¿Cuál de estos artistas es belga? Atracciones de Bélgica, que ver - YouRoute
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Artistas belgas
El apogeo del florecimiento de la pintura en Bélgica cae en el período de dominio de Borgoña en el siglo XV. Durante el Renacimiento, los artistas pintaron retratos con intrincados detalles. Se trataba de pinturas realistas y no idealizadas en las que los artistas intentaban conseguir el máximo realismo y claridad. Este estilo de pintura se debe a la influencia de la nueva escuela holandesa.
Para la pintura belga, el siglo XX fue la segunda edad de oro. Pero los artistas ya se han desviado de los principios del realismo en la pintura y se han volcado hacia el surrealismo. René Magritte se convirtió en uno de estos artistas.
La pintura belga tiene antiguas tradiciones de las que los belgas están justamente orgullosos. La Casa Museo de Rubens se encuentra en Amberes y el Museo Real de Bruselas. Bellas Artes... Se convirtieron en una manifestación del profundo respeto de los belgas por sus artistas y antiguas tradiciones en la pintura.
Primitivistas flamencos
A finales de la Edad Media en Europa, prestaron atención a la pintura en Flandes y Bruselas. Jan Van Eyck (circa 1400-1441) revolucionó el arte flamenco. Fue el primero en utilizar el aceite para hacer pinturas permanentes y mezclar pinturas sobre lienzo o madera. Estas innovaciones permitieron conservar las pinturas durante más tiempo. Durante el Renacimiento, la pintura sobre tabla comenzó a extenderse.
Jan Van Eyck se convirtió en el fundador de la escuela del primitivismo flamenco, representando la vida con colores brillantes en sus lienzos, en movimiento. En la Catedral de Gante hay un altar-políptico "Adoración del Cordero", creado por Artista famoso y su hermano.
El primitivismo flamenco en la pintura se distingue por retratos particularmente realistas, claridad de iluminación y una representación cuidadosa de la ropa y las texturas de las telas. Uno de los mejores artistas que trabajaron en esta dirección fue Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (hacia 1400-1464). Una de las pinturas famosas de Rogierde la Pasture es El descenso de la cruz. El artista combinó el poder de los sentimientos religiosos y el realismo. Las pinturas de Rogierde la Pasture inspiraron a muchos artistas belgas que heredaron la nueva técnica.
Dirk Bouts (1415-1475) amplió las capacidades de la nueva tecnología.
El último primitivista flamenco se considera Hans Memling (hacia 1433-1494), cuyas pinturas representan la Brujas del siglo XV. Las primeras pinturas que representan ciudades industriales europeas fueron pintadas por Joachim Patinir (hacia 1475-1524).
La dinastía Bruegel
A principios del siglo XVI, el arte belga recibió una gran influencia de Italia. El pintor Jan Gossaert (hacia 1478-1533) estudió en Roma. Para pintar cuadros para la dinastía gobernante de los duques de Brabante, eligió temas mitológicos.
En los siglos XVI y XVII. la familia Brueghel tuvo la mayor influencia en el arte flamenco. Uno de los mejores pintores de la escuela flamenca fue Pieter Brueghel el Viejo (hacia 1525-1569). Llegó a Bruselas en 1563. Sus obras más famosas son lienzos que representan figuras cómicas de campesinos. Brindan la oportunidad de sumergirse en el mundo de la Edad Media. Uno de los famosos cuadros de Pieter Brueghel el Joven (1564-1638), que pintó lienzos sobre temas religiosos, es el "Censo de Belén" (1610). Jan Brueghel el Viejo (1568-1625), también llamado Bruegel "Velvet", pintó complejos bodegones con flores sobre un fondo de cortinas de terciopelo. Jan Brueghel el Joven (1601-1678) pintó paisajes magníficos y fue pintor de la corte.
Artistas de Amberes
El centro de la pintura belga del siglo XVII se trasladó de Bruselas a Amberes, el centro de Flandes. En gran medida, esto fue influenciado por el hecho de que uno de los primeros pintores flamencos de fama mundial, Peter Paul Rubens (1577-1640), vivió en Amberes. Rubens pintó paisajes magníficos, cuadros de trama mitológica y fue pintor de la corte. Pero sus lienzos más famosos representan mujeres hinchadas. La popularidad de Rubens fue tan grande que los tejedores flamencos crearon una gran colección de tapices que representan sus magníficas pinturas.
El aprendiz de Rubens, el retratista de la corte Anthony van Dyck (1599-1641), se convirtió en el segundo artista de Amberes en alcanzar la fama mundial.
Jan Brueghel el Viejo se instaló en Amberes y su yerno David Teniers II (1610-1690) fundó la Academia de Artes de Amberes en 1665.
Influencia europea
En el siglo XVIII, la influencia de Rubens en el arte aún se mantuvo, por lo que no hubo cambios significativos en el desarrollo del arte flamenco.
Desde principios del siglo XIX se empezó a sentir la fuerte influencia de otras escuelas europeas en el arte de Bélgica. François Joseph Navez (1787-1869) añadió el neoclasicismo a la pintura flamenca. Constantin Meunier (1831-1905) prefirió el realismo. Guillaume Vogels (1836-1896) escribió en el estilo del impresionismo. Un partidario de la dirección romántica en la pintura fue el pintor bruselense Antoine Wirtz (1806-1865).
Las pinturas perturbadoras, distorsionadas y borrosas de Antoine Wirtz, como Hasty Cruelty, ejecutada alrededor de 1830, son el comienzo del surgimiento del surrealismo en el arte. Fernand Knopff (1858-1921), conocido por sus escalofriantes retratos de mujeres cuestionables, es considerado uno de los primeros exponentes de la escuela belga del simbolismo. Su trabajo fue influenciado por Gustav Klimt, un romántico alemán.
James Ensor (1860-1949) fue otro artista que pasó del realismo al surrealismo. En sus lienzos, a menudo se representan esqueletos misteriosos y espeluznantes. Sociedad de artistas "LesVingt" (LesXX) en 1884-1894. organizó una exposición de obras de famosos artistas de vanguardia extranjeros en Bruselas, revitalizando así la vida cultural de la ciudad.
Surrealismo
Desde principios del siglo XX, la influencia de Cézanne se ha dejado sentir en el arte belga. Durante este período, los fauvistas aparecieron en Bélgica, representando paisajes brillantes bañados por el sol. Un destacado representante del fauvismo fue el escultor y artista Rick Wouters (1882-1916).
A mediados de los años veinte del siglo XX, apareció el surrealismo en Bruselas. Rene Magritte (1898-1967) se convirtió en un destacado representante de esta tendencia en el arte. El surrealismo comenzó a desarrollarse en el siglo XVI. Pinturas fantasmagóricas de Pieter Bruegel el Viejo y Bosch fueron pintadas en este estilo. No hay hitos en los lienzos de Magritte, él definió su estilo surrealista como “un regreso de lo familiar a lo extraño”.
Paul Delvaux (1897-1989) fue un artista más escandaloso y emocional, sus lienzos representaban interiores elegantes y caprichosos con figuras nebulosas.
El movimiento CoBrA en 1948 agitó el arte abstracto. El abstraccionismo fue reemplazado por el arte conceptual, encabezado por Marcel Brudthaers (1924-1976), un maestro de la instalación. Brudthaers representó objetos familiares como una cacerola llena de mejillones.
Tapices y encajes
Los tapices y encajes belgas se han considerado un lujo durante seiscientos años. En el siglo XII, los tapices comenzaron a hacerse a mano en Flandes; más tarde comenzaron a hacerse en Bruselas, Tournai, Oudenaard y Mechelen.
Desde principios del siglo XVI, el arte del encaje comenzó a desarrollarse en Bélgica. El encaje se tejía en todas las provincias, pero los encajes de Bruselas y Brujas eran los más apreciados. A menudo, los aristócratas patrocinaban a las encajeras más hábiles. Para la nobleza, los tapices finos y los encajes exquisitos se consideraban un signo de su posición. En los siglos XV-18. encajes y tapices eran los principales productos de exportación. Y hoy Bélgica es considerada la cuna de los mejores tapices y encajes.
Las ciudades flamencas de Tournai y Arras (hoy ubicadas en Francia) se convirtieron en famosos centros europeos de tejido a principios del siglo XIII. Se desarrolló la artesanía y el comercio. La técnica permitió hacer un trabajo más delicado y costoso, se agregaron hilos de plata y oro reales a la lana, lo que aumentó aún más el valor de los productos.
La revolución en la producción de tapices fue realizada por Bernard Van Orly (1492-1542), quien combinó el realismo flamenco y el idealismo italiano en los dibujos. Más tarde, los maestros flamencos fueron atraídos a Europa y, a finales del siglo XVIII, toda la gloria de los tapices flamencos pasó a la fábrica de París.
Bélgica todo el año
El clima belga es típico del norte de Europa. Es por ello que la celebración se puede realizar tanto en la calle como en casa. Las condiciones climáticas permiten a los artistas metropolitanos actuar perfectamente, tanto en estadios como en edificios antiguos. La gente de Bélgica sabe cómo aprovechar el cambio de estación. Por ejemplo, en la temporada de verano, se abre un festival de flores en la capital. La Grand Place está cubierta de millones de flores cada dos de agosto. La inauguración de la temporada de danza, cine y teatro tiene lugar en enero. Aquí, estrenos desde "cines de automóviles" hasta antiguas abadías esperan a sus espectadores.
En Bruselas, puedes ver el paso de varios festivales durante todo el año. Aquí se pueden ver procesiones históricas lujosas y llenas de vida. Se han organizado todos los años desde la época medieval. Aquí se exhiben las últimas artes experimentales de Europa.
Vacaciones
- Año Nuevo - 1 de enero
- Pascua - fecha flotante
- Lunes limpio- fecha flotante
- Día del Trabajo - 1 de mayo
- Ascensión - fecha flotante
- Día de la Trinidad - fecha flotante
- Lunes de perfumes - fecha flotante
- Día Nacional de Bélgica el 21 de julio
- Dormición - 15 de agosto
- Día de Todos los Santos - 1 de noviembre
- Tregua - 11 de noviembre
- Día de Navidad - 25 de diciembre
A medida que se alargan los días de primavera en Bélgica, la vida cultural se revitaliza. Los turistas están comenzando a venir aquí. Los festivales de música tienen lugar en la misma calle. Cuando los parques de la ciudad florecen, los invernaderos tropicales de Lyken, de fama mundial, se abren a los visitantes. Para las importantes vacaciones de Pascua, los chocolates belgas están ocupados preparando todo tipo de dulces.
- Festival Internacional de Cine Fantástico (3ª y 4ª semana). Los amantes de los milagros y las rarezas encontrarán nuevas películas en los cines de toda la capital.
- Ars Music (mediados de marzo - mediados de abril). Esta fiesta es uno de los mejores festivales europeos. A él acuden artistas famosos. Los conciertos se celebran a menudo en el Museo de Antiguos Maestros. Todos los expertos en música están presentes en este festival.
- Euroantika (última semana). El estadio Eisele está lleno de visitantes y vendedores que buscan comprar o vender antigüedades.
- Pascua (Domingo de Pascua). Existe la creencia de que antes de la Pascua, las campanas de las iglesias vuelan a Roma. Al regresar, se van en los campos y bosques especialmente para los niños. huevos de Pascua... Así, cada año los adultos esconden más de 1000 huevos pintados en King's Park, y niños de toda la ciudad se reúnen para buscarlos.
abril
- Barroco primaveral en Sablon (3ª semana). Jóvenes talentos belgas se reúnen en la famosa Place de la Grande Sablon. Tocan música del siglo XVII.
- Invernaderos reales en Lyken (12 días, las fechas varían). Cuando los cactus y todo tipo de plantas exóticas comienzan a florecer, los invernaderos privados de la familia real belga se abren especialmente para el público. Los locales son de cristal y acabados en hierro. Una gran cantidad de todo tipo de plantas raras se mantienen aquí del mal tiempo.
- Festival de Flandes (mediados de abril - octubre) Este festival es una fiesta musical en la que se mezclan todo tipo de estilos y tendencias. Aquí actúan más de 120 orquestas y coros famosos.
- "Escenas de pantalla". (3ª semana - fin de semana). Diariamente se presentan nuevas películas europeas especialmente para el público.
- Celebración del Día de Europa (7-9 de mayo). Debido al hecho de que Bruselas es la capital europea, esto se enfatiza una vez más en las vacaciones. Por ejemplo, incluso Mannequin-Peace se vestirá con un traje azul, que está decorado con estrellas amarillas.
- Festival de las Artes de Künstein (9 al 31 de mayo). En este festival participan jóvenes actores y bailarines de teatro.
- Concurso Queen Elizabeth (mayo - mediados de junio). Este concurso de música reúne a los fanáticos de los clásicos. Esta competición se lleva a cabo desde hace más de cuarenta años. Allí actúan jóvenes pianistas, violinistas y cantantes. Los directores y solistas famosos eligen a los intérpretes más dignos entre ellos.
- Carrera de 20 km en Bruselas (último domingo). Running jogging en la capital, en el que participan activamente más de 20.000 corredores aficionados y profesionales.
- Rally de jazz (último día libre). Pequeñas bandas de jazz actúan en bistros y cafés.
En julio, se abre la temporada del esplendor de la corte en Ommengang. Ésta es una costumbre bastante antigua. Una gran procesión recorre la Grand Place y las calles circundantes. En esta maravillosa época del año, puedes escuchar música de varios estilos. Los artistas pueden tocar música en una variedad de lugares, como el enorme estadio King Baudouin en Eisele o los pequeños cafés. El día de la celebración del Día de la Independencia, todos los belgas acuden a la feria de Midi. Se lleva a cabo en la zona donde se instalan las bandejas y se construyen los caminos.
- Festival de Verano de Bruselas (principios de junio a septiembre). Los conciertos se celebran en famosos edificios antiguos.
- Festival en Valonia (junio - octubre). Una serie de conciertos de gala en Bruselas y Flandes permite al público presentar a los jóvenes solistas y orquestas belgas más talentosos.
- Festival café "Cooler" (la semana pasada). Durante tres días, se lleva a cabo un programa muy de moda en el almacén reconstruido de Tour-e-Taxi. El espectador disfrutará de bateristas africanos, salsa, música étnica y acid jazz.
- Festival de Música (último día libre). Durante dos semanas seguidas, se llevan a cabo actuaciones benéficas y conciertos en los ayuntamientos y museos dedicados a las músicas del mundo.
- Ommegang (primer fin de semana de julio). Turistas de todo el mundo vienen a ver esta acción. Este festival se celebra en Bruselas desde 1549. Esta procesión (o, como se le llama, "bypass") recorre la Grand Place, todas las calles adyacentes a ella, y se mueve en círculo. Aquí participan más de 2000 participantes. Los trajes los transforman en habitantes de la ciudad del Renacimiento. El desfile pasa por altos funcionarios belgas. Los boletos deben reservarse con anticipación.
- Festival de jazz-folk "Brosella" (2º día libre). El festival tiene lugar en Osseghem Park. Todo el mundo viene a eso músicos famosos de Europa.
- Festival de verano en Bruselas (julio - agosto). En esta época del año los músicos tocan obras clásicas en las Ciudades Baja y Alta.
- Feria Midi (mediados de julio - mediados de agosto). Realización de una feria en la famosa estación de Bruselas Gardu-Midi. Este evento se lleva a cabo durante todo un mes. A los niños les gusta mucho. Esta feria es considerada la más grande de Europa.
- Día de Bélgica (21 de julio). Un desfile militar en honor al Día de la Independencia, que se celebra desde 1831, seguido de fuegos artificiales en el Parque de Bruselas.
- Dias puertas abiertas en el Palacio Real (última semana de julio - 2da semana de septiembre). Las puertas del Palacio Real están abiertas a los visitantes. Este evento se lleva a cabo seis semanas seguidas.
- Árbol de mayo (Mayboom) (9 de agosto). Este festival se remonta a 1213. Los participantes en esta acción se visten con enormes disfraces: muñecas. La procesión tiene lugar en la Ciudad Baja. Se detiene en la Grand Place, luego se coloca un árbol de mayo allí.
- Alfombra de flores (mediados de agosto, cada 2 años). Esta fiesta tiene lugar en un año. Aquí hay un homenaje a la floricultura de Bruselas. Toda la Grand Place está cubierta de flores frescas. El área total de dicha alfombra es de aproximadamente 2000 m².
Otoño
En otoño, las actividades de entretenimiento de los belgas se trasladan bajo el techo, a cafés o centros culturales, donde se puede escuchar música contemporánea... Durante las Jornadas del Patrimonio, el público tiene la oportunidad de disfrutar de la arquitectura visitando casas particulares que en otros momentos están cerradas a los visitantes e inspeccionando las colecciones allí ubicadas.
septiembre
- Cumpleaños de Mannequin Peace (último día libre).
- La famosa escultura de un niño que hace pis se está vistiendo con otro traje donado por un invitado extranjero de alto rango.
- Festival "Ciudad Feliz" (primer día libre).
- En este momento, se llevan a cabo alrededor de 60 conciertos en tres docenas de los mejores cafés de Bruselas.
- Noches botánicas (última semana).
- En francés centro Cultural Le Botanic, ubicado en los antiguos invernaderos del Jardín Botánico, acoge una serie de conciertos que harán las delicias de todos los amantes del jazz.
- Días del patrimonio (2º o 3º día libre).
- Durante varios días, muchos edificios vigilados y casas particulares, así como colecciones de arte cerradas, abren sus puertas a los visitantes.
- Festival de jazz Audi (mediados de octubre - mediados de noviembre).
- Los sonidos del jazz se escuchan en todo el país, diluyendo el aburrimiento otoñal. Los artistas locales actúan, pero algunas estrellas europeas suelen actuar en el Palais des Beaux Arts de Bruselas.
En invierno, generalmente llueve y nieva en Bélgica, por lo que casi todas las actividades durante este período se trasladan bajo techo. Las galerías de arte albergan exposiciones de importancia mundial, y en el Festival de Cine de Bruselas, puedes ver obras de ambos maestros famosos y jóvenes talentos. Antes de las vacaciones de Navidad, la Ciudad Baja se ilumina con una iluminación brillante, y en Navidad, las mesas belgas están decoradas con platos tradicionales.
- Nocturne de Sablon (último fin de semana). Todas las tiendas y museos de la Place de la Grande Sablon no cierran hasta altas horas de la noche. Los carros tirados por caballos circulan por la feria, entregando a los clientes, y en la plaza principal todos pueden degustar vino caliente caliente.
- Día de San Nicolás (6 de diciembre).
- Según la leyenda, en este día, el patrón de la Navidad Santa Claus llega a la ciudad, y todos los niños belgas reciben dulces, chocolates y otros obsequios.
- Navidad (24-25 de diciembre).
- Como en otros países católicos, la Navidad en Bélgica se celebra la noche del 24 de diciembre. Los belgas intercambian regalos y al día siguiente van a visitar a sus padres. Todo tipo de adornos navideños adornan las calles de la capital hasta el 6 de enero.
- Día del Rey (6 de enero).
- En este día, se preparan "tortas reales" especiales de almendras, y todos buscan un guisante escondido allí. El que la encontró es declarado rey por toda la noche festiva.
- Festival de Cine de Bruselas (mediados de enero).
- Proyección de estreno de nuevas películas con la participación de estrellas del cine europeo.
- Feria de Antigüedades (2ª y 3ª semana).
- El Palais des Beaux-Arts reúne a anticuarios de todo el mundo.
- Festival Internacional de Cómics (2ª y 3ª semana).
- Los autores y artistas de cómics acuden en masa a la influyente ciudad del dibujo de los cómics para compartir experiencias y mostrar nuevos trabajos.
Más variada y colorida que la arquitectura y la escultura flamencas, la pintura flamenca del siglo XVII se despliega en su espléndido florecimiento. Aún más claramente que en estas artes, el flamenco eterno emerge aquí de una mezcla de cimientos del norte y del sur, como un tesoro nacional ineludible. Su pintura contemporánea en ningún otro país ha capturado un área de temas tan rica y variada. En iglesias nuevas o reconstruidas, cientos de gigantescos altares barrocos esperaban imágenes de santos pintados en grandes lienzos. En palacios y casas, inmensos muros anhelaban pinturas de caballete mitológicas, alegóricas y de género; y la pintura de retratos, que se desarrolló en el siglo XVI hasta convertirse en retratos de cuerpo entero, siguió siendo un gran arte en el pleno sentido de la palabra, combinando una naturalidad fascinante con la nobleza de expresión.
Junto a esta gran pintura, que Bélgica compartió con Italia y Francia, floreció aquí, continuando las antiguas tradiciones, la pintura de gabinete original principalmente en pequeñas tablas de madera o cobre, inusualmente rica, abarcando todo lo representado, no descuidó los temas religiosos, mitológicos o alegóricos, prefiriendo la vida cotidiana de todas las clases de la población, especialmente campesinos, taxistas, soldados, cazadores y marineros en todas sus manifestaciones. El paisaje diseñado o los fondos de interior de estas pinturas de figuras pequeñas se transformaron en manos de algunos maestros en pinturas paisajísticas y arquitectónicas independientes. Esta fila termina con imágenes de flores, frutas y animales. El comercio exterior trajo maravillas de la flora y la fauna a los viveros y las casas de fieras de los archiduques gobernantes en Bruselas. Los artistas que lo dominaron todo no podían pasar por alto la riqueza de sus formas y colores.
Por todo eso, en Bélgica ya no había terreno para la pintura mural monumental. Con la excepción de las pinturas de Rubens en la iglesia jesuita de Amberes y algunas series eclesiásticas de paisajes, los grandes maestros de Bélgica crearon sus grandes pinturas pintadas sobre lienzo, murales y techos para gobernantes extranjeros, y la caída de la técnica del tapiz de Bruselas, A lo que la participación de Rubens se informó solo por un ascenso temporal, hizo innecesaria la participación de otros maestros belgas como los jordanos y teniers. Pero los maestros belgas tomaron una participación conocida, aunque no tan profunda como la holandesa, en el desarrollo posterior del grabado y el aguafuerte. Los holandeses de nacimiento fueron incluso los mejores grabadores antes de Rubens, y la participación de los más grandes pintores belgas: los Rubens, Jordaens, Van Dyckes, Browver y Tenier en el "grabado pictórico" - aguafuerte, es en parte sólo un asunto secundario, en parte incluso dudoso .
Amberes, una rica ciudad comercial de la Baja Alemania en el Escalda, es ahora más que nunca, en el pleno sentido de la palabra, la capital de la pintura del Bajo Holandés. La pintura de Bruselas, quizás solo buscando caminos independientes en el paisaje, se convirtió en una rama del arte de Amberes; incluso la pintura de los antiguos centros de arte flamencos, Brujas, Gante y Mecheln, vivió al principio sólo por su relación con los talleres de Amberes. Pero en la parte valona de Bélgica, concretamente en Lüttih, se puede rastrear una gravitación independiente hacia los italianos y franceses.
Para la historia general de la pintura flamenca del siglo XVII, además de las colecciones de fuentes literarias de Van Mander, Goubraken, de Bee, Van Gool y Weiermann, los léxicos de Immerseel, Kramm y Wurzbach, libros consolidados, solo parcialmente obsoletos de Micheels, Wahagen, Waters, Rigel y Philipp ... En vista del significado predominante del arte del Escalda, también se puede nombrar la historia del arte de Amberes de Van den Branden y Rooses, que, por supuesto, requiere adiciones y cambios. El capítulo relacionado del autor de este libro en su "Historia de la pintura" y de Woltman ya está desactualizado en detalle.
La pintura flamenca del siglo XVII logró total libertad de disposición pictórica y ejecución, la unidad interior de dibujo y colores, la más suave amplitud y fuerza en las manos creativas de su gran maestro Peter Paul Rubens, quien hizo de Amberes el lugar central para la exportación. de pinturas para toda Europa. Sin embargo, no faltaron maestros en la transición entre la vieja y la nueva dirección.
En las industrias realistas nacionales, con pequeñas figuras contra el telón de fondo de un paisaje desarrollado, solo vivían los ecos de la grandeza y la espontaneidad de Pieter Bruegel el Viejo. La transferencia del paisaje en una era de transición se mantiene dentro del marco del "estilo entre bastidores" de Gilisse Van Koninkloo con su follaje arbóreo en forma de vigas y eludiendo las dificultades de una perspectiva lineal y aérea desarrollando tonos separados, alternos y de diferentes colores. Los fundadores de la pintura de paisaje actual, los amberes, los hermanos Matthäus y Paul Brill (1550-1584 y 1554-1626), de cuyo desarrollo casi no se sabe nada, partieron de este estilo convencional. Matthäus Bril apareció de repente como pintor de frescos de paisajes en el Vaticano en Roma. Después de su temprana muerte, Paul Brill, el compañero de su hermano en el Vaticano, desarrolló aún más el entonces nuevo estilo de paisaje holandés. Han sobrevivido pocas pinturas auténticas de Matthäus; sobre todo de Pablo, sobre cuyos paisajes eclesiásticos y palaciegos en el Vaticano, en Letrán y en el Palazzo Rospigliosi en Santa Cecilia y en Santa Maria Maggiore en Roma, informé en otra parte. Solo gradualmente pasan bajo la influencia de los paisajes más libres con mayor unidad de Annibale Carracci, al estilo de transición equilibrado anterior. El desarrollo posterior de Brill, que es parte de la historia general de la pintura de paisajes, se refleja en sus numerosos, en parte marcados por años, pequeños paisajes sobre tablas (1598 en Parma, 1600 - en Dresde, 1601 - en Munich, 1608 y 1624 - en Dresde, 1609, 1620 y 1624 - en el Louvre, 1626 - en San Petersburgo), abundantes, como de costumbre, árboles, que rara vez se esfuerzan por transmitir un área determinada. En cualquier caso, Paul Brill pertenece a los fundadores del estilo paisajístico del que surgió el arte de Claude Lorrain.
En los Países Bajos, el amberes Josse de Momper (1564-1644), mejor representado en Dresde, desarrolló el estilo Koninkloo de paisajes rocosos, no particularmente ricos en árboles, en los que "tres fondos", a veces con la adición de un cuarto iluminado por el sol, Suelen aparecer en toda su belleza marrón-verde-gris-azul.
La influencia de las pinturas más antiguas de Brill se refleja en el segundo hijo de Peter Brueghel el Viejo, Jan Brueghel el Viejo (1568-1625), quien antes de su regreso a Amberes en 1596, trabajó en Roma y Milán. Kriveli y Mikhel le dedicaron composiciones separadas. Pintó principalmente cuadros pequeños, a veces en miniatura, que dan la impresión de un paisaje incluso cuando representan temas bíblicos, alegóricos o de género. Son ellos los que se adhieren firmemente al estilo Koninkloo con follaje en forma de vigas, aunque transmiten de manera más sutil las transiciones mutuas de tres fondos. Una característica de la versatilidad de Jan Brueghel es que pintó fondos de paisajes para pintores de figuras como Balen, figuras para pintores de paisajes como Momper, coronas de flores para maestros como Rubens. Conocido por su obra fresca y sutil "La caída" del Museo de La Haya, en la que Rubens pintó a Adán y Eva, y Jan Brueghel pintó paisajes y animales. Sus propios paisajes, ricamente dotados de una variada vida folclórica, pero que todavía no transmiten de manera particularmente expresiva el cielo con sus nubes, son principalmente zonas montañosas regadas por ríos, llanuras con molinos de viento, calles de pueblos con escenas de tabernas, canales con riberas boscosas, animados caminos rurales en alturas boscosas y caminos forestales con leñadores y cazadores, observados vívida y fielmente. Las primeras pinturas de su pincel se pueden ver en la Ambrosiana milanesa. Tiene una representación más abundante en Madrid, así como en Munich, Dresde, Petersburgo y París. De particular importancia en el sentido de buscar nuevos caminos fue su pintura de flores, que en el más alto grado transmitió de manera convincente no solo todo el encanto de las formas y el brillo de los colores de colores raros, sino también su combinación. Madrid, Viena y Berlín poseen sus cuadros de flores.
Entre sus colaboradores, no debemos perder de vista a Hendrik Van Balen (1575-1632), cuyo maestro es considerado el segundo maestro de Rubens, Adam Van Noort. Sus retablos (por ejemplo, en la Iglesia de Jacob en Amberes) son insoportables. Se hizo famoso por sus pinturas pequeñas, suaves y azucaradas en tableros con contenido principalmente de fábulas antiguas, por ejemplo, "La fiesta de los dioses" en el Louvre, "Ariadna" en Dresde, "Manna Gathering" en Braunschweig, pero sus pinturas de este tipo también carecen de frescura y espontaneidad artísticas.
El estilo paisajístico del período de transición descrito anteriormente continuó, sin embargo, entre débiles imitadores hasta principios del siglo XVIII. Aquí, solo se pueden notar los maestros más fuertes de esta tendencia, quienes la trasladaron a Holanda, David Winkboons de Mecheln (1578-1629), quien se mudó de Amberes a Amsterdam, escribió escenas frescas de bosques y aldeas, en ocasiones también episodios bíblicos en un entorno paisajístico, pero de buena gana vacaciones en el templo frente a las tabernas del pueblo. Sus mejores pinturas en Augsburgo, Hamburgo, Braunschweig, Munich, San Petersburgo se observan de manera bastante directa y, no sin fuerza, están pintadas con colores coloridos. Relant Savery of Courtray (1576-1639), a quien Kurt Erasmo dedicó un estudio con mucho cariño, estudió las montañas boscosas alemanas al servicio de Rodolfo II, tras lo cual se estableció como pintor y grabador, primero en Ámsterdam y luego en Utrecht. Sus tres planos impregnados de luz, fusionándose gradualmente, pero algo secos en la ejecución, paisajes montañosos, rocosos y forestales, que se pueden conocer bien en Viena y Dresde, los equipó con grupos vivos de animales salvajes y mansos en escenas de caza, en imágenes. del paraíso y Orfeo. También es uno de los primeros pintores de flores independientes. Adam Villierts de Amberes (1577, m. Después de 1649), quien se mudó a Utrecht en 1611, fue un representante de este estilo transitorio de paisaje marino. Sus vistas a la costa y al mar (por ejemplo, en Dresde, en Weber's en Hamburgo, en la galería de Liechtenstein) todavía están secas en el patrón de las olas, todavía toscas en la descripción de la vida en los barcos, pero cautivadoras por la honestidad de su actitud hacia naturaleza. Finalmente, Alexander Kerrinks de Amberes (1600-1652), quien transfirió su arte paisajístico flamenco a Amsterdam, todavía sigue a Koninksloh en las pinturas con su firma, pero en pinturas posteriores de Braunschweig y Dresde, obviamente está influenciado por el tonal holandés pardusco de Van Goyen. pintura ... Pertenece, por tanto, a los maestros transicionales en el sentido más amplio de la palabra.
De los maestros de Amberes de este tipo que se quedaron en casa, Sebastian Vranks (1573 - 1647) descubre un indudable éxito como paisajista y pintor de caballos. También representa el follaje en forma de racimos, a menudo colgantes, como los de un abedul, pero le da una conexión más natural, le da un tono aireado nueva claridad y sabe cómo transmitir un carácter vital a las acciones de escrito con confianza y coherencia. caballos y jinetes de su batalla y escenas de depredadores que se pueden ver, por ejemplo, en Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam y Weber en Hamburgo.
Finalmente, en la pintura arquitectónica ya en el siglo XVI, desarrolla, a lo largo de los caminos de Steenwick el Viejo, un estilo de transición que consiste en la sustitución gradual de la adherencia literal a la naturaleza por la belleza artística, su hijo Hendrik Steenwik el Joven (1580-1649 ), que se trasladó a Londres, y junto a él, el principal Así, Peter Nefs el Viejo (1578 - 1656), cuyas vistas internas de las iglesias se pueden encontrar en Dresde, Madrid, París y San Petersburgo.
En general, la pintura flamenca estaba obviamente en el camino correcto para regresar al arte pequeño, cuando el gran arte de Rubens se elevó sobre ella como el sol y la llevó con él al reino de la luz y la libertad.
Peter Paul Rubens (1577 - 1640) es el sol alrededor del cual gira todo el arte belga del siglo XVII, pero al mismo tiempo una de las grandes luminarias del arte europeo de este período. A diferencia de todos los pintores barrocos italianos, es el principal representante del barroco en la pintura. La plenitud de formas, la libertad de movimiento, el dominio de las masas, impartiendo pintoresquismo al estilo barroco de la arquitectura, en las pinturas de Rubens abandonan el peso de la piedra y, con el embriagador lujo de los colores, reciben un nuevo e independiente derecho a existir. . Con el poder de las formas individuales, la grandeza de la composición, la plenitud floreciente de la luz y los colores, la pasión de la vida al transmitir acciones repentinas, el poder y el fuego en la excitación de la vida corporal y mental de su masculino y femenino carnosos, vestidos y figuras desnudas, supera a todos los demás maestros. El lujoso cuerpo de sus rubias de mejillas llenas, labios carnosos y una sonrisa alegre brilla con blanco. Quemada por el sol, la piel de sus héroes masculinos brilla, y su frente audaz y convexa está animada por un poderoso rizo de cejas. Sus retratos son los más frescos y saludables, no los más individuales e íntimos para su época. Nadie supo reproducir animales salvajes y domesticados con tanta viveza como él, aunque por falta de tiempo, en la mayoría de los casos, dejó asistentes para plasmarlos en sus cuadros. En el paisaje, cuya ejecución también confió a los asistentes, vio, en primer lugar, el efecto general debido a la vida atmosférica, pero él mismo escribió, incluso en la vejez, paisajes asombrosos. Su arte cubrió todo el mundo de los fenómenos físicos y espirituales, toda la complejidad del pasado y el presente. Pinturas de altar y nuevamente pinturas de altar que pintó para la iglesia. Pintó retratos y retratos principalmente para él y sus amigos. Creó imágenes mitológicas, alegóricas, históricas y escenas de caza para los grandes de este mundo. Las pinturas de paisajes y de género fueron obras secundarias incidentales.
Las órdenes llovieron sobre Rubens. Al menos dos mil cuadros salieron de su taller. Una gran demanda por su arte provocó la frecuente repetición de pinturas enteras o partes individuales por parte de sus alumnos y asistentes. En el cenit de su vida, solía dejar sus propios cuadros para ayudar a los asistentes. Están todas las transiciones entre sus propias obras manuscritas y las pinturas del taller, para las que solo dio bocetos. Con toda la similitud de las formas básicas y los estados de ánimo básicos, sus propias pinturas revelan cambios de estilo significativos, al igual que los de muchos de sus contemporáneos, desde el modelado de plástico sólido y la escritura gruesa y pesada hasta la ejecución más liviana, libre y más liviana, hasta más Contornos vivos, hasta modelados más suaves, aireados y llenos de humor, iluminados por los colores floridos de la pintura tonal.
En la cabeza la última literatura sobre Rubens es la obra colectiva ampliamente concebida de Max Rooses: "Las obras de Rubens" (1887 - 1892). Las mejores y más importantes obras biográficas pertenecen a Rooses y Michel. Jacob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg y Wilhelm Bode también publicaron obras compuestas, después de Waagen. Ruelens, Woltmann, Rigel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemans y otros discutieron preguntas separadas sobre Rubens. Giemans y Voorthelm-Schnevogt se dedicaron a Rubens como grabador.
Rubens nació en Siegen, cerca de Colonia, de respetados amberes y recibió su primera educación artística en la ciudad de sus padres de Tobias Verhegt (1561-1631), un pintor de paisajes mediocre de estilo de transición, luego estudió durante cuatro años con Adam Van Noort (1562-1641), uno de los maestros medios del italismo amanerado, como se conoce ahora, y luego trabajó durante otros cuatro años para Otto Van Ven, rico en invenciones, vacío en formas de falso clásico, a quien primero se unió estrechamente y en 1598 se convirtió en maestro de gremio. En 1908, Haberzwil dedicó artículos detallados a los tres maestros de Rubens. No se puede establecer con certeza ni una sola imagen del período temprano de Amberes de Rubens. De 1600 a 1608 vivió en Italia; primero en Venecia, luego principalmente al servicio de Vincenzo Gonzaga en Mantua. Pero ya en 1601 escribió en Roma para los tres altares de la iglesia de Santa Croce en Jeruzalemme "Encontrar la Cruz", "La Corona de Espinas" y "Exaltación de la Cruz". Estas tres pinturas, ahora pertenecientes a la capilla del hospital de Grasse, en el sur de Francia, revelan el estilo de su primer período italiano, todavía buscándose, todavía bajo la influencia de copias de Tintoretto, Tiziano y Correggio, pero ya llenas de un carácter independiente. luchando por la fuerza y el movimiento. Con una asignación de su príncipe, el joven maestro fue a España en 1603. De las pinturas que allí escribió, las figuras de los filósofos Heráclito, Demócrito y Arquímedes en el Museo de Madrid aún revelan formas pomposas, no independientes, pero también una fuerte impresión de profundidad psicológica. De regreso a Mantua, Rubens pintó un gran retablo de tres partes, cuyo cuadro central, con la adoración de la familia Gonzaga de St. La Trinidad, conservada en dos partes en la biblioteca de Mantua, y de las amplias pinturas laterales ricamente decoradas que muestran el poder cada vez mayor de las formas y acciones de las masas, "El bautismo de Cristo" terminó en el Museo de Amberes y en el " Transfiguración "en el Museo de Nancy. Luego, en 1606, el maestro volvió a pintar para Chiesa Nuova en Roma un magnífico retablo de la Asunción de S. Gregory ”, que ahora pertenece al Museo de Grenoble, y en Roma fue reemplazado ya en 1608 por otros tres, para nada los mejores cuadros del mismo maestro. Recuerda con más claridad el espectacular estilo de Caravaggio "Circuncisión de Cristo" 1607 en Sant Ambrogio de Génova. Sin embargo, investigadores como Rooses y Rosenberg se refieren al período italiano del maestro, cuando copió las obras de Tiziano, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Miguel Ángel y Rafael, y varias pinturas de su pincel, aparentemente, sin embargo, escrito más tarde. Grandes, originarios de Mantua, fuertes en forma y color, alegorías de la exhibición y la virtud en Dresde, si no fueron escritas, como Michel piensa con nosotros, alrededor de 1608 en Mantua, entonces admitimos, junto con Bode, que aparecieron después. el regreso de Rubens a su tierra natal que con Roothers que fueron escritos antes de su viaje italiano a Amberes. La imagen dibujada con seguridad y modelada plásticamente de Jerónimo en Dresde también revela un peculiar estilo rubense, quizás incluso demasiado elaborado para su período italiano, al que ahora nos referimos en este cuadro. Cuando Rubens regresó a Amberes en 1608, ya en 1609 fue nombrado pintor de la corte de Albrecht e Isabella, y su estilo, ya independiente, se desarrolló rápidamente hasta alcanzar una fuerza y una grandeza tremendas.
Desordenado en la composición, inquieto en el contorno, desigual en los efectos de iluminación es su Adoración de los Magos (1609-1610) en Madrid, marcado, sin embargo, con un poderoso movimiento. Lleno de vida y pasión, poderoso en el modelado de cuerpos musculosos, su famosa imagen en tres partes "Exaltación de la Cruz" en la Catedral de Amberes. Los recuerdos italianos más fuertes se reflejan en escenas mitológicas simultáneas como Venus, Cupido, Baco y Ceres en Kassel, y el regordete y encadenado Prometeo en Oldenburg. Ejemplares típicos de un retrato tallas grandes de esta época son los retratos de paisajes de Albrecht e Isabella en Madrid y un magnífico cuadro de Munich, que presenta en un mirador de madreselva del propio maestro con su joven esposa, Isabella Brant, a quien trajo a casa en 1609, una imagen incomparable de la calma. , pura felicidad del amor.
El arte de Rubens descubrió un nuevo vuelo entre 1611 y 1614. El enorme cuadro "Descenso de la Cruz" con la majestuosa "Visita de María Isabel" e "Introducción al Templo" en las puertas, en la Catedral de Amberes, es considerada la primera obra en la que el maestro trajo sus tipos y su método de escribiendo a pleno desarrollo. Maravillosa es la apasionada vitalidad de los movimientos individuales, aún más maravillosa es el poder penetrante de la pintura. También pertenecen a estos años pinturas mitológicas como "Rómulo y Remo" en la Galería Capitolina, "Fauno y Fauno" en la Galería Schönborn de Viena.
Las pinturas de Rubens de 1613 y 1614, confiado en la composición, con formas y colores claramente definidos, representan algunas pinturas, marcadas como excepción por su nombre y año de ejecución. Tales son la pintura Júpiter y Calisto (1613), pura en forma, bello en color, Huida a Egipto en Kassel, llena de luz mágica, Venus congelada (1614) en Amberes, La patética Lamentación (1614) en Viena y Susana (1614). ) en Estocolmo, cuyo cuerpo es, sin duda, más agradable y mejor comprensible que el cuerpo demasiado lujoso de su anterior Susanna en Madrid; en el camino de la pintura, estas pinturas se unen a poderosas imágenes simbólicas del Cristo crucificado solitario sobre el fondo del cielo oscurecido en Munich y Amberes.
Desde entonces, los pedidos se han ido acumulando en el taller de Rubens hasta tal punto que da a sus asistentes una participación más notoria en la ejecución de sus cuadros. Entre los más antiguos, además de Jan Bruegel, se encuentra el destacado pintor de animales y frutas Frans Snyders (1579-1657), quien, según el propio Rubens, pintó un águila en el cuadro de Oldenburg mencionado con Prometeo, y el animado pintor de paisajes Jan Wildens (1586-1653), que trabajó desde 1618 para Rubens. El colaborador más destacado fue Anton Van Dyck (1599-1641), quien luego se convirtió en una figura independiente. En cualquier caso, convertido en maestro en 1618, fue la mano derecha de Rubens hasta 1620. Las pinturas del propio Rubens de estos años suelen contrastar la penumbra azulada del cuerpo con una mancha de luz amarillo rojiza, mientras que las pinturas con una colaboración claramente establecida de Van Dyck se distinguen por un claroscuro cálido uniforme y una transmisión pictórica más nerviosa. Entre ellos se encuentran seis imágenes grandes, pintadas con entusiasmo de la vida del cónsul romano Decius Moussa, en el palacio de Liechtenstein en Viena, cuyas caricaturas hizo Rubens para alfombras tejidas en 1618 (las copias sobrevivientes están en Madrid), y grandes pinturas decorativas en el techo. (sólo se conservan bocetos en varias colecciones), y algunos de la composición efectiva, con muchas figuras de retablos de esta iglesia, “El Milagro de St. Xavier "y" El milagro de St. Ignatius ”, rescatado por el museo de la corte vienesa. No hay duda de la cooperación de Van Dyck en la enorme Crucifixión en Amberes, en la que Longinus a caballo atraviesa el costado del Salvador con una lanza, en la Virgen con los pecadores arrepentidos en Kassel, y según Bode también en el "Día de la Trinidad" de Munich y en Berlín, "Lazar", según Rooses, también está en una dramática caza de leones y en el igualmente dramático, apasionado y rápido secuestro de las hijas de Leucipo en Munich. Todas estas pinturas brillan no solo con el poder audaz de la composición de Rubens, sino también con la penetrante sutileza del sentimiento de la pintura de Van Dyck. Entre las pinturas manuscritas, escritas en su mayoría por el propio Rubens entre 1615 y 1620, se encuentran las mejores pinturas religiosas, llenas de bulliciosos movimientos de masas "El Juicio Final" en Munich y la animación interior completa de la "Asunción de Nuestra Señora" en Bruselas y Viena, así como magistrales pinturas mitológicas, lujosas "bacanales" e imágenes de "Phiazos" en Múnich, Berlín, Petersburgo y Dresde, en las que el poder de la desbordante alegría sensual de la vida, traducido del romano al flamenco, aparentemente alcanza su máxima expresión por primera vez ... "Batalla de las Amazonas" en Munich (alrededor de 1620), una creación inalcanzable en el sentido de una representación pintoresca del vertedero y la batalla más violentos, aunque escrito en un tamaño pequeño, linda aquí. Luego están los niños desnudos de tamaño natural, como los excelentes putti con una guirnalda de frutas en Munich, luego escenas de caza tormentosas, cacerías de leones, de las cuales Munich es la mejor, y cacerías de jabalíes, de las cuales la mejor cuelga en Dresde. A esto le siguen las primeras pinturas de paisajes con adiciones mitológicas, por ejemplo, el estado de ánimo pleno "Naufragio de Eneas" en Berlín, o con un entorno natural, lo que es el paisaje romano radiante con ruinas en el Louvre (hacia 1615) y los paisajes llenos de la vida "Verano" e "Invierno" (alrededor de 1620) en Windsor. Transmitidos majestuosamente, escritos de manera amplia y veraz sin indicios de los viejos manierismos, iluminados por la luz de todo tipo de manifestaciones celestiales, se erigen como pilares fronterizos en la historia de la pintura de paisajes.
Finalmente, los retratos de Rubens de este período de cinco años están emergiendo de manera clara, majestuosa y poderosa. Una obra magistral de su autorretrato en los Uffizi, magnífico es su grupo de retratos "Cuatro filósofos" en el Palazzo Pitti. En lo mejor de su belleza, su esposa Isabella aparece en los nobles retratos de Berlín y La Haya. Hacia 1620, en la Galería Nacional de Londres se pintó un asombroso retrato de Susanna Furman con un sombrero con una pluma, abanicado por el claroscuro más delicado. Los famosos retratos masculinos del maestro de estos años se pueden ver en Munich y en la galería de Liechtenstein. Tan apasionadamente como Rubens retrató episodios de la historia sagrada del mundo, escenas de caza e incluso paisajes, con la misma calma pintó sus figuras de retratos, siendo capaz de transmitir su caparazón corporal con poder y verdad monumental, pero sin tratar de espiritualizar internamente, capturado solo en general. , rasgos faciales.
Van Dyck dejó Rubens en 1620 y su esposa Isabella Brant murió en 1626. Un nuevo impulso para su arte fue el segundo matrimonio con la hermosa joven Helena Furman, en 1630.Sin embargo, sus viajes artísticos y diplomáticos a París (1622, 1623, 1625), a Madrid (1628, 1629) y a Londres (1629, 1630). De las dos grandes series históricas con alegorías, 21 enormes pinturas de la vida de María de Médici (escritas por Grossman) pertenecen ahora a las mejores decoraciones del Louvre. Esbozadas por la mano magistral de Rubens, pintadas por sus alumnos, completadas por él mismo, estas pinturas históricas están llenas de muchos retratos modernos y figuras mitológicas alegóricas en el espíritu del barroco moderno y representan una masa de bellezas individuales y una armonía artística tal que serán para siempre las mejores obras de pintura del siglo XVII. De una serie de pinturas de la vida de Enrique IV de Francia, dos a medio terminar terminaron en los Uffizi; los bocetos para otros se guardan en diferentes colecciones. Nueve cuadros que glorifican a Jacobo I de Inglaterra, con los que Rubens varios años después adornó los campos de plafones del salón ceremonial en White Hall, ennegrecidos por el hollín de Londres, son irreconocibles, pero ellos mismos no pertenecen a las obras más exitosas del maestro.
De las pinturas religiosas escritas por Rubens en los años veinte, la gran ardiente Adoración de los Magos en Amberes, finalizada en 1625, vuelve a marcar un punto de inflexión en su desarrollo artístico con su pincel más suelto y ancho, un lenguaje de formas más ligero y más dorado, aireado. color. ... La luminosa y aireada "Asunción de María" de la Catedral de Amberes se completó en 1626. A esto le siguen la pintoresca y gratuita "Adoración de los Magos" en el Louvre y "Educación de la Virgen" en Amberes. En Madrid, donde el maestro volvió a estudiar a Tiziano, su color se hizo más rico y más "florido". La "Madonna" con los santos adoradores en la iglesia agustina de Amberes es una repetición más barroca de la Madonna Frari de Tiziano. Una parte significativamente revisada del Triunfo de César de Mantegna, que estaba en Londres en 1629 (ahora en la Galería Nacional), a juzgar por su carta, también podría haber surgido solo después de ese momento. Esta década es especialmente rica en grandes retratos del maestro. Envejecida, pero todavía llena de cálida ternura, Isabella Brant aparece en un hermoso retrato del Hermitage; el retrato de los Uffizi presenta rasgos más nítidos. El más bello y colorido es el retrato doble de sus hijos en la galería de Liechtenstein. Famoso por el expresivo retrato de Kaspar Gevaert en el escritorio en Amberes. Y el mismo anciano maestro aparece ante nosotros con una sutil sonrisa diplomática en los labios en un hermoso busto retrato de Aremberg en Bruselas.
La última década que recayó en Rubens (1631-1640), estuvo bajo la estrella de su amada segunda esposa Helena Furman, a quien pintó en todas sus formas, y que le sirvió de especie para pinturas religiosas y mitológicas. Sus mejores retratos de Rubens pertenecen a los mejores retratos femeninos del mundo: de medio cuerpo, con un rico vestido, con un sombrero con una pluma; de tamaño natural, sentado, con un vestido lujoso, abierto sobre el pecho; en una forma pequeña, junto a su esposo a pasear por el jardín, aparece en la Pinakothek de Munich; desnudo, cubierto sólo en parte con un manto de piel, en el Museo de la Corte de Viena; en un traje para caminar en el campo - en el Hermitage; con su primogénito en los tirantes, del brazo de su marido, y también en la calle, acompañada por un paje, en el barón Alphonse Rothschild en París.
Las obras de iglesia más importantes de este floreciente y radiante era tardía maestros: majestuoso y tranquilo en la composición, brillando con todos los colores del arco iris, el altar de St. Ildefons con poderosas figuras de donantes en las puertas del Museo de la Corte de Viena y un magnífico retablo en la capilla de la tumba del propio Rubens en la iglesia de Jacob en Amberes, con los santos de la ciudad pintados de rostros cercanos al maestro. Obras más sencillas, como St. Cecilia en Berlín y la magnífica Betsabé en Dresde no son inferiores a ellas en tono y color. Entre las preciosas pinturas mitológicas de este período se encuentran las resplandecientes cortes de París en Londres y Madrid; ¡Y qué apasionada vitalidad respira la caza de Diana en Berlín, qué fabulosamente lujoso es el festival de Venus en Viena, qué luz mágica iluminó a Orfeo y Eurídice en Madrid!
Algunas imágenes de género del maestro son preparatorias para este tipo de pinturas. Así, el personaje del género mitológico captura la atrevida y sensual "Hora de una cita" en Munich.
Los prototipos de todas las escenas seculares de Watteau son los famosos, con dioses voladores del amor, cuadros llamados "Jardines del amor", con grupos de parejas enamoradas lujosamente vestidas en una fiesta en el jardín. Una de las mejores obras de este tipo es propiedad del barón Rothschild en París, la otra es el Museo de Madrid. Las pinturas de género más importantes con pequeñas figuras de la vida popular, escritas por Rubens, son una danza campesina señorial y vital, puramente rubense en Madrid, un medio torneo de paisaje frente al foso del castillo, en el Louvre, y una feria en el mismo. colección, cuyos motivos ya recuerdan a Teniers.
La mayoría de los paisajes reales de Rubens pertenecen también a los últimos años de su vida: tal es el paisaje brillante con Ulises en el Palazzo Pitti, tales son los nuevos paisajes por diseño, explicando artísticamente con una imagen simple y amplia del barrio ese terreno llano. en el que se ubicaba la casa de veraneo de Rubens, y con un cielo majestuoso, lleno de cambios de humor de transmisión. Entre los más hermosos se encuentran la ardiente puesta de sol en Londres y los paisajes de arcoíris en Munich y San Petersburgo.
Por lo que sea que tomó Rubens, convirtió todo en oro brillante; y quien entraba en contacto con su arte, como colaborador o seguidor, ya no podía salir de su círculo vicioso.
De los numerosos discípulos de Rubens, sólo Anton Van Dyck (1599 - 1641) - cuya luz, por supuesto, se refiere a la luz de Rubens como la luna al sol - alcanza los cielos del arte con su cabeza iluminada por el brillo. Aunque Balen es considerado su verdadero maestro, el propio Rubens lo llamó su alumno. En cualquier caso, su desarrollo juvenil, hasta donde sabemos, estuvo bajo la influencia de Rubens, de quien nunca se desvía por completo, pero, según su temperamento más impresionable, se transforma en una pintura más nerviosa, dulce y sutil y menos. fuerte en la forma de dibujar ... Muchos años de estancia en Italia lo convirtieron finalmente en pintor y maestro de la pintura. No era asunto suyo inventar y exacerbar dramáticamente la acción en vivo, pero sabía cómo poner a las figuras en una relación claramente pensada entre sí en sus pinturas históricas y transmitir a sus retratos los rasgos sutiles del estatus social que se convirtió en el favorito. pintor de los nobles de su tiempo.
Las obras consolidadas más recientes sobre Van Dyck pertenecen a Micheels, Giffrey, Kust y Schaeffer. Algunas páginas de su vida y arte fueron explicadas por Vibiral, Bode, Giemans, Rooses, Lau, Menotti y el autor de este libro. Incluso ahora discuten sobre la distinción entre diferentes períodos de la vida, que se relaciona principalmente con los viajes. Según las últimas investigaciones, trabajó hasta 1620 en Amberes, de 1620 a 1621 en Londres, de 1621 a 1627 en Italia, principalmente en Génova, con una pausa de 1622 a 1623, realizada, como demostró Rooses, probablemente en su tierra natal. , en 1627-1628 en Holanda, luego nuevamente en Amberes, y desde 1632 como pintor de la corte de Carlos I en Londres, donde murió en 1641, y durante este período, en 1634-1635 estuvo en Bruselas, en 1640 y 1641 en Amberes y París.
Apenas hay obras tempranas Van Dyck, en el que no habría influencia notoria de Rubens. Incluso sus primeras series apostólicas ya revelan rastros de los modales de Rubens. De estos, algunas de las cabezas originales han sobrevivido en Dresde, otras en Althorp. Entre las pinturas religiosas escritas por Van Dyck según su propio diseño, bajo su propio riesgo y riesgo, de 1618 a 1620, mientras estaba al servicio de Rubens, se encuentran "El martirio de St. Sebastian ", con la anticuada composición" Lamentación de Cristo "y" Bañando a Susanna "en Munich. "Tomás en San Petersburgo", "La Serpiente de Cobre" en Madrid. Ninguna de estas pinturas puede presumir de una composición impecable, pero están bien escritas y con colores floridos. El "Jerome" de Dresde es pintoresco y se siente profundamente en el alma, lo que representa un vivo contraste con el vecino Jerome Rubens, más tranquilo y grosero.
Luego sigue: "Profanación de Cristo" en Berlín, la más poderosa y expresiva de estas pinturas de mitad de Rubens, y hermosa en la composición, sin duda esbozada por Rubens, "St. Martin "en Windsor, sentado en un caballo, tendiéndole una capa a un mendigo. Una repetición simplificada y más débil de este Martin in Saventem Church se acerca más al estilo posterior del maestro.
Van Dyck es un gran artista en esta era de Rubens, especialmente en sus retratos. Algunos de ellos, combinando las conocidas ventajas de ambos maestros, fueron atribuidos a Rubens en el siglo XIX, hasta que Bode los devolvió a Van Dyck. Son más individuales en los rasgos individuales, más nerviosos en la expresión, más suaves y más profundos en la escritura que los retratos simultáneos de Rubens. El más antiguo de estos retratos mitad Rubens de Van Dyck incluye ambos retratos en busto de un matrimonio anciano en 1618 en Dresde, y los más bellos son las medias figuras de dos parejas casadas en la galería de Liechtenstein: una mujer con cordones de oro en ella. pecho, un caballero poniéndose guantes y sentado frente a una dama de cortina roja con un bebé en su regazo, en Dresde. Le pertenece la magnífica Isabella Brant del Hermitage, y del Louvre hay un retrato doble del supuesto Jean Grussset Richardeau y su hijo junto a él. De los retratos dobles, se conocen los cónyuges que se encuentran cerca: el retrato de Frans Snyders y su esposa con poses muy forzadas, Jan de Wael y su esposa en Munich, el más pintoresco. Finalmente, en los autorretratos juveniles del maestro, con una mirada pensativa y segura de sí mismo, en San Petersburgo, Munich y Londres, su misma edad, veinte años, indica el período temprano.
Pinturas religiosas pintadas por Van Dyck entre 1621-1627 en Italia, en el sur, quedó una hermosa escena inspirada en Tiziano con la "Moneda de Pedro" y "María con el Niño" en un halo de fuego, en el Palazzo Bianco, que recuerda a Rubens, "La Crucifixión" en el palacio real de Génova, tiernamente sentido en una relación pintoresca y espiritual, La posición en el ataúd de la Galería Borghese en Roma, la cabeza lánguida de María en el Palazzo Pitti, la familia magnífica con colores brillantes en la Pinacoteca de Turín y el poderoso sino más bien amanerado retablo de la Madonna del Rosario de Palermo con figuras alargadas. De las pinturas profanas, mencionaremos aquí solo la hermosa, en el espíritu de Giorgione, la pintura que representa las tres edades de la vida en el museo de la ciudad de Vincenza y la composición simple, pero pintura ardientemente pintada "Diana y Endimon" en Madrid.
Confiado, firme y al mismo tiempo delicado, modelado en claroscuro oscuro, y profundo, saturado, luchando por la unidad de humor, el colorido de las cabezas italianas del maestro también se manifiesta en sus retratos italianos, especialmente genoveses. Pintado desde un ángulo atrevido, casi de cara al espectador, el retrato ecuestre de Antonio Giulio Brignole Sale, agitando su sombrero en la mano derecha a modo de saludo, en el Palazzo Rossi de Génova, era un verdadero indicador de un nuevo camino. Noble, con columnas barrocas y cortinas al fondo, retratos de la signora Jeronima Brignole Sale con su hija Paola Adorio con un vestido de seda azul marino con bordados dorados y hombre joven con la ropa de una persona noble, de la misma colección, están a la altura del retrato absoluto. Están acompañadas por retratos de la marquesa Durazzo con un vestido de damasco de seda amarillo claro, con niños frente a una cortina roja, un retrato de grupo animado de tres niños con un perro y un retrato noble de un niño con un vestido blanco con un loro, mantenido en el Palazzo Durazzo Pallavicini. En Roma, la Galería Capitolina tiene un retrato doble muy realista de Luca y Cornelis de Wael; en Florencia, en el Palazzo Pitti, hay un retrato expresivo espiritualizado del cardenal Giulio Bentivoglio. Otros retratos del período italiano de Van Dyck se hicieron en el extranjero. Uno de los mejores es propiedad de Pierpont Morgan en Nueva York, pero también se pueden encontrar en Londres, Berlín, Dresde y Múnich.
El quinquenio (1627-1632), que el maestro pasó en su tierra natal a su regreso de Italia, resultó sumamente fructífero. Grandes retablos llenos de movimiento, que son las poderosas Crucifixiones de la Iglesia de St. Las esposas en Dendermonde, en la iglesia de Michael en Gante, y en la iglesia de Romuald en Mecheln, y la "Exaltación de la Cruz" contigua en la iglesia de St. Las esposas de Courtray no están tan bien representadas como las obras llenas de vida interior, a las que incluimos la Crucifixión con las próximas en el Museo de Lille, "Rest on Flight" en Munich y los Crucifijos individuales llenos de sentimientos en Amberes, Viena. y Munich. Estas pinturas, traducen las imágenes de Rubens del lenguaje heroico al lenguaje del sentimiento. PARA las fotos mas bonitas este período pertenece a la Virgen con un par de donantes arrodillados y ángeles derramando flores en el Louvre, la Virgen con el Niño Jesús de pie en Munich y el estado de ánimo pleno de "Llorando por Cristo" en Amberes, Munich, Berlín y París. Las madonnas y el duelo eran en general los temas favoritos de Van Dyck. Rara vez tomó fotografías de dioses paganos, aunque sus "Hércules en la encrucijada" en los Uffizi, fotografías de Venus, Vulcano, Viena y París muestran que fue capaz de hacer frente a ellos hasta cierto punto. Siguió siendo principalmente un pintor de retratos. Cerca de 150 retratos de su pincel han sobrevivido de este período de cinco años. Sus rasgos faciales son aún más nítidos, en manos típicamente elegantes y sedentarias, incluso menos expresión que en pinturas italianas del mismo tipo. A su postura se le añadió una soltura algo más aristocrática y, en un color más frío, un tono más sutil. estado de ánimo general... La ropa suele caerse fácil y libremente, pero materialmente. Los más bellos, pintados a tamaño completo, incluyen los característicos retratos de la gobernante Isabel en Turín, en el Louvre y en la galería de Liechtenstein, Philippe de Roy y su esposa en la colección Wallace de Londres, retratos dobles de un caballero y una dama con un niño en el Louvre y en el Museo Gótico y varios retratos más de caballeros y damas en Munich. Entre los mediometrajes y generacionales más expresivos, se incluyen los retratos del obispo Mulderus y Martin Pepin en Amberes, Adrian Stevens y su esposa en San Petersburgo, el conde Van den Berg en Madrid y el canónigo Antonio de Tassis en la galería Liechtenstein. El organista Liberty mira lánguidamente, el escultor Colin de Nole, su esposa y su hija miran aburridos a un grupo de retratos en Munich. En particular, los retratos del caballero y la dama en Dresde y de Maria Louise de Tassis en la galería de Liechtenstein se distinguen por su noble porte pintoresco. La influencia de Van Dyck en todos los retratos de su época, especialmente en inglés y francés, fue enorme; sin embargo, la característica natural y la verdad interior de sus retratos no pueden igualar a los retratos de sus contemporáneos Velásquez y Frans Gals, para no nombrar a otros.
En ocasiones, sin embargo, Van Dijk también tomó una aguja de grabado. Conoció a 24 fácilmente y con gran sentido de la hoja ejecutada de su obra. Por otro lado, encargó a otros grabadores que reprodujeran una gran serie de pequeños retratos de famosos contemporáneos pintados por él, pintados en un tono gris. En una colección completa, esta "Iconografía de Van Dyck" en un centenar de hojas apareció sólo después de su muerte.
Como pintor de la corte de Carlos I, Van Dyck escribió pequeñas pinturas religiosas y mitológicas durante los últimos ocho años de su vida. Sin embargo, algunas de las mejores pinturas, realizadas durante su corta estancia en los Países Bajos, pertenecen a esta época tardía del maestro. Fue la última y más pintoresca representación de "Descanso en la huida a Egipto", con una danza circular de ángeles y perdices voladoras, ahora en el Hermitage, la "Lamentación de Cristo" más madura y más bella en el Museo de Amberes, no sólo clara, tranquila y conmovedora en la composición y expresión penetrante del verdadero dolor, pero también en los colores, sus hermosos acordes de azul, blanco y oro oscuro, que representan una obra magistral y encantadora. A esto le siguen numerosos retratos del período inglés. Es cierto que, bajo la influencia del tipo de la corte londinense, sus cabezas se parecen cada vez más a máscaras, sus manos son cada vez menos expresivas; por otro lado, los vestidos son cada vez más refinados y más sustanciales en la escritura, los colores, cuyo tono plateado solo comenzó a desvanecerse gradualmente, están ganando cada vez más en un encanto delicado. Por supuesto, Van Dyck también instaló un taller con producción a gran escala en Londres, en el que participaron numerosos estudiantes. Un retrato familiar en Windsor, que representa a una pareja real sentada con dos hijos y un perro, es algo ostentoso bastante débil. El retrato ecuestre del rey frente al arco de triunfo, ubicado en el mismo lugar, fue pintado con mucho gusto, su retrato ecuestre en la Galería Nacional es aún más pintoresco, el delicioso retrato del rey que descendió de su caballo en un El traje de caza en el Louvre es realmente pintoresco. De los retratos de la reina Henrietta Maria de Van Dyck, pertenecientes a Lord Northbrook en Londres y que representan a la reina con sus enanos en la terraza de un jardín, es uno de los más frescos y antiguos, y en la galería de Dresde, a pesar de su nobleza, uno de los más débil y posterior. Famosos son varios retratos de los hijos del rey inglés, pertenecientes a las obras maestras más atractivas de Van Dyck. Los mejores retratos de los tres niños reales están en Turín y Windsor; pero el más espléndido y bonito de todos es el retrato de Windsor con los cinco hijos del rey, con perros grandes y pequeños. De los otros numerosos retratos de Van Dyck en Windsor, el retrato de Lady Venice Digby, con sus adiciones alegóricas en forma de palomas y dioses del amor, presagia nueva era, y el doble retrato de Thomas Killigrew y Thomas Carew impacta con las relaciones de vida de los representados, inusual para nuestro maestro. El retrato de James Stewart, con un perro grande aferrado a él en el Museo Metropolitano de Nueva York, es especialmente elegante, y el retrato de los hijos prometidos de Guillermo II de Orange y Henrietta Mary Stuart en el museo de la ciudad de Ámsterdam es encantador. Han sobrevivido cerca de un centenar de retratos del período inglés del maestro.
Van Dijk murió joven. Como artista, parece haberse expresado por completo. Carece de la versatilidad, la integridad, el poder de su gran maestro, pero superó a todos sus contemporáneos flamencos en la sutileza de un estado puramente pictórico.
El resto de los pintores importantes, colaboradores y estudiantes de Rubens en Amberes antes y después de Van Dyck viven solo con ecos del arte de Rubens, Even Abraham Dipepbeck (1596-1675), Cornelis Schute (1597-1655), Theodore Van Tulden (1606 -1676), Erasmo Quellinus (1607 - 1678), hermano del gran escultor, y su nieto Jan Erasmo Quellinus (1674 - 1715) no son tan significativos como para detenerse en ellos. Los representantes de varios departamentos realistas del taller de Rubens tienen una importancia más independiente. Frans Snyders (1579 - 1657) comenzó con una naturaleza muerta, que le encantaba interpretar en tamaño completo, amplia, realista y decorativa; toda su vida pintó imágenes de gran tamaño, llenas de observación saludable de suministros de cocina y frutas, como las que se encuentran disponibles en Bruselas, Múnich y Dresde. En el taller de Rubens, también aprendió a representar de manera viva y cautivadora, casi con la fuerza y el brillo de su maestro, el mundo viviente, animales de tamaño natural en escenas de caza. Sus grandes cuadros de caza en Dresde, Munich, Viena, París, Kassel y Madrid son clásicos en su género. A veces, su cuñado Paul de Vos (1590 - 1678) se confunde con Snyders, cuyas grandes pinturas con animales no pueden igualar la frescura y la calidez de las pinturas de Snyders. Un nuevo estilo paisajístico, desarrollado bajo la influencia de Rubens, aparece más claramente ante nosotros, que elimina casi por completo los antiguos fondos de backstage tricolor y el follaje arbóreo tradicional en forma de haz, en las pinturas y grabados de Lucas Van Oudens (1595). -1672), asistente en la era posterior del maestro en el campo del paisaje. Sus numerosas, pero en su mayoría pequeñas pinturas de paisajes, de las cuales nueve cuelgan en Dresde, tres en Petersburgo, dos en Múnich, son imágenes simples capturadas naturalmente de los hermosos paisajes fronterizos locales entre la región montañosa de Brabante y la llanura flamenca. La ejecución es amplia y minuciosa. Sus colores se esfuerzan por transmitir no solo la impresión natural de árboles y prados verdes, tierra pardusca y distancias montañosas azuladas, sino también un cielo claro y ligeramente nublado. Los lados soleados de sus nubes y árboles suelen brillar con puntos de luz amarillos y, bajo la influencia de Rubens, a veces también aparecen nubes de lluvia y un arco iris.
El arte de Rubens también provocó una revolución en el grabado en cobre holandés. Numerosos grabadores, cuyas obras él mismo reseñó, estuvieron a su servicio. El más antiguo de ellos, el amberes Cornelis Halle (1576-1656) y los holandeses Jacob Matam (1571-1631) y Jan Müller, aún tradujeron su estilo a un lenguaje de formas más antiguo, pero los grabadores de la escuela de Rubens, algunos de los cuales fueron inaugurado por Peter Soutman de Harlem (1580-1643), y continúa brillando con nombres como Lucas Forsterman (n. 1584), Paul Pontius (1603-1658), Boethius y Shelte. Bolsworth, Pieter de Jaudet el Joven y principalmente el gran grabador de claroscuro Jan Witdök (nacido en 1604) lograron llenar sus hojas con fuerza y movimiento rubensianos. La nueva técnica de mezzotinto, que daba una superficie rugosa a la placa por medio de un grabsticht para raspar un dibujo sobre ella en masas blandas, fue, si no inventada, primero ampliamente utilizada por Vallerand Vaillant de Lille (1623-1677). ), alumno de Rubens, alumno de Erasmus Quellinus, un excelente retratista de renombre y pintor de naturaleza muerta. Sin embargo, dado que Vaillant estudió este arte no en Bélgica, sino en Amsterdam, donde se mudó, la historia del arte flamenco solo puede mencionarlo.
Algunos maestros amberes importantes de este período, que no tenían contacto directo con Rubens o sus alumnos, que se unieron a Caravaggio en Roma, formaron un grupo romano. Contornos claros, modelado plástico, sombras pesadas de Caravaggio se suavizan solo en sus pinturas posteriores de una escritura más libre, cálida y amplia que habla de la influencia de Rubens. A la cabeza de este grupo está Abraham Janssens Van Nuestrossen (1576-1632), cuyo alumno Gerard Zegers (1591-1651) en sus pinturas posteriores sin duda se trasladó al canal de Rubens, y Theodore Rombouts (1597-1637) revela la influencia de Caravaggio. en su género, a tamaño natural, con pinturas metálicas brillantes y sombras negras, cuadros de Amberes, Gante, Petersburgo, Madrid y Múnich.
El más antiguo de los pintores flamencos de entonces que no había estado en Italia, Gaspar de Crayer (1582-1669), se trasladó a Bruselas, donde, compitiendo con Rubens, no fue más allá del eclecticismo que había llevado. Están encabezados por Jacob Jordaens (1583 - 1678), estudiante y yerno de Adam Van Noort, el jefe de los realistas belgas verdaderamente independientes de la época, uno de los pintores flamencos más destacados del siglo XVII junto a Rubens y Van Dyck. Rooses también le dedicó un extenso ensayo. Más tosco que Rubens, es más directo y distintivo que él. Sus cuerpos son aún más macizos y carnosos que los de Rubens, sus cabezas son más redondas y ordinarias. Sus composiciones, habitualmente repetidas, con pequeños cambios para diferentes pinturas, suelen ser más ingeniosas y, a menudo, sobrecargadas, su pincel, para toda habilidad, más seco, más suave, a veces más denso. Por todo eso, es un colorista maravilloso y original. Al principio pinta de forma fresca y enérgica, modelando mal con colores locales saturados; a partir de 1631, dejándose llevar por los encantos de Rubens, pasó a un claroscuro más delicado, a colores intermedios más nítidos ya un tono de pintura pardusco, en el que brillan eficazmente ricos tonos básicos profundos. También representó todo lo que se representó. Debe sus mejores éxitos a las pinturas alegóricas y de género de tamaño natural, en la mayoría de los casos sobre el tema de los refranes populares.
Más temprano imagen famosa Jordaens "Crucifixión" 1617 en la iglesia de St. Paul en Amberes revela la influencia de Rubens. Jordaens es bastante él mismo en 1618 en La adoración de los pastores en Estocolmo y en un cuadro similar en Braunschweig, y especialmente en las primeras representaciones de un sátiro visitando a un campesino, a quien le está contando una historia increíble. La pintura más antigua de este tipo es propiedad del Sr. Celst en Bruselas; seguido de copias en Budapest, Munich y Kassel. Las primeras pinturas religiosas también incluyen imagenes expresivas evangelistas en el Louvre y "Discípulos en la tumba del Salvador" en Dresde; de las primeras pinturas mitológicas "Meleager y Atlanta" en Amberes merece una mención. Los primeros grupos de retratos familiares supervivientes (hacia 1622) pertenecen al Museo de Madrid.
La influencia de Rubén vuelve a ser evidente en los cuadros de Jordaens, pintados después de 1631. En su sátira, un campesino de Bruselas ya tiene un giro notable. Sus famosas representaciones de The Bean King, cuya primera copia está en Kassel, otras están en el Louvre y Bruselas, así como sus innumerables repeticiones del proverbio "Como cantan los viejos, los pequeños chillan", una copia de Amberes de que está fechado en 1638. En colores aún más frescos que el de Dresde, pintado en 1641 - otros en el Louvre y Berlín - pertenecen al estilo más terso y suave del maestro.
Hasta 1642, también se pintaron toscos cuadros mitológicos "Procesión de Baco" en Kassel y "Ariadna" en Dresde, excelentes y enérgicos retratos de Jan Wirth y su esposa en Colonia; luego, hasta 1652, pinturas, animadas externa e internamente, a pesar de las líneas más tranquilas, como St. Ivo en Bruselas (1645), un excelente retrato de familia en Kassel y lleno de vida The Bean King en Viena.
En 1652, el maestro estaba en plena vigencia cuando fue invitado a La Haya para participar en la decoración del "Castillo del Bosque", al que se unieron la "Deificación del príncipe Frederick Heinrich" y "La victoria de la muerte sobre la envidia" de Jordaens. dio su impronta, y en 1661 una invitación a Amsterdam, donde pintó las pinturas supervivientes, pero ahora casi indistinguibles, para el nuevo ayuntamiento.
La pintura más bella y religiosa de sus últimos años es "Jesús entre los escribas" (1663) en Mainz; suntuosamente en colores "Introducción al Templo" en Dresde y la "Última Cena" impregnados de luz en Amberes.
Si Jordaens es demasiado grosero y desigual para ser clasificado entre los más grandes de los grandes, entonces, como el pintor burgués de Amberes y el pintor de burgueses, ocupa un lugar de honor junto a Rubens, el príncipe de los pintores y el pintor de los príncipes. Pero precisamente por su originalidad, no creó estudiantes ni seguidores maravillosos.
Un maestro, como Jordaens, que se adhirió independientemente al pasado prerubense del arte flamenco, fue Cornelis de Vos (1585 - 1651), quien se destacó especialmente como retratista, luchando por la verdad y la sinceridad sin arte con un pictórico tranquilo y conmovedor. manera, un brillo peculiar de los ojos de sus figuras y un color lleno de luz. El mejor grupo de retratos de familia, con una composición relajada, pertenece al museo de Bruselas, y el retrato individual más fuerte del maestro del gremio Grapheus pertenece al de Amberes. También son muy típicos sus retratos dobles de un matrimonio y sus hijas pequeñas en Berlín.
En contraste con su estilo puramente flamenco con una mezcla de italiano, que fue sostenido con más o menos desviaciones por la gran mayoría de los pintores belgas del siglo XVII, la escuela valona de Luttich, estudiada por Gelbir, desarrolló el estilo romano-belga de la Tendencia de Poussin que siguió a los franceses. A la cabeza de esta escuela se encuentra Gerard Duffet (1594-1660), un académico inventivo con una pintura elaborada, a quien puede conocer mejor en Munich. Discípulo de su alumno Bartollet Flemall o Flamal (1614-1675), lánguido imitador de Poussin, Gerard Leresse (1641-1711), que ya se había trasladado a Amsterdam en 1667, trasplantó de Luttich a Holanda este estilo académico imitando al francés, que realizó no sólo como pintor y grabador de temas mitológicos, sino también con pluma en su libro, que ha influencia significativa... Fue un reaccionario extremo y, sobre todo, a principios de siglo, contribuyó al giro de la sana corriente nacional de la pintura holandesa hacia el románico. Seleuco y Antíoco en Amsterdam y Schwerin, Parnaso en Dresde, la partida de Cleopatra en el Louvre dan una comprensión suficiente de él.
Leres finalmente nos devuelve del gran cuadro belga al pequeño; y este último, sin duda, todavía vivió en pinturas de pequeñas figuras con trasfondo paisajístico o arquitectónico el apogeo nacional maduro del siglo XVII, que creció directamente del suelo preparado por los maestros del período de transición, pero logró una total libertad de movimiento gracias a el todopoderoso Rubens, en algunos lugares también gracias a nuevas influencias, francesas e italianas, o incluso al impacto del arte joven holandés en el arte flamenco.
Una pintura de género real, y ahora, como antes, jugó el primer papel en Flandes. Al mismo tiempo, se nota una frontera bastante marcada entre los maestros que representaron la vida de las clases altas en escenas seculares o retratos de pequeños grupos, y los pintores de la vida popular en tabernas, ferias y caminos rurales. Rubens creó ejemplares de ambos géneros. Los pintores seculares, en el espíritu de Los jardines del amor de Rubens, representan a damas y caballeros vestidos de seda y terciopelo, jugando a las cartas, teniendo un banquete, música alegre o bailando. Uno de los primeros entre estos pintores fue Christian Van der Lamen (1615 - 1661), conocido por sus pinturas en Madrid, Gotha, especialmente en Lucca. Su alumno más exitoso fue Jeroom Janssens (1624-1693), "El bailarín" y cuyas escenas de baile se pueden ver en Braungschweig. Sobre él, como pintor, se encuentra Gonzales Kokvec (1618-1684), un maestro de los retratos aristocráticos de pequeños grupos que representan a miembros de la familia unidos en casa en Kassel, Dresde, Londres, Budapest y La Haya. Los Tenier fueron las representaciones flamencas más prolíficas de la vida popular de las clases bajas. De la numerosa familia de estos artistas destacan David Teniers el Viejo (1582-1649) y su hijo David Teniers el Joven (1610-1690). El mayor probablemente fue un alumno de Rubens, el más joven probablemente dio un consejo amistoso. Ambos son igualmente fuertes en paisaje y género. Sin embargo, no fue posible separar todas las obras del mayor de las pinturas juveniles del menor. Sin duda, el anciano pertenece a los cuatro paisajes mitológicos del Museo de la Corte de Viena, todavía ocupado con la transmisión de los "tres planos", "La Tentación de St. Anthony "en Berlín," Mountain Castle "en Braunschweig y" Mountain Gorge "en Munich.
Dado que David Teniers el Joven fue influenciado por el gran Adrien Brower de Udenard (1606-1638), le damos a este último una ventaja. Browver es el creador y pionero de nuevos caminos. El arte y su vida fueron investigados a fondo por Bode. En muchos sentidos, es el mayor pintor holandés de la vida popular y, al mismo tiempo, uno de los paisajistas belgas y holandeses más conmovedores. La influencia de la pintura holandesa en la pintura flamenca del siglo XVII fue por primera vez, junto con él, alumno de Frans Hals en Haarlem, ya antes de 1623. A su regreso de Holanda, se instaló en Amberes.
Al mismo tiempo, su arte demuestra que los epítetos más simples de la vida de la gente común pueden adquirir, gracias a la performance, la más alta significación artística. De los holandeses tomó la inmediatez de la percepción de la naturaleza, una actuación pictórica, artística en sí misma. Como holandés, se declara con estricto aislamiento al transmitir momentos de diversas manifestaciones de la vida, como holandés con un humor precioso, destaca escenas de tabaquismo, peleas, juegos de azar y copas de pub.
Las primeras pinturas que pintó en Holanda, campesinos bebiendo, peleas, en Amsterdam, revelan en sus personajes groseros y olfativos las respuestas del arte transicional flamenco antiguo. Sus "Jugadores de cartas" de Amberes y las escenas de la taberna del Instituto Stadel en Frankfurt se convirtieron en obras maestras de esta época. Un mayor desarrollo aparece de forma aguda en el "Apuñalamiento" y el "Baño del pueblo" de la Pinakothek de Munich: aquí las acciones son dramáticamente fuertes ya sin figuras laterales innecesarias; la ejecución en todos los detalles está pintorescamente pensada; del claroscuro dorado del color, todavía resplandecen los tonos rojos y amarillos. A esto le sigue la etapa tardía madura del maestro (1633-1636), con figuras más individuales, un tono de color más frío, en el que destacan el local verde y azul de la pintura. Estos incluyen 12 de sus dieciocho pinturas de Munich y lo mejor de sus cuatro pinturas de Dresde. Schmidt-Degener les agregó una serie de pinturas de colecciones privadas parisinas, pero su autenticidad, aparentemente, no siempre se establece con precisión. También pertenecen a estos años los mejores paisajes de Brower, en los que los motivos más simples de la naturaleza de las cercanías de Amberes se avivan con una cálida y radiante transmisión de aire y fenómenos luminosos. "Dunes" en Bruselas, un cuadro con el nombre del maestro, demuestra la autenticidad de los demás. Tienen una sensación más moderna que todos sus otros paisajes flamencos. Entre los mejores se encuentran la pintura a la luz de la luna y el paisaje de pastores en Berlín, el paisaje de dunas con techo rojo en Bridgewater Gallery y el poderoso paisaje de puesta de sol londinense atribuido a Rubens.
Pinturas de género de dos años recientes En la vida, los maestros de grandes tamaños prefieren la escritura clara y sombreada y una subordinación más clara de los colores locales a un tono gris general. Los campesinos cantantes, los soldados que juegan a los dados y la pareja del maestro en el bar de la pinacoteca de Múnich se unen con fuertes pinturas que representan operaciones en el Instituto Stedelev y el Louvre "El fumador". El arte original de Brower es siempre completamente opuesto a cualquier convención académica.
David Teniers el Joven, pintor de género favorito del mundo noble, invitado en 1651 por el pintor de la corte y director de galería del archiduque Leopoldo Guillermo de Amberes a Bruselas, donde murió en su avanzada edad, no se puede comparar con Browver en la inmediatez de la transmisión de la vida, en la experiencia emocional del humor, pero por eso lo supera en sofisticación externa y en un sentido urbano de la estilización de la vida popular. Le encantaba retratar a ciudadanos aristocráticos en su relación con la gente del pueblo, en ocasiones pintaba escenas seculares de la vida de la aristocracia e incluso transmitía episodios religiosos al estilo de sus pinturas de género, dentro de habitaciones exquisitamente decoradas o entre observados con veracidad, pero decorativos. Paisajes La tentación de St. Antonia (en Dresde, Berlín, Petersburgo, París, Madrid, Bruselas) pertenece a sus temas favoritos. Más de una vez, también pintó una mazmorra con la imagen de Peter de fondo (Dresde, Berlín). Entre los temas mitológicos en el estilo de sus pinturas de género, nombraremos "Neptuno y Anfitrite" en Berlín, la pintura alegórica "Cinco Sentidos" en Bruselas, la poesía - doce pinturas de "Jerusalén Liberada" en Madrid. Sus cuadros que representan a los alquimistas (Dresde, Berlín, Madrid) también pueden atribuirse al género de la alta sociedad. La gran mayoría de sus cuadros, de los que hay 50 en Madrid, 40 en San Petersburgo, 30 en París, 28 en Múnich, 24 en Dresde, pintan el ambiente de los lugareños que se divierten en sus horas de ocio. Los representa festejando, bebiendo, bailando, fumando, jugando a las cartas o a los dados, en una fiesta, en una jarra o en la calle. Su lenguaje ligero y libre en su naturalidad de las formas, su escritura arrolladora y al mismo tiempo suave experimenta cambios solo en el color. Un tono pesado, pero profundo y frío de su "Fiesta en el templo a media luz" de 1641 en Dresde. Luego regresa al tono marrón de sus primeros años, que rápidamente se convierte en un tono dorado ardiente en pinturas como el calabozo de 1642 en San Petersburgo, el "pub Workshop" en 1643 en Munich y "El hijo pródigo" en 1644. en el Louvre, resplandeciendo cada vez más en "La danza" de 1645 en Munich y "Los jugadores de dados" de 1646 en Dresde, luego, como los "Fumadores" de 1650 en Munich muestran, gradualmente se vuelve más gris y, finalmente , en 1651, en The Peasant Wedding en Munich se transforma en un sofisticado tono plateado y se acompaña de la escritura cada vez más clara y suave que distingue las pinturas de Teniers de los años cincuenta, como su Sentry Room en 1657 en el Palacio de Buckingham. Finalmente, después de 1660 su pincel se vuelve menos confiado, el color vuelve a ser más marrón, seco y turbio. Munich posee un cuadro que representa a un alquimista, con las peculiaridades de una carta de un maestro anciano de 1680.
Entre los estudiantes de Brower, se emite Joos Van Kreesbeek (1606-1654), en cuyas pinturas las luchas a veces terminan trágicamente; entre los alumnos de Teniers el Joven se conoce a Gillis Van Tilborch (hacia 1625-1678), quien también pintó retratos de grupos familiares al estilo de Coques. Junto a ellos están los miembros de la familia de artistas Ricavert, de los cuales David Ricaert III (1612-1661) en particular se elevó a una cierta latitud de independencia.
Junto con la pintura nacional flamenca de pequeñas figuras, existe una corriente italianizante simultánea, aunque no equivalente, cuyos maestros trabajaron temporalmente en Italia y representaron la vida italiana en todas sus manifestaciones. Sin embargo, el mayor de ellos, llevado por Rafael o Miguel Ángel, miembros de la "comunidad" holandesa en Roma fueron los holandeses, a los que volveremos a continuación. Peter Van Laer de Haarlem (1582-1642) es el verdadero fundador de este movimiento, influyendo tanto en italianos como Cherkvozzi como en belgas como Jan Mils (1599-1668). Menos independientes son Anton Goubau (1616 - 1698), que llenó de vida las ruinas romanas, y Peter Van Blemen, apodado Standard (1657 - 1720), que prefería las ferias de caballos italianas, las batallas de caballería y los campamentos. Desde la época de estos maestros, la vida popular italiana siguió siendo un área que atraía anualmente a multitudes de pintores del norte.
Por el contrario, la pintura de paisajes se desarrolló en el espíritu nacional flamenco, con temas de batalla y depredadores, junto a Sebastian Vranks, cuyo alumno Peter Snyers (1592-1667) se mudó de Amberes a Bruselas. Las primeras pinturas de Snyers, como las de Dresde, lo muestran en una pista completamente pintoresca. Más tarde, como pintor de batalla de la casa de los Habsburgo, dio más importancia a la fidelidad topográfica y estratégica que a la pictórica, como demuestran sus grandes cuadros de Bruselas, Viena y Madrid. Su mejor alumno fue Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), el pintor de batalla de Luis XIV y profesor de la Academia de París, que trasplantó a París el estilo de Snyers, refinado por él en la perspectiva del aire y la luz. En el Palacio de Versalles y en el Hotel des Invalides de París, pintó una gran serie de pinturas murales, impecables en sus formas seguras y la impresión de un paisaje pintoresco. Sus pinturas en Dresde, Viena, Madrid y Bruselas con campañas, asedios de ciudades, campamentos, entrada victoriosa del gran rey también se distinguen por su ligera sutileza pictórica de percepción. Cornelis de Wael (1592-1662), que se estableció en Génova, trajo esta pintura de batalla de Nueva Holanda a Italia y, habiendo adquirido aquí un pincel más perfecto y un sabor cálido, pronto pasó a representar la vida popular italiana.
En la pintura de paisaje belga propiamente dicha, descrita con más detalle por el autor de este libro en la Historia de la pintura (la suya y la de Woltmann), se puede distinguir con bastante claridad una dirección indígena original, sólo ligeramente tocada por influencias del sur, de la pseudo- dirección clásica que colindaba con Poussin en Italia. La pintura de paisaje nacional belga conservó, en comparación con la holandesa, dejando a un lado a Rubens y Brower, un rasgo de decoración algo externa; con este rasgo apareció en la decoración de palacios e iglesias con series decorativas de pinturas en tanta abundancia como en ningún otro lugar. El ciudadano de Amberes Paul Bril inculcó este tipo de pintura en Roma; más tarde, los franceses François Millet y Philippe de Champagne decoraron las iglesias parisinas con pinturas de paisajes. El autor de este libro escribió un artículo separado sobre paisajes de iglesias en 1890.
De los maestros de Amberes, hay que señalar en primer lugar a Gaspar de Witte (1624-1681), luego a Peter Spirinks (1635-1711), propietario de los paisajes de la iglesia en el coro de la iglesia agustina de Amberes, y especialmente a Jan Frans. Van Blömen (1662 - 1748), que recibió el sobrenombre de "Horizonte" por la claridad de las cordilleras azules de sus pinturas exitosas, que recuerdan fuertemente a Dughet, pero duras y frías.
La pintura de paisaje nacional belga de este período floreció predominantemente en Bruselas. Su antepasado fue Denis Van Allsloot (hacia 1570 - 1626), quien, partiendo del estilo transicional, en sus pinturas semi-rurales, semi-urbanas, desarrolló una gran fuerza, firmeza y claridad de pintura. Su gran discípulo Lucas Achtsellinks (1626-1699), influenciado por Jacques d'Artois, participó en la decoración de iglesias belgas con paisajes bíblicos con frondosos árboles de color verde oscuro y distancias montañosas azules, de una manera amplia, libre y algo arrolladora. Jacques d'Artois (1613 - 1683), el mejor paisajista bruselense, discípulo del casi desconocido Jan Mertens, también decoró iglesias y monasterios con grandes paisajes, cuyas escenas bíblicas fueron pintadas por sus amigos, pintores históricos. Sus paisajes son la capilla de St. El autor de este libro vio a las esposas de la catedral de Bruselas incluso en la sacristía de esta iglesia. Los paisajes de la iglesia fueron, en cualquier caso, también sus grandes pinturas del Museo de la Corte y la galería de Liechtenstein en Viena. Con sus pequeñas pinturas de interior, que representan la exuberante naturaleza forestal de los alrededores de Bruselas, con sus gigantescos árboles verdes, caminos de arena amarilla, distancias montañosas azules, ríos y estanques brillantes, es mejor conocer Madrid y Bruselas, y también en Dresde. , Munich y Darmstadt. Con una lujosa composición cerrada, profunda, saturada de colores brillantes, con aire limpio con nubes, que se caracterizan por los lados iluminados en amarillo dorado, transmiten perfectamente el carácter general, pero aún solo el general del área. Dorado, más cálido, más decorativo, si se quiere, más veneciano en color que d Artois, su mejor discípulo Cornelis Huysmans (1648 - 1727), cuyo mejor paisaje eclesiástico es "Cristo en Emaús" de la Iglesia de Santa Mujeres en Mecheln.
En la ciudad costera de Amberes, el puerto deportivo también se desarrolló naturalmente. El deseo de libertad y naturalidad del siglo XVII se realizó aquí en pinturas que representan las batallas costeras y navales de Andries Artvelt o Van Ertvelt (1590-1652), Buonaventur Peters (1614-1652) y Hendrik Mindergout (1632-1696), que sin embargo, no puede igualar a los mejores artesanos holandeses de la misma industria.
En la pintura arquitectónica, que representó voluntariamente el interior de las iglesias góticas, maestros flamencos como Peter Neufs el Joven (1620-1675), que casi no fue más allá del estilo de transición tosco, también carecieron del encanto pictórico interior, inundado de luz, de los holandeses. imágenes de iglesias.
Más insolencia y brillo los belgas introdujeron en las imágenes de animales, frutas, naturaleza muerta y flores. Sin embargo, incluso Jan Fit (1611-1661), un pintor de utensilios de cocina y frutas, que ejecutó cuidadosamente y fusionó decorativamente todos los detalles, no fue más allá de Snyders. La pintura de flores tampoco llegó en Amberes, al menos por sí sola, más allá de Jan Brueghel el mayor. Incluso el alumno de Bruegel en esta área, Daniel Segers (1590 - 1661), lo superó solo en la amplitud y el lujo de la disposición decorativa, pero no en la comprensión del encanto de las formas y desbordes de colores de colores individuales. En cualquier caso, las coronas de flores de Segers en las Madonnas de los grandes pintores figurativos y sus raras e independientes representaciones de flores, como el jarrón de plata en Dresde, revelan una luz clara y fría de ejecución incomparable. Amberes en el siglo XVII es el lugar principal de la pintura holandesa de flores y frutas, esto sin embargo no se lo debe tanto a los maestros locales como al gran Utrecht Jan Davids de Geem (1606-1684), quien se mudó a Amberes y aquí crió su hijo, que nació en Leiden, Cornelis de Geem (1631 - 1695), más tarde también maestro de Amberes. Pero son ellos, los más grandes de todos los pintores de flores y frutas, quienes se distinguen por su infinito amor por la decoración de los detalles y el poder de la pintura, capaces de fusionar internamente estos detalles, como maestros del tipo holandés, no belga.
Hemos visto que existían conexiones significativas entre la pintura flamenca y el arte holandés, italiano y francés. Los flamencos supieron apreciar la percepción directa e íntima de los holandeses, la gracia patética de los franceses, el lujo decorativo de las formas y colores de los italianos, pero dejando a un lado los desertores y los fenómenos aislados, permanecieron siempre en su arte por ellos mismos sólo una cuarta parte, mientras que la otra cuarta parte eran internamente romanizados y externamente germánicos holandeses, que supieron captar y reproducir la naturaleza y la vida con un entusiasmo fuerte e impetuoso, y en un sentido decorativo con humor.
L. Aleshina
Un pequeño país que dio al mundo en el pasado una serie de los más grandes artistas - basta con nombrar a los hermanos van Eyck, Bruegel y Rubens - Bélgica a principios del siglo XIX. experimentó un largo estancamiento del arte. Un cierto papel en esto fue jugado por la posición política y económicamente subordinada de Bélgica, que no poseyó la independencia nacional hasta 1830. Solo cuando, desde principios del nuevo siglo, el movimiento de liberación nacional se desarrolla cada vez más, el arte revive, que pronto tomó un lugar muy importante en la vida cultural del país. Al menos es indicativo de que, en comparación con otros países europeos, el número de artistas en la pequeña Bélgica en relación con la población era muy grande.
En la formación de la cultura artística belga del siglo XIX. Las grandes tradiciones de la pintura nacional desempeñaron un gran papel. La conexión con las tradiciones se expresó no solo en la imitación directa de muchos artistas a sus destacados predecesores, aunque esto era característico de la pintura belga, especialmente a mediados de siglo. La influencia de las tradiciones afectó la especificidad de la escuela de arte belga de la nueva era. Una de estas características específicas es el compromiso de los artistas belgas con mundo sujeto, a la carne real de las cosas. De ahí los éxitos del arte realista en Bélgica, pero de ahí una cierta limitación en la interpretación del realismo.
Un rasgo característico de la vida artística del país fue la estrecha interacción a lo largo del siglo de la cultura belga con la cultura de Francia. Allí acuden jóvenes artistas y arquitectos para mejorar sus conocimientos. A su vez, muchos maestros franceses no solo visitan Bélgica, sino que también viven en ella durante muchos años, participando de la vida artística de su pequeño vecino.
A principios del siglo XIX, el clasicismo reinaba en la pintura, la escultura y la arquitectura en Bélgica, como en muchos otros países europeos. El pintor más grande de este período fue François Joseph Navez (1787-1869). Estudió primero en Bruselas, luego a partir de 1813 en París con David, a quien acompañó en la emigración a Bruselas. Durante los años de su exilio belga, el notable maestro francés gozó del mayor prestigio entre los artistas locales. Navez fue uno de los discípulos favoritos de David. Su creatividad es desigual. Las composiciones mitológicas y bíblicas, en las que siguió los cánones del clasicismo, son frías y sin vida. Los retratos que conforman gran parte de su legado son bastante interesantes. En sus retratos, la observación y el estudio minuciosos y atentos de la naturaleza se combinaban con una idea sublimemente ideal de la personalidad humana. Las mejores características del método clasicista - fuerte estructura compositiva, plenitud plástica de la forma - se fusionan armoniosamente en los retratos de Navez con expresividad y carácter. estilo de vida... La más alta calidad artística es el retrato de la familia Hemptinne (1816; Bruselas, Museo arte contemporáneo).
El artista resuelve con éxito la difícil tarea de un retrato con tres personajes. Todos los miembros de la joven familia, una pareja casada con una hija pequeña, están representados en poses alegres y relajadas, pero con la sensación de una fuerte conexión interior. El esquema de color del retrato atestigua el deseo de Navez de comprender las tradiciones clásicas de la pintura flamenca, que se remonta a van Eyck. Los colores puros y brillantes se funden en un alegre acorde armónico. Un excelente retrato de la familia Hemptinne está cerca de su fuerza plástica, la precisión documental de los últimos retratos de David y el lirismo, el deseo de transmitir vida interior el alma está asociada con un romanticismo ya emergente. El autorretrato de Navez a una edad temprana (década de 1810; Bruselas, colección privada), donde el artista se representaba a sí mismo con un lápiz y un cuaderno de bocetos en sus manos, mirando vívida e intensamente algo frente a él, parece aún más cercano al romanticismo. Navez jugó un papel muy importante como profesor. Muchos artistas estudiaron con él, que más tarde formó el núcleo de la dirección realista en la pintura en Bélgica.
El crecimiento de los sentimientos revolucionarios en el país contribuyó al triunfo del arte romántico. La lucha por la independencia nacional condujo a una explosión revolucionaria en el verano de 1830, como resultado de lo cual Bélgica rompió los lazos con los Países Bajos y formó un estado independiente. El arte jugó un papel importante en el desarrollo de los acontecimientos. Despertó sentimientos patrióticos, encendió sentimientos rebeldes. Como saben, el motivo directo del levantamiento revolucionario en Bruselas fue la representación de la ópera de Aubert "El mudo de Portici".
En vísperas de la revolución, una corriente patriótica en el género histórico está tomando forma en la pintura belga. El líder de esta corriente fue el joven artista Gustave Wappers (1803-1874), que expuso en 1830 el cuadro "El autosacrificio del burgomaestre van der Werf en el asedio de Leiden" (Utrecht, Museo). Cantando las hazañas heroicas de sus antepasados, los maestros de esta corriente recurren al lenguaje romántico de las formas. Los contemporáneos percibieron la patética elevación del sistema figurativo, el creciente sonido colorido del color como un renacimiento de las tradiciones pictóricas primordialmente nacionales, representadas de manera más vívida por Rubens.
En los años 30. La pintura belga, gracias a los lienzos del género histórico, está ganando reconocimiento en el arte europeo. Su carácter programático-patriótico, que servía a las tareas generales del desarrollo del país, determinó este éxito. Wappers, Nikes de Keyser (1813-1887), Louis Galle fueron algunos de los artistas más populares de Europa. Sin embargo, muy pronto esta dirección también reveló sus aspectos limitados. Las más exitosas fueron aquellas obras, que reflejaron el patetismo del movimiento de liberación nacional del pueblo, que se inspiraron en la heroicidad de las batallas pasadas y presentes por la libertad. No es casualidad que el mayor éxito recaiga en el cuadro de Wappers "Los días de septiembre de 1830" (1834-1835; Bruselas, Museo de Arte Moderno). El artista creó un lienzo histórico sobre materiales modernos, reveló el significado eventos revolucionarios... Se muestra uno de los episodios de la revolución. La acción tiene lugar en la plaza central de Bruselas. El estallido tormentoso del movimiento popular se transmite por una composición diagonal desequilibrada. La disposición de los grupos y algunas de las figuras recuerdan el cuadro de Delacroix Libertad guiando al pueblo, que fue un modelo indudable para el artista. Al mismo tiempo, Wappers en este lienzo es algo externo y declarativo. Sus imágenes se caracterizan en parte por la efectividad teatral, la demostrabilidad en la expresión de sentimientos.
Poco después de la independencia de Bélgica, la pintura histórica pierde su profundidad de contenido. Los temas de liberación nacional están perdiendo su relevancia, su base social. Cuadro histórico se convierte en un magnífico espectáculo de disfraces con una entretenida trama. Dos tendencias cristalizaron en la pintura histórica; por un lado, son lienzos monumentales y pomposos; la otra dirección se caracteriza por una interpretación de género de la historia. Las tradiciones pictóricas nacionales se entienden de manera muy superficial, como una suma de técnicas y medios no condicionados por la influencia de la época. Aparecen muchos artistas que ven toda su vocación en géneros pictóricos, como "maestros del siglo XVII", o escenas históricas, "como Rubens".
Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) busca con pretensión, pero sin éxito, combinar los logros de Miguel Ángel y Rubens en sus enormes lienzos históricos y simbólicos. Hendrik Leis (1815-1869) escribió por primera vez pequeñas pinturas históricas de género, imitando el color de Rembrandt. Desde los años 60. pasa a extensas composiciones de múltiples figuras con escenas cotidianas del Renacimiento del Norte, en la forma de ejecución de la cual sigue la ingenua precisión y el detalle de los maestros de este período.
Entre los numerosos pintores históricos de mediados de siglo, merece mención Louis Gallé (1810-1887), cuyas pinturas se distinguen por la moderación y la composición lacónica, y cuyas imágenes son conocidas por su significado interior y nobleza. Un ejemplo típico es el cuadro "Últimos honores a los restos de los condes de Egmont y Horn" (1851; Tournai, Museo, repetición de 1863 - Museo Pushkin). Las mismas cualidades son aún más inherentes a sus pinturas de género, como The Fisherman's Family (1848) y The Slavonets (1854; ambas del Hermitage).
Poco a poco, la pintura histórica de Bélgica va perdiendo su protagonismo en el sistema de géneros, y en primer plano desde aproximadamente los años sesenta. Se está proponiendo pintura para el hogar. Los pintores de género de mediados de siglo tendían a imitar a los pintores del siglo XVII creando escenas entretenidas en tabernas o interiores acogedores. Tales son muchas de las pinturas de Jean Baptiste Madoux (1796-1877). Hendrik de Brackeler (1840-1888) es muy tradicional en sus temas, representando figuras solitarias en una ocupación tranquila en interiores inundados de luz. Su mérito radica en resolver el problema de la iluminación y la atmósfera a través de la pintura moderna.
El desarrollo capitalista del país, que se produjo tras la conquista de la independencia a un ritmo muy rápido, ya en los años 60. planteó nuevos problemas para el arte. V cultura artística Bélgica está comenzando a invadir cada vez más la modernidad. La generación más joven de artistas promueve el lema del realismo, mostrando los aspectos característicos de la vida circundante. En sus aspiraciones, se basaron en el ejemplo de Courbet. En 1868 se fundó en Bruselas la Sociedad Libre de Bellas Artes. Los más significativos de sus participantes fueron Charles de Grue, Constantin Meunier, Félicien Rops, Louis Dubois. Todos ellos salieron con la consigna del realismo, con un llamado a luchar contra el arte antiguo, con sus temas alejados de la vida y con un lenguaje artístico obsoleto. El heraldo de las visiones estéticas de esta sociedad fue la revista "Free Art", que comenzó a aparecer en 1871. Charles de Grue (1825-1870), participante activo de la Sociedad Libre de Bellas Artes, ya estaba a finales de la década de 1940 . se hizo famoso por pinturas de la vida de los estratos más bajos de la sociedad. Su forma de escribir es cercana a Courbet. La coloración se sustenta en colores oscuros y comedidos, que emocionalmente corresponden a la penumbra dolorosa del representado. Este es el cuadro Tostador para café (años 60; Amberes, Museo); Aquí se muestra a los pobres tomando el sol en un oscuro y frío día de invierno al aire libre junto a un brasero donde se tuestan los granos de café. La profunda simpatía por los desfavorecidos caracteriza el trabajo del artista.
El realismo en Bélgica ganó muy pronto una posición fuerte en todos los géneros del arte. Aparece toda una galaxia de pintores paisajistas, veraz y al mismo tiempo, reflejando diversamente su naturaleza nativa: la llamada escuela de Tervuren (por el nombre de un lugar ubicado en un bosque cerca de Bruselas). El director de la escuela, Hippolyte Boulanger (1837-1874), pinta paisajes de bosque sutiles, algo melancólicos, similares en color a la gente de Barbizon. Louis Artan (1837-1890) percibe la naturaleza con más energía. Muy a menudo, representó vistas del mar y la costa. Su mancha es dinámica y elástica; el artista busca transmitir la atmósfera cambiante, el estado de ánimo del paisaje.
Felicien Rops (1833-1898) ocupó un lugar especial en el arte belga. A pesar de que el maestro pasó una parte importante de su vida creativa en Francia, fue un participante activo en el proceso artístico belga. La fama bastante escandalosa del artista como cantante de cocottes parisinos a menudo eclipsa su importantísimo papel en la vida cultural de Bélgica. Rops es uno de los fundadores de la revista literaria y de arte "Ulenspiegel" (fundada en Bruselas en 1856) y el primer ilustrador de la famosa novela de Charles de Coster (1867). Las ilustraciones realizadas en la técnica del grabado dan encarnaciones nítidas e interesantes de las imágenes de los personajes principales de la novela. Rops fue un brillante maestro del dibujo y un atento observador de la vida moderna, como lo demuestran muchas de sus obras.
La arquitectura de Bélgica hasta finales del siglo XIX. no creó nada significativo. En la primera mitad del siglo, todavía se construían varios edificios en el estilo del clasicismo, marcado por el gusto austero (el Palacio de la Academia en Bruselas -1823-1826, arquitecto Charles van der Straten; invernaderos en el Jardín Botánico de Bruselas - 1826- 1829, arquitectos F.-T. Seis y P.-F. Ginest). Desde mediados de siglo, el eclecticismo desenfrenado y el deseo de crear edificios exuberantes y pomposos han ido creciendo en la arquitectura. Típicos, por ejemplo, son el edificio de la Bolsa de Bruselas (1873-1876, arquitecto L. Seis), el edificio del Museo de Arte Antiguo en el mismo lugar (1875-1885, arquitecto A. Bala). Un próspero capitalismo belga busca crear un monumento a su poder. Así aparece el edificio del Palacio de Justicia en Bruselas (1866-1883, arquitecto J. Poulart), una de las estructuras más grandiosas en tamaño de Europa, caracterizada por la acumulación y mezcla pretenciosa y ridícula de todo tipo de formas arquitectónicas. Al mismo tiempo, la estilización juega un papel importante en la arquitectura de Bélgica: se están construyendo muchas iglesias, el ayuntamiento y otros edificios públicos imitando los estilos gótico, renacentista flamenco y románico.
Escultura belga hasta el último cuarto del siglo XIX. se quedó atrás de la pintura en su desarrollo. En los años 30. Sin embargo, bajo la influencia de las ideas patrióticas, se crearon varias estatuas interesantes. En primer lugar, cabe señalar aquí las obras de Willem Gefs (1805-1883 - su lápida del conde Frederic de Meraudet, que cayó en batallas revolucionarias en Bruselas (1837, Bruselas, Catedral de Santa Gudula), y la estatua de General Belliard, de pie en una de las plazas de la capital (1836) La mitad del siglo en Bélgica, como en muchos otros países, estuvo marcada por el declive del arte de la escultura.
En estos años difíciles para el arte monumental, se formó la obra del mayor artista belga Constantin Meunier (1831-4905). Meunier comenzó sus estudios en la Academia de Artes de Bruselas en una clase de escultura. Aquí, a mediados de siglo, prevalecía el sistema académico conservador; los maestros en su trabajo y en su enseñanza siguieron un patrón y una rutina, exigiendo el embellecimiento de la naturaleza en nombre de un ideal abstracto. Las primeras obras plásticas de Meunier estaban todavía muy cerca de esta dirección ("Garland"; se exhibió en 1851, no ha sobrevivido). Pronto, sin embargo, abandonó la escultura y se dedicó a la pintura, convirtiéndose en alumno de Navez. Este último, aunque en esos años era un símbolo del clasicismo obsoleto, podía enseñar un dominio seguro del dibujo, el moldeado plástico de formas en la pintura y la comprensión del gran estilo. Otra corriente de influencias sobre el joven maestro en este momento se asocia con la amistad con Charles de Grue, con el conocimiento de las obras de los realistas franceses: Courbet y Millet. Meunier busca un arte profundamente significativo, el arte de las grandes ideas, pero al principio no se dirige a tema contemporáneo, sino a la pintura religiosa e histórica. Particularmente interesante es el cuadro "Un episodio de la guerra campesina de 1797" (1875; Bruselas, Museo de Arte Moderno). El artista elige una de las escenas finales del levantamiento, que terminó en derrota. Retrata lo sucedido como una tragedia nacional y al mismo tiempo muestra la voluntad inquebrantable del pueblo. La pintura es muy diferente a otras obras del género histórico belga de esos años. Aquí hay un enfoque diferente para comprender la historia y el realismo al representar actores, y la penetrante emocionalidad de lo representado, y la introducción del paisaje como medio de sonido activo.
A finales de los 70. Meunier se encuentra en el "país negro", las regiones industriales de Bélgica. Aquí se abre completamente nuevo mundo, aún no reflejado en el arte. Los fenómenos de la vida con sus aspectos de belleza completamente diferentes dictaron un nuevo lenguaje artístico, su propio sabor especial. Meunier crea pinturas dedicadas al trabajo de los mineros, escribe tipos de mineros y mujeres mineras, captura los paisajes de este "país negro". La nota principal de sus cuadros no es la compasión, sino la fuerza de los trabajadores. Este es precisamente el significado innovador de la obra de Meunier. El pueblo no es objeto de piedad y simpatía, el pueblo como creador de grandes valores de vida, exigiendo así ya una actitud decente hacia sí mismo. En este reconocimiento de la gran importancia de los trabajadores en la vida de la sociedad, Meunier se elevó objetivamente al nivel de los pensadores más avanzados de la época.
En sus pinturas, Meunier utiliza el lenguaje de la generalización. Esculpe la forma con color. Su coloración es estricta y restringida: uno o dos puntos de colores brillantes se intercalan en tonos terrosos grises, lo que hace que toda la escala suene áspera. Su composición es sencilla y monumental, utiliza el ritmo de líneas sencillas y claras. La característica es la pintura Regreso de la mina (c. 1890; Amberes, Museo). Tres trabajadores, como si caminaran por el lienzo, se dibujan en una silueta clara sobre el fondo de un cielo lleno de humo. El movimiento de las figuras se repite y al mismo tiempo varía el motivo general. El ritmo del grupo y el ritmo del espacio de la imagen crean una solución armoniosa y equilibrada. Las figuras se desplazan hacia el borde izquierdo de la imagen, entre ellas y el marco del lado derecho es un espacio libre abierto. La claridad y generalidad de la silueta del grupo, el laconismo de la imagen de cada figura dan a la composición el carácter de un bajorrelieve casi plástico. Pasando al nuevo tema que lo cautivó, Meunier recordó muy pronto su vocación original. La generalización, el laconismo de los medios del lenguaje de los plásticos podría utilizarse de la mejor manera posible para glorificar la belleza del trabajo humano. Desde mediados de los 80. una tras otra, aparecen estatuas y relieves de Meunier, glorificando su nombre, constituyendo una época en el desarrollo del plástico en el siglo XIX. El tema principal e imagen del escultor es el trabajo, la gente del trabajo: martillos, mineros, pescadores, niñas-mineras, campesinos. En la escultura, que antes se limitaba a un estrecho círculo de tramas y figuras convencionales alejadas de la modernidad, entraban personas trabajadoras, con paso pesado y confiado. El lenguaje plástico, que antes había sido completamente castrado, ha vuelto a adquirir una fuerza bruta de peso, una poderosa persuasión. El cuerpo humano ha mostrado las nuevas posibilidades de belleza que se esconden en él. En el relieve "Industria" (1901; Bruselas, Museo Meunier), la tensión de todos los músculos, la flexibilidad elástica y la fuerza de las figuras, dificultad para respirar, desgarro del pecho, manos abultadas y pesadas: todo esto no desfigura a una persona, pero da él especial poder y belleza. Meunier se convirtió en el fundador de una nueva y maravillosa tradición: la tradición de representar a la clase trabajadora, la poesía del proceso laboral.
Las personas retratadas por Meunier no asumen poses exquisitamente bellas o tradicionalmente clásicas. Son vistos y presentados por el escultor en un estado verdaderamente real. Sus movimientos son groseros, como, por ejemplo, en el fuerte y arrogante "Otkatchitsa" (1888; Bruselas, Museo Meunier), a veces incluso torpes ("Puddlinger", 1886; Bruselas, Museo de Arte Antiguo). En la forma en que estas figuras se paran o se sientan, sientes la huella que el trabajo ha puesto en su apariencia y carácter. Y al mismo tiempo, sus poses están llenas de entrañable belleza plástica y fuerza. Es una escultura en el verdadero sentido de la palabra, que vive en el espacio, lo organiza en torno a sí mismo. El cuerpo humano revela en la mano de Meunier todo su poder elástico y su severa dinámica de tensión.
El lenguaje plástico de Meunier es generalizado y lacónico. Así, en la estatua "Loader" (c. 1905; Bruselas, Museo Meunier), no se creó tanto un retrato como una tipografía generalizada, y esto es lo que le confiere un gran poder de persuasión. Meunier rechaza las cortinas académicas convencionales, su trabajador viste, por así decirlo, "overoles", pero esta ropa no aplasta ni tritura las formas. Las amplias superficies del tejido parecen adherirse a los músculos; pocos pliegues individuales enfatizan el movimiento del cuerpo. Una de las mejores obras de Meunier es Amberes (1900; Bruselas, Museo Meunier). El escultor eligió no alegorías abstractas como personificación de una ciudad trabajadora y activa, sino una imagen muy específica de un trabajador portuario. Esculpida con el mayor laconismo, la cabeza severa y valiente está firmemente asentada sobre hombros musculosos. Cantando al trabajo, Meunier no cierra los ojos ante su pesadez. Una de sus obras plásticas más asombrosas es el grupo Mine Gas (1893; Bruselas, Museo de Arte Antiguo). Esta es una versión verdaderamente moderna del antiguo tema del duelo de la madre por su hijo fallecido. Captura las trágicas secuelas del desastre de la mina. Una figura femenina afligida se inclinaba en muda y contenida desesperación sobre el cuerpo desnudo convulsivamente estirado.
Habiendo creado innumerables tipos e imágenes de personas trabajadoras, Meunier concibió en los años 90. monumental monumento al Laborismo. Se suponía que incluía varios relieves que glorificaban varios tipos de trabajo: "Industria", "Cosecha", "Puerto", etc., así como una escultura redonda: estatuas "Sembrador", "Maternidad", "Trabajador", etc. Esta idea nunca encontró su encarnación definitiva debido a la muerte del maestro, pero en 1930 se llevó a cabo en Bruselas a partir de los originales existentes del escultor. El monumento en su conjunto no causa una impresión monumental. Sus fragmentos individuales son más convincentes. Combinarlos en la versión arquitectónica propuesta por el arquitecto Horta resultó ser más bien externa y fraccionada.
El trabajo de Meunier resumió de una manera peculiar el desarrollo del arte belga en el siglo XIX. Resultó ser el mayor logro de realismo en este país en el período que se examina. Al mismo tiempo, la importancia de las conquistas realistas de Meunier trascendió los límites del arte nacional. Las notables obras del escultor tuvieron un tremendo impacto en el desarrollo del arte plástico mundial.
Emile Claus (holandés. Emile Claus, n. 27 de septiembre de 1849, Waregem - m. 14 de junio de 1924, Deinze) - Artista belga, uno de los principales representantes de la pintura impresionista en Bélgica y fundador del luminismo.
E. Klaus nació en una gran familia de comerciante rural. Comenzó a estudiar dibujo en un local. escuela de Arte... Siguiendo el consejo del compositor Peter Benoit, Klaus ingresó en la Academia de Bellas Artes de Amberes en 1869, donde estudió retrato, historia y pintura de paisaje... En 1874 terminó sus estudios en la Academia. En 1875, el artista exhibió con éxito sus obras en Gante, y en 1876, en Bruselas.
En el período inicial de su trabajo, E. Klaus se dedicó principalmente al retrato y pintura de género... Pinta de forma realista, sobre todo en colores oscuros y utiliza temas sociales (por ejemplo, el lienzo Riqueza y pobreza (1880)). En 1879, el artista viajó a España, Marruecos y Argelia. En 1882 debutó en el Salón de París, donde Klaus presenta su cuadro Pelea de gallos en Flandes (1882). A partir de ese momento pasa mucho tiempo en París, especialmente en invierno, y cae bajo la influencia creativa del artista francés Bastien-Lepage, quien también escribe sobre temas sociales de manera realista.
Con el advenimiento de la riqueza financiera en 1883, el artista compra la villa Zonneschijn (Sunshine) en su tierra natal. En 1886, se casó con Charlotte Dufo, hija de un notario de la cercana Deinze. Durante este período, Klaus pinta principalmente paisajes. naturaleza nativa, diseñado en un estilo realista. Durante su vida en el campo, mantiene relaciones amistosas y mantiene una viva correspondencia con el artista Albin van den Abele, el escultor Constantin Meunier, los escritores Cyril Beuss y Emile Verhaarn. A través de ellos, y también a través del artista Henri Le Sidane, Klaus descubre un fenómeno como el impresionismo francés. El conocimiento de las obras de los impresionistas también cambia la pintura del propio E. Claus: sus colores se vuelven más claros y cálidos: presta más atención a la interacción de la luz y la sombra, por lo que las cuestiones formales pasan a un segundo plano (Kingfishers (1891) ). Entre los impresionistas franceses, Claude Monet tuvo una influencia particular en la pintura de E. Claus. En las obras de ambos artistas, no solo el esquema de color es similar, sino incluso la selección casi idéntica de temas para sus lienzos (en el período de Londres). La búsqueda constante de nuevas formas de expresión y experimentos de luz convirtió a E. Claus en el predecesor directo de una tendencia en la pintura belga como el luminismo. En París, Klaus también es amigo de reconocidas figuras culturales, incluidos los escritores Emile Zola y Maurice Maeterlinck.
Hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial, el artista formó a muchos estudiantes, incluidos Anna de Werth, Robert Hutton Monks, Torajiro Kojima, Georges Morrain, Leon de Smet y otros. En noviembre de 1893 ingresó grupo de arte Union Artistique. Su propósito era, como el de grupos similares de impresionistas franceses, organizar exposiciones y vender pinturas. Además, las obras de Klaus aparecen en las exposiciones de la Unión de Artistas de Bruselas La Libre Esthétique en 1896 y en la Secesión de Berlín. En 1904, E. Claus creó, junto con el pintor Georges Beuss, el grupo Vie et Lumière, que luego incluyó a artistas como James Ensor, William Degouve de Nunkwe y Adrian Heimans.
Hasta la Primera Guerra Mundial, E. Claus viajó mucho - visitó repetidamente París, Holanda: en 1907 hizo un viaje a los Estados Unidos, en 1914 - a la Riviera francesa. Antes de la entrada de las tropas alemanas en 1914 en su ciudad natal, el artista logró emigrar a Inglaterra. Aquí vive en Londres, en una casa a orillas del Támesis. El tema principal de la obra del maestro durante los años del exilio fue este río de Londres. Se utilizaron pinturas de Claus de los paisajes del Támesis, pintadas de manera postimpresionista. gran éxito tanto en Londres como en Bruselas después de la guerra.
Después del final de las hostilidades, E. Claus regresa a su villa en Asten. Aquí murió en 1924 y fue enterrado en su jardín. En la tumba del maestro se erigió un monumento de mármol de Georges Minne.
Hay varios museos en el camino hacia. En este artículo te hablaré de los Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas. Más bien, es un complejo completo de seis museos.
Cuatro en el centro de Bruselas:
* Museo de Arte Antiguo.
Una notable colección de antiguos maestros de los siglos XV al XVIII.
La mayor parte de esta colección se compone de pinturas de artistas del sur de Holanda (flamencos). Se presentan las obras maestras de maestros como Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Bruegel el Viejo, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens y otros. ...
La colección se originó durante la Revolución Francesa, cuando los ocupantes se apoderaron de muchas obras de arte. Una parte significativa fue transportada a París, y de lo que estaba almacenado, Napoleón Bonaparte fundó un museo en 1801. Todos los objetos de valor confiscados fueron devueltos de París a Bruselas solo después de la deposición de Napoleón. En 1811, el museo pasó a ser propiedad de la ciudad de Bruselas. Con el establecimiento del Reino Unido de los Países Bajos bajo el rey Guillermo I, los fondos del museo se expandieron significativamente.
Robert Campin. "Anunciación", 1420-1440
Jacob Jordaens. Sátiro y campesinos ", 1620
* Museo de Arte Moderno.
La colección de arte contemporáneo abarca obras desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad. La colección se basa en obras de artistas belgas.
La famosa pintura de Jacques-Louis David - la muerte de Marat se puede ver en la parte antigua del museo. La colección ilustra el neoclasicismo belga y se basa en obras dedicadas a la revolución belga y la fundación del país.
Ahora se presenta al público en forma de exposiciones temporales en la sala denominada "Patio". Estos permiten la rotación regular de piezas de arte contemporáneo.
El museo alberga "Salomé" de Alfred Stevens, el representante más famoso del impresionismo belga. Y también se presentan obras tan famosas como "Russian Music" de James Ensor y "Tenderness of the Sphinx" de Fernand Knopf. Las obras maestras de Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet y Henri Fantin-Latour se destacan entre los maestros del siglo XIX presentados en el museo. Pintura francesa finales del XIX v. representada por "Retrato de Suzanne Bambridge" de Paul Gauguin, "Primavera" de Georges Seurat, "La cala" de Paul Signac, "Dos discípulos" de Edouard Vuillard, paisaje de Maurice Vlaminck y escultura de Auguste Rodin "Cariátide", "Retrato de un campesino "de Vincent van Gogh (1885)) y Naturaleza muerta con flores de Lovis Corinth.
Jean Louis David. Muerte de Marat, 1793
Gustav Wappers. "Episodio de los días de septiembre", 1834
* Museo Magritte.
Inaugurado en junio de 2009. En honor al pintor surrealista belga Rene Magritte (21 de noviembre de 1898-15 de agosto de 1967). La colección del museo contiene más de 200 obras de óleos sobre lienzo, gouache, dibujos, esculturas y objetos pintados, así como carteles publicitarios (trabajó durante muchos años como cartelista y publicista en una fábrica de papel), fotografías antiguas y filmaciones de películas. por el propio Magritte.
A finales de los años 20, Magritte firmó un contrato con la galería Sento de Bruselas y así se dedicó por completo a la pintura. Crea la pintura surrealista The Lost Jockey, que consideró su primera pintura exitosa de este tipo. En 1927 organiza su primera exposición. Sin embargo, la crítica la reconoce fracasada y Magritte se marcha a París, donde conoce a André Breton y se une a su círculo de surrealistas. Adquiere un estilo corporativo distintivo, por el cual sus pinturas son reconocibles. Al regresar a Bruselas, continúa su trabajo con un nuevo estilo.
El museo también es un centro para explorar la herencia del pintor surrealista.
* Museo del “fin de siglo” (Fin de siècle).
El museo reúne obras de finales del siglo XIX y principios del XX, el llamado "fin de siglo", principalmente con carácter vanguardista. Pintura, escultura y gráfica por un lado, pero también artes aplicadas, literatura, fotografía, cine y música por otro.
En su mayoría están representados artistas belgas, pero también obras de artistas extranjeros que encajan en el contexto. Obras de artistas integrantes de los grandes movimientos progresistas de artistas belgas de la época.
Y dos en las afueras:
* Museo Wirtz
Wierz (Antoine-Joseph Wiertz) - pintor belga (1806-1865). En 1835 pintó su primer cuadro significativo, "La lucha de los griegos con los troyanos por la posesión del cadáver de Patroclo", que no fue aceptado para una exposición en París, pero que despertó un gran entusiasmo en Bélgica. Le siguió: “La muerte de St. Dionisio ", el tríptico" Entierro "(con las figuras de Eva y Satanás en las puertas)," Huida a Egipto "," La indignación de los ángeles "y mejor pieza artista, "El Triunfo de Cristo". La originalidad del concepto y la composición, el vigor de los colores, el atrevido juego de efectos de luz y la amplia onda del pincel dieron a la mayoría de los belgas una razón para considerar a Wirtz como un revival de su antigua pintura histórica nacional, como el heredero directo de Rubens. Cuanto más lejos, más excéntricos se volvían sus tramas. Para sus obras, en su mayor parte de enorme tamaño, así como para los experimentos en el uso de la pintura mate inventados por él, el gobierno belga le construyó un extenso taller en Bruselas. Aquí Wirtz, que no vendía ninguna de sus pinturas y existía solo para encargos de retratos, recopiló todas sus obras importantes, en su opinión, y las legó, junto con el taller mismo, al pueblo belga. Ahora este taller es el "Museo Wirtz". Contiene hasta 42 pinturas, incluidas las seis mencionadas.
* Museo Meunier
El museo fue inaugurado en honor a Constantin Meunier (1831-1905), quien nació y se crió en una familia pobre de personas de la región minera de carbón belga Borinage. Desde niño conoció la difícil situación social y la existencia a menudo miserable de los mineros y sus familias. Meunier plasmó sus impresiones de la vida de la región minera en formas plásticas, demostrando a un hombre de trabajo como una personalidad armoniosamente desarrollada. El escultor ha desarrollado una imagen de trabajador que refleja su orgullo y fuerza, y que no se avergüenza de su profesión de cargador o estibador. Si bien se reconoce una cierta idealización con la que Meunier creó a sus héroes, también hay que reconocer su gran mérito histórico en el hecho de que fue uno de los primeros maestros en hacer tema central su creatividad como persona comprometida con el trabajo físico, mostrándolo al mismo tiempo como un creador lleno de dignidad interior.