano (ang paaralan ay nawala sa Middle Ages), na ang antas ay naabot lamang pagkatapos ng ika-15 siglo.
Pagpipinta ng isang Romanong fresco (Pompeii, ika-1 siglo BC), isang halimbawa ng antas ng teknolohiya ng sinaunang pagpipinta:
Ang "Dark Ages" ng Middle Ages, militanteng Kristiyanismo at ang Inquisition ay humantong sa pagbabawal sa pag-aaral ng artistikong pamana ng unang panahon. Ang malawak na karanasan ng mga sinaunang masters, kaalaman sa larangan ng proporsyon, komposisyon, arkitektura at eskultura ay ipinagbabawal, at maraming mga artistikong kayamanan ang nawasak dahil sa kanilang dedikasyon sa mga sinaunang diyos. Ang pagbabalik sa mga halaga ng sining at agham sa Europa ay nangyayari lamang sa panahon ng Renaissance (muling pagsilang).
Ang mga artista ng maagang Renaissance (revival) ay kailangang abutin at buhayin ang mga nagawa at antas ng mga sinaunang artista. Ang hinahangaan natin sa mga gawa ng mga sinaunang artista ng Renaissance ay ang antas ng mga masters ng Roma. Isang malinaw na halimbawa ng pagkawala ng ilang siglo ng pag-unlad ng sining sa Europa (at sibilisasyon) sa panahon ng "Madilim na Panahon" ng Middle Ages, militanteng Kristiyanismo at Inkisisyon - ang pagkakaiba sa pagitan ng mga kuwadro na ito ng ika-14 na siglo!
Ang paglitaw at pagkalat ng teknolohiya para sa paggawa ng mga pintura ng langis at ang pamamaraan ng pagpipinta sa kanila noong ika-15 siglo ay nagbunga ng pag-unlad ng pagpipinta ng easel at isang espesyal na uri ng mga produkto ng artist - mga pintura ng kulay na may mga pintura ng langis sa primed canvas o kahoy.
Ang pagpipinta ay nakatanggap ng malaking hakbang sa pag-unlad ng husay sa panahon ng Renaissance, higit sa lahat salamat sa gawa ni Leon Battista Alberti (1404-1472). Siya ang unang nagtakda ng mga pundasyon ng pananaw sa pagpipinta (ang treatise na "Sa Pagpipinta" ng 1436). Ang European art school ay may utang sa kanya (ang kanyang trabaho sa systematizing scientific knowledge) ang paglitaw (revival) ng makatotohanang pananaw at natural na proporsyon sa mga painting ng mga artist. Sikat at pamilyar na pagguhit ni Leonardo da Vinci "Taong Vitruvian"(mga proporsyon ng tao) ng 1493, na nakatuon sa sistematisasyon ng sinaunang kaalaman ni Vitruvius sa mga sukat at komposisyon, ay nilikha ni Leonardo makalipas ang kalahating siglo kaysa sa treatise ni Alberti na "On Painting". At ang gawain ni Leonardo ay isang pagpapatuloy ng pag-unlad ng European (Italian) art school ng Renaissance.
Ngunit ang pagpipinta ay nakatanggap ng isang maliwanag at napakalaking pag-unlad simula sa ika-16-17 siglo, nang ang pamamaraan ay naging laganap. pagpipinta ng langis, lumitaw ang iba't ibang teknolohiya sa paggawa ng pintura at nabuo ang mga paaralan ng pagpipinta. Ito ay ang sistema ng kaalaman at edukasyon sa sining(teknikal sa pagguhit), na sinamahan ng pangangailangan para sa mga gawa ng sining sa mga aristokrasya at mga monarko, ay humahantong sa mabilis na pamumulaklak ng pinong sining sa Europa (panahon ng Baroque).
Ang walang limitasyong mga kakayahan sa pananalapi ng mga monarkiya ng Europa, mga aristoksya at mga negosyante ay naging mahusay na lupa para sa karagdagang pag-unlad ng pagpipinta noong ika-17-19 na siglo. At ang humihinang impluwensya ng simbahan at isang sekular na pamumuhay (na pinarami ng pag-unlad ng Protestantismo) ay nagbigay-daan sa pagsilang ng maraming paksa, istilo at paggalaw sa pagpipinta (Baroque at Rococo).
Sa kurso ng pag-unlad ng pinong sining, ang mga artista ay nakabuo ng maraming mga estilo at pamamaraan na humahantong sa pinakamataas na antas ng pagiging totoo sa kanilang mga gawa. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo (kasama ang pagdating ng mga modernong kilusan), nagsimula ang mga kagiliw-giliw na pagbabago sa pagpipinta. Ang pagkakaroon ng edukasyon sa sining, malawakang kompetisyon at mataas na pangangailangan sa mga kasanayan ng mga artista ng publiko (at mga mamimili) ay nagbibigay ng mga bagong direksyon sa mga paraan ng pagpapahayag. Ang sining ay hindi na limitado lamang sa antas ng pamamaraan; sinisikap ng mga artista na ipakilala ang mga espesyal na kahulugan, paraan ng "pagtingin" at pilosopiya sa mga gawa. Ang kadalasang nauuwi sa kapinsalaan ng antas ng pagganap, ay nagiging haka-haka o isang paraan ng pagkabigla. Ang iba't ibang mga umuusbong na istilo, masiglang talakayan at maging ang mga iskandalo ay nagbunga ng pag-unlad ng interes sa mga bagong anyo ng pagpipinta.
Ang mga modernong teknolohiya sa pagguhit ng computer (digital) ay nabibilang sa mga graphics at hindi matatawag na pagpipinta, bagaman maraming mga programa at kagamitan sa computer ang nagpapahintulot sa iyo na ganap na ulitin ang anumang pamamaraan ng pagpipinta na may mga pintura.
Ang pagpipinta ay isang uri ng pinong sining, na ang mga gawa ay nilikha gamit ang mga pintura na inilapat sa anumang matigas na ibabaw. SA gawa ng sining nilikha sa pamamagitan ng pagpipinta, kulay at pagguhit, chiaroscuro, pagpapahayag ng mga stroke, texture at komposisyon ay ginagamit, na nagpapahintulot sa isang tao na magparami sa isang eroplano ng makulay na kayamanan ng mundo, ang dami ng mga bagay, ang kanilang husay, materyal na pagka-orihinal, spatial na lalim at liwanag -kapaligiran ng hangin, na maaaring maghatid ng isang estado ng staticity at isang pakiramdam ng temporal na pag-unlad , kapayapaan at emosyonal-espirituwal na saturation, lumilipas kaagad ng sitwasyon, ang epekto ng paggalaw, atbp.; Sa pagpipinta, posible ang isang detalyadong salaysay at isang kumplikadong balangkas. Pinapayagan nito ang pagpipinta hindi lamang upang makita ang nakikitang mga phenomena ng totoong mundo, upang ipakita ang isang malawak na larawan ng buhay ng mga tao, ngunit din upang magsikap na ipakita ang kakanyahan ng mga makasaysayang proseso, ang panloob na mundo ng tao, at upang ipahayag ang mga abstract na ideya. Dahil sa malawak nitong kakayahan sa ideolohikal at masining, ang pagpipinta ay isang mahalagang paraan ng masining na pagmuni-muni at interpretasyon ng katotohanan; mayroon itong makabuluhang nilalamang panlipunan at iba't ibang mga pag-andar sa ideolohiya.
Ang lawak at pagkakumpleto ng saklaw ng tunay na katotohanan ay makikita sa kasaganaan ng mga genre na likas sa pagpipinta (Historical genre, daily genre, battle genre, portrait, landscape, still life). Mayroong mga kuwadro na gawa: monumental at pandekorasyon (mga kuwadro na gawa sa dingding, lampshade, mga panel), na nilayon upang palamutihan ang arkitektura at gumaganap ng isang mahalagang papel sa ideolohikal at matalinghagang interpretasyon ng isang gusali ng arkitektura; easel (mga pintura), karaniwang hindi nauugnay sa anumang partikular na lugar sa artistikong grupo; disenyo ng set (mga sketch ng theatrical at film set at costume); iconography; miniature. Kasama rin sa mga uri ng pagpipinta ang diorama at panorama. Ayon sa likas na katangian ng mga sangkap na nagbubuklod sa pigment (pangkulay na bagay), ayon sa teknolohiyang pamamaraan Ang pag-aayos ng pigment sa ibabaw ay naiiba sa pagpipinta ng langis. mga pintura sa tubig sa plaster - basa (fresco) at tuyo (a secco), tempera, pagpipinta ng pandikit, pagpipinta ng waks, enamel, pagpipinta na may mga ceramic at silicate na pintura, atbp. Direktang nauugnay sa pagpipinta ay mga mosaic at stained glass, na malulutas ang parehong mga problema bilang at monumental na pagpipinta ay mga gawaing masining. Ginagamit din ang watercolor, gouache, pastel, at tinta sa paggawa ng mga painting.
Ang kulay ay ang pinaka tiyak na paraan ng pagpapahayag para sa pagpipinta. Ang pagpapahayag at kakayahang pukawin ang iba't ibang mga asosasyong pandama ay nagpapahusay sa emosyonalidad ng imahe at tinutukoy ang visual, nagpapahayag at pandekorasyon na mga posibilidad ng pagpipinta. Sa mga gawa ng sining, ang kulay ay bumubuo ng isang mahalagang sistema (kulay). Karaniwan ang isang bilang ng mga magkakaugnay na mga kulay at ang kanilang mga kakulay ay ginagamit (makulay na sukat), bagaman mayroon ding pagpipinta sa mga kakulay ng parehong kulay (monochrome). Ang komposisyon ng kulay ay nagbibigay ng isang tiyak na coloristic na pagkakaisa ng trabaho, nakakaimpluwensya sa kurso ng pang-unawa nito ng manonood, bilang isang mahalagang bahagi nito masining na istraktura. Ang isa pang nagpapahayag na paraan ng pagpipinta ay ang pagguhit (linya at chiaroscuro), kasama ang kulay, ritmo at komposisyon na inaayos ang imahe; Ang linya ay naglilimita sa mga volume mula sa isa't isa, kadalasan ang nakabubuo na batayan ng isang nakalarawan na anyo, at nagbibigay-daan sa isa na magparami sa pangkalahatan o sa detalye ng mga balangkas ng mga bagay at ang kanilang pinakamaliit na elemento. Pinapayagan ka ng Chiaroscuro na hindi lamang lumikha ng ilusyon ng mga three-dimensional na imahe, upang maihatid ang antas ng pag-iilaw o kadiliman ng mga bagay, ngunit lumilikha din ng impresyon ng paggalaw ng hangin, liwanag at anino. Ang isang mahalagang papel sa pagpipinta ay ginagampanan din ng spot o stroke ng pintor, na siyang pangunahing teknikal na pamamaraan niya at nagbibigay-daan sa kanya na maghatid ng maraming aspeto. Ang brushstroke ay nag-aambag sa plastic, three-dimensional na sculpting ng form, na naghahatid ng materyal na katangian at texture nito, at kasama ng kulay ay nililikha nito ang coloristic na kayamanan ng totoong mundo. Ang likas na katangian ng brushstroke (makinis, tuloy-tuloy o impasto, hiwalay, nerbiyos, atbp.) ay tumutulong din na lumikha ng emosyonal na kapaligiran ng trabaho, na naghahatid ng agarang damdamin at mood ng artist, ang kanyang saloobin sa kung ano ang inilalarawan.
Karaniwan, dalawang uri ng mga larawang may larawan ang nakikilala: linear-planar at volumetric-spatial, ngunit walang malinaw na mga hangganan sa pagitan ng mga ito. Ang pagpipinta ng linear-plane ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga flat spot ng lokal na kulay, na binalangkas ng mga nagpapahayag na mga contour, malinaw at maindayog na mga linya; sa sinaunang at bahagyang sa modernong pagpipinta Mayroong mga maginoo na pamamaraan ng spatial na pagtatayo at pagpaparami ng mga bagay na nagpapakita sa manonood ng semantikong lohika ng imahe, ang paglalagay ng mga bagay sa espasyo, ngunit halos hindi lumalabag sa dalawang-dimensionalidad ng nakalarawan na eroplano. Nagmumula sa sinaunang sining ang pagnanais na kopyahin ang totoong mundo tulad ng nakikita ng isang tao ay nagbunga ng paglitaw ng mga volumetric-spatial na imahe sa pagpipinta. Sa ganitong uri ng pagpipinta, ang mga spatial na relasyon ay maaaring kopyahin na may kulay, ang ilusyon ng malalim na three-dimensional na espasyo ay maaaring malikha, ang pictorial plane ay maaaring biswal na sirain sa tulong ng tonal gradations, mahangin at linear na pananaw, sa pamamagitan ng pamamahagi ng mainit at malamig. mga kulay; ang mga volumetric na anyo ay namodelo na may kulay at liwanag at lilim. Sa volumetric-spatial at linear-planar na mga imahe, ang pagpapahayag ng linya at kulay ay ginagamit, at ang epekto ng lakas ng tunog, kahit na iskultura, ay nakakamit sa pamamagitan ng gradation ng liwanag at madilim na mga tono na ipinamamahagi sa isang malinaw na limitadong lugar ng kulay; Kasabay nito, ang kulay ay madalas na motley, ang mga figure at bagay ay hindi sumanib sa nakapalibot na espasyo sa isang solong kabuuan. Ang pagpipinta ng tono, sa pamamagitan ng kumplikado at pabago-bagong pag-unlad ng kulay, ay nagpapakita ng mga banayad na pagbabago sa parehong kulay at tono nito depende sa pag-iilaw, gayundin sa pakikipag-ugnayan ng mga katabing kulay; pinagsama-sama ng pangkalahatang tono ang mga bagay sa kapaligirang liwanag-hangin at espasyong nakapalibot sa kanila. Sa pagpipinta ng Tsina, Japan, at Korea, nabuo ang isang espesyal na uri ng spatial na imahe, kung saan mayroong isang pakiramdam ng walang katapusang espasyo na nakikita mula sa itaas, na may mga parallel na linya na umaabot sa malayo at hindi nagtatagpo sa kailaliman; ang mga figure at mga bagay ay halos walang dami; ang kanilang posisyon sa espasyo ay ipinapakita pangunahin sa pamamagitan ng kaugnayan ng mga tono.
Ang isang gawa ng pagpipinta ay binubuo ng isang base (canvas, kahoy, papel, karton, bato, salamin, metal, atbp.), Karaniwang natatakpan ng panimulang aklat, at isang layer ng pintura, kung minsan ay pinoprotektahan ng isang proteksiyon na pelikula ng barnisan. Ang visual at nagpapahayag na mga posibilidad ng pagpipinta, ang mga tampok ng pamamaraan ng pagsulat ay higit na nakasalalay sa mga katangian ng mga pintura, na tinutukoy ng antas ng paggiling ng mga pigment at ang likas na katangian ng mga binder, sa tool na ginagamit ng artist, sa mga thinner na siya. gamit; ang makinis o magaspang na ibabaw ng base at primer ay nakakaapekto sa mga pamamaraan ng paglalapat ng mga pintura, ang texture ng mga gawa ng sining, at ang translucent na kulay ng base o primer ay nakakaapekto sa pangkulay; Minsan ang mga bahagi ng base o panimulang aklat na walang pintura ay maaaring maglaro ng isang tiyak na papel sa coloristic na konstruksyon. Ang ibabaw ng layer ng pintura ng isang pagpipinta, iyon ay, ang texture nito, ay maaaring makintab o matte, tuluy-tuloy o hindi tuloy-tuloy, makinis o hindi pantay. Ang kinakailangang kulay o lilim ay nakakamit pareho sa pamamagitan ng paghahalo ng mga kulay sa palette at sa pamamagitan ng glazing. Ang proseso ng paglikha ng isang pagpipinta o pagpipinta sa dingding ay maaaring mahulog sa ilang mga yugto, lalo na malinaw at pare-pareho sa medieval tempera at classical oil painting (pagguhit sa lupa, underpainting, glazing). Mayroon ding pagpipinta ng isang mas impulsive na kalikasan, na nagpapahintulot sa artist na direkta at pabago-bagong isama ang kanyang mga impression sa buhay sa pamamagitan ng sabay-sabay na trabaho sa pagguhit, komposisyon, sculpting form at kulay.
Ang pagpipinta ay lumitaw sa Late Paleolithic era (40-8 thousand years ago). Iniingatan mga kuwadro na gawa sa bato(sa Timog France, Hilagang Espanya, atbp.), isinagawa gamit ang mga kulay na lupa (ocher), itim na uling at uling gamit ang mga split stick, piraso ng balahibo at mga daliri (mga larawan ng indibidwal na mga hayop, at pagkatapos ay mga eksena sa pangangaso). Sa pagpipinta ng Paleolithic mayroong parehong mga linear na imahe ng silweta at simpleng pagmomodelo ng mga volume, ngunit ang prinsipyo ng komposisyon dito ay hindi pa rin ipinahayag. Ang mas binuo, abstractly generalized na mga ideya tungkol sa mundo ay makikita sa Neolithic painting, kung saan ang mga imahe ay naka-link sa mga siklo ng pagsasalaysay, at ang imahe ng isang tao ay lilitaw.
Ang pagpipinta ng lipunang nagmamay-ari ng alipin ay nabuo na matalinghagang sistema, mayamang teknikal na paraan. Sa Sinaunang Ehipto, pati na rin sa sinaunang Amerika, mayroong monumental na pagpipinta na kumilos sa synthesis sa arkitektura. Pangunahing nauugnay sa kulto ng libing, ito ay may malawak na pagsasalaysay; Ang pangunahing lugar sa loob nito ay inookupahan ng isang pangkalahatan at madalas na eskematiko na imahe ng isang tao. Ang mahigpit na canonization ng mga imahe, na ipinakita sa mga tampok ng komposisyon, ang ugnayan ng mga figure at sumasalamin sa mahigpit na hierarchy na nanaig sa lipunan, ay pinagsama sa matapang at tumpak na mga obserbasyon sa buhay at isang kasaganaan ng mga detalye na nakuha mula sa nakapaligid na mundo (landscape, mga kagamitan sa bahay , mga larawan ng mga hayop at ibon). Ang sinaunang pagpipinta, ang pangunahing masining at nagpapahayag na paraan kung saan ay ang linya ng tabas at ang lugar ng kulay, ay may mga pandekorasyon na katangian, ang pagiging patag nito ay binibigyang diin ng ibabaw ng dingding. Art Encyclopedia. M., 1997.
Noong sinaunang panahon, ang pagpipinta, na kumikilos sa artistikong pagkakaisa na may arkitektura at iskultura at pinalamutian na mga templo, mga tahanan, mga libingan at iba pang mga gusali, ay nagsilbi hindi lamang kulto, kundi pati na rin ang mga layuning sekular. Ang mga bago, tiyak na posibilidad ng pagpipinta ay nagbukas, na nagbibigay ng malawak na representasyon ng katotohanan. Noong unang panahon, lumitaw ang mga prinsipyo ng chiaroscuro at mga natatanging variant ng linear at aerial na pananaw. Kasama ng mga mitolohiya, ang mga pang-araw-araw at makasaysayang eksena, mga tanawin, mga larawan, at mga buhay na buhay ay nilikha. Ang antigong fresco (sa multi-layer na plaster na may admixture ng marble dust sa itaas na mga layer) ay may makintab, makintab na ibabaw. Sa Ancient Greece, halos walang napreserbang easel painting ang lumitaw (sa mga board, mas madalas sa canvas), pangunahin sa encaustic technique; Ang mga larawan ng Fayyum ay nagbibigay ng ilang ideya ng sinaunang pagpipinta ng easel.
Sa Middle Ages sa Kanlurang Europa, Byzantium, Rus', ang Caucasus at ang Balkan, pagpipinta na binuo na may relihiyosong nilalaman: fresco (kapwa sa tuyo at basa na plaster na inilapat sa bato o gawa sa ladrilyo), pagpipinta ng icon (sa primed board na higit sa lahat ay may tempera ng itlog. ), pati na rin ang mga miniature ng libro (sa primed na pergamino o papel; isinagawa sa tempera, watercolor, gouache, pandikit at iba pang mga pintura), na kung minsan ay kasama ang mga makasaysayang paksa. Ang mga icon, mga kuwadro na gawa sa dingding (napapailalim sa mga dibisyon ng arkitektura at ang eroplano ng dingding), pati na rin ang mga mosaic, mga stained glass na bintana, kasama ang arkitektura, ay nabuo ng isang solong grupo sa mga interior ng simbahan. Ang pagpipinta ng medieval ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapahayag ng sonorous, nakararami sa lokal na kulay at maindayog na linya, pagpapahayag ng mga contour; ang mga form ay karaniwang flat, inilarawan sa pangkinaugalian, ang background ay abstract, madalas ginintuang; Mayroon ding mga tradisyonal na pamamaraan para sa pagmomodelo ng mga volume na tila nakausli sa isang pictorial plane na walang lalim. Ang simbolismo ng komposisyon at kulay ay may mahalagang papel. Noong 1st millennium AD. e. Ang monumento na pagpipinta (na may mga pinturang pangkola sa puting dyipsum o lime primer sa clay-straw na lupa) ay nakaranas ng mataas na pagtaas sa mga bansa sa Kanluran at Gitnang Asya, sa India, China, Ceylon (ngayon ay Sri Lanka). Sa panahon ng pyudal, ang sining ng mga miniature ay nabuo sa Mesopotamia, Iran, India, Central Asia, Azerbaijan, at Turkey, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng banayad na mga kulay, magandang ornamental na ritmo, at matingkad na mga obserbasyon sa buhay. Ang Far Eastern na pagpipinta sa tinta, watercolor at gouache sa silk at paper scrolls - sa China, Korea, at Japan - ay namumukod-tangi sa mga tula nito, kamangha-manghang pagbabantay sa pagtingin sa mga tao at kalikasan, laconic na paraan ng pagpipinta, at ang pinakamagandang tonal rendering ng aerial perspective.
Sa Kanlurang Europa sa panahon ng Renaissance, ang mga prinsipyo ng isang bagong sining ay itinatag, batay sa isang humanistic na pananaw sa mundo, pagtuklas at pagkilala sa totoong mundo. Ang papel na ginagampanan ng pagpipinta ay tumaas, pagbuo ng isang sistema ng paraan makatotohanang imahe katotohanan. Ang ilang mga tagumpay ng pagpipinta ng Renaissance ay inaasahan noong ika-14 na siglo. Italyano na pintor na si Giotto. Ang siyentipikong pag-aaral ng pananaw, optika at anatomy, ang paggamit ng mga diskarte sa pagpipinta ng langis na pinabuting ni J. van Eyck (Netherlands) ay nag-ambag sa pagtuklas ng mga posibilidad na likas sa likas na katangian ng pagpipinta: ang nakakumbinsi na pagpaparami ng mga volumetric na anyo sa pagkakaisa sa paghahatid. ng spatial depth at liwanag na kapaligiran, ang paghahayag ng yaman ng kulay ng mundo. Ang fresco ay nakaranas ng isang bagong yumayabong; Naging mahalaga din ang mga easel painting, na pinapanatili ang pandekorasyon na pagkakaisa sa nakapalibot na bagay na kapaligiran. Ang pakiramdam ng pagkakaisa ng uniberso, ang anthropocentrism ng pagpipinta at ang espirituwal na aktibidad ng mga imahe nito ay katangian ng mga komposisyon sa relihiyoso at mitolohiyang mga tema, mga larawan, pang-araw-araw at makasaysayang mga eksena, at mga hubad na larawan. Ang Tempera ay unti-unting pinalitan ng pinagsamang pamamaraan (pag-glazing at pag-eehersisyo ng mga detalye sa langis gamit ang tempera underpainting), at pagkatapos ay sa pamamagitan ng technically advanced na multi-layer oil-varnish painting na walang tempera. Kasama ng makinis at detalyadong pagpipinta sa mga tabla na may puting lupa (katangian ng mga artista ng Dutch school at ilang mga paaralang Italyano Maagang Renaissance) ang Venetian school of painting na binuo noong ika-16 na siglo. mga pamamaraan ng libre, impasto na pagpipinta sa mga canvases na may mga kulay na primer. Kasabay ng pagpipinta sa lokal, kadalasang maliliwanag na kulay, na may malinaw na pattern, nabuo din ang tonal painting Mga pangunahing pintor Renaissance - Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Titian, Veronese, Tintoretto sa Italy, J. van Eyck, P. Bruegel the Elder sa Netherlands, A. Durer, H. Holbein the Younger, M. Niethardt (Grunewald) sa Germany, atbp.
Sa XVII-XVIII na siglo. Ang proseso ng pag-unlad ng European painting ay naging mas kumplikado. Ang mga pambansang paaralan ay nabuo sa France (J. de Latour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Italy (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, F. Guardi), Spain (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Flanders (P. P Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Holland (F. . Hals, Rembrandt, J. Vermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, C. Fabricius), Great Britain (J. Reynolds, T . Gainsborough, W. Hogarth), Russia (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky) . nagpahayag ng mga bagong panlipunan at civic ideals, na naging isang mas detalyado at tumpak na paglalarawan ng totoong buhay sa paggalaw at pagkakaiba-iba nito, lalo na ang pang-araw-araw na kapaligiran ng isang tao (landscape, interior, mga gamit sa bahay); lumalim ang sikolohikal na mga problema, ang pakiramdam ng isang salungat na relasyon sa pagitan ng indibidwal at ng nakapaligid na mundo ay nakapaloob. Noong ika-17 siglo Ang sistema ng mga genre ay lumawak at malinaw na nabuo. Sa XVII-XVIII na siglo. Kasabay ng pag-usbong ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta (lalo na sa istilong Baroque), na umiral sa malapit na pagkakaisa sa iskultura at arkitektura at lumikha ng isang emosyonal na kapaligiran na aktibong nakakaapekto sa mga tao, ang pagpipinta ng easel ay may malaking papel. Nabuo ang iba't ibang mga sistema ng pagpipinta, parehong may mga karaniwang tampok na pangkakanyahan (dynamic na Baroque na pagpipinta na may katangiang bukas, hugis-spiral na komposisyon; pagpipinta ng Klasikismo na may malinaw, mahigpit at malinaw na disenyo; Pagpipinta ng Rococo na may dulang mga katangi-tanging nuances ng kulay, liwanag at kupas. tono), at hindi umaangkop sa anumang partikular na balangkas ng istilo. Nagsusumikap na muling buuin ang makulay ng mundo, ang liwanag-hangin na kapaligiran, maraming mga artista ang nagpabuti sa sistema ng pagpipinta ng tonal. Nagdulot ito ng indibidwalisasyon ng mga teknikal na pamamaraan ng multi-layer oil painting. Ang paglago ng easel art, ang pagtaas ng pangangailangan para sa mga gawa na idinisenyo para sa matalik na pagmumuni-muni, ay humantong sa pagbuo ng silid, banayad at magaan na mga diskarte sa pagpipinta - pastel, watercolor, tinta, iba't ibang uri maliit na larawan.
Noong ika-19 na siglo Ang mga bagong pambansang paaralan ng realismo ay nabuo. pagpipinta sa Europa at Amerika. Ang mga koneksyon sa pagitan ng pagpipinta sa Europa at iba pang bahagi ng mundo ay lumawak, kung saan ang karanasan ng makatotohanang pagpipinta ng Europa ay nakatanggap ng orihinal na interpretasyon, kadalasang batay sa mga lokal na sinaunang tradisyon (sa India, China, Japan, at iba pang mga bansa); Ang pagpipinta ng Europa ay naiimpluwensyahan ng sining ng mga bansa sa Malayong Silangan (pangunahin ang Japan at China), na makikita sa pag-renew ng mga diskarte para sa pandekorasyon at maindayog na organisasyon ng pictorial plane. Noong ika-19 na siglo Ang pagpipinta ay nalutas ang kumplikado at pagpindot sa mga problema sa pananaw sa mundo at gumaganap ng isang aktibong papel sa pampublikong buhay; Naging mahalaga sa pagpipinta ang matalim na pagpuna sa realidad ng lipunan. Sa buong ika-19 na siglo. sa pagpipinta, nilinang din ang mga kanon ng akademya, malayo sa buhay, at ang abstract idealization ng mga imahe; Lumitaw ang mga likas na hilig. Sa paglaban sa abstraction ng late classicism at salon academicism, ang pagpipinta ng romanticism ay nabuo na may aktibong interes sa mga dramatikong kaganapan ng kasaysayan at modernidad, ang enerhiya ng pictorial language, ang kaibahan ng liwanag at anino, ang kayamanan ng kulay (T . Gericault, E. Delacroix sa France; F. O. Runge at K. D. Friedrich sa Germany; sa maraming paraan O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov sa Russia). Ang makatotohanang pagpipinta, batay sa direktang pagmamasid sa mga katangian ng phenomena ng katotohanan, ay dumating sa isang mas kumpleto, konkretong maaasahan, biswal na nakakumbinsi na paglalarawan ng buhay (J. Constable sa Great Britain; C. Corot, mga masters ng Barbizon school, O. Daumier sa France ; A.G. Venetsianov, P. A. Fedotov sa Russia). Sa panahon ng pag-usbong ng rebolusyonaryo at pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa, pagpipinta ng demokratikong realismo (G. Courbet, J. F. Millet sa France; M. Munkacsi sa Hungary, N. Grigorescu at I. Andreescu sa Romania, A. Menzel, V. Leibl sa Germany, atbp.) ay nagpakita ng buhay at gawain ng mga tao, ang kanilang pakikibaka para sa kanilang mga karapatan, at tinutugunan ang pinakamahahalagang kaganapan. pambansang kasaysayan, lumikha ng matingkad na larawan ng mga ordinaryong tao at nangungunang mga pampublikong pigura; Sa maraming bansa, lumitaw ang mga paaralan ng mga pambansang makatotohanang tanawin. Ang mga kuwadro na gawa ng mga Itinerant at artist na malapit sa kanila, na malapit na nauugnay sa mga aesthetics ng mga rebolusyonaryong demokrata ng Russia - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang panlipunang kritikal na katalinuhan. I. I. Levitan.
Dumating siya sa artistikong sagisag ng nakapaligid na mundo sa pagiging natural nito at patuloy na pagkakaiba-iba noong unang bahagi ng 1870s. Ang pagpipinta ng impresyonista (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas sa France), na nag-update ng pamamaraan at pamamaraan ng pag-aayos ng nakalarawan na ibabaw, na nagpapakita ng kagandahan ng purong kulay at texture epekto. Noong ika-19 na siglo sa Europa, ang easel oil painting ay nangingibabaw, ang pamamaraan nito sa maraming mga kaso ay nakakuha ng isang indibidwal, malayang karakter, unti-unting nawawala ang likas na mahigpit na sistematiko nito (na pinadali din ng pagkalat ng mga bagong pintura na ginawa ng pabrika); pinalawak ang palette (nalikha ang mga bagong pigment at binder); sa halip na madilim na kulay na mga panimulang aklat sa maagang XIX V. Ang mga puting lupa ay muling ipinakilala. Monumental at pandekorasyon na pagpipinta, na ginamit noong ika-19 na siglo. halos eksklusibong pandikit o mga pintura ng langis ang nahulog sa pagkasira. Sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo. Ang mga pagtatangka ay ginagawa upang buhayin ang monumental na pagpipinta at pagsamahin ang iba't ibang uri ng pagpipinta sa mga gawa ng pandekorasyon at inilapat na sining at arkitektura sa isang solong grupo (pangunahin sa sining ng "moderno"); Ang mga teknikal na paraan ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta ay ina-update, at ang pamamaraan ng silicate na pagpipinta ay binuo.
Sa pagtatapos ng XIX - XX na siglo. ang pag-unlad ng pagpipinta ay nagiging lalo na kumplikado at nagkakasalungatan; Iba't ibang makatotohanan at modernistang kilusan ang magkakasamang nabubuhay at nakikipaglaban. May inspirasyon ng mga mithiin Rebolusyong Oktubre 1917, armado ng pamamaraan sosyalistang realismo, ang pagpipinta ay masinsinang umuunlad sa USSR at iba pang sosyalistang bansa. Ang mga bagong paaralan ng pagpipinta ay umuusbong sa mga bansa ng Asia, Africa, Australia, at Latin America.
Makatotohanang pagpipinta huli XIX- XX siglo ay nakikilala sa pamamagitan ng pagnanais na maunawaan at ipakita ang mundo sa lahat ng mga kontradiksyon nito, upang ipakita ang kakanyahan ng malalim na proseso na nagaganap sa panlipunang katotohanan, na kung minsan ay walang sapat na visual na hitsura; ang pagmuni-muni at interpretasyon ng maraming phenomena ng katotohanan ay madalas na nakakuha ng isang subjective, simbolikong katangian. XX siglo Kasama ang nakikitang volumetric-spatial na paraan ng paglalarawan, malawak niyang ginagamit ang mga bago (pati na rin ang mga itinayo noong unang panahon), mga kumbensyonal na prinsipyo ng interpretasyon ng nakikitang mundo. Nasa pagpipinta na ng post-impressionism (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) at bahagyang sa pagpipinta ng "moderno", lumitaw ang mga tampok na tumutukoy sa mga katangian ng ilang paggalaw ng ika-20 siglo. (aktibong pagpapahayag ng personal na saloobin ng artist sa mundo, emosyonalidad at pagkakaugnay ng kulay, na may maliit na koneksyon sa natural na makulay na relasyon, pinalaking anyo, dekorasyon). Ang mundo ay binibigyang kahulugan sa isang bagong paraan sa sining ng mga pintor ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo - sa mga pagpipinta ng V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin.
Noong ika-20 siglo ang katotohanan ay magkasalungat, at madalas na malalim na natanto at isinalin sa mga pintura ng pinakamalaking artista ng mga kapitalistang bansa: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet, A. Derain sa France; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros sa Mexico; R. Guttuso sa Italya; J. Bellows, R. Kent sa USA. Sa mga kuwadro na gawa, mga kuwadro na gawa sa dingding, at nakamamanghang mga panel, ang isang makatotohanang pag-unawa sa mga kalunos-lunos na kontradiksyon ng katotohanan ay ipinahayag, na kadalasang nagiging isang paglalantad ng mga deformidad ng kapitalistang sistema. Na nauugnay sa aesthetic na pag-unawa sa bagong, "teknikal" na panahon ay ang pagmuni-muni ng mga pathos ng industriyalisasyon ng buhay, ang pagtagos sa pagpipinta ng mga geometric, "machine" na mga form, kung saan ang mga organikong anyo ay madalas na nabawasan, ang paghahanap para sa mga iyon tumutugma sa pananaw sa mundo modernong tao mga bagong anyo na magagamit sa sining ng dekorasyon, arkitektura at industriya. Laganap sa pagpipinta, pangunahin sa mga kapitalistang bansa, mula noong simula ng ika-20 siglo. tumanggap ng iba't ibang modernistang kilusan, na sumasalamin sa pangkalahatang krisis ng kultura ng burges na lipunan; gayunpaman, ang modernistang pagpipinta ay hindi direktang nagpapakita ng mga "sakit" na problema sa ating panahon. Sa pagpipinta ng maraming modernistang kilusan (Fauvism, Cubism, Futurism, Dadaism, at mamaya surrealism), ang mga indibidwal na higit pa o hindi gaanong madaling makilala na mga elemento ng nakikitang mundo ay pira-piraso o geometrize, lumilitaw sa hindi inaasahang, kung minsan ay hindi makatwiran na mga kumbinasyon, na nagbubunga ng maraming asosasyon. , at sumanib sa mga purong abstract na anyo. Ang karagdagang ebolusyon ng marami sa mga kilusang ito ay humantong sa isang kumpletong pag-abandona sa pagiging matalinhaga, sa paglitaw. abstract painting(tingnan ang Abstract art), na minarkahan ang pagbagsak ng pagpipinta bilang isang paraan ng pagmuni-muni at pag-unawa sa katotohanan. Mula noong kalagitnaan ng 60s. sa Kanlurang Europa at Amerika, ang pagpipinta kung minsan ay nagiging isa sa mga elemento ng pop art.
Noong ika-20 siglo Ang papel na ginagampanan ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta, parehong makasagisag (halimbawa, rebolusyonaryong demokratikong monumental na pagpipinta sa Mexico) at hindi matalinghaga, kadalasang patag, na naaayon sa mga geometrize na anyo ng modernong arkitektura, ay tumataas.
Noong ika-20 siglo Mayroong lumalagong interes sa pananaliksik sa larangan ng mga diskarte sa pagpipinta (kabilang ang wax at tempera; ang mga bagong pintura ay naimbento para sa monumental na pagpipinta - silicone, sa silicone resins, atbp.), ngunit nangingibabaw pa rin ang oil painting.
Ang pagpipinta ng multinasyunal na Sobyet ay malapit na konektado sa ideolohiyang komunista, na may mga prinsipyo ng pagiging kasapi ng partido at nasyonalidad ng sining; ito ay kumakatawan sa husay bagong yugto pag-unlad ng pagpipinta, na tinutukoy ng tagumpay ng pamamaraan ng sosyalistang realismo. Sa USSR, ang pagpipinta ay umuunlad sa lahat ng unyon at autonomous na republika, at ang mga bagong pambansang paaralan ng pagpipinta ay umuusbong. Ang pagpipinta ng Sobyet ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matalas na pakiramdam ng katotohanan, ang materyalidad ng mundo, at ang espirituwal na kayamanan ng mga imahe nito. Ang pagnanais na yakapin ang sosyalistang realidad sa lahat ng pagiging kumplikado at pagkakumpleto nito ay humantong sa paggamit ng maraming mga anyo ng genre na puno ng bagong nilalaman. Mula na sa 20s. Ang makasaysayang-rebolusyonaryong tema ay nakakakuha ng espesyal na kahalagahan (mga canvases ni M. B. Grekov, A. A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov). Pagkatapos ay lumitaw ang mga makabayang pagpipinta, na nagsasabi tungkol sa kabayanihan ng nakaraan ng Russia, na nagpapakita ng makasaysayang drama ng Dakila Digmaang Makabayan 1941-45, espirituwal na katatagan ng taong Sobyet.
Ang mga larawan ay may malaking papel sa pag-unlad ng pagpipinta ng Sobyet: kolektibong mga larawan ng mga tao mula sa mga tao, mga kalahok sa rebolusyonaryong reorganisasyon ng buhay (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky, atbp.); mga sikolohikal na larawan na nagpapakita ng panloob na mundo, ang espirituwal na pampaganda ng taong Sobyet (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin, atbp.).
Tipikal na paraan ng pamumuhay mga taong Sobyet makikita sa pagpipinta ng genre, na nagbibigay ng matingkad na imahe ng mga bagong tao at isang bagong paraan ng pamumuhay. Ang pagpipinta ng Sobyet ay nailalarawan sa pamamagitan ng malalaking canvases na puno ng mga pathos ng sosyalistang konstruksiyon (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya, atbp.). Ang aesthetic affirmation ng mga natatanging anyo ng buhay ng unyon at autonomous na mga republika ay sumasailalim sa mga pambansang paaralan na binuo sa pagpipinta ng Sobyet (M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev, atbp.), na kumakatawan sa mga bahagi ng isang solong masining na kultura Sobyet sosyalistang lipunan.
Sa pagpipinta ng landscape, tulad ng sa iba pang mga genre, ang mga pambansang artistikong tradisyon ay pinagsama sa paghahanap ng bago, kasama modernong pakiramdam kalikasan. Ang liriko na linya ng pagpipinta ng landscape ng Russia (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin, atbp.) ay kinumpleto ng pag-unlad ng pang-industriyang landscape na may mabilis na ritmo nito, na may mga motif ng nabagong kalikasan (B.N. Yakovlev, G.G . Nyssa). Ang pagpipinta ng buhay pa rin ay umabot sa isang mataas na antas (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan).
Ebolusyon panlipunang tungkulin Ang pagpipinta ay sinamahan ng pangkalahatang pag-unlad ng kulturang nakalarawan. Sa loob ng mga hangganan ng isang solong makatotohanang pamamaraan, ang pagpipinta ng Sobyet ay nakakamit ng iba't ibang mga artistikong anyo, pamamaraan, at indibidwal na mga estilo. Ang malawak na saklaw ng konstruksiyon, ang paglikha ng mga malalaking pampublikong gusali at mga memorial ensemble ay nag-ambag sa pagbuo ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta (mga gawa ni V. A. Favorsky, E. E. Lansere, P. D. Korin), ang muling pagkabuhay ng pamamaraan ng tempera painting, frescoes at mosaic. Noong 60s - early 80s. ang magkaparehong impluwensya ng monumental at easel na pagpipinta ay nadagdagan, ang pagnanais na gumawa ng maximum na paggamit at pagyamanin paraan ng pagpapahayag pagpipinta (tingnan din ang Union of Soviet Socialist Republics at mga artikulo tungkol sa mga republika ng Unyong Sobyet) Vipper B. R. Mga artikulo tungkol sa sining. M., 1970.
Kaya, ang pagpipinta ay isang uri ng pinong sining na nauugnay sa paghahatid ng mga visual na imahe sa pamamagitan ng paglalapat ng mga pintura sa isang solid o nababaluktot na base, pati na rin ang paglikha ng mga imahe gamit ang mga digital na teknolohiya.
Pagpipinta - view ng imahe na inilalarawan sa isang eroplano; pr-e is-va, ginawa gamit ang mga pintura na inilapat sa anumang ibabaw. Advantage: paglalarawan ng isang tao sa kanyang magkakaibang koneksyon sa kapaligiran. Ang Zh-s ay may kakayahang maghatid ng lakas ng tunog at espasyo sa isang eroplano, na nagpapakita na ito ay mahirap. mundo ng damdamin at karakter ng mga tao. Ang pictorial approach ay ang paglalarawan ng isang bagay na may kaugnayan sa nakapalibot na spatial light-air na kapaligiran nito, sa pinakamahusay na gradation ng tonal transition.
Mga uri ng pagpipinta ni layunin: monumental ( pinakamatandang species) at monumental at pandekorasyon, easel, miniature, icon painting, theatrical at decorative, arts and crafts. Iconography at miniature (ilustrasyon ng isang sulat-kamay na libro) - sining ng medieval. Easel art - Renaissance.
Mga uri ayon sa teknolohiya. Mga diskarte sa pagpipinta ng monumento: fresco(teknika ng pagpipinta gamit ang mga pintura ng tubig sa basang plaster; pagpipinta sa dingding); panel(larawan para sa dekorasyon ng dingding o kisame); mosaic(isang imahe o pattern ng mga particle ng homogenous o iba't ibang mga materyales: bato - pebbles, smalt - glass alloy, ceramic tile); minantsahang salamin(mga komposisyon na gawa sa kulay na salamin); grisaille(lumilikha ng ilusyon ng kaluwagan). Mga diskarte sa pagpipinta ng easel: iba pang kagamitan encaustic(pagpipinta ng waks na isinagawa gamit ang isang mainit na pamamaraan na may mga tinunaw na pintura); ugali(ang pangunahing paraan ng pagpipinta ng icon ay pintura sa pula ng itlog); langis zh-s (materyal na tangibility ng imahe - Renaissance); pastel(gumamit ng tuyo, malambot na kulay na mga lapis na walang rims); watercolor(gamit ang water-based na mga pintura na nangangailangan ng mabilis, tumpak na trabaho); gouache(gumamit ng mga pintura ng tubig na may pagdaragdag ng pandikit at puti; kapag tuyo, ang mga tono ay nagiging mas magaan).
Fuck you mga paksa: relihiyoso-mitolohiya at sekular. Ang sistema ng mga genre sa sekular na panitikan noong ika-17 siglo: portrait– indibidwal, pares at grupo, seremonyal at intimate, sikolohikal at genre, sa labas ng kapaligiran at sa kapaligiran. kapaligiran, self-portrait. Ang sining ng portrait ay bumalik sa sinaunang ritwal na kultura (kulturang Fayum). Tanawin– bilang isang independiyenteng genre ay lumitaw sa Egyptian paintings. Heyday - sining ng ika-19 na siglo: romantiko at makatotohanan - pambansang tanawin (lyrical at epic), plein air, mood ni Ms, pilosopo. Rural at urban (veduta - Venetian lungsod p-zh siglo XVIII – Canaletto, Guardi) m-f, dagat. Buhay pa- mga paglalarawan ng walang buhay na mga bagay at likas na anyo - mga prutas, bulaklak, pinggan. Heyday ng genre: Flemish (genre ng shop), Dutch (almusal o vanita- "vanity of vanities", imahe na may bungo) at sining ng Espanyol noong ika-17 siglo. → sa avant-garde art. Animalistic genre – paglalarawan ng mga nabubuhay na bagay, ibon, isda (kasaysayan, alegoriko, labanan, pang-araw-araw na genre). Hubad– paglalarawan ng isang hubad na katawan: bumalik sa kasaysayan ng mitolohiya. Ang impresyonismo ay pinaghalong genre.
Express. Ikasal: pagguhit (linya), kulay (kulay), chiaroscuro, komposisyon. Kulay– istraktura ng kulay ng pr-I, katangian ng ugnayan ng mga elemento ng kulay. Mayroong mainit-malamig, maliwanag-madilim, mahinahon-matinding kulay. Pagpipinta– easel pr-e zh-si, na may malayang kahulugan. Ang silangang uri ng pagpipinta ay ang tradisyunal na anyo ng isang free-hanging unrolled silk scroll (pahalang o patayo). Ang pagpipinta ay binubuo ng isang base (canvas - linen canvas, wooden board, karton), kung saan inilapat ang panimulang aklat upang maihanda ito. espesyal na layer komposisyon (malagkit, langis, emulsyon) at layer ng pintura. Maaaring gamitin ang single-layer o multi-layer. Ayon sa texture (har-ru sa tuktok ng layer ng pintura) nakikilala nila halaga At matamis wow. Ang Valeur ay isang tonal nuance, isang banayad na pagkakaiba sa liwanag ng unang kulay, ay nagbibigay ng relasyon ng mga figure, mga bagay na may liwanag at hangin (D. Velasquez, Jan Wermeer ng Delft, J.B. Chardin, C. Corot, V. Surikov). Pasty paint - para sa pagtatrabaho sa mga siksik na layer, texture, relief, dami ng pintura (Titian, Rembrandt, V. van Gogh). Komposisyon ng pagpipinta: paghahati sa malapit, gitna at malalayong plano, pyramidal na komposisyon (classicism); dayagonal (baroque, romanticism, realism); paghahati sa mga mayor at minor na elemento o ang kawalan ng dibisyong ito (impresyonismo). Staffage- mga menor de edad na elemento ng isang nakalarawang komposisyon - mga paglalarawan ng maliliit na pigura ng mga tao o hayop na hindi gumaganap ng isang plot.
Pagpipinta- isang uri ng pinong sining na nauugnay sa paghahatid ng mga visual na imahe sa pamamagitan ng paglalagay ng mga pintura sa isang matigas o nababaluktot na ibabaw.May dalawang uri ng pagpipinta: easel at monumental. Kasama sa pagpipinta ng easel ang mga gawa na umiiral anuman ang lugar ng paglikha. Karaniwan, ito ay mga kuwadro na gawa sa easel ng artist (iyon ay, ang makina). Sa pagpipinta ng easel, nangingibabaw ang mga gawang gawa sa mga pintura ng langis, ngunit ang iba pang mga tina (tempera, mga pinturang acrylic atbp.). Ang mga pintura ay karaniwang ipininta sa canvas na nakaunat sa ibabaw ng isang frame o idinidikit sa karton, sa karton; dati, ang mga tabla na gawa sa kahoy ay malawakang ginagamit; anumang mga patag na materyales ay maaaring gamitin. Ang monumento na pagpipinta ay direktang ginagawa sa mga dingding at kisame ng mga gusali at iba pang istruktura. Noong nakaraan, nanaig ang pagpipinta gamit ang water-based na mga pintura sa basang plaster (fresco). Sa Italya, hanggang sa simula ng ika-16 na siglo, isinagawa ang pagrehistro ng mga detalye sa tempera sa isang tuyo na "malinis na fresco". Ang diskarteng "purong fresco" ay nangangailangan ng espesyal na kasanayan mula sa artist, kaya ang iba pang mga teknolohiya ay ginamit din, halimbawa, hindi masyadong matatag na pagpipinta sa dry plaster - secco; kalaunan ay ginawa ang mga pagpipinta gamit ang mga pintura ng langis na hindi masyadong angkop para sa monumental na pagpipinta. Ang mga may kulay na larawan sa papel (watercolor, gouache, pastel, atbp.) ay pormal na inuri (halimbawa, ayon sa kanilang lugar sa koleksyon) bilang mga graphic, ngunit ang mga gawang ito ay madalas na itinuturing na mga pagpipinta. Ang lahat ng iba pang paraan ng mga larawang may kulay ay inuri bilang mga graphics, kabilang ang mga larawang nilikha gamit ang teknolohiya ng computer. Ang pinakakaraniwang mga gawa ng sining ay ang mga ginagawa sa patag o halos patag na mga ibabaw, tulad ng canvas, kahoy, linen na nakaunat sa isang stretcher, ginagamot na mga ibabaw ng dingding, atbp. Mayroon ding makitid na interpretasyon ng termino pagpipinta tulad ng mga gawang ginawa gamit ang mga pintura ng langis sa canvas, karton, hardboard at iba pang katulad na materyales. salitang Ruso pagpipinta ay nagpapahiwatig ng pagiging totoo ng sining na ito sa panahon ng Baroque, nang ang mga kuwadro na gawa sa istilong Kanluran ay nagsimula sa Russia, pangunahin sa mga pintura ng langis. Sa pagpipinta ng icon, ang pandiwa na "magsulat" ay ginagamit, tulad ng sa wikang Griyego. Kasabay nito, ang "pagpinta" ay maaaring maunawaan bilang isang masigla, orihinal na paraan ng pagsulat, iyon ay, bilang isang uri ng pagsulat. Sa koneksyon sa pagitan ng pagpipinta at pagsulat, nakikita rin ng mga semiotician ang isang tiyak na paraan ng paglikha ng mga palatandaan. Kasaysayan ng pagpipinta bubuo at gumagala nang tumpak sa dalawang kahulugang ito: sa matalinghaga, realismo at simbolismo: mula sa icon (imahe) hanggang sa abstraction. Mga diskarte at direksyon ng pagpipinta: langis; tempera; enamel; gouache (dahil ang pintor ay gumagamit ng papel bilang pangunahing materyal, katangian ng mga graphic na uri ng pinong sining - ito ay inuri rin bilang mga graphic; ito ay napatunayan din sa paggamit ng huli sa lumikha ng mga gawang monochrome); pastel (sa teknolohiyang ito, ang isang pangungusap na katulad ng ginawa patungkol sa nauna ay patas); ang tinta (at sa kasong ito, tulad ng sa dalawang nauna, ay hindi maaaring malinaw na maiugnay sa mga graphic; sa Silangan, halimbawa, ang kaligrapya, na kadalasang gumagamit ng materyal na ito, ay tradisyonal na itinuturing na pagpipinta, tulad ng , gayunpaman, ang akademikong pagpipinta ng Tsino ay kadalasang gumagamit ng tinta - isang achromatic range); pagpipinta sa plaster: fresco at isang secco; sfumato glue painting; pagpipinta ng waks: encaustic, wax tempera at malamig na pamamaraan (mga pintura ng waks sa turpentine); pagpipinta na may mga ceramic na pintura; pagpipinta na may silicate na pintura; pagpipinta ng watercolor (iba ang mga diskarte sa watercolor, ang ilang mga diskarte ay mas malapit sa pagpipinta, ang ilan sa mga graphics; samakatuwid, hindi nagkataon na ang thesaurus ay naglalaman ng sumusunod na parirala: "pintura gamit ang watercolor") dry brush; acrylic; mixed media;Ang mga diskarte sa pagpipinta ay halos hindi mauubos. Ang lahat ng nag-iiwan ng anumang bakas sa isang bagay, mahigpit na pagsasalita, ay pagpipinta: ang pagpipinta ay nilikha ng kalikasan, oras at tao. Napansin na ito ni Leonardo da Vinci. Mga tradisyunal na pamamaraan ng pagpipinta: encaustic, tempera (may itlog), pader (dayap), pandikit at iba pang uri. Mula noong ika-15 siglo, naging tanyag ang pagpipinta ng langis; noong ika-20 siglo, lumitaw ang mga sintetikong pintura na may polymer binder (acrylic, vinyl, atbp.). Ang mga pintura ay maaaring ihanda mula sa natural at artipisyal na mga pigment. Ang gouache, watercolor, Chinese ink at semi-drawing technique - pastel - ay inuri din bilang pagpipinta. Ang pagpipinta ay maaaring isagawa sa anumang batayan: sa bato, plaster, sa canvas, sutla, sa papel, sa balat (kabilang ang sa katawan ng isang hayop o isang tao - mga tattoo), sa metal, sa aspalto, kongkreto, salamin, keramika, atbp. atbp., atbp. Ang pagpipinta ay nakakatugon at magkakasamang umiral sa mga plastik na sining, kabilang ang arkitektura, iskultura; maaari itong lumahok sa pagbuo ng artipisyal at natural na kapaligiran. Ang pagpipinta, tulad ng iba pang sining, ay ilusyon: ito ay isang imitasyon ng tatlong-dimensional na espasyo sa isang eroplano, na nakamit sa pamamagitan ng linear at color perspective. Ngunit ang visual at kulay din na aspeto nito (nakikita ng mata ang halos walang katapusang impormasyon sa isang iglap) ay tumutukoy sa pambihirang lugar ng pagpipinta sa lahat ng sining. Kasabay nito, ang pag-unlad ng sining, visual na pamamaraan at paraan ng pagpapahayag, ay matagal nang lumampas sa pag-unawa sa mga pangunahing gawain nito - "pagpaparami ng katotohanan". Sinabi rin ni Plotinus: "Huwag tularan ang kalikasan, ngunit matuto mula dito"; at ang prinsipyong ito ay gumabay sa maraming artista sa loob ng maraming siglo. Samakatuwid, ang mga gawain ng pagpipinta ay nagpapahiwatig hindi lamang tulad ng isang organisasyon ng espasyo sa isang eroplano, na ginagabayan at limitado sa pamamagitan ng paglilibang ng isang three-dimensional na kapaligiran dito; bukod dito, ang ilang mga pamamaraan ay matagal nang napagtanto bilang "mga patay na dulo" sa pag-unlad ng sining (sa konteksto ng pag-unawa at muling pag-iisip ng kasapatan ng pang-unawa). Ang flatness, tulad ng kulay, ay may independiyenteng integridad at halaga; sama-sama nilang idinidikta ang kanilang mga kondisyon sa synthesis ng mga form at sa eroplano tulad nito, at sa pakikipag-ugnayan sa tatlong-dimensional na espasyo ng oras. Ang artista ay hindi na makuntento sa isang hanay ng mga ilusyon na pamamaraan ("ilusyonismo"), sinusunod niya ang mga pangangailangan ng isang bagong pag-unawa sa kagandahan, iniiwan ang mga hindi nauugnay na pamamaraan ng pagpapahayag ng sarili at impluwensya sa manonood, naghahanap ng mga bagong anyo ng tulad, dialectically bumabalik sa pinakamahusay sa mga tinanggihan, at sa gayon ay dumating sa pag-unawa at pagpapatupad ng mga bagong halaga. Ang ganitong pag-unawa sa mga pamamaraan at teknikal, nagpapahayag na mga gawain ng sining ay nilinang kasama ng iba pang mga theorist at masters V. A. Favorsky at Fr. Pavel Florensky, at pagkatapos ay independiyenteng binuo ni V. A. Favorsky mismo. Siyempre, hindi lamang ito ang "tamang" landas ng pag-unlad. kontemporaryong sining at pagpipinta, gayunpaman, maraming mga probisyon ng gayong pangitain ay lubhang nakakumbinsi at produktibo. Tungkol sa kamalian ng mahigpit na pagbubukod ng pagpipinta mula sa mga plastik na sining, maging ang teorya ng "orthodox" na pagpuna sa sining ay matagal na ring muling nasuri. Ito ang sinasabi, hindi sa ilang masalimuot na pag-aaral na konseptwal, kundi sa “Popular Art Encyclopedia”: “Ang plastik na sining ay nahahati naman sa matalinghaga at hindi matalinhaga. Ang una ay kinabibilangan ng pagpipinta, eskultura, graphics, monumental na sining... Kasama sa non-fine arts ang arkitektura, decorative at applied arts at artistic na disenyo... Ang mga hangganan sa pagitan ng fine at non-fine arts ay hindi ganap...” Ang mga tungkulin ng pagpipinta. Tulad ng iba pang mga uri ng sining, ang pagpipinta ay maaaring magsagawa ng mga gawaing nagbibigay-malay, aesthetic, relihiyoso, ideolohikal, pilosopikal, panlipunan-edukasyon o dokumentaryo. Gayunpaman, ang pangunahing at pangunahing nagpapahayag at makabuluhang kahalagahan sa pagpipinta ay kulay, na sa kanyang sarili ay ang carrier ng isang ideya (kabilang ang dahil sa sikolohikal na mga kadahilanan ng impluwensya at pang-unawa). Ito ay lubos na nakakumbinsi na ipinaliwanag at ipinakita, halimbawa, ng teorya ng I. Itten. Hindi sinasadya na mayroong isang konsepto bilang "panitikan", kapag ang pagpipinta, para sa isang kadahilanan o iba pa, na walang sapat na plastik at nagpapahayag na mga katangian, ay umaakit ng isang purong salaysay, "panitikan" na sangkap sa arsenal nito. Gayunpaman, ang pag-unlad kasama ang tao at ang buong mundo, ang pagpipinta ay nakakuha ng parehong bagong interpretasyon at isang bagong pag-unawa sa mga gawain. Kaya, sa una ay may malinaw na mga palatandaan ng mga independiyenteng katangian ng plastik (hindi nagkataon na ang isa sa mga pangunahing parameter ay naghihiwalay pamamaraan ng pagpipinta mula sa graphic, ay ang brushstroke, na nagbibigay ng isang malawak na hanay ng mga posibilidad ng plastik - sa pinakamalaking lawak, siyempre, sa pinakakaraniwang uri - pagpipinta ng langis, ngunit din, siyempre, sa marami sa mga bagong uri at diskarte nito, na nagpapahiwatig ng synthesis ng mga form). Ang ideya ng mga paraan at gawain ng pagpipinta, tulad ng lahat ng paraan at pamamaraan ng pagpapahayag ng sarili, kasaysayan ng sining at malikhaing kapaligiran, ay malinaw na nakaranas ng impluwensya ng pag-unlad ng pangkalahatang proseso ng pag-iisip, ngunit natural na sila mismo ang naimpluwensyahan nito, hawakan ang maraming aspeto ng pananaw sa mundo at aktibidad ng tao. Ang muling pag-iisip sa mga tungkulin ng pagpipinta, gayundin ang lahat ng pagkamalikhain, ay dumaan sa pagtanggi sa pagiging angkop nito bilang tulad ("Sa pamamagitan lamang ng pag-unawa na ito ay ganap na walang kahulugan maaari kang magsimulang lumikha," sabi ni R.-M. Rilke); - sa pamamagitan ng pagsasakatuparan na "ito ay isang malalim na prosesong hindi makatwiran" - hindi lamang sumasang-ayon si R.-M. sa opinyong ito. Rilke at P. Klee, na wastong naunawaan at naintindihan niya, ngunit marami ring mga artista at pilosopo; Bukod dito, ang mismong pag-unlad nila ay naghanda ng bagong pag-unawa sa sining at sa mga gawain nito: imposibleng magkasya ang kabuuan ng panandaliang buhay, teknikal at teknolohikal, at sa wakas ay panlipunan at moral na mga pagbabago sa Procrustean bed ng ideolohikal at akademikong mga dogma at cliches, na naghihiwalay ng mga pari. sining mula sa mismong pag-unlad ng buhay, pagbabawas Ito ay tiyak sa "well-understood at long-known" function na ang malalim na proseso ng creative na ito mismo. Ang natatangi ay ang pagpipinta na nilikha ng mga tao na, sa iba't ibang antas, ay hindi sapat na nakikita ang nakapaligid na katotohanan, kung saan ang mga gawa ay walang pagtatangka na lumapit sa makatotohanang pagmuni-muni nito. Sa ilang mga kaso, ang mga naturang pagpipinta ay nilikha ng mga taong may mga paglihis sa pag-iisip mula sa karaniwang tinatanggap na pamantayan at, kahit na, ng mga pasyente ng mga institusyong medikal. Mga genre ng pagpipinta. Larawan. Ang larawan ay isang larawan ng isang tao o isang grupo ng mga tao na umiiral o umiral sa katotohanan. kasalukuyan.” [Ang mga hangganan ng genre ng portrait ay napaka-flexible, at kadalasan ang portrait mismo ay maaaring pagsamahin sa isang gawa sa mga elemento ng iba pang mga genre. Makasaysayang larawan- naglalarawan ng isang pigura ng nakaraan at nilikha mula sa mga alaala o imahinasyon ng master. Posthumous (retrospective) portrait- ginawa pagkatapos ng pagkamatay ng mga taong inilalarawan, batay sa kanilang panghabambuhay na mga imahe, o kahit na ganap na binubuo. Portrait painting- ang taong inilalarawan ay ipinakita sa isang semantiko at balangkas na relasyon sa mundo ng mga bagay sa paligid niya, kalikasan, mga motif ng arkitektura at iba pang mga tao. Portrait walk- ang imahe ng isang naglalakad na tao laban sa backdrop ng kalikasan ay lumitaw sa England noong ika-18 siglo at naging tanyag sa panahon ng sentimentalismo Uri ng portrait- isang kolektibong imahe, structurally malapit sa isang portrait Larawan ng costume- ang isang tao ay ipinakita bilang isang alegorikal, mitolohiya, historikal, teatro o pampanitikan na karakter. Self-portrait- kaugalian na paghiwalayin ito sa isang hiwalay na subgenre. Relihiyosong larawan (donor o patron)- isang sinaunang anyo ng larawan, kapag ang taong nagbigay ng donasyon ay inilarawan sa isang larawan (halimbawa, sa tabi ng Madonna) o sa isa sa mga pintuan ng altar (kadalasang nakaluhod). Sa pamamagitan ng likas na katangian ng imahe: Larawang seremonyal- bilang isang patakaran, nagsasangkot ng pagpapakita ng isang tao sa buong paglaki. Half-dress- may parehong konsepto bilang isang ceremonial portrait, ngunit kadalasan ay may haba ng baywang o hanggang tuhod na hiwa at medyo binuo na mga accessory. Larawan ng silid - ginagamit ang mga imahe sa baywang, dibdib, hanggang balikat. Ang figure ay madalas na ipinapakita laban sa isang neutral na background. Matalik na larawan - ay isang bihirang uri ng kamara na may neutral na background. Nagpapahayag ng mapagkakatiwalaang relasyon sa pagitan ng artista at ng taong inilalarawan. Maliit na format at maliliit na larawan, ginawa sa watercolor at tinta. Tanawin- isang genre ng pagpipinta kung saan ang pangunahing paksa ng imahe ay malinis na kalikasan, o kalikasan na binago ng tao sa isang antas o iba pa. Umiral ito mula noong unang panahon, ngunit nawala ang kahalagahan nito sa Middle Ages at muling lumitaw sa panahon ng Renaissance, unti-unting naging isa sa pinakamahalagang genre ng pagpipinta. Marina- isang genre ng pinong sining na naglalarawan ng tanawin sa dagat, gayundin ang eksena ng labanan sa dagat o iba pang kaganapang nagaganap sa dagat. Ito ay isang uri ng tanawin. Ang Marina ay lumitaw bilang isang independiyenteng uri ng pagpipinta ng landscape sa Holland sa simula ng ika-17 siglo. Makasaysayang pagpipinta - isang genre ng pagpipinta na nagmula sa Renaissance at kasama ang mga gawa hindi lamang batay sa mga totoong kaganapan, kundi pati na rin ang mga mitolohiko, biblikal at evangelical na mga pagpipinta. Naglalarawan ng mga pangyayari sa nakaraan na mahalaga para sa isang indibidwal na bansa o sa buong sangkatauhan. Pagpipinta ng labanan - isang genre ng fine art na nakatuon sa mga tema ng digmaan at buhay militar. Ang pangunahing lugar sa genre ng labanan ay inookupahan ng mga eksena ng lupa, mga labanan sa dagat at mga kampanyang militar. Ang artista ay nagsusumikap na makuha ang isang partikular na mahalaga o katangian na sandali ng labanan, upang ipakita ang kabayanihan ng digmaan, at madalas na ibunyag ang makasaysayang kahulugan ng mga kaganapang militar. Buhay pa - paglalarawan ng mga bagay na walang buhay sining. Nagmula ito noong ika-15 at ika-16 na siglo, ngunit lumitaw lamang bilang isang independiyenteng genre noong ika-17 siglo sa mga gawa ng Dutch at Flemish artist. Mula noon ito ay naging isang mahalagang genre sa pagpipinta, kasama na sa gawain ng mga artistang Ruso. Pagpipinta ng genre ay isang bahagi pang-araw-araw na genre sa sining. Ang mga pang-araw-araw na eksena ay naging paksa ng pagpipinta mula noong sinaunang panahon, gayunpaman, bilang isang hiwalay na genre, ang pagpipinta ng genre ay lumitaw lamang sa Middle Ages, na tumatanggap ng lalo na malakas na pag-unlad sa panahon. pagbabago sa lipunan Bagong panahon. Pagpipinta ng arkitektura. Pagpipinta, Pangunahing tema na hindi natural, ngunit isang tanawin ng arkitektura. Kasama hindi lamang ang mga larawan ng mga istrukturang arkitektura, kundi pati na rin ang mga larawan ng mga interior. Pagpipinta ng hayop Ito ay isang pagpipinta na ang pangunahing paksa ay ang larawan ng mga hayop. Ang mabalahibong sining ay isang imahe ng mga anthropomorphic na hayop. Pandekorasyon na pagpipinta. Ang monumental na pagpipinta ay bahagi ng monumental na sining, pagpipinta sa mga gusali at istruktura. Ang theatrical at scenery painting ay mga disenyo ng tanawin at kasuutan para sa mga palabas sa teatro at pelikula; sketches ng mga indibidwal na mise-en-scenes. Pandekorasyon na pagpipinta - mga komposisyon ng pandekorasyon at paksa na nilikha sa pamamagitan ng pagpipinta sa iba't ibang bahagi ng mga istrukturang arkitektura, pati na rin sa mga produkto ng pandekorasyon at inilapat na sining.
- Anong mga dokumento ang dapat magkaroon ng isang indibidwal na negosyante?
- Accounting para sa mga indibidwal na negosyante - mga patakaran at tampok ng independiyenteng pag-uulat sa ilalim ng iba't ibang mga rehimen ng buwis Pangunahing dokumentasyon para sa mga indibidwal na negosyante
- Accounting para sa mga indibidwal na negosyante: mga tampok ng accounting sa mga indibidwal na negosyante?
- Paano isapribado ang isang apartment, lahat tungkol sa pribatisasyon Listahan ng mga dokumento para sa pribatisasyon ng isang apartment