Hacer dibujos de la naturaleza con aceite. Pintura al óleo: paisajes y pinturas al óleo para principiantes

Taller de dibujo pinturas de aceite... Estanque de cisnes en el parque

Pintura de paisaje de verano

Alena Aleksandrovna Suetova, profesora educación adicional
Lugar de trabajo: MBDOU Jardín de infancia No. 114 de la ciudad de Nizhny Novgorod

A través del crepúsculo de verano del parque
A lo largo del borde de aguas artificiales.
Belleza, doncella, salvaje -
Un cisne alto flota.
Una maravilla blanca como la nieve flota
Un animal lleno de sueños
Columpio en el seno de la bahía
Sombras lilas de abedules.
Su cabeza es sedosa
Y el manto de nieve es más blanco,
Y maravillosas dos amatistas
Brilla en las cuencas de sus ojos.
Y se derrama un resplandor brillante;
Sobre la curva blanca de la espalda
Y ella es como una estatua
Olas elevadas al cielo ..,
N. Zabolotsky

Descripción: MK está destinado a personas creativas, profesores de bellas artes y profesores de formación complementaria de orientación artística y estética.

Propósito: uso en clases de dibujo, para participación en concursos, exposiciones, decoración de interiores o como obsequio.

Objetivo: pintura de paisaje

Tareas:
Educativo:
Aprende a trabajar con pinturas al óleo.
Ampliar el concepto de trabajar con espátula
Promover la creatividad
Aprenda a utilizar diferentes formas de crear una imagen en el dibujo, combinando diferentes métodos en un dibujo para obtener una imagen expresiva.
Desarrollando:
Desarrollar el sentido estético de la forma, el color, el ritmo, la composición.
Desarrollar un sentido de confianza
Educativo:
Para cultivar la capacidad de llevar el trabajo iniciado hasta el final,
Cultivar una actitud positiva hacia la propia actividad, su resultado
Promover una actitud positiva hacia el dibujo y la creatividad en general.
Cultiva el interés por la pintura de paisajes.

Materiales:
tamaño del lienzo 40x50 cm
cuchillo de paleta
tarro de disolvente
solvente
trapo
paleta
pintura al óleo (blanco zinc, amarillo cadmio medio, rojo cadmio oscuro, azul "fs", ámbar quemado)

Usé una foto de un estanque de cisnes que tomé mientras caminaba por el parque.

Etapas de trabajo:
La naturaleza está llena de colores. Por la vivacidad del trabajo, escribiremos sin boceto, "a ojo". Pasa el solvente sobre el lienzo (moja el lienzo) antes de comenzar a pintar.
Dado que todo el trabajo está ocupado por verdes, debe diluirse de alguna manera. Y un color contrastante en relación con el verde, el rojo, ayudará en esto. El espacio restante sin verde es el cielo. A costa de ello, actualizaremos el trabajo. Toma mucha pintura blanca y una gota de rojo para que quede blanco con un ligero tinte rosado. No sientas pena por la pintura para que luego tengas algo con qué mezclar. Aplícalo de manera amplia, en diferentes direcciones con una espátula en la mitad superior del lienzo.
¡La segunda herramienta que conoceremos mejor es el trapo! Mezcle pintura azul y marrón para obtener un tono verde.
Reunimos un trapo en un bulto con una "rosa" y con movimientos de "pinchazos" ganamos mucha vegetación. Y frotamos el agua de lado a lado de izquierda a derecha. En la parte inferior, dejamos una claraboya blanca sobre el reflejo.

Continúe, ponga otra capa en los árboles de fondo y riegue para hacerlos más sordos. Y con un trapo, mostrar en primer plano en el medio un árbol en una isla.

Limpio pintura verde no usamos. Por lo tanto, mezcle más amarillo y menos azul para obtener un verde claro (agregue blanco si es necesario). En el horizonte, delinee los arbustos y la hierba del fondo. Trabaje plano con una espátula. El movimiento va de arriba a abajo. Agrega un toque de verde al reflejo del agua. Use una espátula para frotar de arriba a abajo y difuminar los bordes con el dedo.
Marque los troncos de los árboles con la punta de una espátula en el bosque. Rayas líneas en el lienzo, indicios de rayas (troncos de árboles) en algún lugar donde son más pronunciadas y brillantes, en algún lugar más débil. Una acción tan simple ya creará un efecto denso.

Hagamos la orilla arenosa de la isla de los cisnes en medio del estanque. Para hacer esto, mezcle blanco, amarillo y una gota de pintura marrón (puede agregar rojizo). Las capas inferiores se mezclan con la pintura superpuesta durante el proceso de pintura, creando colores interesantes y complejos.
También es hora de agregar sordera y oscuridad al estanque. Mezcle pintura negra con azul y pintura marrón y también de arriba a abajo con una espátula, sombreando los bordes con el dedo.

Seleccione el árbol en el medio. Para un follaje claro, mezcle blanco, amarillo y una gota de azul. "Golpea" el cuchillo de paleta en el lienzo, revelando hojas exuberantes.

Continuar. Al mismo tiempo, agregue manifestaciones de color (amarillentas, rosadas) al reflejo del agua estancada. Ponga la pintura con una espátula y deslícela hacia arriba y hacia abajo. Recuerda suavizar el reflejo con tu dedo.

Agrega más amarillo a tu verde claro. Úselo para resaltar las áreas más claras de los arbustos en el fondo y el follaje más claro del árbol en el medio. Y también destellos de agua.

Raspe algunos troncos más de los abedules del fondo. Mezcla el negro con el marrón y con la punta de una espátula dibuja el tronco oscuro del árbol principal en el medio. Para dibujar un tronco ligeramente nudoso, relaje el cepillo, la línea a veces se interrumpe, dibujamos la línea del tronco rasgado. No forre las ramas. Están enterrados en el follaje.

Aparecen dos abedules en la isla, pero los escribimos con una espátula, ¡y no los rayamos! Tome pintura blanca en el borde de la espátula y desde la parte inferior, dirigiendo hacia arriba, dibuje el tronco de izquierda a derecha. La parte inferior del abedul es más oscura, agregue negro.
¡Presta un poco más de atención al reflejo! ¡Se aplicaron finos troncos blancos al agua y se sombrearon! Varias manchas de diferentes tonalidades de amarillo, pardusco.
Y mire más de cerca, hay una red debajo del agua, dibuje una delgada línea blanca desde la isla hacia un lado.

Etiquete simbólicamente las casas de cisnes blancos con techos de colores. No dibujes, solo delinea. Y también un par de boyas rojas en la parrilla (y reflejos de ellas). Con un trozo de trapo con pintura verde claro, puedes asomar a través de los árboles del fondo.

Mucha gente tiene una actitud hacia arte contemporáneo más bien contradictorio, por lo tanto, todo lo que se creó después del siglo XIX provoca cierto escepticismo: la mayoría todavía gravita hacia formas más clásicas que el "Cuadrado negro" de Malevich y las instalaciones complejas. Sin embargo, la pintura al óleo moderna no siempre es pintura derramada sobre lienzo; puede heredar las tradiciones de la pintura académica y, al mismo tiempo, conservar la atmósfera del siglo XXI.

Pintura al óleo moderna

Entre la gran cantidad artistas contemporáneos hay muchos autores realmente talentosos que pintan al óleo, cuyas pinturas deleitan incluso a los críticos más duros. Hemos seleccionado diez nombres dignos de mención cuyas obras no deben dejar indiferente al espectador.

Valentin Gubarev

Valentin Gubarev es un artista con una fuerte personalidad y una visión inusual del mundo.

Paradójicamente, elige los temas, tramas e imágenes de sus obras de una manera bastante banal, desde La vida cotidiana... No parecen las obras maestras de la pintura rusa, pero cautivan con su encantadora sencillez.

La fuerza de estos cuadros radica en el hecho de que todos los sujetos pintados al óleo sobre ellos después de verlos parecen viejos conocidos, chicos de nuestro jardín. Semejante pintura al óleo puede verse indefinidamente, penetrando en este extraño pero muy curioso mundo.

Los personajes de las pinturas de Gubarev son familiares para todos: somos nosotros o nuestros vecinos, pero, en general, esta es nuestra sociedad pasada y presente, vista a través del lente del humor saludable, algo de ironía, nostalgia por los momentos divertidos.

Jeremy Mann

En su actividad creativa Mann se esfuerza por retratar su ciudad, San Francisco, e infundir estas imágenes con drama, estado de ánimo y carácter.

Aporta una atmósfera y una dinámica únicas al entorno urbano. Muchas de las obras del artista están inspiradas en la lluvia y el pavimento mojado, reflejando las luces de la calle y los letreros de neón.

Mann pinta sus obras al óleo sobre paneles de madera utilizando diferentes técnicas: pinta superficies con manchas, borra la pintura con disolvente, aplica trazos de tinta arrolladores al lienzo y siempre dota a su pintura de tonalidades armoniosas y coloridas.

Gerhard Gluck

El dibujante Gerhard Gluck es quizás el satírico de clase media más brillante y hábil de Alemania. El estilo del artista ya se ha vuelto reconocible: los dibujos animados y otras obras de Gluck son conocidos en toda Alemania y no solo. Sus personajes son europeos fornidos, con rostros sin barbilla pronunciada. Todos ellos están plasmados en las historias de su vida diaria.

"Esta fue la primera vez que Brochards pidió algo a través de Internet".

"La rutina diaria de la Mona Lisa"

Antes de convertirse en artista, Gluck trabajó como profesor de dibujo en la escuela. Un día, uno de sus amigos le sugirió que enviara bocetos a un par de periódicos. Como resultado, Gluck recibió una respuesta positiva de uno de ellos, renunció a su trabajo en la escuela y continuó su actividad exclusivamente como dibujante.

"Andre alimentaría con gusto a los peces, pero temía las consecuencias".

Todas las caricaturas de Gluck, aunque revelan varios aspectos de la naturaleza humana, y a veces no los más positivos, pero para llamar a esto mal pintura divertida el aceite es imposible.

Laurent Parsellier

El evidente talento de Laurent Parsellier se manifestó durante sus estudios en la Escuela de Artes, luego de la publicación de varios de sus álbumes de arte titulados "Strange World".

Su popularidad se extendió aún más cuando ganó un concurso de pintura callejera. Los fanáticos lo amaban por su estilo único y su forma relajada de pintar al óleo.

Las obras de Laurent combinan una composición de color compleja y una gran cantidad de luz. Parsellier prefiere dibujar su pintura de manera realista, porque de esta manera, según él, todos pueden adivinar qué tipo de lugar se representa en la imagen.

Kevin Sloane

Kevin Sloan es un artista estadounidense cuya pintura al óleo se puede llamar realismo moderno. El propio Kevin lo explica como una realidad con una trampa.

Las pinturas del artista realmente te llevarán a otro, mundo magico... Al autor le encanta utilizar el simbolismo, las metáforas poéticas y las alegorías en sus pinturas, tratando de transmitir las maravillas del mundo natural y su abundancia.

El artista ha pintado al óleo desde la escuela secundaria y aún, 37 años después, sigue siendo su principal pasión.

Sobre todo, a Kevin le encanta dibujar animales. Como él dice, le dan más libertad para elegir quién y cómo dibujar que en el caso de las personas, y le brindan la oportunidad de enfocarse mejor en la historia que establece en la base del cuadro.

Richard Estes

Inicialmente, Estes estaba interesado en la pintura académica tradicional, pero luego comenzó a pintar en el género del fotorrealismo, porque siempre quiso aprender a mostrar la realidad de la manera más completa posible en el lienzo. Sin embargo, en las pinturas del artista, la realidad aparece idealizada, junto con formas perfectas, líneas claras y una composición verificada.

El tema favorito de Estes eran los paisajes urbanos, al verlos, empiezas a dudar si realmente es un cuadro frente a ti y no una fotografía.

Las pinturas modernas de este género se han vuelto muy populares entre los conocedores de la pintura del siglo XXI.

Pintura al óleo: paisajes y naturalezas muertas

En la pintura moderna, además de los retratos, son especialmente populares géneros como el paisaje y la naturaleza muerta. Lo invitamos a que preste atención a los siguientes nombres de artistas contemporáneos que realizan pinturas al óleo en estos géneros.

Dmitry Annenkov

Dmitry Annenkov, al parecer, es capaz de dibujar cualquier objeto de tal manera que el propio espectador lo mire con otros ojos. Ni un solo detalle se oculta a la mirada aguda de este artista ruso.

A menudo dibuja los objetos más simples y banales, cotidianos y antiguos, dotando a cada uno de ellos con su propio carácter único, como si un alma apareciera en ellos. Al mismo tiempo, se ven tan vívidos y realistas que querrás extender la mano y sacarlos de la imagen. Dmitry es un verdadero maestro de un género de pintura como el bodegón.

Ahora Dmitry está colaborando con varias galerías de todo el mundo, incluso de países como Estados Unidos, Noruega y Francia.

Justina Kopanya

Un artista polaco que pinta en óleos deslumbrantes por su volumen y profundidad, y todo gracias a una técnica original especial.

A pesar de la amplitud y expresividad de las obras, paisajes marinos no pierdas la transparencia del agua y la ligereza de las velas, e incluso al revés, atraen con su textura voluminosa, que quieres sentir al tacto.

Justina dice que la tarea principal de sus pinturas es transmitir atmósfera, no realismo, y pide percibir su pintura al óleo como fragmentos de recuerdos.

A pesar de que entre sus obras predominan de forma significativa una variedad de paisajes, considera que las personas son su principal inspiración.

Xing-Yao Tsen

Este joven artista, originario de Taiwán, comenzó a pintar cuando tenía diez años. Ahora tiene veintinueve años y tiene su propio estilo, la pintura de Xing-Yao Tsen es reconocible y en grandes revistas, dedicado al arte y sólidas galerías de arte.

El artista pinta con mayor frecuencia los paisajes urbanos de San Francisco, donde se graduó de la Academia de Artes con una licenciatura.

Realiza sus obras con aceite de una manera única "flotante"; algunos creen que debido a esta técnica, su obras petroleras se puede confundir con las acuarelas. El mejor momento para crear paisajes, Xing-Yao Tsen cuenta las horas del atardecer y del amanecer.

Pedro Campos

Otro aficionado al fotorrealismo es Pedro Campos, pintor español de Madrid. Esta pintura al óleo es fácil de confundir con la fotografía, ¡pero quién lo hubiera pensado! De una forma u otra, los lienzos de Pedro deleitan al público con un deleite indescriptible.

La pintura al óleo es una de las técnicas de pintura más interesantes, multifacéticas y duraderas.

Pinturas

casa rasgo distintivo este tipo de pintura es pintura. Se producen mezclando aceite vegetal (linaza o semilla de amapola) con pigmentos de colores. El período de secado de las pinturas es muy largo (de 3 a 30 días). Esta propiedad de este material artístico tiene sus ventajas y desventajas.

Solvente

Diluyente para pinturas al óleo trementina o aguarrás. Dado que estas sustancias tienen un olor muy penetrante, los disolventes purificados e inodoros ahora están disponibles en las tiendas de arte. A menudo, se utiliza una camiseta (una mezcla de aceite de linaza, trementina y barniz) para diluir las pinturas al óleo.

Lienzo

Las pinturas al óleo son muy resistentes y duraderas. Muy a menudo, el óleo se pinta sobre lienzos estirados sobre camillas de madera. La tela de lino o algodón cubierta con varias capas de imprimación especial se utiliza como lienzo. Aprenderá sobre las características y reglas para la selección de lienzos en camillas de la publicación. También pintan con aceite sobre una base especialmente preparada de madera, tableros de fibra, madera contrachapada, seda, piedra, papel e incluso yeso.

Caballete

También necesitará un caballete; esta es una herramienta muy útil para trabajar en lienzos. Ellos son los mas diferentes tipos, desde las grandes, voluminosas y estables hasta las pequeñas, plegables y ligeras con las que es fácil viajar. Para el principiante aficionado, un trípode plegable es suficiente.

Paleta

Las pinturas se mezclan en una paleta, que puede ser una tabla de madera barnizada, una superficie de vidrio, un lienzo pequeño o una superficie de plástico lisa. En la paleta, puede mezclar diferentes pinturas y obtener los colores y matices que necesita. Aprenderá cómo hacer esto en la publicación. Para que la paleta le sirva durante mucho tiempo, manténgala limpia, una breve instrucción le dirá cómo hacerlo.

Instrumentos

Para pintar un cuadro con pinturas al óleo, utilizan diversas herramientas artísticas: pinceles, espátula, trapos, dedos u otros dispositivos experimentales (cuchillas, celofán, rodillo, etc.).

Las pinturas al óleo se pintan en una sesión, alla prima, o en varios enfoques.

Barniz

Para proteger la capa de pintura, tales trabajos se cubren con un barniz especial. Dado que el aceite tarda mucho en secarse, es mejor hacerlo 2-3 meses después de pintar, dependiendo del grosor de la capa de pintura.

En primer lugar, se distingue por los colores que utilizan los artistas contemporáneos. Apenas utilizan cristales, que han sido muy utilizados por todos los artistas desde el Renacimiento. Pero, sin embargo, la naturaleza en las obras de los paisajistas modernos sigue siendo hermosa. Paisaje moderno se diferencia de sus predecesores en una expresión más vívida de sentimientos, estados de ánimo y pensamientos. Muy a menudo, los artistas contemporáneos, como sus predecesores, utilizan este material para hacer que el resultado deleite al espectador por más tiempo.

Artista Yuri Obukhovsky

El paisaje romántico "Costa Bravo" ("Marina") se llena del artista. De hecho, esta es la costa "salvaje" de España con una longitud de poco menos de doscientos kilómetros.

La pintura representa una cala estrecha con una orilla rocosa. El azul del mar Mediterráneo en calma compite con el azul del cielo, como si se hubiera desvanecido por el sol brillante. Nubes blancas como la nieve, enfatizando su azul, resuenan con veleros triangulares blancos que se han adentrado en el mar, rompiendo las olas contra las rocas con espuma blanca. El azul del mar no es uniforme. Cerca del espectador, se ilumina levemente, en la distancia se vuelve azul profundo, como si estuviera lleno del poder de un elemento de agua impredecible. La imagen está tan llena de romanticismo que no deja indiferente al espectador. Las rocas que enmarcan la bahía son visibles a lo lejos en tonos lilas claros, y cerca brillan con oro. Fueron dorados en diferentes tonalidades por el sol brillante, que no es visible para el espectador, pero sus rayos calientes se sienten en todo. En nuestro clima gris, es agradable ver ricos tonos azules y dorados, y es una alegría tener en casa una imagen tal que en cualquier época del año hablará de un verano resplandeciente con todos los colores. Esta imagen es buena no solo en casa, sino también en la oficina, cuando puede apartar la mirada de la computadora y transferirla al mar vivo y pacificador.

El artista no se limita a un género marino. Le interesa todo: los paisajes de Moscú, Karelia y Crimea. Maravillosos rincones de Moscú aparecen frente al espectador en los paisajes "Primavera en el Patriarca" y "Patio en el Bulevar Tverskoy", que nos revelan lo familiar de nuevo. Estos óleos suscitan una admiración constante. Los artistas contemporáneos ven y reflejan en sus pinturas un mundo diverso y encantador.

Artista Kandybin

El pintor entregó su amor al paisaje de Rusia. Sus lienzos representan riachuelos estrechos, transparentes y limpios con orillas cubiertas de hierba verde. Los puentes y los barcos muestran que en algún lugar cercano la gente vive con tanta belleza. Árboles poderosos, que descienden de las laderas, se acercan a las orillas, reflejándose en la tranquila superficie lisa del agua. En uno de los lienzos hay una iglesia de cinco cúpulas con un campanario blanco, y los nenúfares blancos florecen a lo largo de la costa.

Las pinturas al óleo de artistas contemporáneos (paisajes) son realistas. Todos los lienzos de Kandybin están llenos de paz. Y solo las puntadas de la pista nos dicen que la gente vive y trabaja aquí que respeta el mundo que los rodea. En el paisaje con principios de otoño, cuando la hierba a lo largo del río todavía está verde, así como todo el bosque todavía está verde, se destaca un arce de color naranja dorado brillante, que intuyó los próximos días de otoño. Varios arbustos de color rojo burdeos a lo largo del río también son signos de otoño. La mirada del artista se detiene amorosamente en el paisaje invernal. Las nítidas siluetas de los árboles viejos y con muchas ramas son especialmente buenas sobre un fondo de nieve. Y los abedules blancos se platean junto a los pinos verdes y los árboles de Navidad.

Paisajes de Alexey Savchenko

Un pintor paisajista experimentado, que cumplió cuarenta años en 2015, no se cansa de admirar el cambio de estación. Es miembro de la Unión Creativa de Artistas Rusos. Pueblos abandonados y medio olvidados cobran vida en sus lienzos. Casi el mismo paisaje, pintado tanto en verano como en otoño, lleva un estado de ánimo diferente, pero alegremente pensativo debido a su color. El camino rural está seco en verano y sus surcos se vuelven de un color púrpura oscuro en otoño, flojos por las frecuentes lluvias.

Artista de honor de la Federación de Rusia Alexander Afonin

Nació en Kursk y empezó a pintar a los 12 años. Estudió en la escuela de arte de Zheleznogorsk, que considera una de las mejores de Rusia. El artista sale a pintar todos los paisajes en el lugar, sin copiar fotografías. Y el resultado, ante nosotros es vivir la naturaleza rusa en todo su discreto encanto y poesía. (pinturas de artistas contemporáneos en particular) está lleno de alta estética. Y las obras de Afonin son muy románticas.

En una de las pinturas, una pequeña isla verde con una pequeña iglesia en el centro se abre frente al espectador. Y alrededor, en la bruma, el lago y el enorme cielo infinito se fusionan. El pintor encontró un rincón apartado y hermoso y se lo mostró a quienes, por alguna razón, no pueden salir de la casa. La mirada del artista nos revela un enorme mundo desconocido.

Victor Bykov descubre la belleza del bosque

El pintor se dejó llevar por los matorrales y los bordes del bosque, en los que un habitante de la ciudad no es tan a menudo como le gustaría. Los rayos del sol, refractando y jugando con los colores, penetran en sus lienzos. Cambian la habitual iluminación lúgubre del bosque. Se vuelve simplemente mágico.

Y el bosque invernal, doblado bajo el peso de las nevadas recién pasadas, parece inaccesible, pero llama a abrirte paso entre ventisqueros profundos y sacudir la nieve de las ramas caídas, bañándolos a todos tus compañeros. La mañana de la imagen es soleada y la pinta en tonos lilas rosáceos.

Sergey Peredereev

Es miembro de la Unión de Artistas de la Federación de Rusia. Sus obras están llenas de admiración constante por nuestro mundo material. No se relaciona con la naturaleza como Bazarov, quien dijo que la naturaleza no es un templo, sino un taller. No, este es un templo que hay que apreciar y amar, porque los recursos de la naturaleza no son infinitos. Necesitar pinturas al óleo. Los artistas contemporáneos admiran no solo los campos, los bosques, los bosquetes. Una pequeña aldea puede ser muy interesante, tal vez una antigua ciudad, erigida en una colina que se eleva. La imagen muestra sus afueras, y luego comienza un bosque. (pinturas) de artistas contemporáneos aleja al espectador del mundo urbano, de los enormes edificios de apartamentos, del torrente de automóviles, a rincones tranquilos donde todo está lleno de armonía.

Mucha gente pinta al óleo. Los artistas contemporáneos a menudo los llenan de paz y tranquilidad. La gente de las aldeas pequeñas vive lentamente, tratando solo de plantar, regar, desmalezar, cosechar y prepararse para el invierno a tiempo. Y al salir al porche por la mañana, respiran profundamente el aire fresco lleno de aromas de hierbas y flores.

Mirando a los paisajistas contemporáneos, ves que en lo que es importante la reproducción precisa de la naturaleza, que tiene sus orígenes en el siglo XIX, continúan las obras de los artistas contemporáneos. Si antes los artistas se proponían no solo tareas de género, sino que era importante para muchos mostrar la opresión del pueblo, ahora la indudable destreza se vierte en pinturas al óleo sobre lienzo de artistas contemporáneos, cobran vida en lienzos y no se van. el espectador indiferente.

En la pintura de diferentes géneros (naturaleza muerta, paisaje, retrato) la composición consta de diferentes planes. Incluso si se trata de un simple retrato, de todos modos, la imagen constará de al menos dos planos: el fondo y la figura humana. Pero si hablamos de planos espaciales en un paisaje, entonces debo decir que mucho depende de ellos, porque un paisaje es, ante todo, espacio. Incluso si se trata de un matorral forestal, también se verán diferentes planos en él: troncos de árboles al frente, detrás, en la distancia, etc. Por lo tanto, en esta lección de pintura, discutiremos cómo transmitir planos espaciales en un paisaje. Pintaré abedules junto al lago. La técnica de ejecución es la pintura al óleo. Usando este trabajo como ejemplo, puede seguir las técnicas que usan los artistas para transmitir el espacio. Vamos a empezar.

1. Desglose en planes.

Dividimos la vista representada en planos condicionales: primero, segundo, tercero ... por ejemplo, los árboles al frente: este es el primer plano. Claro más lejos - el segundo. La franja de bosque cerca del horizonte es la tercera, etc. El número de planos espaciales puede ser arbitrario. Sin embargo, no deberías hacer demasiados.

2. Perspectiva lineal.

De acuerdo con las leyes de la perspectiva lineal, todos los objetos disminuyen de tamaño con la distancia. Esto significa que los troncos de los abedules en primer plano serán más grandes que los troncos de los mismos abedules, pero en el fondo. En el tercer plano, todo el conjunto de árboles se fusiona en una franja de bosque: los árboles individuales se generalizan en una sola masa de bosque.

Las hojas individuales de los árboles en primer plano son más notables que el follaje en el fondo. En los árboles del frente, incluso puede escribir hojas individuales. Pero no debe dejarse llevar por tales detalles, ya que visualmente todas las hojas se combinan en grupos, incluso en primer plano. Pero en la distancia, tal generalización se manifestará con más fuerza y ​​cuanto más lejos más. Por lo tanto, generalizo audazmente la vegetación de los abedules del segundo plano y pinto a través de manchas.

3. Perspectiva aérea.

A medida que se aleja del espectador, los objetos del paisaje no solo disminuyen de tamaño, sino que también se vuelven menos claros y contrastantes. A esto se le llama perspectiva aérea. Hay una masa de aire entre el espectador y el objeto distante. Ella cambia apariencia objeto. Las siluetas parecen volverse más embarradas. A una distancia de 30 metros, esto no se nota mucho. Pero a una distancia de 3-5 kilómetros, este efecto sumerge los objetos en el aire tanto que pueden desaparecer como en la niebla. La perspectiva aérea hace que las siluetas oscuras sean un poco más claras y las siluetas claras un poco más oscuras. Es mejor recordar este patrón, ya que tienes que lidiar con esto constantemente cuando trabajas en paisajes. Y, por supuesto, en diferentes climas, este fenómeno se manifiesta de diferentes maneras. En un día claro y soleado y en un tiempo nublado y húmedo, la vista será diferente. Pero la perspectiva aérea se notará en ambos casos, solo que con diferentes puntos fuertes.

Además de las leyes físicas de la naturaleza, el efecto anterior también es necesario por razones artísticas. Para acercar los objetos, se hacen más contrastantes, saturados en color, más claros. Para "atravesar" las siluetas hacia atrás, para hacerlas menos visibles, los artistas eliminan la claridad de los contornos, el contraste de las siluetas, la saturación del color se reduce. Por ejemplo, la vegetación de la hierba será menos "jugosa" a medida que avanza hacia el horizonte. Las siluetas de los árboles son menos contrastantes y sus contornos son más borrosos e indistintos.

4. Técnicas de pintura al óleo en la transferencia de perspectiva lineal y aérea.

Esto es muy tema interesante... Para crear la ilusión de la realidad, incluida la ilusión del espacio, los artistas utilizan una variedad de métodos. Aquí no hay clichés, porque cada autor puede idear intuitivamente su propia técnica de interpretación. Por lo tanto, es mejor evitar los clichés aquí. Pero algunas soluciones técnicas se han generalizado tanto que han adquirido el estatus de tradicionales.

• Por ejemplo, para acercar el tronco de un abedul en primer plano, pinto con grandes pinceladas pastosas de pintura. Tal "aspereza" de ejecución hace que la superficie de la corteza sea más material, "tangible". Se crea la sensación de que vemos el objeto en detalle, como si estuviera cerca, justo frente a nosotros. Esto es una ilusión Y es con la ayuda de la ilusión que se crea el efecto de realidad en la pintura. Para esta forma de escribir, puede utilizar una espátula. Con su ayuda, la capa de pintura se graba en relieve, y esto además le da la materialidad de la superficie representada. El relieve de la pintura también se puede obtener con un pincel, lo principal es que la pintura esté pastosa y en una cantidad suficientemente grande.

• Para que los objetos del segundo plano "se adentren en la distancia" los generalizamos. En consecuencia, el estilo de escritura será más suave, tal vez incluso más borroso. Es decir, en la distancia, podremos evitar detalles y la capa de pintura será más lisa y menos gofrada. Esto se puede lograr frotando la masa de pintura con un pincel y utilizando trazos de pincel menos precisos.

• La tercera técnica se refiere a la transparencia y opacidad de la capa de pintura. El hecho es que cuando se agrega blanco al color, se vuelve, por así decirlo, "blanqueado", es decir, el color pierde su saturación y se vuelve "ahumado". Y dado que la perspectiva aérea es la inmersión de la silueta en la bruma del aire, se fomenta el uso del blanco en mezclas de colores. En otras palabras, en primer plano es mejor combinar capas de pintura translúcidas con pastosas, y en el plano más alejado es mejor usar capas más opacas con la adición de blanco.

• La cuarta técnica se refiere a la elaboración de detalles y la generalización. Escribí sobre esto arriba. Pero, ¿cómo se escriben técnicamente los detalles del primer plano y se generalizan los objetos de los planos distantes? Primero, usando diferentes tamaños de pincel. Un pincel grande es conveniente para escribir de forma amplia y generalizada. Y es más conveniente pintar pequeños detalles con pinceles pequeños. En segundo lugar, puede combinar el trabajo con el borde de un pincel plano y su plano. En el primer caso, los trazos se vuelven "nítidos" y claros, y pueden usarse para escribir los detalles de los primeros planos. En el segundo caso, el plano ancho del pincel permite colocar la pintura "amplia y con valentía", así como generalizar frotando la pintura. Es decir, el pincel puede, por así decirlo, "deslizarse" sobre la capa de pintura, frotando y generalizando contornos innecesarios. En tercer lugar, puede utilizar la punta de una espátula o su borde para escribir pequeños detalles de forma nítida y clara. El plano de la hoja de la espátula, por otro lado, extiende la pintura ampliamente. También se puede generalizar, lubricar y frotar. Por lo tanto, al girar virtuosamente la espátula, los artistas logran efectos muy interesantes. Por ejemplo, alternando líneas claras y nítidas con manchas anchas y borrosas.

5. Aplicación de la teoría a la práctica. Avance por fases del trabajo en el lienzo "Abedules en la orilla del lago".

En este ejemplo, puede ver claramente cómo implementar la teoría anterior en la práctica. Este trabajo no debe tomarse como modelo. Cada artista tiene su propio estilo, sus propias soluciones creativas. Finalmente, hay excepciones a todas las reglas. Por tanto, aquellos patrones que se describen en este artículo deben ser tomados en cuenta con sabiduría en su trabajo, apoyándose en la intuición, una idea creativa, la comprensión de la esencia.

1) Entonces, como de costumbre, hago un dibujo aproximado y ligero del paisaje futuro con un pincel.

2) Puse pintura base con pinturas translúcidas.

3) Introduzco blanqueado y pintura pastosa en el fondo. Como se mencionó anteriormente, el plan distante debe estar sumergido en una neblina de masa de aire. El blanco en la mezcla de pintura ayuda con esto. La tonalidad de la franja de bosque a lo lejos será más clara que la de los árboles de los alrededores.

4) Empiezo a trabajar con una espátula.

5) El primer plan está elaborado texturizado. La capa de pintura está estampada. Esto enfatiza los desniveles del suelo y la hierba, por lo que la superficie se vuelve material.

6) Los troncos de los árboles varían en tono. Algunos serán más brillantes, saliendo hacia la luz del sol. Algunos serán más oscuros, yendo a las sombras. Así es como creamos una especie de túnel de árboles. Se forma un espacio dentro del bosque.

7) Escribimos pequeños detalles. Cuanto más cerca estén los objetos, más detallados serán. También se verán más nítidos y contrastados.

8) Llevamos la pintura a su estado final.