Presentación sobre el tema “Habilidades del espectador, su importancia para una persona moderna. Juego de conversación de diagnóstico para identificar las habilidades de los espectadores de los niños mayores en edad preescolar.
desperdició su fortuna, pero esforzándose por lucirse exteriormente y por lucirse. En el lienzo vemos hombre joven- un aristócrata empobrecido - en un interior lujoso. Está desayunando, hojeando un folleto de tapa amarilla. La puesta en escena que se muestra representa el momento anterior a la aparición del invitado en la habitación. El perro ya estaba preocupado, la puerta estaba a punto de crujir ... El ruido tomó por sorpresa al joven. Confundido y torpe, trata de encubrir con un libro la evidencia de su problema: un desayuno pobre que consiste en una rebanada de pan negro. La pintura tiene una composición muy expresiva. Fedotov describe el mundo en el que vive un aristócrata: un mundo fantasmal de ilusiones. Pinta magistralmente el interior de la habitación: una alfombra bajo los pies de un joven dandy, cuadros brillantes en la pared, una mesa pulida de madera rara, un elegante sillón. El autor no escatima en accesorios: vemos una canasta en forma de jarrón antiguo, una figura, una lámpara en una pantalla de encaje, una billetera vacía al revés. Al comparar el mundo de las cosas caras y el héroe mismo, hay una sombra de alivio cómico. En el contexto del entorno del objeto representado con amor por el artista, la vanidad y la vanidad mezquina parecen aún más convexas, lo que obliga al héroe a ocultar su esencia. Entonces, en la pintura "Desayuno de un aristócrata", con una buena cantidad de ironía y humor, Fedotov describe vívidamente las debilidades humanas: hipocresía, lucha por la vida para el espectáculo, pobreza bajo el disfraz de brillo externo.
Las habilidades del espectador y su significado para la persona moderna El arte habla más claramente, más concretamente, más hermoso, lo que a todos les gustaría decir, pero no pueden. El arte es como una estrella guía que ilumina el camino para aquellos que luchan hacia la luz, quieren ser mejores, más perfectos. Este es el verdadero significado del arte ... Y las artes sirven para dar la posibilidad al conocimiento, del bien y del mal. El arte no falsifica ni reemplaza el mundo real, sino que lo explica, se expande y continúa.
Vermeer Delft Jan (pintor holandés. El mayor maestro de la pintura de géneros y paisajes holandeses. La gran mayoría de las pinturas de Vermeer que nos han llegado son bocetos de género. Sus tramas son típicas: una pequeña parte de la habitación, mujeres inmersas en determinadas ocupaciones : leer y escribir cartas de amor, examinar joyas, tocar música, comunicarse con caballeros, etc.
FEDOTOV Pavel Andreevich (), pintor-dibujante. Mientras servía en el regimiento de guardias en San Petersburgo, Fedotov se interesó en el dibujo, dio pasos importantes de forma independiente para dominar la habilidad de un artista, tomó lecciones de pintura de profesores de la Academia de Artes de San Petersburgo, pero no tenía un arte especial. educación. La actividad creativa de Fedotov comenzó con una caricatura. Habiéndose retirado, retrató los acontecimientos de la vida cotidiana de una forma satírica, a menudo grotesca. Su primera pintura significativa fue una pequeña obra de género La consecuencia de la muerte de Fidelka (1844). Fedotov se llama Gogol en la pintura rusa. En pequeños cuadros, Fedotov denunciaba, admiraba, reía y lloraba a la manera de Gogol. El contenido de las pinturas no expone a los personajes representados como tales, sino las circunstancias, condiciones de la vida de entonces. La armonía de la composición y las soluciones de color es inherente a sus pinturas y dibujos. Fedotov es considerado el fundador del realismo crítico en las bellas artes rusas. Los hitos en el camino de Fedotov hacia el realismo crítico fueron sus pinturas: The Fresh Cavalier (1847), The Choosy Bride (1847), The Major's Matchmaking (1848). Las últimas obras de Fedotov reflejan sentimientos de nostalgia y soledad: Viuda, Ancla, incluso Ancla, etc. (185152). Fedotov ilustró las obras de escritores contemporáneos, en particular F.M.Dostoevsky.
Ninguno de los pintores europeos del siglo XIX gozó de un triunfo tan grande como el joven pintor ruso Karl Pavlovich Bryullov, cuando a mediados de 1833 abrió las puertas de su estudio romano al público con su recién terminado cuadro El último día de Pompeya. Como Byron, tenía derecho a decir sobre sí mismo que una hermosa mañana se despertó famoso. La palabra "éxito" no es suficiente para caracterizar la actitud hacia su imagen. Había algo más: la imagen despertó una explosión de deleite y admiración entre la audiencia por el artista ruso, que parecía abrir una nueva página en la historia del arte mundial.
Palabra e imagen. Artes temporales y espaciales.
El lado visible de la realidad, una imagen artística visible.
La ilustración como forma de relación entre una palabra y una imagen.
Auto-ilustración. La claridad de los hechos literarios y la capacidad de la ilustración para expresar los significados profundos de una obra literaria, el estilo del autor, el estado de ánimo y la atmósfera de la obra, así como la originalidad de su comprensión por la personalidad del artista, su actitud hacia el tema. de la historia. Ilustradores de libros famosos.
Ejercicio: elija una obra literaria y varios episodios interesantes de ella; recopilar el material necesario para la ilustración (la naturaleza de la vestimenta de los personajes, la naturaleza de los edificios y locales, detalles típicos del hogar, etc.); construya bocetos de ilustraciones futuras y ejecútelos.
Materiales: materiales gráficos (opcional) o gouache, acuarela, pinceles, papel.
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Tema. Habilidades del espectador y su importancia para una persona moderna
El lenguaje del arte y los medios de expresión. El concepto de "imagen artística".
Diferentes niveles de comprensión del trabajo. Artes visuales: nivel de tema y nivel de trama; el nivel de valoración emocional, empatía; el nivel de las ideas de valor del artista sobre el mundo en su conjunto, sobre la conexión de los fenómenos, sobre lo bello y lo feo.
La composición como construcción de la realidad en el espacio del cuadro. Construcción de la obra en su conjunto. Organización visual y semántica del espacio pictórico. La organización pictórica y semántica del espacio del cuadro. Visualización como expresión de sensaciones sensoriales y vivencias de los fenómenos de la vida. La decoratividad como propiedad y medio de expresividad en una obra de arte.
La personalidad del artista, su posición creativa y el mundo de su época en una obra de arte. La naturaleza personal de la creación y percepción de obras de arte.
La naturaleza creativa de la percepción de la audiencia. La cultura de la percepción como la capacidad de construir experiencias de audiencia personal en uno mismo. Las obras de arte son eslabones de una cadena cultural.
Ejercicio: Análisis analítico más profundo y sistemático de obras de arte.
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Tema. Historia del arte e historia de la humanidad. Estilo y dirección en las artes visuales
Proceso histórico y artístico en el arte. El estilo como expresión artística de la percepción del mundo, característica de las personas de una época cultural determinada; el sistema del arte de una determinada época, país. Imágenes cambiantes de diferentes épocas y la variabilidad del lenguaje del arte.
Ejemplos de varios estilos grandes: estilo gótico Europa medieval, el estilo del Oriente musulmán, el Renacimiento, el barroco y el clasicismo, el moderno.
Tendencias en el arte de los tiempos modernos. La dirección como unión ideológica de artistas cercanos en la comprensión del propósito y los métodos de su arte. Sin embargo, la dirección no se convirtió en la norma general de la cultura artística de su época.
Impresionismo y postimpresionismo. Los Errantes. "Mundo del Arte". Ejemplos de direcciones artísticas Siglo XX.
Ejercicio: análisis de obras desde el punto de vista de la pertenencia a su estilo, dirección.
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Tema. Los principales museos de bellas artes y su papel en la cultura
Museos del mundo: la Galería Tretyakov de Moscú, el Hermitage y el Museo Ruso de San Petersburgo, el Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú, el Louvre de París, la Galería de Arte de los Antiguos Maestros de Dresde, el Prado de Madrid, el Metropolitano de Nueva York.
Cada museo tiene su propia historia de formación. Los principios por los que se formaron las colecciones de los museos nacionales han influido en gran medida en la percepción que tienen las personas de los valores en el arte y en el desarrollo posterior del arte (por ejemplo: el papel Galería Tretyakov en la formación de una persona especial en la pintura rusa).
El conocimiento de los museos rusos debe complementarse con la familiaridad con los museos locales. La lista de museos extranjeros se puede modificar y completar.
Trabajar en un proyecto (trabajo individual o en grupo, trabajo en grupo de alumnos; proyecto de implementación durante todo el trimestre).
Trabajo de proyecto.
Selección y justificación del tema.
Concepto y desarrollo de bocetos.
Discusión y defensa de la idea del proyecto.
Recogida de material.
Desarrollo y perfeccionamiento de la idea.
Implementación del proyecto en el material.
Materiales: a elección de los estudiantes de acuerdo con la idea y el contenido del proyecto artístico y creativo.
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FORMACIÓN DE CONOCIMIENTOS, HABILIDADES Y HABILIDADES ARTÍSTICAS
Los estudiantes deben saber:
Sobre el sistema de géneros en las artes visuales y su importancia para analizar el desarrollo del arte y comprender los cambios en la visión del mundo y, en consecuencia, las formas de su representación;
Sobre el papel y la historia de la pintura temática en las artes visuales y su tipos de género(hogar y géneros históricos, temas mitológicos y bíblicos en el arte);
Sobre el proceso de la obra del artista sobre la pintura, sobre el significado de cada etapa de esta obra, sobre el papel de los bocetos y estudios;
Sobre la composición como integridad y estructura figurativa de la obra, sobre la estructura compositiva de la obra, sobre el papel del formato, sobre el significado expresivo del tamaño de la obra, sobre la relación entre el todo y el detalle, sobre el significado de cada fragmento y su significado metafórico;
Sobre la belleza poética de la vida cotidiana, revelada en las obras de los artistas; sobre el papel del arte en afirmar el significado de cada momento de la vida de una persona, en comprender y sentir a una persona de su ser y la belleza del mundo;
Sobre el papel del arte en la creación de monumentos en honor a importantes acontecimientos históricos; sobre la influencia de la imagen creada por el artista en la comprensión de los acontecimientos de la historia;
Sobre el papel de las imágenes artísticas de las bellas artes en la comprensión de los temas eternos de la vida, en la creación contexto cultural entre generaciones, entre personas;
Sobre el papel de la ilustración artística;
Sobre la implementación poética (metafórica) de la realidad en todos los géneros de bellas artes; sobre la diferencia en la trama y el contenido de la imagen; sobre el papel de los principios constructivos, visuales y decorativos en la pintura, la gráfica y la escultura;
la serie más significativa de grandes obras de arte sobre temas históricos y bíblicos en el arte europeo y ruso; comprender el especial papel cultural y constructivo de la pintura temática rusa de los siglos XIX-XX.
^ Los estudiantes deben tener una idea de:
Sobre el proceso histórico artístico, sobre cambios significativos en la imagen del mundo y las formas de expresión, sobre la existencia de estilos y tendencias en el arte, sobre el papel de la individualidad creativa del artista;
Sobre la trayectoria compleja, contradictoria y llena de acontecimientos artísticos de las bellas artes rusas y mundiales en el siglo XX.
^ En el proceso de trabajo práctico, los estudiantes deben:
Obtenga las habilidades principales para representar las proporciones y los movimientos de una figura humana a partir de la naturaleza y de la representación;
Aprenda a dominar los materiales de pintura, gráficos y modelado a un nivel apropiado para su edad;
Desarrollar las habilidades de observación, la capacidad de visualizar la vida diaria circundante, que forman la sensibilidad y actividad de percepción de la realidad;
Adquirir experiencia creativa en la construcción de composiciones temáticas, involucrando la recolección de material artístico y cognitivo, la formación posición del autor sobre el tema elegido y la búsqueda de una forma de expresarlo;
Obtenga las habilidades para correlacionar sus propias experiencias con los contextos de la cultura artística.
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NOTA EXPLICATIVA
El plan de estudios de trabajo se desarrolla sobre la base del componente federal del estándar educativo estatal de educación general básica en arte, un programa aproximado de educación general básica, sobre la base del concepto del programa del autor de GP Sergeeva, IE Kashekova, ED Cretskaya "Arte 8-9 clases", los autores del programa "Música 1-7 grados." Arte 8-9 grados "; "Bellas artes 5-9 grado", autor del programa N.D. Nemensky N.D., Moscú, Ilustración, 2012.
Este programa está diseñado para dos años de estudio, en los grados 8 y 9. De acuerdo con el plan de estudios en los grados 8-9, se asignan 70 horas para la asignatura "Arte", 1 hora por semana.
metas x educación artística y educación estética en la escuela básica:
desarrollo de la percepción emocional y estética de la realidad, habilidades artísticas y creativas de los estudiantes, pensamiento figurativo y asociativo, fantasía, memoria visual en forma, gusto, necesidades artísticas;
Educación de una cultura de percepción de obras de bellas artes, artes decorativas y aplicadas, arquitectura y diseño, literatura, música, cine, teatro; dominar el lenguaje figurativo de estas artes a partir de la experiencia creativa de los escolares;
Formación de un interés sostenible por el arte, la capacidad de percibir sus características históricas y nacionales;
Adquisición de conocimientos sobre el arte como vía de desarrollo emocional y práctico del mundo circundante y su transformación; sobre los medios expresivos y las funciones sociales de la música, la literatura, la pintura, la gráfica, la artesanía, la escultura, el diseño, la arquitectura, el cine, el teatro;
Dominar las destrezas y habilidades de una variedad de actividades artísticas; proporcionando oportunidades para la autoexpresión creativa y la autoafirmación, así como alivio psicológico y relajación por medio del arte.
^ Propósito del programa- el desarrollo de la experiencia de la actitud de valor emocional hacia el arte como una forma sociocultural de dominar el mundo, que afecta a una persona y a la sociedad.
Tareas implementación de este curso:
Actualizar la experiencia de los estudiantes de comunicarse con el arte;
Adaptación cultural de los escolares en el espacio informativo moderno lleno de diversos fenómenos de la cultura de masas;
Formación de una visión holística del papel del arte en el proceso cultural e histórico del desarrollo humano;
Profundización de los intereses artísticos y cognitivos y desarrollo de las capacidades intelectuales y creativas de los adolescentes;
Educación del gusto artístico;
Adquisición de competencias culturales, cognitivas, comunicativas y socio-estéticas;
Formación de habilidades y habilidades de autoeducación artística.
Las tecnologías de la información y la informática, los materiales de audio y video deben adquirir una importancia especial en la organización de las clases y las formas extracurriculares de trabajo con los estudiantes.
Al estudiar temas individuales del programa, es de gran importancia establecer interdisciplinario vínculos con lecciones de literatura, historia, biología, matemáticas, física, tecnología, informática. El conocimiento de los estudiantes sobre los principales tipos y géneros de música, espaciales (plásticos), artes de la pantalla, sobre su papel en el desarrollo cultural de la humanidad y sobre la importancia para la vida de un individuo ayudará a navegar por los principales fenómenos de la cultura nacional y extranjera. arte, para reconocer las obras más significativas; evaluar estéticamente los fenómenos del mundo circundante, las obras de arte y emitir juicios sobre ellas; analizar el contenido, lenguaje figurativo de obras de diferentes tipos y géneros de arte; aplicar medios artísticos diferentes artes en su trabajo.
El material artístico aproximado recomendado por el programa asume su uso variable en el proceso educativo, posibilita la actualización de conocimientos, destrezas y habilidades, formas actividad creativa adquirido por los estudiantes en las etapas anteriores de formación en las asignaturas del ciclo artístico y estético.
Sobre obras de arte específicas (musicales, artes visuales, literatura, teatro, cine), el programa revela el papel del arte en la vida de la sociedad y del individuo, la comunidad de medios expresivos y la especificidad de cada uno de ellos.
^ Los resultados de dominar el programa "Arte"
El estudio del arte y la organización de actividades educativas, artísticas y creativas en el proceso de aprendizaje asegura el desarrollo personal, social, cognitivo y comunicativo de los estudiantes. La esfera emocional y espiritual se enriquece en los escolares, se forman orientaciones de valores, la capacidad para resolver tareas educativas, artísticas y creativas; Se cría el gusto artístico, la imaginación, el pensamiento imaginativo y asociativo, el deseo de participar en actividades socialmente significativas, en los proyectos artísticos de la escuela, eventos culturales de la región, etc.
Como resultado de dominar el contenido del curso, se armoniza el desarrollo intelectual y emocional de la personalidad del estudiante, se forma una visión holística del mundo, se desarrolla la percepción imaginativa y a través de la experiencia estética y el desarrollo de formas de autoexpresión creativa. , se llevan a cabo la cognición y el autoconocimiento.
^ Resultados de la asignatura las clases del programa "Arte" son:
Dominio / apropiación obras de arte como experiencia espiritual de generaciones; comprender la importancia del arte, su lugar y función en la vida humana; respeto por la cultura de otras personas;
Conocimiento de las leyes básicas del arte; Dominar los detalles de la imagen artística, las características de los medios. expresión artística, el lenguaje de diferentes tipos de arte;
Interés sostenido en diferentes tipos actividades educativas y creativas, tradiciones artísticas de su pueblo y los logros de la cultura mundial.
^ Los graduados de la escuela básica aprenderán:
Percibir los fenómenos de la cultura artística de diferentes pueblos del mundo, para darse cuenta del lugar que ocupa el arte nacional en él;
Comprender e interpretar imágenes artísticas, navegar por el sistema. valores morales presentado en obras de arte, sacar conclusiones e inferencias;
Describir los fenómenos de la cultura artística y musical, utilizando la terminología adecuada;
Estructurar el material estudiado y la información obtenida de otras fuentes; aplicar habilidades y destrezas en cualquier tipo de actividad artística; resolver problemas creativos.
Metasujeto los resultados del estudio del arte son los métodos de actividad dominados que son aplicables a la resolución de problemas en situaciones de la vida real:
Comparación, análisis, generalización, establecimiento de conexiones y relaciones entre fenómenos culturales;
Trabajar con diferentes fuentes de información, esforzándose por la comunicación independiente con el arte y la autoeducación artística;
Competencia cultural y cognitiva, comunicativa y socioestética.
Comunicaciones interdisciplinarias.
El programa se ocupa de una variedad de fenómenos arte musical y su interacción con las imágenes artísticas de otras artes: literatura - prosa y poesía, bellas artes - pintura y escultura, arquitectura y gráficos, ilustraciones de libros y otros, teatro - ópera y ballet, opereta y musical, rock - ópera, así como cine.
^ Requisitos para el nivel de formación de los estudiantes:
Los graduados aprenderán:
navegar por la diversidad cultural de la realidad circundante, observar los diversos fenómenos de la vida y el arte en las actividades educativas y extracurriculares, distinguir entre valores verdaderos y falsos;
organizar su actividad creativa, determinar sus metas y objetivos, elegir y aplicar en la práctica formas para lograrlos;
pensar en imágenes, hacer comparaciones y generalizaciones, resaltar propiedades y cualidades individuales de un fenómeno integral;
percibir valores estéticos, opinar sobre los méritos de las obras de arte elevado y de masas, ver conexiones asociativas y ser consciente de su papel en las actividades creativas y escénicas.
un sentido estético desarrollado, que se manifiesta en una relación emocional y de valor con el arte y la vida;
realización del potencial creativo en el proceso de actividad artística y estética colectiva (o individual) en la encarnación (creación) de imágenes artísticas;
evaluación y autoevaluación de las posibilidades artísticas y creativas; la capacidad de dialogar, de argumentar su posición.
acumular, crear y difundir los valores del arte y la cultura (enriqueciendo su experiencia personal con emociones y experiencias asociadas a la percepción, ejecución de obras de arte); sentir y comprender su participación en el mundo que los rodea;
utilizar las cualidades comunicativas del arte; actuar de forma independiente en el desempeño individual de tareas educativas y creativas y trabajar en modo de proyecto, interactuando con otras personas para lograr objetivos comunes; mostrar tolerancia en las actividades conjuntas;
participar en la vida artística de la clase, escuela, ciudad, etc.; analizar y evaluar el proceso y los resultados de sus propias actividades y correlacionarlos con la tarea en cuestión.
El plan de estudios prevé la formación de habilidades y habilidades educativas generales, modos universales de actividad y competencias clave en los estudiantes.
Dominar el contenido de la educación general básica sobre la asignatura "Arte" promueve:
la formación de las ideas de los estudiantes sobre la imagen artística del mundo;
dominar los métodos de observación, comparación, comparación, análisis artístico;
generalización de las impresiones recibidas sobre los fenómenos estudiados, hechos de la vida artística del país;
ampliar y enriquecer la experiencia de realizar tareas educativas y creativas y encontrar, al mismo tiempo, soluciones originales, percepción adecuada del habla oral, su expresividad entonacional-figurativa, respuesta intuitiva y consciente al contenido figurativo y emocional de las obras de arte;
mejorar la capacidad de formular la propia actitud ante el fenómeno artístico estudiado en formas verbales y no verbales, para entrar (de forma directa o indirecta) en un diálogo con una obra de arte, su autor, con los alumnos, con un maestro;
formular el propio punto de vista en relación a las obras de arte estudiadas, a los acontecimientos de la vida artística del país y del mundo, confirmándolo con ejemplos concretos;
Adquirir la capacidad y las habilidades para trabajar con diversas fuentes de información.
dominar por parte de los estudiantes las destrezas y habilidades para controlar y evaluar sus actividades;
determinar el alcance de sus preferencias, intereses y necesidades personales, inclinaciones para actividades específicas;
mejorar las habilidades para coordinar sus actividades con las actividades de estudiantes y profesores, evaluar sus capacidades en la resolución de problemas creativos.
^ Requisitos para el nivel de preparación de los estudiantes en los grados 8-9:
La educación artística en la escuela básica debe brindar a los estudiantes la oportunidad de:
tener una idea de los géneros y estilos de la música clásica y arte contemporáneo, rasgos del lenguaje artístico y el drama musical;
determinar la pertenencia de las obras de arte a uno de los géneros sobre la base de los medios de expresión característicos;
conocer los nombres de destacados compositores, artistas, escultores nacionales y extranjeros. directores, etc., para reconocer sus trabajos más significativos;
reflexionar sobre una obra familiar, expresando juicios sobre la idea principal, los medios de su encarnación, características de entonación, género, forma, intérpretes;
dar una valoración personal de la música que se toca en el aula y fuera de la escuela, argumentando su actitud ante determinados fenómenos musicales;
interpretar canciones populares y modernas, melodías familiares de obras clásicas estudiadas;
realizar tareas creativas, participar en proyectos de investigación;
utilizar el conocimiento sobre música y músicos, artistas, adquirido en el aula, al compilar una biblioteca de música en casa, una biblioteca de videos, etc.
^ CONTENIDO DEL CURSO
VIII CLASE
DISEÑO Y ARQUITECTURA EN LA VIDA HUMANA (19)
El diseño y la arquitectura son artes constructivas entre las artes espaciales.
Visualmente: lenguaje plástico y contenido estético del diseño y la arquitectura. Su lugar en la familia de las artes espaciales, la relación con las artes visuales y decorativas.
La arquitectura como reflejo de las relaciones sociales y los ideales estéticos de cualquier siglo, cualquier nación en forma de edificios domésticos, públicos y culturales, el papel de la arquitectura en la organización del entorno espacial y estructural de la ciudad, que determina en gran medida la forma de vida de las personas. El diseño es una continuación lógica de la contribución del artista a la formación de un entorno de objeto eterno, un mundo hecho por el hombre: desde ropa, muebles, platos hasta máquinas, máquinas herramienta, etc.
Diseño y arquitectura como la creación de una "segunda naturaleza", el entorno artificial de nuestro hábitat. La diversidad del entorno moderno de materiales y prendas de vestir. La unidad de conveniencia y belleza, funcional y artística en los mejores ejemplos de creatividad arquitectónica y de diseño. Trabajo práctico individual y colectivo.
^
Sección 1: Artista - Diseño - Arquitectura.
Fundamentos de la composición en las artes constructivas. Armonía, contraste y expresividad emocional de una composición plana o "¡Pongamos orden en el caos!"
El color es un elemento de la creatividad compositiva. Formas libres: líneas y manchas.
Letra - cadena - texto. Arte de fuente.
Cuando el texto y la imagen están juntos. Fundamentos composicionales creación de prototipos en diseño de impresión.
^
Sección 2: En el mundo de las cosas y los edificios. El lenguaje artístico de las artes constructivas. Objeto y espacio
De la imagen plana al diseño volumétrico.
La relación de los objetos en el diseño arquitectónico.
Construcción: parte y todo.
Color en arquitectura y diseño
^
Sección 3: Ciudad y pueblo. La importancia social del diseño y la arquitectura en la vida humana
Ciudad a través de tiempos y países
Ciudad hoy y mañana
Cosa en la ciudad y en casa.
Diseño urbano. Diseño del espacio y ambiente de vestuario del interior.
Tu eres un arquitecto.
^
Sección 4: El hombre en el espejo del diseño y la arquitectura. Estilo de vida y diseño personalizado
Mi hogar es mi forma de vida.
El interior que creamos.
La cultura de la moda y nosotros.
^
Sección 5: Diversidad de géneros musicales
La canción es el género de arte musical más democrático. Característica de la música de la canción.
Variedad de géneros folclóricos folklore de la canción.
Arte de la canción espiritual y secular.
Desarrollo de la música de baile.
Danza, su significado en la vida humana.
Características de la música de marcha. Variedad de géneros.
Marsh, su importancia en la vida humana.
^
Sección 6: Estilo de música- Era de Cameron
Estilo de música.
Música renacentista.
Música barroca.
Música de la época del clasicismo.
Música de la época del romanticismo.
Música de la era del realismo.
Neoclasicismo y vanguardia clásica.
Tradición e innovación en la música.
^ PLAN EDUCATIVO - TEMÁTICO
№ p / p | Sección, tema de la lección | Número de horas | De ellos | Nota |
||
Prueba | ^ Trabajo practico | Trabajo creativo |
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1 | Artista - diseño - arquitectura. El arte de la composición es la base del diseño y la arquitectura. | 5 | 5 | |||
1 .1 | Fundamentos de la composición en las artes constructivas El concepto de línea y la organización del espacio. | 1 | 1 | |||
1.2 | Color: elementos de la creatividad compositiva. Formas libres: líneas y manchas de tono | 1 | 1 | |||
1.3 | Letra - cadena - texto. Arte de fuente | 2 | 2 | |||
1.4 | Cuando el texto y la imagen están juntos | 1 | 1 |
^ En el mundo de las cosas y los edificios. El lenguaje artístico de las artes constructivas | 4 | 4 | ||||
2.1 | Objeto y espacio La relación de los objetos en un diseño arquitectónico. | 1 | 1 | |||
2.2 | Construcción: parte y todo | 1 | 1 | |||
2.3 | Los elementos arquitectónicos más importantes del edificio | 1 | 1 | |||
2.4 | Color en arquitectura y diseño. El papel del color en la creación de formas | 1 | 1 |
3 | ^ Ciudad y gente. La importancia social del diseño y la arquitectura en la vida humana | 6 | 6 | |||
3.1 | Ciudad a través de tiempos y países | 1 | 1 | |||
3.2 | Ciudad hoy y mañana. | 1 | 1 | |||
3.3 | Cosa en la ciudad y en casa | 1 | 1 | |||
3.4 | El interior y la cosa en la casa. Diseño del espacio y entorno de vestuario del interior. | 1 | 1 | |||
3.5 | Tu eres un arquitecto | 2 | 2 | |||
4 | Hombre en el espejo del diseño y la arquitectura. Estilo de vida y diseño personalizado | 4 | 4 | |||
4.1 | Mi hogar es mi forma de vida | 1 | 1 | |||
4.2 | El interior que creamos | 2 | 2 | |||
4.3 | Moda, cultura y tú. | 1 | 1 | |||
5 | Variedad de género de música | 8 | 8 | |||
5.1 | La canción es el género de arte musical más democrático. Característica de la música de la canción | 1 | 1 | |||
5.2 | Variedad de géneros de canciones folclóricas | 1 | 1 | |||
5.3 | Arte de la canción espiritual y secular | 1 | 1 | |||
5.4 | Música de baile del pasado y del presente. | 1 | 1 | |||
5.5 | Desarrollo de la música dance | 1 | 1 | |||
5.6 | Danza, su significado en la vida humana | 1 | 1 | |||
5.7 | Características de la música de marcha. Variedad de géneros | 1 | 1 | |||
5.8 | Marsh, su significado en la vida humana | 1 | 1 | |||
6 | Estilo musical - la cámara de la época | 8 | 8 | |||
6.1 | Estilo de música | 1 | 1 | |||
6.2 | Musica renacentista | 1 | 1 | |||
6.3 | Musica barroca | 1 | ||||
6.4 | Música de la era del clasicismo | 1 | ||||
6.5 | Música de la era del romanticismo | 1 | 1 | |||
6.6 | Música de la era del realismo | 1 | 1 | |||
6.7 | Neoclasicismo y vanguardia clásica | 1 | 1 | |||
6.8 | Tradición e innovación en la música | 1 | 1 | |||
Total | 35 horas |
Sección 1: ARQUITECTURA Y DISEÑO - ARTES DE LA CONSTRUCCIÓN EN UNA GAMA DE ARTES ESPACIALES.
^ EL MUNDO QUE CREA HUMANO
ARTISTA - DISEÑO - ARQUITECTURA. EL ARTE DE LA COMPOSICIÓN - LAS BASES DEL DISEÑO Y LA ARQUITECTURA (5 horas)
El surgimiento de la arquitectura y el diseño en etapas diferentes desarrollo Social. Diseño y arquitectura como creadores de la "segunda naturaleza", nuestro entorno creado por el hombre. La unidad de determinación y belleza,
funcional y artístico.
La composición como base para la implementación de una idea en cualquier actividad creativa. Composición de planos en el diseño. Elementos de composición en diseño gráfico: mancha, línea, color, letra, texto e imágenes. Técnicas compositivas básicas: búsqueda del equilibrio (simetría y asimetría, equilibrio dinámico), dinámica y estática, ritmo, armonía cromática. Ritmo y estática, movimiento, en música.
Varias formas de diseño gráfico, sus aspectos artístico-compositivos, visuales, psicológicos y sociales.
Estudios de diagnóstico y ejercicios para identificar las habilidades de dirección de los niños en edad preescolar mayores.
Estudios de diagnóstico y ejercicios para identificar las habilidades de actuación de los niños en edad preescolar mayores.
1. Se invita al niño a transmitir el contenido del texto, leyendo la entonación con la que suena este texto: a) ¡Wonder island! b) Nuestra Tanya está llorando en voz alta ...
c) Karabas-Barabas
d) ¡Primera nieve! ¡Viento! ¡Fríamente!
2. Se invita a los niños a pronunciar con diferentes entonaciones (sorpresa
perezoso, alegre, interrogante, enojado, cariñoso, calmado, indiferente)
texto. Por ejemplo,
Dos cachorros, mejilla con mejilla, mordisqueando un cepillo en la esquina.
3. Bocetos pantomímicos (para transmitir las diversas acciones de los gatitos):
Duerme dulcemente;
Despierta, lávate con una pata;
El nombre de mamá;
Intentando robar una salchicha;
Tienen miedo de los perros;
Cazan.
Estudios pantomímicos (para transmitir las acciones de personajes de cuentos de hadas):
Cómo baila el hada madrina en el baile de Cenicienta;
Qué enojada está la aterradora bruja con el baile de Cenicienta;
¡Cuán fuerte levanta Hércules una piedra pesada!
Qué sorprendida está la Tortuga Ninja;
Como saludar La reina de la Nieve;
Qué ofendido Winnie the Pooh;
Cómo se regocija Batman.
Coño, ¿cómo te llamas?
¡Maullar! (Suavemente)
¿Mantienes el ratón aquí?
¡Maullar! (afirmativamente)
Coño, ¿quieres leche?
¡Maullar! (con gran satisfacción)
¿Y los compañeros del cachorro?
¡Maullar! fff-rrr! (retratar de diferentes maneras - cobarde, temeroso ...). Lectura entonacional de versos-diálogos.
5. Hablando trabalenguas con niños:
Se compró una Zina de goma en una tienda, se trajo una Zina de goma en una cesta, se cayó una Zina de goma de una cesta, se untó una Zina de goma con barro.
6. Toque, aplauda, pisotee su nombre: "Ta-nya, Ta-ne-chka, Ta-
nu-sha, Ta-nu-shen-ka ".
7. Ejercicios figurativos con la música de E. Tilicheeva "Dancing Zai
chik ", L. Bannikova" Tren "," Avión "," Marcha de soldados de madera
kov ", V. Gerchik" Caballo de cuerda ".
· Se invita a los niños, basándose en una trama literaria o en canciones infantiles, a componer un guión, organizar una actuación (distribuir roles entre los niños, justificar su elección, realizar un ensayo).
· Modelado por un niño de tramas literarias a partir de imágenes para la puesta en escena de una actuación, discutiendo la idea, idea de la puesta en escena con un niño en edad preescolar.
Estudios de diagnóstico y ejercicios para identificar las habilidades de un decorador (diseñador gráfico) en niños mayores. edad preescolar
■ Se invita a los niños a diseñar la escenografía, el vestuario de la obra y ofrecer los accesorios necesarios del juego basados en una trama literaria o en canciones infantiles.
■ Discusión del concepto, la idea de la puesta en escena con el preescolar en el contexto de la escenografía que ofrece.
Después de que los niños hayan visto la obra, el juego de dramatización, se lleva a cabo una conversación de diagnóstico. Recomendado preguntas Para conversacion:
¿De qué te contó la obra? ¿Que entendiste tu? (comprensión idea principal obras);
¿Qué personaje te gustó más? ¿Por qué? Cual es su caracter? (comprensión del carácter de los personajes);
¿Cómo te sentiste cuando el héroe era ... eventos (específicamente en acción)?
¿Le gustaría cambiar algo en la obra? ¿Qué exactamente?
¿Quién te gustó más de los actores de la obra? ¿Por qué?
¿Te gusta ver la obra? ¿Por qué?
¿Cuenta en el dibujo (sugiera otros medios para transmitir las impresiones recibidas) sobre la actuación, sobre lo que vio ahora?
Después de realizar estudios de diagnóstico y ejercicios, es necesario analizar las habilidades de los niños de acuerdo con los criterios seleccionados:
"Habilidades de actuación:
- comprender el estado emocional del personaje y, de acuerdo con esto, la elección de los medios expresivos adecuados para transmitir la imagen del personaje: voz, expresiones faciales, pantomima;
- la naturaleza de la expresividad de las habilidades motoras:
En pantomima: naturalidad, rigidez, lentitud, impetuosidad de movimientos;
En las expresiones faciales: riqueza, pobreza, letargo, vivacidad de las manifestaciones;
En el habla: un cambio en la entonación, el tono, la velocidad del habla;
– independencia de la tarea, ausencia de acciones estereotipadas.
Habilidades de "dirección":
– comprender los motivos de las acciones de los héroes;
– seguir la trama (establecer una relación causal, comprender la secuencia de eventos);
– distribución de roles, preparación del entorno de juego;
– la capacidad de gestionar varios jugadores a la vez.
Habilidades de "diseño":
– visión artística y visual de la trama de la base literaria de la actuación;
– reflejo adecuado de la trama de la actuación en la escenografía, vestuario, atributos de la obra, utilería teatral;
Tengo preparación del entorno de juego.
Habilidades del espectador:
– la capacidad de comprender los estados emocionales de otras personas y mostrar empatía por los personajes de la obra;
– la presencia de una posición de espectador activo: una expresión de opinión sobre lo que vio, la presencia de una actitud hacia lo que vio (le gustó, no le gustó, indiferente);
- Expresión de opinión sobre la actuación de los actores.
Prueba de diagnóstico "ZAR" para profesores y padres
El propósito de la prueba: estudiar la opinión de padres y educadores sobre las preferencias del niño en la elección de posiciones de juego.
Estimados maestros de educación preescolar, padres de familia Es necesario que respondan una serie de afirmaciones utilizando las opciones de respuesta "SÍ" o "NO".
Afirmaciones:
1. Más a menudo, el niño presta atención al concepto de obra literaria, su idea artística.
2. Más a menudo, el niño reacciona ante los héroes de una obra literaria.
3. Más a menudo, el niño presta atención al escenario, lugar y momento de la trama de la obra.
4. El niño percibe una obra literaria en su conjunto.
5. El niño comprende bien el estado emocional de los héroes de una obra literaria e interpreta las imágenes de manera interesante.
6. Al niño le encanta hacer preguntas sobre el trabajo que se le lee.
7. Al niño le encanta dibujar tramas literarias, fantasear en papel.
8. El niño puede organizar el juego con otros niños.
9. Es más fácil para un niño apreciar el juego de otra persona que jugar él mismo.
10. El niño crea fácilmente imágenes de personajes literarios usando entonación, expresiones faciales y pantomima.
11. El niño selecciona fácilmente los atributos y decoraciones necesarios para el juego de dramatización.
12. El niño puede expresar su opinión sobre los personajes que le gustaron o no le gustaron.
13. El niño está bien desarrollado imaginación creativa, gravita hacia la improvisación.
14. El niño tiene cualidades de liderazgo.
15. El niño siente el color, la forma bien, busca expresar sus impresiones sobre trabajo literario, personajes trabaja en papel con su ayuda.
16. El niño puede motivar y mostrar a otros niños cómo y qué representar en el juego de dramatización.
17. El niño sabe cómo identificarse con los personajes del juego.
18. El niño se caracteriza por cualidades como la perseverancia, la determinación, así como la capacidad de superar los contratiempos y resolver conflictos.
19. El niño ha desarrollado elementos de autocontrol en la actividad teatral (puede seguir la trama, lleva la representación teatral al resultado final).
20. El niño ha desarrollado habilidades artísticas y visuales, dibuja bien, prefiere el dibujo a otro tipo de actividades artísticas infantiles.
Tecnología de evaluación de resultados de pruebas:»
La respuesta "SÍ" vale un punto. Los puntos se suman para cada puesto (actor, director, espectador).
Puesto "director" - responde "SÍ" a las preguntas 1, 8, 14, 16, 18.
Posición "decorador" - responde "SÍ" a las preguntas 3, 7, 11, 15, 20.
Posición "actor" - responde "SÍ" a las preguntas 2, 5, 10, 13, 19.
Posición "espectador" - responde "SÍ". A las preguntas 4,6,9,12,17.
En qué posición se obtuvo el mayor número de puntos, el niño tiene la mayor inclinación, en opinión de profesores y padres, a esa posición.
Es necesario correlacionar los resultados de la prueba obtenidos con los resultados de la observación y las entrevistas con el niño para obtener una imagen más confiable y la conclusión del diagnóstico.
Para soluciones la tercera tarea del diagnóstico pedagógico Se ha elaborado un cuestionario para profesores de jardín de infancia.
Se han desarrollado formas históricamente estables de existencia y desarrollo del arte: arquitectura, artes y oficios, pintura, escultura, gráficos, fotografía artística, literatura, música, coreografía, teatro, cine, televisión, arte ...
Históricamente, se han desarrollado formas estables de existencia y desarrollo del arte: arquitectura, artes y oficios, pintura, escultura, gráficos, fotografía artística, literatura, música, coreografía, teatro, cine, televisión, arte de variedades, circo. Ciertos tipos de actividad artística corresponden a estos tipos de arte. Cada uno de los tipos de arte, que refleja el mundo en su conjunto, tiene ciertas ventajas en un reflejo más directo, brillante y perfecto de algunas de sus caras, facetas, fenómenos. Las bellas artes son una de las más antiguas, pero también eternamente jóvenes. Los artistas crearon "imágenes" hace muchos milenios y todavía las crean hoy. ¡Este arte es enorme! Para conocerlo mejor, no perderse en él, es necesario estudiarlo. Lo primero que hacen las personas que quieren conocer la tierra que les interesa es estudiar su idioma ...
Lección de bellas artes en el grado 7 sobre el tema: "Habilidades del espectador y su significado para el hombre moderno" (Rembrandt y su pintura "El regreso del hijo pródigo") Sección: "Grandes temas de la vida". Objetivos: 1. Formar una idea del lenguaje especial del arte y los medios de expresión. 2. Desarrollar el carácter personal de la creación y percepción de obras de arte. 3. Familiarizar a los estudiantes con los diferentes niveles de comprensión de las obras de arte: nivel de asignatura y nivel de trama; el nivel de valoración emocional, empatía; el nivel de las ideas de valor del artista sobre el mundo en su conjunto, sobre la conexión de los fenómenos, sobre lo bello y lo feo. 4. Fomentar una actitud moral y estética ante el mundo y el arte. Equipo y materiales: 1. Reproducciones de cuadros para discusión temática y trabajo práctico: Cuadro de Vermeer Delft Jan, "Niña leyendo una carta". ... ... "¡Ancla, otra ancla!" - Pavel Andreevich Fedotov "Bryullov KP El último día de Pompeya Rembrandt El regreso del hijo pródigo PLAN DE LECCIÓN 1. Conversación sobre la naturaleza creativa de la percepción del público, su cultura y habilidades. 2. Enunciado de la tarea artística. 3. Implementación práctica de la tarea. 4. Resumiendo la lección y recibiendo tarea... El curso de la lección Epígrafes: Esto es lo que sirven las artes para dar la oportunidad de conocer el bien y el mal. R. Durer Art no falsifica y no reemplaza el mundo real, sino que lo explica, se expande y continúa. K. F. Yuon Sorokina A. I. profesor de Bellas Artes MBOU "Escuela Secundaria No. 2" en Melenki
... El arte habla de forma más clara, más concreta, más bella, lo que a todo el mundo le gustaría decir, pero no puede. El arte es como una estrella guía que ilumina el camino para aquellos que luchan hacia la luz, quieren ser mejores, más perfectos. Este es el verdadero significado del arte ... MM Antokolsky Históricamente, se han desarrollado formas estables de existencia y desarrollo del arte: arquitectura, artes y oficios, pintura, escultura, gráficos, fotografía artística, literatura, música, coreografía, teatro, cine, televisión, arte de variedades, el circo. Ciertos tipos de actividad artística corresponden a estos tipos de arte. Cada uno de los tipos de arte, que refleja el mundo en su conjunto, tiene ciertas ventajas en un reflejo más directo, brillante y perfecto de algunas de sus caras, facetas, fenómenos. Las bellas artes son una de las más antiguas, pero también eternamente jóvenes. Los artistas crearon "imágenes" hace muchos milenios y todavía las crean hoy. ¡Este arte es enorme! Para conocerlo mejor, no perderse en él, es necesario estudiarlo. Lo primero que hacen las personas que quieren conocer la tierra que les interesa es estudiar su idioma ... Por eso hoy en la lección hablaremos del idioma que habla el artista-pintor. El artista puede representar todo: bosques - campos, árboles - pastos, ciudades - montañas, océanos - espacio ... Puede ser un animal y un pájaro, una flor y un prado soleado, una sonrisa y una lágrima de una persona. Puede ser dolor y alegría, nobleza y mezquindad, verdad y mentiras, bien y mal. Esta puede ser la vida de las personas que viven a nuestro lado, personas que se han ido hace mucho, lo que significa que la vida de hoy, pasada o incluso no ha llegado. El artista representa el mundo como todos lo vemos, y como solo él lo ve, el único artista, aunque hay muchos artistas. Trabajan con la ayuda de diferentes técnicas visuales, por lo que los maestros de las artes visuales se distinguen y nombran de manera diferente. ¿Cómo? (Escultores, artistas gráficos, arquitectos, pintores.) Los pintores trabajan con pinceles y pinturas. Miremos hacia atrás, en los tiempos lejanos, cuando la palabra "técnica" significaba "arte", "habilidad", que no depende de máquinas, computadoras y electrónica ingeniosa, sino de la habilidad personal de un artista maestro, de sus hábiles manos. Poseedor de una u otra técnica artística, supo hacerlo, es decir, supo utilizar la imagen concebida, lo que significa que la realizó en técnica ... Los artistas tienen muchas técnicas, aunque en su mayor parte funcionan con los mismos medios simples que sus tatarabuelos (recuerde que los pinceles también se usaron en tiempos prehistóricos lejanos). Sin embargo, dominar la técnica de la imagen es solo la mitad del trabajo, lo que en arte se llama creatividad. ¡Y la creatividad surge solo cuando el artista no solo sabe cómo hacerlo, sino que tiene algo que decirle a la gente! Hay pensamientos, pero necesariamente propios y en ningún caso la repetición de los pensamientos ajenos; tienen sus propias ideas, sus propias preocupaciones y alegrías, pero al mismo tiempo son importantes para todas las demás personas. Y es entonces cuando "qué" y "cómo" (en otras palabras, "contenido" y "medios") están conectados inseparablemente entre sí, combinados en una unidad fusionada especial, gracias a la habilidad de A. Sorokin, profesor de arte de MBOU " Escuela secundaria No. 2 "Ciudad de Melenki Página 2
artista y su actitud ilusionada ante la vida, eso es creatividad, y en la creatividad hay una obra de arte con su contenido y lenguaje artístico únicos. En las lecciones de bellas artes, nos sentimos y creamos como artistas, pero la mayoría de las veces, cuando nos referimos a obras de arte, somos espectadores. Ser espectador también es un arte. Tal afirmación puede parecer extraña a primera vista. De hecho, estamos acostumbrados a considerar la creación de imágenes, la composición de música, los libros como creatividad. Pero una ocupación aparentemente tan fácil y puramente pasiva, como contemplar pinturas, leer novelas, escuchar sinfonías, ¿se puede llamar a esto un negocio? naturaleza creativa? Sí tu puedes. Además, hay muchas razones para decir que el destino del desarrollo de todos los tipos de arte depende en gran medida del estado, el nivel y la naturaleza de la creatividad de la audiencia. Después de todo, el momento en que un escritor termina un libro, un pintor termina una pintura, estas obras son, por así decirlo, hechos de las biografías personales de sus creadores. La verdadera vida de la obra de cualquier artista comienza solo cuando los lectores, espectadores, oyentes pueden llegar a conocerla, cuando surge una valoración pública de la obra. Si esta valoración es negativa o, peor aún, indiferente, el trabajo se olvida rápidamente y, por así decirlo, muere. Tan pronto como el trabajo de la artista no encontró un eco vivo en las almas de las personas, significa que nació muerta y rápidamente sobrevivió a su edad de polilla. Entonces, la creación de obras de arte y su percepción, comprensión, evaluación están íntimamente relacionadas y son dependientes. Uno no existe sin el otro, juntos forman un todo único, lo que se llama la vida artística de la sociedad. El tiempo, la sociedad demanda del maestro del arte para crear obras fuertes, emocionantes, significativas, imbuidas de ideas de vanguardia era; vestido con una forma de arte vívida y original. Es una lástima para el artista que, debido a la mediocridad o la adherencia a métodos de creatividad defectuosos e infructuosos, no logró ganarse el favor del público tarde o temprano. Cualquier consuelo es inútil aquí. Si no conquistó, significa que no había nada que conquistar ... Pero el espectador que está dispuesto a descartar el trabajo solo porque a la primera vez le pareció incomprensible, extraño, inusual para él es digno de lamentar. Por supuesto, puede ser que detrás de esta extrañeza no haya absolutamente nada bueno, y luego la indiferencia despectiva hacia una imagen o un libro malo y torturado esté plenamente justificada. Pero sucede, y muy a menudo, algo completamente diferente: es necesario pensar en la obra del artista, comprender sus características originales, su intención profunda y, como resultado, el espectador será recompensado generosamente: una faceta de la realidad previamente desconocida se abrirá antes. él, nuevas características de la vida espiritual para sus contemporáneos, resulta que este trabajo es capaz de entregar tanto la alegría de la cognición como un gran placer estético. Este tipo de tensión de fuerzas espirituales al encontrarse con una obra de arte es una especie de creatividad. Además, por supuesto, este principio creativo se manifiesta no solo cuando el espectador encuentra algo que no le gusta de inmediato. Y en aquellos casos en que la obra capta desde el primer momento de su encuentro, se produce una gran obra de sentimiento, pensamiento, fantasía, se produce un maravilloso, precioso proceso de comprensión, que tanto puede enriquecer la mente y el alma de un hombre. persona, hágalos más profundos, más delgados, más maduros. Después de todo, por el bien de esto, existe, de hecho, creación artística. Sorokina A. I. Profesora de Bellas Artes MBOU "Escuela Secundaria No. 2" en Melenki Página 3
Entonces, el arte de ser espectador, como cualquier otro arte, requiere ascenso espiritual, vuelo de pensamiento, así como ciertas habilidades y conocimientos. Cuando se inventó la fotografía hace más de cien años, se oyeron voces de que el arte de la pintura había llegado a su fin y que pronto desaparecería por ser innecesario. De hecho, incluso el artista más hábil y meticuloso no puede ofrecer una reproducción de la naturaleza tan perfectamente precisa, que se logra instantáneamente con la ayuda de una cámara. Pero han pasado décadas. La fotografía ha mejorado de año en año, recibió capacidades técnicas tales que sus descubridores nunca soñaron. Además, a lo largo del tiempo, la fotografía ha hecho surgir toda una galaxia de maravillosos maestros en su oficio, que han creado y están creando obras que sin duda merecen el derecho a ser evaluadas como obras de arte real y grandioso. Sin embargo, la pintura todavía existe y se desarrolla como un tipo especial y único. creación artística sin sufrir ningún daño por competir con la fotografía. Más bien, incluso la pintura se ha beneficiado de esta rivalidad, porque para las nuevas generaciones las cualidades y rasgos peculiares y originales de las creaciones de los maestros del pincel se han vuelto aún más claras y evidentes. ¿Qué ha demostrado la competencia creativa de dos tipos de bellas artes: la nueva y la vieja? Imaginemos que un fotógrafo y un pintor deciden capturar el mismo paisaje o, digamos, crear una imagen de la misma persona. Un fotógrafo, si no es un "artesano frío", sino una persona con el alma y la experiencia de un artista, por supuesto, trabajará mucho y a fondo antes de tomar una foto. Guiado por el objetivo de lograr esta o aquella impresión en particular, el fotógrafo-artista elegirá el punto de vista de disparo más favorable para la imagen fotográfica que ha concebido, reflexionará profundamente sobre la naturaleza de la iluminación, los límites del marco, etc. para ella. pose, se esforzará por capturar una expresión en su rostro que le permita comprender el carácter, la psicología de esta persona. Como resultado, como sabemos, el fotógrafo puede lograr paisajes y retratos impresionantes y artísticamente valiosos. Todo esto es cierto. Pero la fotografía siempre se basa en una reproducción fotomecánica y documental precisa de la naturaleza. Incluso el fotógrafo más talentoso e inventivo, sin importar a qué trucos y trucos recurra, de alguna manera no puede cambiar o, más aún, generalizar la naturaleza (es decir, no solo copiarla, sino seleccionarla y revelarla en una amplia imagen artística sus rasgos más característicos): esto no lo permite la propia naturaleza, base técnica de su profesión. En este sentido, podemos decir que la pintura solo comienza donde termina la fotografía. Porque cualquier pintura es una generalización. La principal diferencia entre el trabajo de un pintor y un fotógrafo no es que para el segundo de ellos sea inalcanzable utilizar el movimiento libre de una pincelada o, por ejemplo, el procesamiento preliminar (imprimación) del lienzo para dar expresividad a la superficie. de las pinturas; no es que su arte le permita a un pintor lograr una viva inquietud de cada milímetro de imágenes, completamente subordinado a su voluntad creativa, gustos, estilo, etc., y el fotógrafo aún no puede superar la cierta muerte, el frío “mecánico” de la foto óptica. . Todo esto es muy importante, pero ese no es el punto. En las posibilidades de la fotografía para lograr una recreación muy expresiva de la apariencia externa de un evento, persona, objeto, paisaje. Pero ella está completamente encadenada a esta apariencia externa, a un solo hecho. El fotógrafo no puede ofrecer al espectador una imagen imaginaria que absorba la experiencia generalizada de cientos y miles de observaciones cotidianas, no puede crear imágenes tipificadas. Sorokina A. I. Profesora de Bellas Artes MBOU "Escuela Secundaria No. 2" en Melenki Página 4
Y la tarea de pintar no es solo mostrar algo, sino también revelar la esencia interior de lo que se representa, reproducir "personajes típicos en circunstancias típicas". A veces (y no pocas veces) sucede que los detalles pictóricos que forman la base de la historia en la imagen, juegan un papel decisivo en la revelación de su diseño figurativo. Aquí hay una pintura del artista holandés del siglo XVII J. Vermeer Delft "Chica con una letra". La trama aquí es muy simple, desprovista de nitidez y efectividad. La niña que lee parece estar congelada, su expresión es tranquila y serena, y no hace que el espectador piense en algún tipo de excitación emocional, dificultades, pensamientos profundos. En general, aunque la figura ocupa el lugar central del cuadro, no llama más la atención que el resto de detalles del lienzo. Pero todos estos detalles están escritos con el máximo tacto. Comprendemos completamente la belleza del suave pelo de la alfombra roja, el delicado encanto de las frutas amontonadas en un delgado plato de metal, la frescura del aire que fluye por la ventana. Nuestra visión parece agudizarse cuando nos familiarizamos con esta imagen, y notamos las líneas más pequeñas del borde de la cortina, reflejos sutiles de la cálida luz del día, que literalmente impregna toda la imagen. Sin embargo, todo esto extremadamente detallado, historia detallada acerca de los detalles mundo objetivo rodear a una persona no es de ninguna manera un fin en sí mismo; tiene un significado profundo, está asociado con una cierta filosofía de vida. La poesía de lo cotidiano, la afirmación de la belleza de las cosas simples, de la pacífica vida cotidiana, tan característica de la pintura democrática holandesa del siglo XVII, encontró en este cuadro de Vermeer la expresión más elevada y sutil. En la imagen nombrada, los detalles son los principales "héroes" de la imagen, son significativos en sí mismos; mostrar la belleza de su apariencia significaba para el artista contar el encanto del entorno cotidiano de una persona que lleva el sello de sus gustos, tradiciones, ideas de belleza. Pero también sucede algo más: los detalles de la imagen adquieren una especie de significado alegórico, resultan ser “ actores»Una historia dramática sobre la vida de una persona. Recordemos a este respecto el cuadro de P. Fedotov "¡Ancla, otra ancla!" (Anchor (encore) - más (fr.)). Su trama se puede resumir en pocas palabras. Esto está sucediendo en alguna ciudad de provincias a mediados del siglo pasado, cuando un cruel régimen de siervos reinaba en Rusia bajo Nicolás I. En la cabaña, acostado en un banco, un oficial a medio vestir se divierte Sorokina A. I. Profesor de bellas artes MBOU "Secundaria No. 2", Melenki Página 5
haciendo que el perro salte por encima de la pierna. Eso, de hecho, es todo. Sin embargo, un detalle más surge del nombre: gritando al perro, el oficial confunde las palabras rusas con el francés. Al parecer, ¿qué se puede esperar de una imagen creada sobre la base de una trama tan sencilla? Una escena cotidiana ingeniosa, nada más. Pero ante nosotros se encuentra una de las obras de pintura más profundas y significativas, que hablaba de la atemporalidad pesada y sombría de Nikolaev. Para comprender el contenido de esta historia, debe, en primer lugar, observar de cerca todos los detalles de la imagen. El artista mostró el espacio estrecho de una cabaña con un techo muy saliente. Una vela que fluye apenas ilumina la cabaña, sombras ominosas recorren sus paredes y esquinas. Una guitarra en un estéreo, cosas esparcidas sobre la mesa: una navaja, platos, restos de comida en un cuenco, todo esto, por así decirlo, marca el flujo para el oficial. A través de una minúscula ventana se ve un desolado paisaje invernal, iluminado por la fría luz de la luna. Como puede ver, toda esta historia no se creó con la ayuda de una acción dramática, una descripción detallada de eventos, incidentes. Aquí se narran los detalles, el escenario cuenta, las comparaciones pictóricas y los efectos hablan elocuentemente. Ellos recrean de manera vívida y conmovedora el sentimiento de tristeza a la que el oficial está condenado. Descendiente, sumido en el fango fangoso de la cruel y miserable vida cotidiana, este hombre ha perdido todo gusto por la vida, desperdiciéndola sin sentido, estúpidamente, revolcándose durante días enteros, matando el tiempo para una diversión vacía, como el juego representado con un perro. Una cosa más es digna de mención: Fedotov no consideró necesario mostrar claramente el rostro del oficial. No había necesidad de esto, podría haber sido un énfasis excesivo en lo que ya está claro. Un escenario tan expresivamente mostrado, la historia de las cosas, los detalles nos dieron una idea completa y comprensiva del héroe de la imagen. Incluso si no vemos su rostro, ya está claramente dibujado en nuestra imaginación: una mirada apagada, rasgos flácidos que llevan el sello fatal del vacío interior. Esta pintoresca historia revela con notable poder destino trágico una persona bajo las condiciones de un vil régimen feudal, distorsionando sin piedad y humillando almas humanas... Se podría nombrar una gran variedad de imágenes de la trama, en las que la historia de una determinada acción, un evento pasa a un segundo plano en comparación con el significado narrativo de los detalles pictóricos, ya sean las obras de un maestro ruso. principios del XIX siglo A. Venetsianov, "Hacia la noche" de M. Vrubel, lienzos de J.-B. Chardin, pintor francés del siglo XVIII, que describió con mayor frecuencia la vida de la gente común y otros. Uno debe ser capaz de comprender el contenido de esas imágenes donde casi no hay acción, no hay una trama "literaria" desarrollada multilateralmente. Tales pinturas fueron y se crean muy a menudo. El arte de ser espectador es un arte grande y difícil. Requiere paciencia y consideración, una perspectiva amplia, comprensión de las leyes y características peculiares de cada tipo y género de creatividad. Requiere el desarrollo no solo de una visión física, sino también de una visión artística y espiritual especial. En otras palabras, para comprender plenamente al artista, debes, en cierto sentido, ser tú mismo un artista, una persona de percepción creativa, digna de ser un amigo, un juez justo y, por así decirlo, un coautor. de un maestro del arte. Entender la pintura, como cualquier otro arte, no viene por sí solo: corona una obra larga, persistente y versátil para educar en uno mismo las cualidades de un espectador-artista avanzado. Pero este trabajo es recompensado generosamente: un espectador sensible, reflexivo y comprensivo, las obras de arte son recibidas como un igual, Sorokin A. I. Profesor de bellas artes MBOU "Secondary School No. 2" en Melenki Página 6